Aunque su estreno fue el pasado 16 de marzo a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), lo cierto es que la entrevista la llevamos a cabo el 19 de enero de 2019 en torno a las 14h, antes de que se llevara a cabo la emisión en directo del programa que dedicamos a “Eat To The Beat” de Blondie.
Gracias a las gestiones de Mariano González, conseguimos la aceptación por parte de Shuarma para compartir una hora de radio y rendir tributo a ese gran lp que es “Azul”. De manera muy amable, el cantante de Elefantes atendió y respondió todas las preguntas que le lanzamos Luis Felipe Novalvos, el propio Mariano y Víctor Prats.
Desde “DMR”, aunque ya lo hicimos micrófono abierto y cerrado, queremos una vez más agradecer a Shuarma su participación en nuestra humilde historial en las ondas. De igual forma, agradecemos a la gente de Hook Management las facilidades en las gestiones previas que llevó a cabo Mariano González para cerrar la elaboración de este programa.
El que ha sido el 10º de nuestra 10ª temporada, fue un programa lleno de buena música, derivado de las canciones que seleccionamos de “Azul” para su escucha intercalada, y repleto de aspectos interesantes sobre el disco y otros aspectos más generales de Elefantes. Por si no lo pudieron escuchar en su estreno, ni en la redifusión de ayer a las 15.00h en el dial de RUAH, les insertamos el reproductor aquí mismo y les ponemos enlace a su alojamiento en Ivoox de la misma forma: https://www.ivoox.com/dmr-10-10-audios-mp3_rf_33885957_1.html
Dirá alguno que qué poco tiempo hemos tardado en hacer el programa de radio tras la publicación del post en el blog. Pues sí, y es que teníamos muchas ganas de hablar de este disco de The Killers, el último de estudio hasta la fecha. Nos gusta mucho en general “Wonderful Wonderful” y las opiniones que expresemos en antena serán en general a favor.
Este sábado 30 de marzo de 2019 a las 16:00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) podrán escucharnos debatir sobre el último lp de los de Las Vegas a Óscar Cañas, Mariano González y Víctor Prats.
Será un programa cargado de buena música a cargo de Brandon Flowers y cia. y con las diversas y variadas reflexiones y análisis en general que les ofreceremos los que tomaremos parte del mismo. No se lo pierdan.
No podía pasarnos desapercibido en “DMR” que Aviador Dro cumpliesen cuarenta años, siempre hemos sentido interés en su música. En primer término uno de los hitos de “DMR” fue entrevistar a Servando Carballar (aka Biovac), lo hizo Víctor Prats, para hablar de su clásico LP “Cromosomas Salvajes” (1985). Por otro lado hemos tenido ya ocasión de verlos en directo alguna vez (Víctor Prats más que yo) y sabemos del buen hacer de la banda madrileña.
Andan Aviador Dro últimamente muy festivos; si hace poco estuvieron actuando de pregoneros en el barrio de Prosperidad (zona iniciática del grupo) en esta ocasión se trató, ya decimos, de su cuadragésimo aniversario. El lugar adonde fuimos los celebrantes fue la Sala Changó, sitio que visité hace no mucho con ocasión del concierto de “The Coral”.
Poco después de abrirse las puertas quedamos en la entrada Víctor Prats, su novia Susana y servidor de ustedes. Hubo tiempo para una charleta previa búsqueda, eso sí, de un lugar donde pudiera aposentarme debido a mi consabido problema deambulatorio. La Sala Changó tiene una cualidad favorable para mis intereses; que haya sillones circundando todo el perímetro. No lo es tanto, sin embargo, que la disposición de las columnas me bloquease una parte de mi campo visual, aunque bien es cierto que nos situamos cerca del escenario.
Futurismo, ciencia ficción, anarquía, ciborgs y mutantes. Nada de esto puede faltar en un concierto de Aviador Dro. De todo eso y más salimos sobrados. La concurrencia fue abundante en cantidad y también en biodiversidad. En Sala Chango se concitaron veteranos, jóvenes, punks, cyber punks, parentela gótica y fans insobornables del techno.
Un poco después de las 21:00 la banda sale al escenario. La formación tuvo unos componentes fijos como los ya conocidos Biovac N (Servando Carballar), Arcoiris (Marta Cervera), Genocider F15 (Mario Gil), ATAT (Ismael contreras) y CTA 102 (Alejandro Sacristán). Luego aparecerían otros aviadores honorarios. Todos aparecieron ataviados con unos trajes anti radiación de un blanco impoluto dando un toque entre fantasmal y nuclear y, en realidad, parte de su imaginario.
¿Cómo empezar una revisión a cuarenta años de carreta? Pues por el principio, es decir, por “La Chica de plexiglás”, el primer single de la banda. Como la canción es animada fue un acierto, aparte de por coherencia cronológica, por meter al público fácilmente en el concierto. Todo fue movimiento, baile, energía cinética. Hubo clásicos de época temprana como “Rosemary”, “Programa en espiral”, “Obsesión”, o “Nuclear sí”. Con esta última canción los aviadores se quitaron sus atuendos anti radiaciones y se quedaron con una vestimenta más manejable, ligera, pero también idiosincrática; trajes negros bajo chalecos/plumas anaranjados. La versión de “Nuclear Sí” fue más larga y oscura de lo normal. En general las canciones sonaron más actualizadas y contundentes que las versiones originales, pero afortunadamente no se perdió nada en la transformación.
¿Cómo resistirse ante clásicos como “Selector de frecuencias” (acaso su tema más conocido), “La ciudad en movimiento o “Vórtex”? La respuesta del público siguió siendo entusiasta al cien por cien. Fue muy simpático y afortunado que incluyesen en el setlist “La televisión es nutritiva”, divertidísima, socarrona y muy cantable con ese estribillo alargado en el que el público participó potentemente. Otras alusiones curiosas fueron cinéfilas; así, por ejemplo recordaron que no solo ellos, sino también la película Alien, cumplían 40 años. Consecuencia: sonó “El intruso”.
Toda fiesta de cumpleaños que se precie ha de contar con invitados, y Aviador Dro supieron acompañarse de una selecta reserva de amigos. Nada más y nada menos que Julián Hernández de Siniestro Total se subió a las tablas para co-interpretar, en una curiosa versión, “Brigada de demolición”; canción harto oportuna dada la confluencia de espíritus punk que había en el escenario.
Otros amigos muy curiosos son L-Kan. No es la primera vez que les veo en directo, allá por finales de 2004 recuerdo haberlos visto, gracias a la invitación de una amiga, cuando presentaban “Discazo” en un evento al que también acudieron Jesús Ordovás y Nacho Canut. La canción que interpretaron en comandita fue “Corazón de batidora”, una descacharrante excentricidad a la que insuflaron, entre todos, nueva vida.
Más presentaciones de postín: nada más y nada menos que Ana Curra. En este caso, además, la canción a interpretar fue “Unidos”, uno de los clásicos de Parálisis Permanente. Uno de los momentos salvajes y directos de la noche y, sin duda, una agradable sorpresa. A Ana Curra, por cierto, siempre la vemos los de “DMR” haciendo colaboraciones. Es de recordar el buen show al que asistimos (los mismos que ayer) en el Universimad de 2010 junto con Digital 21.
Otro momento que es necesario destacar es cuando se unió “un aviador en la reserva”, como le denominó Biovac”, para interpretar “Radiante”. Nos referimos a Nexus, al que pudimos ver en la percusión electrónica siendo éste un momento casi nostálgico, pues Nexus formó parte de la banda unos años.
¿Hubo más compañeros de viaje? Sí. Un avance de los que será su próximo disco, “Technotitlán”, trajo consigo a los mexicanos Ford Proco. “Technotitlán”, por lo que explicó Biovac, será conceptualmente una ucronía donde son los aztecas los que conquistan Europa. El caso es que con la presencia de Ford Proco pudimos escuchar un prometedor avance a base de una canción larga, sinuosa y sugerente.
Más curiosidades; una canción inédita (al menos para mí) fue “Estrella de Youtube” y dada la mención de Biovac a Mario Gil y que oí la palabra “soplapollas” supongo que se referiría a Rudy Soplapollas, proyecto primerizo de Mario. Desde mi posición no oía casi ninguna de las alocuciones de Biovac pero me supongo que irían por ahí los tiros. El caso es que “Estrella de Youtube” sonó divertida y venenosa, en el mejor sentido de la palabra.
Una agradable sorpresa fue “Aracne”, single ya de los dos miles, y que me resulta muy simpática de escuchar. Las canciones de diversas épocas se iban entreverando; temas más clásicos como “Antimateria” y otros más recientes como la propia “Aracne” o “Yo, cyborg” armonizaron perfectamente. Según nos aproximamos al final del concierto sonaron temas de “Trance” como el vigoroso rap de “Vivir para Morir” o la hipnótica canción título.
El interludio de los bises no duró demasiado y pronto tuvimos a los aviadores sobre el escenario. Sin embargo Biovac ya nos avisó de que se les echaba el tiempo encima y que iban a ser breves. Solo hubo una canción extra pero dejó el concierto por todo lo alto. La apabullante, gritona y épica “El Retorno de Godzilla” nos soliviantó gozosamente a todos mientras gritábamos a pleno pulmón. No faltó ni siquiera el mismísimo Godzilla, que se paseó por el escenario para deleite de todos nosotros.
Aviador Dro se encuentran en plena forma. En lo musical han conseguido adaptar sus clásicos a las usanzas actuales sin perder ni un átomo de fuerza. La estilística además fue variada, desde el techno puro hasta momentos cercanos al EBM o la música industrial. Lo más llamativo sobre el escenario fue la entrega de Biovac como maestro de ceremonias y los inenarrables bailes de CTA 102. Hubo detrás del grupo una pantalla donde se pudieron ver vídeos musicales, actuaciones añejas e imágenes preparadas para la música. Además Aviador Dro siempre añaden alguna simpática performance en forma, sobre todo, de lanzamiento de pasquines o de blandir de banderas con simbología del grupo. Tampoco faltó Metalina 2 (toda una clásica) manejándose con probetas y potingues que generosamente distribuía entre el público adyacente al escenario.
Para Aviador Dro ser modernos no es una pose o un mero seguidismo gregario de una moda, es algo indisoluble de su adn, de sus cromosomas salvajes. En “DMR” fuimos testigos de ello. Me pregunto cuántos grupos actuales seguirán con esta vitalidad dentro de 40 años. Felicidades aviadores.
CRÓNICA POR VÍCTOR PRATS:
Sabía del riesgo en lo personal, pero aún así, no podía perderme la ocasión. Y es que se da el caso de que el pasado sábado 23 de marzo era una fecha señalada para mí, donde tenía lugar algo clave en mi vida. La cosa podía no salir bien, y así fue desgraciadamente. No obstante, semanas antes, a riesgo de no estar para muchas juergas en la noche del pasado sábado, compré mi entrada, porque, estuviera como estuviera, esa noche había que estar en la sala Changó para asistir al concierto 40º aniversario de El Aviador Dro Y Sus Obreros Especializados, grupo de alguna manera amigo de “DMR”, ya que entrevistamos a Biovac N hace ya mucho mucho mucho tiempo (parece mentira el tiempo que ha pasado ya).
Las entradas se agotaron, dimos fe de ello cuando en la puerta, cuando íbamos a acceder, a 2 chicas les dijeron que si no tenían entrada que se olvidasen. Entramos al recinto a eso de las 20.30h y la sala ya estaba prácticamente a reventar. Nos situamos en el lateral izquierdo, casi en paralelo a la línea del escenario, intentando evitar las columnas de la sala en nuestra perspectiva.
Fueron bastante puntuales los obreros especializados y con su gurú Biovac N (Servando Carballar, Vandi según Fernández Abel de Alphaville –una vez que tuvimos una velada con este referente de nuestro pop-) a la cabeza se plantaron a interpretar una animosa “Chica de plexiglás” que fue la mejor forma de comenzar con 2 horas de historia de nuestro pop electrónico. Con sus sintes antiguos, se hicieron con esta pieza primigenia de su repertorio y luego con “Láser”, que ya contó con las performances de Metalina 2 (María Jesús) y CTA 102 (Alejandro), que se sumaron a los ya presentes en escena Arcoiris (Marta), Genocider F15 (Mario) y ATAT (Ismael).
De “Alas Sobre El Mundo”, su primer lp hubo un generoso escrutinio de los temas. “Obsesión” fue la primera en desfilar, pero tampoco faltaría “Brigada de demolición”, que a falta de Poch, buena invitación estelar fue la de Julián Hernández de Siniestro Total (el cual se merodeó por nuestra zona un rato antes) para darle un punto a este tema. “Selector de frecuencias” se incorporó también a la fiesta y nuestra predilecta “La televisión es nutritiva”, en una versión bastante actualizada.
Con recuerdo al también 40º aniversario de “Alien, El 8ª Pasajero”, también cayó “El intruso”, a la que quizás le faltaron sus vocoders con esos repetitivos “alerta” de la versión de estudio que tan curiosos quedan.
El grupo no se detuvo solamente en lo más antiguo, donde también apareció, muy acertadamente “Antimateria” por continuar citando momentos, sino que miraron al presente y tiempos menos lejanos. Sorprendió la bailable “Aracne” de “Confía En Tus Máquinas”. Hubo varios invitados de relumbrón como el mencionado Julián de Siniestro (por cierto, en la foto de debajo de este párrafo) o Ana Curra, y muchos más como la gente de L-Kan, los mexicanos Ford Proco (con los que nos ofrecieron una pieza de su próximo trabajo que sonó realmente prometedora), antiguos componentes del grupo y muchos más.
En el tramo final no podía faltar el desparrame de “El retorno de Godzilla”, cuyo anticipo vivimos unas semanas antes en el Carnaval de La Prospe. Y, esta pieza, no olvidemos que se incluía en el maxisingle de “Nuclear sí”, que no se podía obviar y se incluyó en el tramo inicial del concierto, además con interpretación doble: toma original y toma actualizada. Para entonces el grupo iban con sus máscaras protectoras y los monos desechables blancos encima. Luego se quedaron con sus chalecos rojos acolchados (que en ellos no tenían para nada la connotación política que a prendas parecidas se les da últimamente) sobre indumentaria negra.
Del set list hubo varias sorpresas agradables, si bien también hubo ausencias notables para la ocasión (“Himno aéreo” o “Amor industrial” quizás las más echadas en falta). Y es que por ejemplo la también antigua “Rosemary” no dejó de sorprenderme en el tramo inicial del show. También estuvo muy bien recuperar “Vivir para morir”, apertura de “Trance” de 1991, que supuso un chute de adrenalina en el sector avanzado de la noche. Más esperada podría ser “Vórtex”, pero no por ello no dejó de ser uno de mis capítulos favoritos de la velada, junto a la inestimable “Programa en espiral”, que nuevamente me conquistó con su bonita melodía; ahí les dejo el vídeo.
Comentando algo del espectáculo al margen de la música, en la pantalla de fondo estuvieron muy bien las proyecciones del grupo interpretando las canciones en vídeos antiguos de actuaciones en tv. No era preciso un despliegue mayor para causar el efecto deseado en una noche y fecha tan señalada. La sala estaba a reventar y la gente estuvo muy intensamente metida en el concierto de principio a fin. La comunión entre entrega de banda y público fue perfecta.
Al terminar nos tomamos algo en una terraza al lado del local y Servando al rato también salió y se quedó en el mismo sitio, pero unas mesas más abajo que la nuestra. Salimos satisfechos de lo visto y ciertamente el concierto me ayudó a llevar mejor las penas del duro momento, así que, gracias Obreros, ha sido un placer asistir a vuestra fiesta.
Entre “Battle Born” y “Wonderful Wonderful” pasó un lustro. El lapso de tiempo más extenso de la banda hasta la fecha para editar nuevo material. Y la espera mereció la pena. Entre medias proyectos en solitario (2º disco de Brandon por ejemplo, que pasó mucho más de puntillas que “Flamingo”) y una sensación actual de poca conexión entre los 4 miembros.
Esto de la cohesión de banda se aprecia en que el guitarrista Dave Keuning no aparece en las fotos promocionales del libreto y contraportada y que el bajista Mark Stoermer en algunos conciertos de la gira no le he visto en el escenario. Sin embargo, el que parecía el díscolo de los 4, el batería Ronnie Vannucci, continúa fiel al lado de Brandon Flowers en todos los aspectos.
Volviendo a hacer una ligera reseña del previo álbum (para información más a fondo lean el post que hay en el blog), “Battle Born” supuso un trabajo en general más que aceptable; solamente le veía carencias en algunos pasajes baladísticos quizás demasiado melosos. Con “Wonderful Wonderful” el grupo deja de lado ese exceso de azúcar en las baladas y le mete alguna épica americana de sonido en algunas canciones que nos vienen a evocar el notable “Sam’s Town”.
Para mi gusto “Wonderful Wonderful” mejora a “Battle Born” y voy a intentar justificarlo en mi análisis canción a canción. Arranquemos.
ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Wonderful wonderful”: El disco arranca con esta canción, que ya de paso le concede el título a la obra, de sonido potente y con unas dosis leves de decadencia que le confieren cierto encanto. Carácter cáustico y poco amable, pero que a la larga tras el paso de las escuchas termina convenciendo como adecuada apertura.
2. “The man”: Primer single de la obra y un tremendo acierto. Esta canción se mueve entre el funk, el disco, el rock, el glam y la exageración. Brandon se muestra ante el micrófono en casi todos sus registros (agudos, graves, pasotas, vacilones). No precisa de darle demasiados repasos para terminar quedando enganchado a sus ritmos. El videoclip, que versa sobre un Brandon desempeñando varios papeles de tíos que van de triunfadores ególatras y pasados de vueltas en algunos casos, pero que en el fondo son unos pobres diablos, es también un acierto total.
3. “Rut”: Canción de entrega (al menos eso me transmite su estribillo tan marcardo), con un cierto aire derrotista. Quizás sea la pieza que más pueda acercarse al sector de los himnos compuestos por el grupo en disco anteriores. No está mal del todo, y de hecho ha sido escogida como single.
4. “Life to come”: Se titula “Life to come”, pero tenía otra opción clara título como podía haber sido “Call my name”. No en vano, estas 2 frases son las que copan el ampuloso estribillo (casi queriendo acercarse a la ofrecida en “This river is wild” de “Sam’s Town”, pero evidentemente con otro sentido distinto). Es una canción que se mueve en un pop amable y en un tempo medio que sube enteros en el citado estribillo. Nos permite coger carrerilla para los 2 capítulos más sobrecogedores que vienen.
5. “Run for cover”: Quizás “Run for cover” pudiera ser la mejor canción del disco. Al menos la más briosa y pegadiza; esto último sin duda. Fue el 2º single (con un videoclip algo agrio, que aborda el tema de la violencia de género) y con mucha justicia. Detalles a tener en cuenta muy en positivo: a partir del 2º estribillo las notas de guitarra que en el mismo dan la réplica a Brandon en sus pausas vocales, tremendamente potentes y grandilocuentes, las cuales supongo de Dave Keuning. Brandon se muestra acelerado, sentido y vibrante el micrófono. Un trueno o avalancha de canción, que son de esos ejemplos que reaniman a un muerto. Gloriosa.
6. “Tyson vs Douglas”: No baja el pistón la siguiente canción de título reminiscente al mundo del boxeo. La canción es nuevamente un chute de adrenalina, pero que se desmarca de la potencia controlada de “Run for cover” para ahondar en un toque más sentimental, que no sensiblero. De primeras no me entró, pero sin duda termina siendo esta “Tyson vs Douglas” uno de los puntos fuertes a la hora de escuchar el disco de cabo a rabo. Importante papel de los teclados en la melodía de esta canción.
7. “Some kind of love”: “Wonderful Wonderful” para mi gusto supera a “Battle Born” por casos como este que nos supone “Some kind of love”. Y es que esta pieza es una balada, pero que no cae en el babeo de algunos pasajes del disco previo. La canción se aborda desde un sonido crepuscular y vagamente decadente que le confiere encanto y hace que sea un capítulo más que agradable.
8. “Out of my mind”: Quizás líricamente no aporte mucho, pero melódicamente “Out of my mind” es otro de los temas que claramente llegan al fan. Las notas de teclado, con esa melodía tan sencilla, van y vuelven cuando hacen falta y Brandon juega en las voces en un tono relajado y gustándose mucho. Canción que versa sobre gustos musicales, con numerosas referencias a músicos (Springsteen, McCartney, etc.), que puede ser a ratos mi tema favorito del disco.
9. “The calling”: Nos encontramos a una pista que son de las que me hacen evocar a “Sam’s Town”. “The calling” se desmarca del encanto de “Out of my mind” para dar lugar a una pista más rabiosa, pero de medio tiempo. El estribillo sube el pistón rockero. Quizás sea de los pasajes que menos me atraigan, al menos en las primeras pasadas, pero está lejos de ser una composición que baje el nivel del disco. Se mantiene una buena media.
10. “Have all the songs been written?”: El disco termina oficialmente con “Have all the song been written?”. Es una canción lenta, vagamente melancólica (pero sin llegar a exageraciones) y que no supone un final agreste. Se aleja de otros finales más llamativos de la trayectoria del grupo, por lo que de alguna manera la banda sorprende con este cierre tan de perfil bajo. De los bonus tracks (que yo me compré la versión deluxe), destaco sin duda “Money on straight”, un capítulo hedonista, relajado y casi tropical, pero que acierta en el bueno gusto y no como sucedió con otros experimentos parecidos que el grupo probó en “Day And Age”. De los remixes de “The man” (2 metieron), no me merece la pena comentar mucho, ya que ninguno mejora la toma principal.
RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Con este disco el grupo no es que haya vuelto a ser la sensación planetaria que fue hace 10 años. “The man” recuerdo que fue usado en un anuncio promocional de la Supercopa de Europa de fútbol del verano de 2017, en el que salía José Mourinho en primer plano (muy graciosa la asociación de ideas) y poco más.
Curiosamente, en nuestro país la mayor repercusión vino de la mano del famoso vuelo en el falcon presidencial de Sánchez Castejón al FIB para ver la única actuación del grupo en nuestro país de la gira del disco (malditos festivales y sus exclusividades contractuales... ¡hijos de p...!).
Y es muy curioso, ya que quizás Brandon Flowers debería formar parte del panorama político español: es capaz de poner de acuerdo a gente tan dispar como al expresidente José María Aznar y al periodista Luis María Ansón con el actual presidente en funciones Pedro Sánchez. Lo que The Killers unan...
Al margen de resultados comerciales o de mayor o menor repercusión internacional, considero que el disco, con portadas distintas para la edición deluxe o normal (pero con la caracola rosada como elemento en común) en calidad es muy bueno. Lo veo al nivel de “Sam’s Town”, quizás solamente por debajo del imbatible debut “Hot Fuss”. La situación del grupo ya es otra cosa, porque, como dije en la introducción, no sé si habrá mucha cohesión entre los 4 miembros en la actualidad; no en vano, he encabezado el post con una de las muchas fotos promocionales en las que la banda aparece como trío sin Dave Keuning.
Sea como sea, espero que el siguiente disco de la banda siga en la línea ascendente que llevan desde “Day & Age”, que si bien fue el disco que les catapultó (por disponer de “Human” en su listado básicamente), pudiera ser el trabajo menos consistente en conjunto de su historia.
“Rattlesnakes” es un disco de 10. Defendimos el pasado 9 de marzo de 2019 su valía en antena Mariano González y Víctor Prats, hablando de las numerosas bondades que incluye este debut discográfico de Lloyd Cole y de la que fue su banda en los 80 The Commotions.
El programa se hizo en directo a las 16:00h del citado día y se pudo escuchar en el dial on-line de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). No obstante, por si no nos siguieron en ese instante, aquí insertamos el reproductor para su escuchas y les dejamos enlace a Ivoox y su alojamiento en la plataforma, si bien creo que ha habido cambios con respecto a las descargas de los podcast (no estoy ahora muy al corriente, la verdad): https://www.ivoox.com/dmr-10-9-audios-mp3_rf_33443391_1.html
Era justo que algún día rindiéramos merecido tributo a un disco tan notable de nuestra historia musical nacional como es “Azul” de Elefantes. Es importante por su éxito en su momento y por su calidad/elegancia. El grupo fue capaz de aunar con el fondo pop una serie de sonidos y estilos que cuadraron a la perfección.
A poco tiempo de que el disco cumpla 20 años desde que vio la luz, tuvimos la suerte, el honor y el placer de contar con Shuarma, el cantante y cabeza visible de la banda para poder llevar a cabo este programa.
Shuarma compartió la hora íntegra del programa con Luis Felipe Novalvos, Mariano González y servidor de ustedes, comentándonos muchas cosas interesantes sobre el disco en particular y sobre la historia de Elefantes en general.
Sin ánimo de resultar prepotentes, creo que nos quedó un grandísimo programa.
Llega el momento del estreno de uno de los puntos fuertes de nuestra 10ª temporada de radio. Fue antes del programa que hicimos en directo sobre Blondie y su “Eat To The Beat” cuando a las 13.30h del 19 de enero de 2019 contactamos por teléfono con Shuarma, cantante de Elefantes, para rendir merecido tributo a su exitoso disco “Azul”, poco antes de que el mismo cumpla 20 años desde su edición.
He de afirmar que, si bien nunca nos hemos encontrado casos de entrevistar a gente desagradable, el caso de amabilidad y cercanía que Shuarma nos reportó es digno de mencionar. Compartió la hora de programa íntegra y nos contó cosas muy interesantes sobre el grupo en general y sobre el disco objeto del programa en particular.
Este próximo sábado a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) podrán escuchar el resultado. Personalmente hemos quedado muy satisfechos del resultado y esperamos que ustedes piensen lo mismo cuando lo hayan escuchado. Agradecemos a Shuarma su amabilidad y buena disposición en este programa y el habernos permitido llevar a cabo esta entrevista que tanta ilusión nos hacía.
Aprovechamos la ocasión para enviar ánimos a la banda y en particular a su batería Jordi Ramiro, deseándole una pronta recuperación en tanto a sus recientemente anunciados problemas de salud.
Se emitió y estrenó el pasado 16 de febrero de 2019 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Eso fue lo oficial, de acuerdo, pero el programa se llevó a cabo el 2 de febrero de 2019 de 12.30h a 13.30h y, ante la actual falta de continuidad/radiofórmula en RUAH, optamos por “pinchar” la señal y se emitió en directo en ese momento; desconocemos si algún despistado escuchó esta primera emisión por mera casualidad al ser totalmente extraoficial y sin avisar.
Más allá de esta curiosidad, Mariano González y Víctor Prats intentamos poner en valía este extenso y difícil de abarcar disco de los británicos Clash. Pusimos varias de las canciones que lo conforman (bien en 1er. o segundo plano) y pasamos un buen rato recordando a este grupo y tributándoles de alguna manera.
Tenemos entre manos en esta ocasión un programa dedicado a uno de esos artistas que iban profesando otros estilos, géneros y sonidos allá por los años 80. Alejado del techo-pop y otras corrientes, Lloyd Cole junto a The Commotions dieron lugar a varios discos apoyados en un rock suave de matices y formas más clásicas.
Su debut “Rattlesnakes” es un trabajo lleno de grandes canciones y permitió situar a Lloyd Cole And The Commotions como un grupo sinónimo de calidad y buen hacer. No en vano, se ganaron entre otros las simpatías de un tipo tan crítico como Morrissey, que en aquellos días lideraba a The Smiths; imaginen.
Estaba anunciado como un baile de disfraces, pero finalmente fue un concierto al uso (y mucho mejor así). La Orquesta Mondragón figuraba como uno de los reclamos para el carnaval de Madrid que este año se ha celebrado en Prosperidad. El día anterior acudimos a ver el pregón de El Aviador Dro Y Sus Obreros Especializados y ya sabíamos el lugar.
Es curioso, pero siempre que voy a un concierto de La Orquesta Mondragón, siento como si me quitara la espina de aquel concierto frustrado al que un infante de apenas 6 años y medio quería asistir en verano de 1988 en el campo de fútbol de Las Veredillas de Torrejón de Ardoz, cuando La Orquesta Mondragón eran fenómeno nacional con su “Ellos las prefieren gordas” (curioso que este tema lo tengan encerrado en el baúl y no lo saquen en sus conciertos). Mi madre se ve que en su día no lo consideró conveniente. A modo de anécdota, la primera espina me la quité en los carnavales (también) de Torrejón de Ardoz de 2009, cuando aún formaba parte del espectáculo el actor mímico Popotxo Ayestarán.
Salí de casa con lo que creía que era tiempo suficiente para llegar al recinto a la hora que creía fijada de las 21:30h. Renuncié a un plan de amiguetes para ver el fútbol (Madrid-Barça) en casa de uno de ellos para ir solo a este concierto. El caso es que subía el último tramo de la calle Marcenado antes de llegar a la carpa del parque Berlín y lo que empezaba a distinguir de música era “Corazón de neón”. Eran las 21:20h. Luego resultó que no había visto bien el programa, y ciertamente el show empezaba a las 21h. ¡Gilipuertas! (me digo a mí mismo, aclaro).
No sé cuántas canciones me perdí. El caso es que me llevé un sorpresón al ver masificado el recinto. La carpa estaba a reventar y había una cola de acceso de la que no se veía el final y un porrón de gente viendo el concierto desde fuera a distancias que precisarían de unos buenos prismáticos para pisparse de lo que sucede en el escenario.
Me situé al lado de dicha cola, desde la que podía ver a eso de casi 70 metros el escenario con Javier Gurruchaga ya dándolo todo. Luego, cuando pasadas 5 canciones el final de la cola ya se empezaba a ver, me sumé a ella y accedería al recinto a eso de la 7ª canción (de las que escuché). Desde fuera pude vivir esa historia tan jodida que narra la impagable “Garras humanas”, una de mis preferidas de La Orquesta Mondragón. También me cogió fuera de la carpa “Caperucita feroz”, nueva lástima de estar situado tan lejos en esos pasajes del show.
Cuando finalizaba “Anda suelto Satanás”, que Javier dedicó a Luis Eduardo Aute (con quien hizo el dueto correspondiente no hace mucho), es cuando ya accedí y me puse a mitad de carpa en el lateral izquierdo según miras al escenario. No fue una mala ubicación finalmente. Javier y su orquesta fueron generosos. Yo disfruté (bien fuera o dentro de la carpa) de casi 2 horas de música (más lo que llevasen). El setlist no dejó de lado el concepto de “orquesta” y Gurruchaga y sus músicos ofrecieron varias versiones de The Beatles, John Lennon en solitario, Elvis, Ben E. King o The Doors.
Sin embargo, a pesar del buen hacer y versiones de calidad que ofrece La Orquesta Mondragón, yo me quedo con su repertorio propio. Sin lugar a dudas. Lástima que “Corazón de neón” la escuchase a medias y desde fuera del recinto y con “Garras humanas”, aunque ya completa, me pasara lo mismo. Sin embargo, ya dentro, me pude desquitar con el frenesí que supuso “Bon voyage” (esta no me la esperaba), la belleza de “Olvídate de mí” (la cual les hemos insertado un par de párrafos más arriba), “Tic-tac (mi viejo despertador)” o “Viaje con nosotros”.
Esta última, situada en el tramo final, se ofreció en una versión de más de 15 minutos, con espontáneos del público que subieron al escenario a hacer una conga y a los que Javier invitó a cantar y tararear este clásico del grupo. Aunque la calidad de nuestros vídeos es horrible, les hemos insertado arriba de este párrafo el momento que grabamos de este gran tema clásico de nuestro pop.
Se despidieron con la acelerada “Lola, Lola” del disco “Cumpleaños Feliz” de 1983 (antes, a mitad de concierto, también tocaron “Lolita” de su mítico disco de 1987 “Ellos Las Prefieren Gordas”), pero justo antes nos divirtieron con la irreverente “Ponte peluca”, con Javier ataviado con una del estilo de la de Donald Trump (vean arriba), al cual dedicó varios palos a lo largo del concierto; fue muy graciosa la performance cargándose un muñeco hinchable de un periodista que hizo Javier en ese momento.
Como siempre, gran concierto de La Orquesta Mondragón (nunca defraudan), con un Javier Gurruchaga por el que parece que no pasan los años y que demuestra saber aguantar con solvencia y energía una actuación bastante intensa de 2 horas de duración. Personalmente me alegré mucho de ver la capacidad de convocatoria del grupo y más en un día en el que a no mucha distancia del lugar del concierto tenía lugar un partido de fútbol de esos que paralizan el mundo. ¡Olé por Gurruchaga y su gente!
En el año de su 40º aniversario, El Aviador Dro Y Sus Obreros Especializados recibieron un justo homenaje por parte del consistorio de la capital al ser los elegidos para dar el pregón de inicio de los Carnavales 2019, que este año tienen como epicentro el barrio de Prosperidad. Y es muy justo, ya que este grupo icónico e imprescindible de nuestro panorama musical, se creó en el barrio, más concretamente en lo que en aquellos momentos finales de los años 70 se venía a llamar el Ateneo Libertario de Prosperidad (actual Centro Cultural Nicolás Salmerón); curiosamente, por motivos personales que no viene a qué contar, pasé por dicho centro (situado a pocos menos del parque Berlín) unos momentos antes del evento.
La cita era a las 20.00h y no hubo demora. Llegamos un poquito antes a la carpa situada en la zona de pistas polideportivas del parque Berlín y ya se veía a Biovac N (Servando Carballar) y sus compañeros en la rampa del escenario para salir, mientras que creo que eran entrevistados por Telemadrid para el programa “Madrid Directo” (intuyo). Fuimos esperando que, además del pregón, el grupo interpretara alguno de sus temas, lo cual así sucedió.
Pero la cosa fue más allá, ya que el pregón no fue al uso, sino que fue acompañado de las melodías electrónicas del grupo, con Arcoiris (Marta Cervera), Genocyder F15 (Mario Gil) y ATAT (Ismael Contreras). La voz la ponía Biovac N, con proclamas en prosa y alternando estribillos más melódicos acompañándose por CTA 102 (Alejandro Sacristán), que también siempre aporta sus performances en las tablas, además de lanzarnos los panfletos con las proclamas del grupo y sus canciones, que son un preciado objeto de coleccionista para los seguidores del grupo (no fui el único que tras acabar el evento se afanó en coger algunos del suelo del recinto, que no hubieran sido injustamente pisoteados y consecuentemente ensuciados).
A este particular pregón le siguió la interpretación de 3 temas icónicos de la discografía del grupo. Lo siguiente fue “Nuclear sí” (cuyo vídeo les hemos insertado justo arriba de este párrafo -no esperen gran calidad de imagen/sonido-), que sonó muy bien y actualizada. Como la cosa quizás podría resultar algo agreste para las secciones infantiles, que también estaban allí con sus padres, luego el grupo dispuso la melódica y llevadera “Selector de frecuencias”, canción de amor y vuelos, como así la introdujo en esta ocasión Servando.
Pero el desparrame total vino la impagable “Godzilla”, con CTA 102 poseído y disfrazado por el espíritu de este lagarto mutante oriental, montando un jaleo de aúpa. Puso el punto de mayor intensidad de esta miniactuación, permitiendo dejar la fiesta en lo más alto.
Con esto, el grupo aprovechó a la perfección apenas 15 minutos sobre el escenario, dejándonos más que satisfechos a los seguidores que nos desplazamos devotamente al parque Berlín. Quedamos igualmente emplazados para el concierto 40ª aniversario del sábado 23 de marzo; agradezco que este acto homenaje en forma de pregón me haya devuelto a la actualidad del grupo (la última vez que les vi fue en primavera de 2017) y que haya sido antes de que el concierto se haya llevado a cabo. Esa cita no hay que perdérsela y gracias a esto ya tengo mis entradas para la ocasión (precios populares, no se lo pierdan: 20 euros por ver a un grupo como éste y en una cita tan especial es casi regalado).
Quedé muy contento por 2 motivos principales: por ver que este grupo siga en activo y con muchas ganas (nada más hace falta que ver a Biovac N la entrega que le pone en el escenario y al micrófono) y porque recibieran lo que yo considero (reitero, a riesgo de ser pesado) un merecido homenaje a su trayectoria. Profetas en su tierra, en su barrio, como dijimos en nuestros perfiles de las redes sociales. Nos vemos el sábado 23 de marzo de 2019 en el hangar (la sala Changó para la ocasión).
Hoy en día, hablar de Stuart Price, es hacerlo de uno de los productores más populares del panorama dance y pop. Se puede decir que se ha ganado el calificativo de “valor seguro” gracias a sus trabajos bien en la producción, bien como director musical en diversas giras (Madonna, Pet Shop Boys) o bien como remezclador de artistas tan conocidos como The Killers, Coldplay, Keane, Seal o Depeche Mode.
Nadie podía imaginarse la notoriedad que iba a alcanzar nuestro protagonista cuando en la segunda mitad de los 90 empezó a crear su propia música demostrando una hiperactividad realmente sorprendente. Su afán por poner en pie diversos proyectos le ha llevado a crear grupos como Zoot Woman (junto a Adam Blake y Johnny Blake), ocultarse tras alias como Jacques Le Cont, Thin White Duke o el que nos ocupa esta vez: Les Rythmes Digitales, eligiendo este nombre en francés en una especie de homenaje al French House que empezaba a ponerse de moda a mediados de los 90.
Además este nombre en francés funcionaba también como broma. