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domingo, 27 de febrero de 2022

Programa The Specials "The Specials" (Temporada 13/ Programa 8)

Tras superar Víctor Prats el Covid-19, el sábado 12 de febrero de 2022 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), "DMR" recuperó la actividad de su 13ª temporada de radio. Buscando el buen ánimo y la dispersión, se escogió el disco de debut de The Specials para la ocasión.
 
Nuevamente 2 contertulios, junto a Víctor Prats, Mariano González, y nuevamente Mariano González vía telefónica. Una hora llena de buen ritmo y diversión a cargo de la música de los de Coventry y en la que hubo espacio para debatir sobre el grupo, el disco de debut en particular y el movimiento del género ska de finales de los 70.

Por si no lo escucharon en su directo ni en las redifusiones posteriores los miércoles siguientes a las 23.00h y al sábado siguiente a las 16.00h en el mismo dial, les dejamos insertado el reproductor para que lo escuchen aquí mismo y también el link a su alojamiento en Ivoox por si prefieren optar por su descarga: https://www.ivoox.com/dmr-13-8-audios-mp3_rf_82808108_1.html
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viernes, 25 de febrero de 2022

Temporada 13/ Programa 9: R.E.M. y “Up” (1998)

Quizás no haya pasado mucho tiempo desde que R.E.M. pasó por nuestro programa de radio. ¿O sí? Ahora mismo no recuerdo la temporada, ni mucho menos la fecha exacta de cuando dedicamos un episodio a “Accelerate”, su penúltimo disco de estudio. En cualquier caso, nos apetece mucho este próximo sábado 26 de febrero de 2022 dedicar el programa nuevamente a los de Athens.

A las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) en la fecha indicada, nos podrán oír debatir sobre un notable disco que editaron a finales de siglo, el primero como trío tras la marcha del Bill Berry. En lo personal a “Up” le tengo bastante cariño y en parte lo tengo asociado a esta época del año, ya que cuando más me acompañó fue durante la primera mitad de 1999.

Confiamos en que el programa sea de su interés. Esperamos que nos acompañen en masa este sábado. Siempre es buen momento para recordar a los R.E.M. cuando se acaba de cumplir una década desde que decidieron poner punto y final a su trayectoria.

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
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viernes, 18 de febrero de 2022

Scorpions - Love At First Sting (1984)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN. 
Como es un grupo fundado en los años 60, Scorpions han tenido los consabidos cambios de formación de las bandas veteranas. La formación que más éxito comercial ha tenido probablemente sea la que creó el disco que vamos a comentar, y que comenzó su andadura en 1978. Esta alineación la componen: Klaus Meine (voces), Rudolf Schenker (guitarra rítmica), Matthias Jabs (guitarra solista), Francis Buchholz (Bajo) y Herman Rarebell (batería). Lo más característico de este estilo es la combinación de acendrado y eléctrico heavy metal, con melódicas y apasionadas baladas rock. Si alguna vez han oído que las mejores baladas son de grupos heavy, tal topicazo, que ni afirmo ni desmiento, tiene su germen en bandas como Scorpions.

La banda alemana tiene las características canónicas para poder englobarla dentro del heavy, pero no es una banda exactamente para iniciados o fans acérrimos del género. Incluso en sus momentos más acerados, sus guitarrazos y sus melodías vocales tienen una capacidad de enganche que llega a audiencias bastante amplias. Como siempre es conveniente mencionar a los que están detrás y no son tan visibles, es de justicia nombrar al productor Dieter Dierks, un buen apoyo para que Scorpions generasen la sonoridad por la que son mayoritariamente recordados.

“Love at First Sting” tiene en su tracklist varias de las canciones más exitosas y queridas de la banda alemana. No hay más que recordar a “Still loving you”, unas de las power ballads por antonomasia de la historia del rock, y cuya memoria está preservada por los millares de veces que ha sido radiada en todo tipo de radiofórmulas. De guarnición tenemos a otras canciones bien conocidas, como “Rock you like a hurricane” o “Big city nights”, y en general el disco es una obra sólida, bien planteada, bien compuesta y bien ejecutada.

