Antes de nada, explicar una pequeña cosa que afecta a la dinámica tradicional del blog. A partir de este momento, los artículos de conciertos serán publicados en días distintos al día en el que publique el artículo de revisión del disco protagonista de la semana, que como bien saben, y salvo contingencia de algún tipo, tradicionalmente es el sábado. Los artículos de crónicas de eventos son especiales, y como tales serán posteados en días distintos, para también en parte no saturarles en demasía, puesto que sé de la longitud de los artículos que publico; he llegado a la conclusión de que si a un post de revisión de disco normal le sumamos uno de un concierto, pueden terminar con la vista cansada frente a sus pantallas de ordenador. Aclarado esto, a lo que vamos.Con el presente artículo, Dr. Sapo completa la “triple corona” de “Discos, música y reflexiones”: artículo de revisión de disco, programa de radio (incluyendo entrevista) y ahora crónica de concierto. Fue hace unos meses cuando les hablamos por 1ª vez del proyecto liderado por Miguel de Lucas. Este año 2010, como ya sabrán muchos de ustedes, ha visto la edición de su 3er. trabajo discográfico, “No Hay Fronteras”, y la extensa gira de presentación del mismo llegaba este pasado jueves 11 a la sala Galileo Galilei de Madrid.
Fuimos acreditados como medio para cubrir el evento y aquí les dejo la crónica de lo que nos ofrecieron Miguel y sus compañeros de Dr. Sapo. La hora fijada para el concierto eran las 21.30h, con actuación previa de teloneros, de los cuáles llegué a saber su nombre en el mismo concierto. La banda en cuestión era Ecco, y he de advertirles que resultaron de lo más interesantes y animados. Ahora les explicaré.
La puntualidad se cumplió casi escrupulosamente, siguiendo el esquema de actividad que previamente me confirmó el propio Miguel de Lucas vía e-mail. Es decir, a las 21.30h en punto salían a escena los teloneros, el grupo Ecco. Quizás algunos dirán que veo todo con buenos, ojos, pero Ecco, así se llamaba la formación que nos ofreció el aperitivo o primer plato de la noche, fue un grupo que convencieron a la sala Galileo Galilei. Gran parte de la culpa la tuvo la energía a raudales que provenía de parte de su vocalista. Durante la media hora que estuvieron en escena, César Sánchez, así se llama el vocalista de Ecco, se comió completo las tablas de la sala Galileo, moviéndose sin parar, pero con cuidado de no pegarse un leñazo por culpa del cableado que minaba el escenario. Su lenguaje corporal incluyó poses dinámicas, movimientos rápidos y desafiantes y sobre todo destaca en su figura una voz potente y profunda, que en algunos momentos me evocaba al Bunbury que lideraba a los Héroes Del Silencio más gloriosos. En lo musical, Eco muestra una razonable intensidad musical, cercana quizás a los Sôber no tan metaleros, aunque también hubo lugar para piezas más amables en su sonido como una denominada “El escultor de agua” (o al menos así la recuerdo), que me agradó especialmente. César el vocalista, lejos del divismo, entre canción y canción se dirigió a la audiencia para introducir cada una de las canciones; esa cercanía siempre se agradece. Por sacar una pega, extramusical en este caso, quizás el hecho de que me pareciera entender en uno de los mensajes que César soltaba al público que sean simpatizantes del Real Madrid; a un atlético como yo (como ya saben ustedes) y más en la semana en la que se confirmó que seguimos con la racha de sequía ante nuestros vecinos, no me hizo mucha gracia; lo intuyo por el hecho de que al presentar a sus 4 compañeros en escena, al referirse al teclista Andrés dijo: “Más blanco que yo, y ya es decir, tiene todas las teclas blancas…”. Bueno, no se puede ser perfecto. Dejando estas pequeñas bromas de lado, decir que Ecco me divirtieron y me agradaron durante prácticamente toda su actuación. De todas sus canciones, menos quizás una, todas me mantuvieron muy atento a su ejecución en escena y su sonido y envoltura sonó muy agradable a mis oídos. Les garantizo que cuando el telonero no me agrade, lo diré abiertamente; no se piensen que uno regala los elogios por que sí. Arriba del presente párrafo, una imagen de Ecco en mitad de su actuación.
Sobre las 22.20h, tras la notable actuación de Ecco, llegaba el turno de Miguel de Lucas, Kike Corman, Fernando Vasco y David a la batería, sustituyendo a Loren; Dr. Sapo con su formación actual, vamos. Tras afanarse el grupo mismo en colocar sus instrumentos, la máquina sonora comandada por Kike, Fernando y David comenzó a funcionar y Miguel haría acto de aparición montado en esa minibici tan graciosa, que a su vez es protagonista de la portada del último disco de la formación de nombre “No Hay Fronteras”, que ya revisamos en el blog y que tuvo su programa de radio en el que entrevistamos al propio Miguel. ¿Se han fijado en el floripondio que escudaba el mastil del micro de Miguel de Lucas en la foto que figura arriba de este párrafo?
El comienzo fue semejante al del disco. Tras la intro sonora, hasta que Miguel empuñó su guitarra y se dispuso ante el micro, comenzaron los compases de la canción que da título al 3er. disco “No hay fronteras”. Miguel es un tío muy salao, se lo digo yo que le conozco en persona, y ese carisma con mezcla de cierta macarrería simpática estuvo patente en cada una de las interacciones que tuvo con el público entre canción y canción. Pudo permitirse incluso llamar la atención, cual profesor de instituto o primaria, al público del fondo de la sala que estaban rajando cuando él nos estaba contando alguna historia. La actitud de Miguel provocó que el concierto se caracterizara por una magnífica comunión entre audiencia y grupo, ayudando a darle un toque cálido y cercano al show, cosa que ya de por sí es fácil de conseguir en un recinto como la sala Galileo Galilei. A continuación, Kike Corman al bajo.
Durante la hora y media que Dr. Sapo estuvo tocando, dispusieron un repertorio sin fisuras, en el que incluyeron todos y cada uno de los temas de sus 3 discos que más agradan a sus seguidores. No faltaron “Al tran tran” o “Territorio apache”, cuya interpretación de la última citada se la marcó en solitario Miguel de Lucas, mientras que Fernando Vasco se marcaba una coreografía flamenca o un baile de sevillanas al margen derecho de Miguel; debajo de estas líneas pueden ver una imagen que representa ese momento. Fernando Vasco, por cierto, se ha dejado crecer el pelo de forma considerable respecto a las fotos promocionales de hace unos meses y nos llamó la atención el fuerte parecido físico que mostraba con el mítico Frank Zappa, al menos en la portada de su disco “Does Humor Belong In Music?”. Al menos así me lo indicó mi amigo acompañante de la noche y parte de razón tenía. Fernando hizo las veces de “segundo de a bordo” de la velada, también marcándose alguna intervención graciosa al micro mientras que Miguel nos contaba algo a los asistentes entre canción y canción, como cuando puntualizó que “como nos gusta hablar de follar” en lugar de follar a secas como afirmaba el propio Miguel. Kike Corman por su lado estuvo en un plano más reservado, centrado en su bajo y David a la batería tampoco se afanó en quitar protagonista a Miguel y Fernando que se erigieron en los principales animadores de la noche.
También cayeron piezas como “Perdí las alas”, que fue muy celebrada por la sala. En el apartado de los ya clásicos del repertorio del grupo, agradó especialmente “Luna de menta”, que se dispuso en la parte inicial del show y que precisamente es protagonista de un anuncio o cuña de RUAH del programa “Que Te Den Por El Fútbol”. Esta canción fue uno de los momentos mejor recibidos en la sala y en la que la gente se mostró más animada. Se sumó el hecho de ser un tema muy rítmico y bueno y por otro lado el situarse en la parte inicial del show, cuando la audiencia está más calentita y nerviosa.
Dr. Sapo alterna emotividad con marcha y buen rollo. En el primer sector de canciones hubo sitio para “Mundo mágico” o “Bajo el sol”. Faltó por ejemplo “Uno y dos son tres”, que en su día Miguel se marcó en acústico en nuestros estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares. A lo largo de la gira de Dr. Sapo, y como explicó el propio Miguel de Lucas entre canción y canción en algún momento, hay sitio para shows acústicos en el que él solito se enfrenta al público. Quizás ahí es donde hay cabida para este tema y por ello el concierto de la sala Galileo Galilei, quizás uno de los puntos clave de la gira, se concibió como un concierto dinámico, ágil y acelerado. Abajo vemos a David en su batería.
Uno de los momentos más importantes de la noche vino cuando llegando al final del concierto, (bueno, finalmente resultó ser el final verdadero y definitivo, ahora les explicaré) Dani de Despistaos hizo acto de aparición, de forma arrolladora, por cierto, para cantar a dúo con Miguel el tema en el que ya colaboró hace tiempo “Por ser el primero”. Dani barrió el escenario durante los minutos que estuvo sobre el mismo y mostró una intensidad y entrega apabullante. Brutal. Estupendo final de concierto, de no ser porque en principio ahí no terminaba el show, sino la parte central o troncal del mismo. Quedaban los bises (3 en concreto), que se quedaron inéditos por asuntos burocráticos o contractuales del mundo nocturno y de las salas de concierto. Vaya tela…
Poco antes de que se interpretara “Por ser el primero” y aprovechando el impass para presentar a los componentes de Dr. Sapo, el grupo regaló al público varias camisetas promocionales de la banda y el disco, de distintos colores. Yo cogí una, con tan mala suerte que era una talla “M”, que regalaré a alguien que le valga. Hablando de camisetas, y siguiendo con ese punto humorístico que tiene Miguel, hay que comentar la camiseta negra con la que Miguel salió a escena, en la que rezaba el lema “Rana tu padre”. Con un par, ¡claro que sí! Respondiendo a la pregunta que Zappa lanzaba en su día y que antes he mencionado con eso del parecido razonable entre el guitarrista de Dr. Sapo Fernando Vasco y el propio Zappa, sí, el humor tiene cabida en la música (y si no que se lo pregunten a Nacho Cano y aquel disco que lanzó en su día de título “Amor Humor”; otro con un par).
El repertorio superó finalmente de sobra la quincena de canciones y también desfilaron por el set list personajes ya clásicos del repertorio de Dr. Sapo como Rogelio el caracol, Pepito o Tarzán y sus problemas en la ciudad. La controvertida “Zurraspas”, llegó de la mano de una introducción vocal demasiado gráfica por parte de Miguel, que de no ser porque llevaba el estómago vacío, me hubiera revuelto las tripas. “Decir te quiero” también apareció finalmente por la parte final del concierto, para conceder otro gran momento de la noche.
Solamente eché de menos a “Un erizo como yo”, aunque ésta estaba programada en el bis previsto y “El árbol del amor”. No obstante, lo que se pudo escuchar a lo largo de la hora y veinte minutos que duró el concierto, fue altamente satisfactorio, y Dr. Sapo no escatimó a la hora de poner todas sus cartas sobre la mesa. Explicaré lo del bis. Al estar en primerísima fila, pude ver el set list y comprobar que había 3 temas de propina (“Si mi sol”, “Sam” y “Un erizo como yo”). Sin embargo, cuando se terminó el dueto con Dani de Despitaos, vi que algo no iba bien. Parece ser que desconectaron el micro y la corriente del escenario y se encendieron las luces de la sala, invitando al personal a abandonar el recinto. Miguel no lo tomó bien, terminando en calzoncillos en el escenario en señal de protesta ante la negativa por parte del gerente de la sala a dejarle al menos interpretar un tema más, cosa que a su vez el público pedía insistentemente. No hubo forma y ahí se acabó el show, o bueno, realmente tras interpretar “Camisetas”. Si no se creen lo de la intensidad con la que salió a escena Dani de Despistaos, les dejo como prueba la siguiente fotografía.
Tras la actuación, hablé escuetamente con Miguel, al cuál saludé y agradecí la acreditación para nuestro blog y programa de radio para el concierto. Pude preguntarle rápidamente por la gira y por el incidente de los bises. Por lo visto el motivo del jaleo final es que contratas un tiempo de actuación, hasta una hora determinada y de ahí no te puedes pasar. Evidentemente Miguel me dijo que se fue algo mosqueado por ni siquiera dejarle tocar uno de los 3 temas de los bises que habían pensado incluir. Sobre la gira, me confirmó que su concierto favorito fue uno en Oviedo, curiosamente ante solamente 12 personas. En ese apartado me explicó que muchas veces más que de la cantidad de gente que acude, depende de la actitud de los mismos. Razón no le falta: más vale una sala a medio llenar y que esté animada y metida en el concierto, que un recinto a tope lleno de zombies inertes que ni sienten ni padecen ante tu música. No pude hablar más, ya que Miguel salió al centro de la sala y las numerosas seguidoras y amigos personales de Miguel de Lucas le solicitaban una y otra vez, ante lo que me pidió comprensión. Viendo lógico la situación y teniendo en cuenta que había que regresar a casa para madrugar el viernes, consideré lo más adecuado dejar a Miguel con sus fans, liberándole de tener que prestarme atención.
Gran concierto de Dr. Sapo, únicamente empañado por el asunto del “no bis” que acabo de comentarles. Merece la pena asistir a un concierto de esta banda de Guadalajara por varios motivos, pero principalmente porque vas a pasar un buen rato en compañía de sus animadas y simpáticas canciones y el buen rollito que desprenden. Deseamos mucho éxito a Dr. Sapo en lo que les queda de gira de presentación y en proyectos futuros. Como siempre, espero que les haya gustado el post de este evento; éstos, son unos artículos que en toda ocasión considero muy especiales.
Fuimos acreditados como medio para cubrir el evento y aquí les dejo la crónica de lo que nos ofrecieron Miguel y sus compañeros de Dr. Sapo. La hora fijada para el concierto eran las 21.30h, con actuación previa de teloneros, de los cuáles llegué a saber su nombre en el mismo concierto. La banda en cuestión era Ecco, y he de advertirles que resultaron de lo más interesantes y animados. Ahora les explicaré.
La puntualidad se cumplió casi escrupulosamente, siguiendo el esquema de actividad que previamente me confirmó el propio Miguel de Lucas vía e-mail. Es decir, a las 21.30h en punto salían a escena los teloneros, el grupo Ecco. Quizás algunos dirán que veo todo con buenos, ojos, pero Ecco, así se llamaba la formación que nos ofreció el aperitivo o primer plato de la noche, fue un grupo que convencieron a la sala Galileo Galilei. Gran parte de la culpa la tuvo la energía a raudales que provenía de parte de su vocalista. Durante la media hora que estuvieron en escena, César Sánchez, así se llama el vocalista de Ecco, se comió completo las tablas de la sala Galileo, moviéndose sin parar, pero con cuidado de no pegarse un leñazo por culpa del cableado que minaba el escenario. Su lenguaje corporal incluyó poses dinámicas, movimientos rápidos y desafiantes y sobre todo destaca en su figura una voz potente y profunda, que en algunos momentos me evocaba al Bunbury que lideraba a los Héroes Del Silencio más gloriosos. En lo musical, Eco muestra una razonable intensidad musical, cercana quizás a los Sôber no tan metaleros, aunque también hubo lugar para piezas más amables en su sonido como una denominada “El escultor de agua” (o al menos así la recuerdo), que me agradó especialmente. César el vocalista, lejos del divismo, entre canción y canción se dirigió a la audiencia para introducir cada una de las canciones; esa cercanía siempre se agradece. Por sacar una pega, extramusical en este caso, quizás el hecho de que me pareciera entender en uno de los mensajes que César soltaba al público que sean simpatizantes del Real Madrid; a un atlético como yo (como ya saben ustedes) y más en la semana en la que se confirmó que seguimos con la racha de sequía ante nuestros vecinos, no me hizo mucha gracia; lo intuyo por el hecho de que al presentar a sus 4 compañeros en escena, al referirse al teclista Andrés dijo: “Más blanco que yo, y ya es decir, tiene todas las teclas blancas…”. Bueno, no se puede ser perfecto. Dejando estas pequeñas bromas de lado, decir que Ecco me divirtieron y me agradaron durante prácticamente toda su actuación. De todas sus canciones, menos quizás una, todas me mantuvieron muy atento a su ejecución en escena y su sonido y envoltura sonó muy agradable a mis oídos. Les garantizo que cuando el telonero no me agrade, lo diré abiertamente; no se piensen que uno regala los elogios por que sí. Arriba del presente párrafo, una imagen de Ecco en mitad de su actuación.Sobre las 22.20h, tras la notable actuación de Ecco, llegaba el turno de Miguel de Lucas, Kike Corman, Fernando Vasco y David a la batería, sustituyendo a Loren; Dr. Sapo con su formación actual, vamos. Tras afanarse el grupo mismo en colocar sus instrumentos, la máquina sonora comandada por Kike, Fernando y David comenzó a funcionar y Miguel haría acto de aparición montado en esa minibici tan graciosa, que a su vez es protagonista de la portada del último disco de la formación de nombre “No Hay Fronteras”, que ya revisamos en el blog y que tuvo su programa de radio en el que entrevistamos al propio Miguel. ¿Se han fijado en el floripondio que escudaba el mastil del micro de Miguel de Lucas en la foto que figura arriba de este párrafo?El comienzo fue semejante al del disco. Tras la intro sonora, hasta que Miguel empuñó su guitarra y se dispuso ante el micro, comenzaron los compases de la canción que da título al 3er. disco “No hay fronteras”. Miguel es un tío muy salao, se lo digo yo que le conozco en persona, y ese carisma con mezcla de cierta macarrería simpática estuvo patente en cada una de las interacciones que tuvo con el público entre canción y canción. Pudo permitirse incluso llamar la atención, cual profesor de instituto o primaria, al público del fondo de la sala que estaban rajando cuando él nos estaba contando alguna historia. La actitud de Miguel provocó que el concierto se caracterizara por una magnífica comunión entre audiencia y grupo, ayudando a darle un toque cálido y cercano al show, cosa que ya de por sí es fácil de conseguir en un recinto como la sala Galileo Galilei. A continuación, Kike Corman al bajo.Durante la hora y media que Dr. Sapo estuvo tocando, dispusieron un repertorio sin fisuras, en el que incluyeron todos y cada uno de los temas de sus 3 discos que más agradan a sus seguidores. No faltaron “Al tran tran” o “Territorio apache”, cuya interpretación de la última citada se la marcó en solitario Miguel de Lucas, mientras que Fernando Vasco se marcaba una coreografía flamenca o un baile de sevillanas al margen derecho de Miguel; debajo de estas líneas pueden ver una imagen que representa ese momento. Fernando Vasco, por cierto, se ha dejado crecer el pelo de forma considerable respecto a las fotos promocionales de hace unos meses y nos llamó la atención el fuerte parecido físico que mostraba con el mítico Frank Zappa, al menos en la portada de su disco “Does Humor Belong In Music?”. Al menos así me lo indicó mi amigo acompañante de la noche y parte de razón tenía. Fernando hizo las veces de “segundo de a bordo” de la velada, también marcándose alguna intervención graciosa al micro mientras que Miguel nos contaba algo a los asistentes entre canción y canción, como cuando puntualizó que “como nos gusta hablar de follar” en lugar de follar a secas como afirmaba el propio Miguel. Kike Corman por su lado estuvo en un plano más reservado, centrado en su bajo y David a la batería tampoco se afanó en quitar protagonista a Miguel y Fernando que se erigieron en los principales animadores de la noche. También cayeron piezas como “Perdí las alas”, que fue muy celebrada por la sala. En el apartado de los ya clásicos del repertorio del grupo, agradó especialmente “Luna de menta”, que se dispuso en la parte inicial del show y que precisamente es protagonista de un anuncio o cuña de RUAH del programa “Que Te Den Por El Fútbol”. Esta canción fue uno de los momentos mejor recibidos en la sala y en la que la gente se mostró más animada. Se sumó el hecho de ser un tema muy rítmico y bueno y por otro lado el situarse en la parte inicial del show, cuando la audiencia está más calentita y nerviosa.Dr. Sapo alterna emotividad con marcha y buen rollo. En el primer sector de canciones hubo sitio para “Mundo mágico” o “Bajo el sol”. Faltó por ejemplo “Uno y dos son tres”, que en su día Miguel se marcó en acústico en nuestros estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares. A lo largo de la gira de Dr. Sapo, y como explicó el propio Miguel de Lucas entre canción y canción en algún momento, hay sitio para shows acústicos en el que él solito se enfrenta al público. Quizás ahí es donde hay cabida para este tema y por ello el concierto de la sala Galileo Galilei, quizás uno de los puntos clave de la gira, se concibió como un concierto dinámico, ágil y acelerado. Abajo vemos a David en su batería.Uno de los momentos más importantes de la noche vino cuando llegando al final del concierto, (bueno, finalmente resultó ser el final verdadero y definitivo, ahora les explicaré) Dani de Despistaos hizo acto de aparición, de forma arrolladora, por cierto, para cantar a dúo con Miguel el tema en el que ya colaboró hace tiempo “Por ser el primero”. Dani barrió el escenario durante los minutos que estuvo sobre el mismo y mostró una intensidad y entrega apabullante. Brutal. Estupendo final de concierto, de no ser porque en principio ahí no terminaba el show, sino la parte central o troncal del mismo. Quedaban los bises (3 en concreto), que se quedaron inéditos por asuntos burocráticos o contractuales del mundo nocturno y de las salas de concierto. Vaya tela…Poco antes de que se interpretara “Por ser el primero” y aprovechando el impass para presentar a los componentes de Dr. Sapo, el grupo regaló al público varias camisetas promocionales de la banda y el disco, de distintos colores. Yo cogí una, con tan mala suerte que era una talla “M”, que regalaré a alguien que le valga. Hablando de camisetas, y siguiendo con ese punto humorístico que tiene Miguel, hay que comentar la camiseta negra con la que Miguel salió a escena, en la que rezaba el lema “Rana tu padre”. Con un par, ¡claro que sí! Respondiendo a la pregunta que Zappa lanzaba en su día y que antes he mencionado con eso del parecido razonable entre el guitarrista de Dr. Sapo Fernando Vasco y el propio Zappa, sí, el humor tiene cabida en la música (y si no que se lo pregunten a Nacho Cano y aquel disco que lanzó en su día de título “Amor Humor”; otro con un par).El repertorio superó finalmente de sobra la quincena de canciones y también desfilaron por el set list personajes ya clásicos del repertorio de Dr. Sapo como Rogelio el caracol, Pepito o Tarzán y sus problemas en la ciudad. La controvertida “Zurraspas”, llegó de la mano de una introducción vocal demasiado gráfica por parte de Miguel, que de no ser porque llevaba el estómago vacío, me hubiera revuelto las tripas. “Decir te quiero” también apareció finalmente por la parte final del concierto, para conceder otro gran momento de la noche.Solamente eché de menos a “Un erizo como yo”, aunque ésta estaba programada en el bis previsto y “El árbol del amor”. No obstante, lo que se pudo escuchar a lo largo de la hora y veinte minutos que duró el concierto, fue altamente satisfactorio, y Dr. Sapo no escatimó a la hora de poner todas sus cartas sobre la mesa. Explicaré lo del bis. Al estar en primerísima fila, pude ver el set list y comprobar que había 3 temas de propina (“Si mi sol”, “Sam” y “Un erizo como yo”). Sin embargo, cuando se terminó el dueto con Dani de Despitaos, vi que algo no iba bien. Parece ser que desconectaron el micro y la corriente del escenario y se encendieron las luces de la sala, invitando al personal a abandonar el recinto. Miguel no lo tomó bien, terminando en calzoncillos en el escenario en señal de protesta ante la negativa por parte del gerente de la sala a dejarle al menos interpretar un tema más, cosa que a su vez el público pedía insistentemente. No hubo forma y ahí se acabó el show, o bueno, realmente tras interpretar “Camisetas”. Si no se creen lo de la intensidad con la que salió a escena Dani de Despistaos, les dejo como prueba la siguiente fotografía.Tras la actuación, hablé escuetamente con Miguel, al cuál saludé y agradecí la acreditación para nuestro blog y programa de radio para el concierto. Pude preguntarle rápidamente por la gira y por el incidente de los bises. Por lo visto el motivo del jaleo final es que contratas un tiempo de actuación, hasta una hora determinada y de ahí no te puedes pasar. Evidentemente Miguel me dijo que se fue algo mosqueado por ni siquiera dejarle tocar uno de los 3 temas de los bises que habían pensado incluir. Sobre la gira, me confirmó que su concierto favorito fue uno en Oviedo, curiosamente ante solamente 12 personas. En ese apartado me explicó que muchas veces más que de la cantidad de gente que acude, depende de la actitud de los mismos. Razón no le falta: más vale una sala a medio llenar y que esté animada y metida en el concierto, que un recinto a tope lleno de zombies inertes que ni sienten ni padecen ante tu música. No pude hablar más, ya que Miguel salió al centro de la sala y las numerosas seguidoras y amigos personales de Miguel de Lucas le solicitaban una y otra vez, ante lo que me pidió comprensión. Viendo lógico la situación y teniendo en cuenta que había que regresar a casa para madrugar el viernes, consideré lo más adecuado dejar a Miguel con sus fans, liberándole de tener que prestarme atención.Gran concierto de Dr. Sapo, únicamente empañado por el asunto del “no bis” que acabo de comentarles. Merece la pena asistir a un concierto de esta banda de Guadalajara por varios motivos, pero principalmente porque vas a pasar un buen rato en compañía de sus animadas y simpáticas canciones y el buen rollito que desprenden. Deseamos mucho éxito a Dr. Sapo en lo que les queda de gira de presentación y en proyectos futuros. Como siempre, espero que les haya gustado el post de este evento; éstos, son unos artículos que en toda ocasión considero muy especiales.
En una obra extensa se puede llegar a algún momento de dispersión o pérdida de la atención, y estimo que en esta parte central es donde se acumulan quizás los temas más prescindibles de la obra. “Suburban war” y “Month of may” quizás no sean dentro de “The Suburbs” sus momentos más válidos, ya que no aportan gran cosa al sonido de la obra; sin sonar mal, son de las canciones que más difícil cuesta recordar durante las primeras escuchas y etapas de asimilación de la obra. Puede que dentro de “Suburban war” resulte algo curioso la subida de intensidad melódica de la parte final. “Month of may” tiene su gracia en su alto ritmo, pero aquí Arcade Fire pierden sus marcas instrumentales, sonando como cualquier banda indie de vecino. Eso sí, a buen seguro si suena en el Palacio de los Deportes, creo que montará un buen revuelo por su vértigo y velocidad. Sin embargo, tras estos 2 momentos medianos llegamos a “Wasted hours”, que se perfila como el corte de mayor quietud (algo parecido a lo que sucedió en su día con la canción “Neon bible”) y nos regala unos minutos ciertamente placenteros. “Deep blue” continúa la senda que ha dejado “Wasted hours”, al menos en su comienzo, remarcando ciertos coros que se marca Win. No obstante, “Deep blue” más bien palidece frente al gran temazo que llegará para sucederla en el orden, que no es otra que la soberbia “We used to wait”. El halo de intensidad y carga emocional de Arcade vuelve por sus fueros gracias a esta estupenda composición que nos enfrenta a la parte final que nos presentará otra agradabilísima sorpresa. El comienzo con la inquietante melodía de piano y los acordes perdidos de guitarras en la parte trasera de la producción nos preparan para el sencillo pero emocionante estribillo, que es donde se congrega la gran fuerza de esta composición. Como preludio, y afrontando ahora a los “Sprawls”, la primera parte “(flatland)” nos prepara para esa estupenda composición que será la 2ª parte de sobrenombre “(mountains beyond mountains)”. Es de los temas de factura más triste y sombría del disco. Sin embargo, en la 2ª parte, Régine Chassagne se vuelve a adueñar vocalmente hablando de otro bombazo dentro de la discografía de la banda. En esta pieza “Sprawl II (mountains beyond mountains)”, Arcade Fire saben fusionar de forma magnífica todos los componentes o marcas sonoras de su trayectoria con la electrónica e incluso con el techno pop. Es una pista tremendamente pegadiza y dependiendo de si en el futuro sea editada como single o no, se puede perfilar como una de las grandes joyas ocultas de Arcade Fire. En caso de ser elegida como sencillo, lo que se hará básicamente será justicia con la misma. El tono tan hedonista a ratos de la voz de Régine, ayuda a crear una sensación muy curiosa junto a las melodías de teclados y sintetizadores que incluye. Se llega al final del disco con el “(continued)” de “The suburbs”. Un fade out del tema de apertura, con Win y Régine decayendo vocalmente de la mano y perdiéndose en el horizonte auditivo de nuestro equipo hi-fi, nuestro mp3/mp4 o los altavoces de nuestro ordenador.
“Always malaise (the man I am)” continúa, para mi gusto, en la buena senda mostrada tras los 2 singles. Se trata de una canción misteriosa, oscura, decadente y con unos interesantes cambios de ritmo cuando Paul afronta la parte lírica que dice “actuaré de una determinada manera, controlaré lo que pueda, este es el hombre que soy…”. Quizás estemos ante una de las composiciones más llamativas en tanto a lo que la forma se refiere del lp. Puede que sea una de los pasajes favoritos de los aficionados de toda la vida a esta banda. “Safe without” palidece nuevamente, y más tras 3 de las mejores canciones del disco “Interpol”. Se pasa de repetitiva en el estribillo y también en la estructura musical, con ese bucle de guitarra que sube y baja tan solo una nota del pentagrama. Busca el hipnotismo, pero creo que falla, ya que se trata de una composición de sonido o textura bastante inofensiva, lejos del cierto oscurantismo que puede llegar a destilar la banda, o que al menos nos ha mostrado a lo largo de estos años. “Try it on” se presenta con una melodía de piano y un sonido cuanto menos llamativo. Destaca el compás marcado por Sam Fogarino desde su batería. En esta ocasión, buscando el carácter hipnótico con la repetición de estructuras melódicas muy sencillas, el grupo consigue acertar, ya que nos presentan una composición novedosa y no un registro a medio gas dentro de su estilo. Es una preciosidad de canción, quizás una de las joyas ocultas de la obra, a no ser que se edite como single tardío, que versa sobre el fin del amor y la lucha por intentar que no se marche. El estribillo nos muestra a un Paul Banks desesperado y bastante emotivo a ratos. A través de unas leves programaciones o arreglos electrónicos, está unida umbilicalmente a la penúltima canción del álbum. “All of the ways” muestra una pieza lúgubre, quizás algo cercana a la acertada “Lighthouse” que ponía fin a “Our Love To Admire”, debido a la quietud que muestra. Su base sonora, aunque cede el protagonismo de la composición a la voz de Paul Banks, se muestra imperturbable y compacta, escudando el discurso del vocalista. Se trata de otra pieza en la que el protagonista de la letra se enfrenta a la pérdida del amor y pregunta a su amada si el otro que le ha sustituido es mejor que él. Aceptable pieza esta “All of the ways” para llegar al final de la obra, que quizás se pasa algo nuevamente de repeticiones de letra en la parte final; aún así, es bastante potable. “The undoing”, a pesar de no sonar mal del todo, si la comparamos con los otros 3 finales de obra de Interpol, languidece notablemente. No llega ni en broma a la altura de “Leif Erikson”, ni de “A time to be so small”, ni de “Lighthouse”. En lo musical se vale de los teclados para darle una mayor envoltura época y afronta un tono melancólico y derrotista por parte de Banks, apoyado ineludiblemente en su letra.
Fui de los primeros en acceder, y me dispuse en primera fila del escenario completamente a la derecha según miras al mismo. Es curioso que los asistentes se colocaran como mucho en 4ª fila, dejando libre el hueco que mediaba entre esa distancia y el escenario para ver a los teloneros. Y esto es algo que no me esperaba: que hubiera teloneros. El caso es que en el ticket no se ponía nada al respecto, pero tras entrar y ver que había 3 micrófonos dispuestos al frente y la mesa con los sintetizadores, samplers y programadores de Owen arrinconada al fondo del escenario, me hacía pensar que sí los habría.
Y así fue. A las 21.30h aproximadamente, saltaron a escena un trío masculino compuesto por guitarra acústica, guitarra eléctrica y bajo. También había una estructura de percusión o proyecto de batería con un platillo y 2 tambores en la retaguardia. Se presentaron como The Secret Society y animaron la sala durante una media hora aproximadamente con un total de 8 canciones de su repertorio. Actitud indie, con cara de palo y extrema seriedad (marca de la casa en grupos indie), pero en el plano musical sonaron a ratos muy interesantes, presentando piezas de lo que será su siguiente álbum, de las cuales me llamó especialmente la atención la rítmica “La casa junto al mar”. Como cierre dispusieron una intensa versión de una pieza del malogrado Vic Chesnutt, que basó su intensidad en el aspecto de que el vocalista y guitarra acústica, se encargó de dar uso a la estructura de percusión situada a sus espaldas, con tanta energía que hasta alguna astilla de las baquetas llegaron a mis pies. Otras curiosidades dentro de la actuación previa de The Secret Society, fueron las interacciones del grupo con el público, que en gran parte ya era el que estaría para Casiotone For The Painfully Alone. Por ejemplo, nos advirtieron que su batería estaba de gira con otra banda que por lo visto tiene y también dijeron que Owen es en sí un tío muy majo, pero le reprocharon que ni en Barcelona ni esa noche les estuviera viendo; al respecto hicieron alguna broma con los asistentes, entre los cuáles había más de algún clon razonable del amigo Owen Ashworth. Luego les comento más de ello. En una pieza el grupo invitó a otro músico que había en la sala para tocar una de las canciones del repertorio, y ese fue el primer momento en el que el cantante se ensañó brutalmente con el platillo y los tambores. En resumidas cuentas, The Secret Society fue una banda a la medida de la noche, tanto por el carácter sombrío y a la par contundente de sus piezas, como por el local en el que se desarrollaba la velada; quizás que una canción que se titule “La casa junto al mar” y la gorra que llevaba el guitarra eléctrica, que no sé por qué me evocaba cierto aire marino, quedaban muy acorde en un local tan marítimo u oceánico como es la sala Moby Dick. Las 2 fotos de arriba muestran a The Secret Society en acción como trío y también como cuarteto en un momento puntual.
Tras el aperitivo de turno, llegaba la hora de que Casiotone For The Painfully Alone saltara al escenario. Llegó por lo visto desde la entrada principal, ya que le vi acceder desde atrás, para entrar unos pocos minutos a los camerinos y luego acceder al escenario, que en tiempo record se quedó en una estructura minimalista tras quitar los amplificadores, cableado y estructura que requirieron The Secret Society, para dejar solamente presente la mesa en la que Owen dispone toda la parafernalia electrónica de Casiotone For The Painfully Alone. Un poco antes de las 22.30h daría comienzo el show. A destacar la tenue iluminación de la sala, que si cabe hizo más íntimo el espectáculo.
No obstante, la poca iluminación no nos evitó llevarnos una cierta sorpresa al ver a un Owen Ashworth perfectamente afeitado, muy alejado de la imagen que tenemos de él con una poblada y espesa barba siempre al frente de su proyecto. ¿Será éste el primer detalle con el que Owen va poco a poco dejando de lado su vida como Casiotone For The Painfully Alone? En todo caso, sea lo que sea, a mi me pareció toda una indirecta declaración de intenciones. Casiotone For The Painfully Alone dispuso un comienzo suave y poco comercial, y eso ya es decir mucho dentro de un proyecto tan peculiar como es el de Owen. Me refiero a que durante los primeros 20 minutos de concierto, Casiotone For The Painfully Alone no ofreció ninguna pieza de “Etiquette”, centrándose principalmente en sus 2 últimas entregas, que a día de hoy no tengo muy controladas como son “Advance Base Battery Life” y “Vs. Children”, ambos de 2009. Entre las mismas, pude identificar quizás mi favorita de “Vs. Children” que no es otra que “Man o’war”. Aparte de esta pieza, he de reconocer que durante las 6 primeras canciones anduve bastante perdido.
Fue tirando hacía la mitad del concierto cuando Owen pisó el acelerador y el ritmo no paró hasta que el evento finalizó. Desde que sonó “I love Creedence” hasta el final del concierto, Casiotone For The Painfully Alone fue encadenando gran canción tras gran canción, incluyendo ciertos momentos realmente sorprendente, a la par que muy agradables. El comienzo del núcleo duro del show vino de la mano de la citada “I love Creedence”, que sin embargo sonó mucho más melancólica debido a ciertas notas de teclado o programaciones que Owen introdujo para la ocasión. En realidad, esta modificación hizo que el sonido de la pieza estuviera más acorde con la letra de la misma, restándole ese cierto aire irónico que tiene su versión original de estudio.
“Etiquette” cayó casi al completo. Posteriormente se presentó casi sin compás de espera “Cold white Christmas” y “Scattered pearls”. Esta última canción, es quizás de los mejores momentos de “Etiquette” y una de las grandes composiciones de Casiotone For The Painfully Alone de toda su trayectoria. Cierto que en estudio es Jenn Herbinson quien canta de forma muy apropiada la historia de la chica que se lleva un sofoco al ver cómo se ha cargado el collar de su abuela en la discoteca. No obstante, ya había escuchado varias versiones en directo de Owen y hay que reconocer que lo hizo bastante bien. Fue de los momentos que más disfruté y bailé de la noche. No faltaron a la cita tampoco “Bobby Malone moves home”, abundando en el sector más grave y maldito de Casiotone For The Painfully Alone y “Nashville parthenon”, que fue cantada por Owen de forma muy sentida, y en la que en el plano instrumental sustituyó los cálidos sonidos, que se asemejaban a ciertas cuerdas de “Cabron” de Red Hot Chili Peppers, por unas distorsiones electrónicas abigarradas, que sumaron al componente experimental del repertorio.
Pasaré a mencionarles los momentos más destacables, como siempre desde mi óptica personal. Quizás uno de mis momentos favoritos fue cuando llegó “Young shields”, para mi gusto la mejor canción de “Etiquette”. Desde una intro de sonidos que ya me hacían intuir que llegaba su turno en el setlist, hasta el desarrollo íntegro de la misma, la intensidad del sonido y el entrelazado de sintetizadores, samplers y programaciones de esta pieza terminaron por concederme el punto más álgido personalmente de la velada. No en vano, esta canción fue la que en su día me abrió los ojos al escuchar “Etiquette”. Encadenada a este trallazo sonó una de las sorpresas agradables de la noche. Llegaba la hora de que hiciera acto de presencia la minimalista, depresiva (líricamente hablando) y desgarradora “Tonight was a disaster”, que es una de las joyas ocultas que se alojan en el 2º disco de Casiotone For The Painfully Alone “Pocket Symphonies For Lonesome Subway Cars”. No hay que dejar de lado que Owen se marcó una aceptable cover de “Streets of Philadelphia” del “Boss” Springsteen y como tal la introdujo, simplemente diciendo “esta es una canción de Springsteen”. Sonó excelente y moderadamente bien ajustada al registro vocal de Owen. Los samplers y sintetizadores que Owen ha introducido en ciertas partes, le dan un carácter solemne a esta canción, sin necesidad de haber hecho un escarnio de ella, como muchos pueden imaginar a priori.
Y encadenando los momentos cumbre del show con los bises, decir que Owen salió a escena una vez más tras abandonar en primer término el escenario para completar una hora y 10 minutos de repertorio con 3 temas de propina que metió en los bises. En el añadido sonó en primer lugar “Optimist vs. the silent alarm (when the saints go marching down)”, pero destaco sobremanera que “Toby, take a bow” se situara en esos compases finales del espectáculo, regalándome otro momento impagable asociado a la interpretación en directo de uno de los temas que más admiro de toda la discografía de Casiotone For The Painfully Alone. Los teclados y el sonido delicado e íntimo que ofrece esta pieza, hicieron de la Moby Dick el salón de una casa en la que Owen parecía estar tocando rodeado de un buen grupo de amigos.
En tanto al público asistente, decir que Owen consiguió completar de forma meritoria aproximadamente unas tres cuartas partes de la sala Moby Dick, con un aforo en tanto al 75-80% de la capacidad máxima, lo cual, teniendo en cuenta lo poco popular y mainstream de la propuesta musical de Casiotone For The Painfully Alone no está nada mal. El público se notaba que era una audiencia fiel a Owen y en las ovaciones que dedicamos a Ashworth tras cada una de las canciones se notó a partes iguales el cariño que se le tiene a este músico y también el hecho de que estábamos ante una despedida. No se puede decir que los asistentes trataran mal a Casiotone For The Painfully Alone, sino más bien todo lo contrario. Como curiosidad, mencionar que había mucho chico con gafas, barba y algo de sobrepeso en la sala, llegando a contar al menos a 5 o 6 réplicas razonables de mr. Ashworth; el colmo fue cuando Owen apareció en escena perfectamente afeitado, lo cual le quitaba algún kilo de encima en lo que a aspecto se refiere. Por cierto, y aunque suena a coña que yo lo diga, pero Owen es bastante alto y tiene una gran envergadura.
Owen por su parte estuvo bastante serio, como es habitual en él. En los primeros compases del concierto llamó 2 veces la atención al personal de la sala, quejándose de ciertos problemas de sonido y de monitorización, siendo bastante tajante al 2º aviso al decir “es la última vez que lo digo…”. En el apartado de interacción con el público, aparte de alguna tímida introducción de algún tema, como de alguna que dijo “este tema trata sobre un problema” o la ya mencionada intro de “Streets of Philadelphia”, Owen simplemente se dirigió a nosotros con varios “Thanks” a secas y algún “Thanks for coming”. Antaño, al menos en la gira de “Etiquette”, añadía al “Thanks” un “a lot” que en esta ocasión no salió de su boca. También hubo un momento en el que preguntó al viento si habíamos estado en el partido de fútbol que se celebraba un par de calles más abajo (supongo que vio el ambiente que se vivía por la zona esa tarde) y también tuvo un momento de viaje al pasado, haciendo memoria y recordando que había estado en Madrid 4 años atrás en aquel concierto de la Sala Neu!
Al final del concierto, estuve divagando durante unos minutos, meditando si quedarme a ver si podía departir algo con Owen. Tras estar 10 minutos en la sala, mientras dj Algora amenizaba el resto de la noche y completaba el cartel de la Moby Dick del sábado, decidí marcharme. Por fortuna, tuve la ocasión de reencontrarme con aquel ex-compañero de trabajo que me introdujo en Casiotone For The Painfully Alone. Por motivos que no vienen a qué explicar, de forma repentina aquel compañero dejó el trabajo y perdí el contacto. Tenía la certeza casi al 100% de que le vería en la sala y tras creer localizarle, no estando muy seguro e invadiéndome una estúpida timidez a la hora de acercarme y preguntar si era él, fue él quién tomó la iniciativa y se dirigió a mí. Junto a un amigo suyo, enfilamos la salida de la Moby Dick y dejamos el recinto atrás, viendo muy cuesta arriba poder acercarme a Owen. Pensé esto debido a la timidez que creo que emana de Owen y, aunque alguna vez me escribí con él, en los últimos e-mails que le escribí no obtuve ninguna respuesta cuando le dije que acudiría al concierto.
Llegando al final de la presente crónica, he de decir que quedé muy satisfecho del concierto en la sala Moby Dick. Todo fue estupendo: el que no hubiera seguratas impertinentes (más preocupados de las pobres fotos que hacen los asistentes que de la propia seguridad del recinto), la buena actuación de The Secret Society como más que aceptables teloneros, el lugar en sí (no sé, pero me gustó vivir el concierto en la sala Moby Dick, y eso que iba con ciertas dudas o reservas preconcebidas de forma errónea) y sobre todo poder ver a Casiotone For The Painfully Alone en lo que fue su última actuación en Madrid. Owen Ashworth ha llegado al fin de una era. Casiotone For The Painfully Alone será historia del mundo indie de la música moderna a fecha de 5 de diciembre del presente año. En los 4 años que llevo conociendo a Owen, y que curiosamente fue por estas fechas prácticamente, he disfrutado mucho de su música y del halo tan especial que destilan sus composiciones. Que haya seleccionado Madrid como uno de los lugares donde ha recalado su gira de despedida es un detalle que le agradezco; no sé si en parte fue propiciado porque le machaqué mucho el asunto cuando alguna vez intercambié algún correo electrónico con él (y más aún cuando hacía poco que había pasado por la capital).
Volvemos al dance de la mano de “Dance in the dark”, que quizás muestra el estilo de baile más directo y menos complicado de Lady Gaga a lo largo de toda la obra. Aquí la fuerza la tiene el estribillo, al contrario de lo que pasaba con “Monster”, y en el apartado instrumental destaco cierta melodía de teclados que en parte me recuerdan ni más ni menos que a “Strangelove” de Depeche Mode; si la inspiración viniera de ahí, ¿qué mejor lugar para tener un punto de referencia? Es un gran tema, y podría ser una joya oculta, lo que pasa es que tras 2 cortes de tan altísimo nivel como “Monster” o “Speechless”, nos puede parecer un tema menor, y en realidad en comparación con estos 2 citados lo es. No obstante, “Dance in the dark” es una canción de calificación notable. Y llega Beyoncé y “Telephone”… Bueno, ¿qué quieren que les diga? Pues que no todo el monte es orégano y es nos enfrentamos al tema más evidente de “The Fame Monster”, con una electrónica de lo más chabacana y descarada. Claro, no podría arriesgarse mucho en esta situación y este tema es un ejemplo de comercialidad que se ve a mil millas. No me gusta nada, lo escucho sin más, pero me alegra saber que las buenas maneras se recuperarán después. Bajo mi punto de vista, “Telephone” es mil veces inferior a “Bad romance” o “Alejandro” y al resto del disco. Es el rival más débil y la única repercusión que ha tenido se debe a que se han juntado las 2 que se han juntado. Pero más allá de eso… En fin, que a otra cosa. Se nos presenta otra joya oculta, que viene a rescatarnos de la comercialidad sin ton ni son (porque siempre he dicho que la comercialidad bien enfocada y con calidad la adoro). “So happy I could die” abunda ya desde su título en el sentido trágico y oscuro de las letras de la obra. El comienzo del estribillo, con esa velocidad vocal que muestra Lady Gaga, y los sencillos coros “eh eh, yeah, yeah, eh eh, ah ah” conforman la columna vertebral de uno de los grandes momentos del disco. Parece que Lady Gaga, incluso dentro de lo que para ella (y para muchos) es una situación placentera “feliz en un club con una botella de vino, nuestros ojos brillando como estrellas, porque estamos pasándolo bien; tan feliz que podría morir. Ser tu mejor amigo, sí te amaría siempre, arriba en las nubes, seríamos más felices que nunca. Tan feliz que podría morir” no deja de lado el sentido trágico de la vida; algo que en parte (y salvando las diferencias de estilo, música, género, tiempo, personaje, persona, etc.) le pasaba a Morrissey en “There is a light that never goes out”, cuando iba en su coche con la persona a la que amaba y pensaba que no habría mejor forma que morir que tener un accidente de tráfico en ese momento. Quizás, eso sí, Morrissey y Lady Gaga tienen más cosas en común, al menos en el aspecto personal, de lo que pensamos; en lo musical, aparte de esta pequeña coincidencia lírica, no tienen nada que ver evidentemente. Alguien alguna vez me ha preguntado por las “reflexiones” del título del blog; pues esto último, por ejemplo, puede ser una. “So happy I could die” es junto a “Monster” y “Speechless” mi canción favorita de la obra, por encima incluso de los singles de relumbrón “Bad romance” y “Alejandro”. Dance del bueno en estado puro. El final de la obra llega de la mano de una controvertida y complicada pieza. Con un sonido electrónico manierista y casi vodevilesco, el tema “Teeth” se aleja en lo sonoro de todas las piezas que han aparecido hasta el momento. Es un curioso capítulo final, que me deja fuera de juego y que quizás sea el corte que junto a “Telephone” menos me llama la atención del disco. No obstante, “Teeth” al menos arriesga y como punto y final no está mal después de tanta emoción envuelta en sonidos dance y bailables que Lady Gaga nos ha dispuesto durante estos minutos.
La siguiente canción está ligada a mi especialidad, el deporte, en concreto nos habla de “Keke Rosberg”. Y ¿quién es este personaje? Posiblemente os suene su hijo Nico Rosberg, el que maneja un Mercedes y está pasando por encima de Schumi. Pues bien esta canción puede decirse que va dedicada a su progenitor, el piloto finés de los 80, campeón del mundo en el 82 con solo una carrera ganada pero una gran regularidad; por ese año 84 su temporada era de desastre con continuas retiradas. Si tenéis ocasión de oír la canción, veréis como puede resumir la temporada de este gran piloto en la letra de la misma. La siguiente canción me deja descolocado, ¿será por su etapa en el colegio de curas? “Señor ilumina mi corazón” es uno de esos temas que descolocan con solo 4 estrofas que asemejan a un salmo y unas notas musicales que rellenan 2:40 minutos. “Oh, qué raro soy” es el siguiente tema, y la rareza de esta canción reside en la normalidad con la cual se relata: uno es raro por no beber, por trabajar e ir a misa… pero eso es así, ¿o no? Encontramos en el disco la canción “Te quiero”, una de las que he oído y no se por qué, pero en mi se despierta una sonrisa; el repetitivo “ino, ino, ino” le da un toque muy especial de rima fácil pero agradable. Y el “yo me dedico sólo al vino, vino, vino”, con ese “yo te quiero, te quiero” estirado y los acordes de guitarra hacen de esta canción una de mis favoritas del disco. “Sonorice su templo”, es una canción que se desarrolla de manera rápida y de nuevo veo marcado sentido religioso en ella, una burla clara, por supuesto, y gamberra. Y como antesala al gran tema de este disco que mencione al principio, llega la versión de “My whole world falling down” de Brenda Lee. Una canción de los sesenta, en la que la versión de Siniestro denomina “Si Yo canto”; no solo exageran el desafine a propósito, sino que de nuevo versionan una canción transformándola en otra que no parece recordarnos a la anterior. Y por último, y tras analizar como buenamente he podido este disco, y ahora valoro más el trabajo de mi amigo Abacab, posiblemente mis escasos conocimientos musicales hayan hecho de este análisis una pesadez, pero he disfrutado como un enano, re-escuchando las canciones, oyendo a un grupo que me marco de niño, y que aún escucho, pues no son pocos todos sus éxitos y ojala pronto los pueda ver en concierto, aun así llego al final del disco. Y esa primera canción que escuche en su día y que despertó en mi no solo el interés por el grupo, sino una inquietud en su letra; esas estrofas marcadas con interrogantes dan que pensar “¿Quiénes somos? ¿de dónde venimos? ¿a dónde vamos?” Son preguntas que no sabemos contestar en ocasiones de la manera correcta, en función de la manera de ser preguntados, para mi sin duda es la mejor canción de este disco y posiblemente la mejor de este grupo.