Tiene algunos tics del rock ochentero, empezando por los atuendos y estéticas de los vídeos, pero en realidad nada insalvable, ni digno de tener en consideración como para desmerecer al disco. Que por cierto tiene variedad. Lo mismo hay guitarras a toda pastilla, medios tiempos a ritmo marcial, baladas solemnes, cambios de ritmo muy acusados… Un muestrario de recursos nada desdeñable que aun así se las apaña para mantener un sentido de la unidad reforzado aún más por el hecho de que el disco dura unos cuarenta minutos y tiene nueve canciones. Es decir, que el resultado final es una obra directa, sin rodeos, de duración accesible y con un conjunto de canciones suficientes para un lp sin excesos. Algo que personalmente cada vez voy apreciando más con los años.

Además, “Love at First Sting” es la culminación de una época de éxito y popularidad progresivamente creciente por parte de Scorpions. Entre los antecedentes tenemos a “Lovedrive” (1979), “Animal Magnetism” (1980) y “Blackout” (1982). Por cierto, echen un ojo a las portadas y verán que son todas realmente llamativas, sobre todo en comparación con unas carátulas, hoy en día, cada vez más inanes. También cabe decir que el consumo de drogas hacía algún estrago en la banda por aquellos días; tanto Herman Rarebell como Fracis Buchholz, por sus adicciones, se mantuvieron fuera de las sesiones y debieron ser sustituidos por músicos con experiencia con bandas como Black Sabbath y Rainbow. Ello no impide que el resultado final fuese bastante bueno, tal y como vamos a ver.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Bad boys running wild”: Y empezamos el disco con la versión más roquera y electrizante de Scorpions. No hay más que escuchar los rapidísimos acordes iniciales, y el tajante y pegadizo riff. Una muestra de hard rock clásico, malote, con todo el equipamiento de serie, incluido un potente punteo. La voz de Klaus Meine, melódica y enérgica, aporta musicalidad y distinción al tema Un buen tema rock para subir las pulsaciones ya de inicio.

2. “Rock you like a hurricane”: Segunda canción y segundo trueno. Otra muestra de hard rock/heavy metal, con el señero inicio a base de un ritmo marcial de batería acompañado de la cortante guitarra rítmica de Rudolf Schenker preparando el camino para que Matthias Jabs entre a saco con la guitarra solista. La instrumentación es poderosa y la melodía vocal se fuerza para ganar en fiereza. Un estilo muy clásico para los estándares de la banda. Fue el primer single del disco, que, aunque no tuvo un comportamiento muy brillante en las listas inicialmente, fue creciendo con el tiempo. En el plano extramusical la canción estuvo acompañada de cierta polémica. Entre la letra, de temática sexual, y el vídeo, en el que la banda aparece dentro de una jaula mientras una horda de mujeres hambrientas trata de devorarlos, la canción fue considerada indecorosa e inaceptable. De hecho, esta canción fue de los motivos para que se pusiera en la portada de los discos el típico “parental advisory” cuando hay letras consideradas explícitas. En cualquier caso, una buena canción.

3. “I’m leaving you”: Seguimos con el rock, pero de una manera más melódica. Es un medio tiempo fuertecito donde las revoluciones y los sentimientos hormonales bajan de revoluciones. La voz de Kalus Meine también suena más trágica. Lo que no significa que el rock desaparezca. Hay una buena dosis de guitarras, encarnadas en notorios riffs y punteos, pero al servicio de un conjunto ligeramente melancólico y más focalizado en la melodía. Mantiene el buen nivel, pero destaca menos que las anteriores.

4. “Coming home”: Este cambio de estilo es mucho más notorio. La primera parte de la canción es sentida, triste, minimalista, Cuando todo parece que va a ir por el derrotero de la balada se produce un cambio de ritmo absolutamente salvaje y nos adentramos en uno de los pasajes más rápidos y heavies de todo es disco. De la tristeza inicial pasamos sin solución de continuidad a menear la melena al compás de los guitarrazos de Jabs y Schenker. Aun así, se mantiene el tono quejumbroso de la voz de Meine, aunque en un registro mucho más fulgurante. Scorpions cuando se ponen intensos pueden hacer cosas realmente interesantes.

5. “The same thrill”: Se ve que la banda ha cogido carrerilla de la anterior canción, y se enfrasca en otra canción rapidísima, metalera, donde todo está pensado por y para el rock. La canción es más sencilla, pero sirve para mostrar el poderío roquero de los alemanes. Una descarga de energía divertida, aunque algo repetitiva. Para volverse loco tocando la guitarra invisible.
6. “Big city nights”: Buen rock clásico, altamente melódico, que incluye un bien riff de guitarra que será es el hilo de conductor musical de toda la canción. Es un tema muy cantable y pegadizo, bastante accesible. Todo parece estar en su sitio, sin mayores complicaciones y reafirmado el sello Scorpions de hacer canciones de un octanaje a tener en cuenta, pero accesibles para audiencias de toda índole. Fue el tercer single del disco y es uno de los clásicos de la banda, siendo una aparición habitual en prácticamente todas las giras Scorpions.

7. “As soon as the good times roll”: Las líneas generales no se separan mucho no se separan mucho de la canción anterior, pero melódicamente es más competente. No hay más que observar el estupendo estribillo, quizá el mejor del disco, y el componente emotivo de la voz de Klaus Meine. Y ése es probablemente el tono perseguido por la banda, coherente con la idea de la letra de aferrarse a la esperanza de los buenos tiempos cuando las cosas no van demasiado bien. Uno de esos temas quizá no muy conocidos, pero realmente excelentes.

8. “Crossfire”: Uno de los versos sueltos del disco. Un tema solemne, de tempo no muy rápido y al ritmo de una batería que más o menos imita una marcha militar. Se trata de una canción pacifista, donde la emotividad llega a través de la gran voz de Klaus Meine. De hecho, este último elemento es lo que sostiene la canción y el que reafirma que el cantante alemán es uno de los mayores actores de Scorpions. Hay algún punteo de guitarra eventual que aporta energía y una medida sensación de épica.

9. “Still loving you”: La canción más conocida de Scorpions por el gran público, uno de los himnos de las radiofórmulas y quizá la balada heavy por antonomasia. Su sobreexposición puede haber mermado nuestra capacidad de degustarla, pero es de esas canciones que están a la altura de su estatus. Aunque hay que tener en cuenta el sentimiento de autoconsciencia de la banda, y de que querían hacer un himno. Acaramelada para mucho, en realidad no le falta casi de nada. Los acordes iniciales, perfectos para encender el mechero en un concierto, las descargas eléctricas antes del comienzo de cada estribillo, el remate colosal del clímax que hace Meine con su voz… Algo afectada quizá, pero memorable. Ojo al punteo de Matthias Jabs al final de la canción, porque es desgarrador. En Europa tuvo bastante éxito, y en Estados Unidos estuvo unas cuantas semanas en el Billboard, pero allí la repercusión fue menor. Como curiosidad, un periodista francés le contó a la banda que la canción fue el responsable de un supuesto baby boom en Francia en 1985. Tampoco diría que es una canción particularmente apropiada para esos menesteres, pero quién sabe. Final de disco por todo lo alto.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Hace no mucho Scorpions han lanzado un nuevo single, “Peacemaker” (buen tema rock), que es el adelanto del que será su próximo disco “Rock Believer”. Esto nos hace pensar que la vida de la banda ha sido tan larga fructífera. Al hablar de “Love At First Sting” estamos hablando de una época de popularidad de la banda a niveles máximos, afortunadamente en compañía de un excelente trabajo creativo.

A pesar de todas las idas y venidas de la banda, uno de los méritos de Scorpions es hacer accesible el hard rock/heavy metal para una audiencia más allá de los incondicionales del género, sin por ello perder credibilidad u honestidad por el camino. De este modo queremos decir, larga vida a la fiereza del rock conseguida a través del sentido de la melodía.

Texto: Mariano González.
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domingo, 13 de febrero de 2022

Programa U2 "The Joshua Tree" (Temporada 13/ Programa 7)

Fue el sábado 15 de enero de 2022 cuando retomamos la actividad tras el parón navideño. Lo hicimos a la hora habitual, las 16.00h, y en el dial/sitio habitual de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). El disco escogido fue uno de los más icónicos de la trayectoria de U2, su "The Joshua Tree".

Mariano González, a través del teléfono, y Víctor Prats fueron los contertulios que hablaron durante la hora que duró el programa sobre este disco, comentando sus impresiones sobre él. Hubo varias redifusiones, debido a que la siguiente fecha prevista se anuló por positivo de nuestro presentador, por lo que en el dial de RUAH se repitió los sábados 22 y 29 de enero y 5 de febrero a las 16.00h y los miércoles 19 y 26 de enero y 2 y 9 de febrero a las 23.00h.

Si no lo pudieron escuchar en todas esas ocasiones, aquí les dejamos insertado el reproductor y el enlace a su alojamiento en Ivoox por si prefieren descargárselo: https://www.ivoox.com/dmr-13-7-audios-mp3_rf_82155222_1.html
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viernes, 11 de febrero de 2022

Temporada 13/ Programa 8: The Specials y "The Specials" (1979)

Tras el inoportuno parón por culpa del contagio por Covid-19 de nuestro presentador y director Víctor Prats, retorna la 13ª temporada en la radio de "DMR" con lo que estaba previsto, aunque no se llegó a promocionar o anunciar, para el pasado día 29 de enero de 2022. La cita en esta ocasión es con The Specials y su disco homónimo de debut de 1979.

No todo era punk, after punk o disco a finales de los 70. También el ska era un género que tenía su hueco importante, sobre todo en el Reino Unido y los de Coventry eran de una de las bandas punteras en este estilo.

La cita será este sábado 12 de febrero de 2022 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). No se lo pierdan.

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
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viernes, 4 de febrero de 2022

Queen - Hot Space (1982)

ANTECEDES E INTRODUCCIÓN.
Recuperados ya del Covid-19, afortunadamente. Ya ha pasado tiempo de la última vez que Queen pasaron por aquí. En este periodo, en el que estamos cumpliendo los 30 años naturales sin Freddie Mercury, era obligado que les rendiéramos tributo y lo hacemos de la mano de su disco más "DMR" de su trayectoria. Y es que "Hot Space" es un trabajo no muy valorado en general por la crítica y los fans de la banda, sobre todo en los días en los que salió.

Se tiende a confundir su año de edición y pensar que el disco es de 1981, por aquello de que su gran single de anticipo y relumbrón, "Under pressure", colaboración flamante con David Bowie, fue editado en ese año. Pero no, "Hot Space" vio la luz hace casi 40 años, en la primavera de 1982.

Queen venían, en lo que a lps puros de estudio se refiere, de "The Game", con el que finiquitaron la década de los 70. Un disco que quizás mostraba levemente maneras que se desarrollarían en "Hot Space", pero que no distaba tanto de los trabajos previos. Además, "The Game" nos regaló un buen puñado de singles que han terminado convirtiéndose en clásicos en mayor o menor medida de la historia del grupo, cosa que con "Hot Space" prácticamente solamente ha quedado "Under pressure" para las grandes masas.

También, como antecedentes hay que citar a la notable banda sonora para "Flash", que más allá del "Flash theme", deja un puñado de apuntes curiosos como la marcha nupcial que se marca con solo de la Red Special Brian May. Por cierto, y ya que cito a otro de los componentes, quizás sobre decir que Queen seguían siendo por entonces los 4 de siempre, completando el cuarteto con John Deacon en el bajo y Roger Taylor en la batería.

"Hot Space" asume ciertos riesgos, pero tampoco hay que llevarse las manos a la cabeza. Sí es verdad que Queen apuntan a otras direcciones de estilo musical, pero la personalidad de la banda sigue patente, puesto que hay cosas como la voz de Freddie y el sonido de la Red Special de May que son inconfundibles. Vamos a paso a paso con sus canciones.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. "Staying power": Recuerdo que una vez mi amigo y también colaborador de "DMR" Mariano González me citó una edición del lp que vio con las canciones con los títulos traducidos al castellano. No me supo citar cómo se traducía a la apertura del disco, pero yo a "Staying power" la traducía macarrónicamente como "Estando poder"; luego encontré por internet una imagen de dicho vinilo y la traducción era "Aguante". No me aticen con la traducción literal que hice, puesto que la posterior "Cool cat", en lugar de traducirla como "Gato atractivo", se traduce en dicho lp como "Gato frío"... Anécdota al margen, el disco abre con esta pieza de rotundas formas. Freddie está a pleno pulmón, rumboso, sensual y saltarín. Una pieza donde destaca mucho la base rítmica, sobre todo el bajo de John. No dejan de estar presentes muchas marcas de la casa como los coros habituales, pero es cierto que es una canción que tiene mucho deje funk, básicamente por el citado papel de la línea del bajo y los arreglos de metales de viento. Creo que es una buena apertura, ya que nos pone en sobreaviso que habrá ciertos cambios en el sonido de la banda y también porque es una pista con bastante personalidad.

2. "Dancer": O "Bailarín" en la versión en español del lp, "Dancer" baja el frenesí y ritmo saltarín de "Staying power". El bajo de Deacon sigue estando muy presente, pero en el estribillo destacan sobre todo los coros agudos, que en "Staying power" no eran tan evidentes y la Red Special de May brilla con más fuerza (no en vano es Brian May quien firma la composición), con una parte de solo que le queda como siempre de rechupete. Curiosa canción, quizás algo reiterativa y obsesiva en su estribillo.

3. "Back chat": "Volviendo a hablar" no tiene mucho sentido como traducción en la ya comentada versión en español de los títulos de las canciones, ya que se refiere a un cotilla o en su caso a cuchicheos a la espalda, la expresión que da título a esta pieza. Durante mucho tiempo fue mi favorita del disco, con permiso de "Under pressure". Es otro ejemplo de buen funky, donde los momentos de protagonismo de la línea muy marcada del bajo de John Deacon y los punteos de la eléctrica de Brian May, se saben respetar a la perfección. Incluso hay momento para que Roger Taylor tenga un solo de percusión notable. Muy destacable también el solo de Brian a mitad de la canción. Fue single, pero con resultado tibio en los charts. Tiene un videoclip en estudio, con luces muy tenues, mucho humo y con plataformas subiendo y bajando, con Freddie bailoteando entre las estructuras. Para mi gusto, un capítulo destacable de "Hot Space". Aportación sobresaliente de John Deacon como compositor.

4. "Body languague": Con "Body language" creo que vivimos el capítulo más experimental del disco. Podría parecer que por la notable presencia del bajo de Deacon la composición fuera suya, pero no, es de Freddie. Muestra al Freddie quizás más hedonista de la obra. Muy en consonancia todo con la temática de la canción. Exotismo, experimento, ritmo y sensualidad a partes iguales. Muy probablemente, en su momento, sería de los episodios que más descolocarían a los seguidores clásicos de la banda. También fue single y su videoclip, lleno de insinuaciones, es si cabe más oscuro que el de "Back chat".

5. "Action this day": Llega una aportación de Roger Taylor, con "Action this day". Se puede notar en cierta manera su firma, por la presencia que tiene la percusión en el frente de la producción. Pieza rotunda, algo obsesiva y machacona adrede. Ofrece buenos puentes entre las estrofas y el estribillo; algún giro melódico me parece incluso genial. Correcta aportación de Roger y muy ajustada al enfoque de "Hot Space".
6. "Put out the fire": Gracias a May y a su "Put out the fire", Queen dan un respiro a las nuevas formas más bailables y cercanas al funk y ofrecen una pista más acorde con los lps anteriores a "Hot Space". "Put out the fire" es quizás el momento más rockero en el sentido clásico de Queen del álbum. Tiene fuerza, notables partes de guitarra y los coros clásicos en el estribillo. Puede que no tenga mucho que ver con el resto del lp en el que se incluye, pero sí con el resto de la trayectoria de Queen. No obstante, en esta cara "b" que arrancamos con "Put out the fire", vamos a encontrar una mayor diversidad de estilos que en la cara "a" donde el influjo funk era más que evidente.

7. "Life is real (song for Lennon)": Es muy plausible que Freddie compusiera esta bonita y relajada pieza para tributar al malogrado John Lennon poco tiempo atrás. Con "Life is real" Queen nos regalan el primer medio tiempo del disco, con lo que se empieza a demostrar la variedad que Queen se guardaban para esta 2ª cara o parte de "Hot Space". Hay versos que se quedan a fuego como ese "la vida es una puta". Creo que está muy bien situada dentro del orden del disco, el cual considero en general muy acertado y eso que quizás no atienda a evidencias, sino más bien a riesgos, pero que a la larga son efectivos.

8. "Calling all girls": Aunque "Action this day" tiene momentos buenos, si he de quedarme con una aportación compositiva de Roger Taylor al disco, me quedo con esta "Calling all girls". Estribillo acertadísimo, oscilante, delicioso y algo juguetón. La guitarra acústica nos ofrece un deje de rock clásico suave, que nos evoca en parte a "Crazy little thing called love" del predecesor "The Game". Fue otro de los singles, con un videoclip curioso, que no sé si evoca en parte algunas de las ideas apuntadas en la película "La Fuga De Logan" de unos años atrás.

9. "Las palabras del amor": Delicada balada es "Las palabras del amor". Tiene buenas partes, pero creo que su estribillo chirría algo con esa mezcla de idiomas. Y eso que cantan en mi idioma, pero creo que no resulta muy allá. Sin embargo,funcionó relativamente aceptable como single. Es delicada y no está mal, más allá del choque idiomático que a mi me produce. Quizás sean cosas mías exclusivamente.

10. "Cool cat": Que John Deacon sea un compositor que valore mucho en general se fundamenta en muchas joyas ocultas que hay en los lps de Queen. Creo que "Cool cat" es un ejemplo de ello. Es una canción de medio tiempo, relajada, hedonista, de formas cálidas y sensuales, con un Freddie perfectamente en consonancia con la melodía y moviéndose en registros más agudos de los que ha venido utilizando al micrófono a lo largo de "Hot Space". A ratos también ha sido mi favorita del disco y cuando en su día accedí a este álbum al completo, allá por finales de 2003, es la pieza que más me quedó marcada y que me traslada a aquellos felices días. Queda bien como penúltimo capítulo del disco y te deja relajado para encajar bien el golpe (positivo) que va a suponer terminar con el hit sin discusión que se incluye en la obra.

11. "Under pressure": Poco más puedo apuntar que no se haya dicho ya sobre la que quizás sea la mejor colaboración que Queen ha realizado con otro artista a lo largo de su existencia. Se juntaron con David Bowie para dar lugar a esta pieza donde nuevamente la línea de bajo de John Deacon se marca a fuego y queda como una de las más famosas ejecutadas por él. La canción es épica, sobre todo en su tramo final. Se compone principalmente de frases sueltas, bastante rotundas en la mayoría de los casos y esos juegos vocales que Freddie sobre todo empezó a usar frecuentemente a partir de ese momento (delicia de juego para los asistentes a los conciertos a la hora de repetir lo que Freddie proponía). El videoclip es impersonal con escenas de películas clásicas e imágenes de demoliciones de edificios. Una pena que por agendas no se pudieran juntar los Queen y Bowie para haber inmortalizado la colaboración con un videoclip en los que salieran juntos. La canción va ganando fuerza instrumental desde la casi nada (con los chasquidos de dedos) y tiene esa estructura de empezar de la nada y volver a acabar en la misma nada después del estallido y la épica final, puesto que tras ese "esto somos nosotros mismos" se acaba nuevamente con los chasquidos de dedos. La parte final es realmente maravillosa tanto por parte de David como por parte de Freddie. Emociona aunque la hayas escuchado 4 millones de veces. Fue nº 1 en los charts. Normal. Acabar un disco así es para quitarse el sombrero. No optó Queen por la lógica comercial de ponerla de arranque, sino de darle un enfoque más trascendental al disco poniéndola en el último lugar, de tal forma que cuando el silencio se apodera de tu estancia, te quedas pensativo, absorto. Una maravilla.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Ni la crítica en general ni los fans de recorrido de Queen vieron con demasiados buenos ojos a "Hot Space". El tiempo tampoco ha terminado de ponerle en el sitio que se merece, cosa que sí que sucede en parte con otras bandas y otros discos malditos (ya he oído voces por ahí que defienden "A Broken Frame" de Depeche Mode y al "The Top" de The Cure). El single previo "Under pressure" sí que tuvo mucho éxito, siendo un justísimo nº 1 en los charts, pero no hubo más singles que destacasen y ninguno más ha formado parte de los volúmenes "Greatest Hits" de la banda.

No obstante, la gira es lo que mejor funcionó. Y es que para entonces Queen ya habían terminado de desarrollar todo su potencial sobre el escenario, ofreciendo unos shows arrebatadores y arrolladores, cosa que permaneció en el futuro hasta que el grupo dejó de hacer giras unos años más tardes.

Este disco de portada colorida, dividida en 4 cuadrados de colores con boceto del rostro frontal de los 4 componentes del grupo, supuso un retroceso comercial de la banda. Ni siquiera hizo podio en la lista de álbumes más vendidos, quedándose en el 4º lugar como posición más alta lograda.

Con "The Works" de 1984 el grupo no dejó en parte el experimentalismo, pero también supieron compensar con canciones más reconocibles de su estilo que lograron un mejor funcionamiento como singles ("I want to break free", "It's a hard life", "Hammer to fall"), aunque quizás mantuvieran sus inquietudes de mirar a nuevas formas con la en parte arriesgada "Radio Gaga" de Taylor, la cual saben ustedes que fue un gran éxito.

Creo que "Hot Space" es un disco muy reivindicable. Sí es cierto que supone mucho riesgo en ciertos momentos con respecto a la historia y trayectoria de Queen, pero tampoco es un disparate ni algo inasumible. Abriendo un poco los oídos y apoyándose en lo siempre reconocible del grupo, que no deja de estar presente, es un lp que termina ofreciendo cosas más interesantes, por si acaso "Under pressure" no les fuera suficiente. Y es que un lp que contiene "Under pressure" ya se mantiene por ese solo detalle, pero no creo que "Hot Space" sea ese caso.
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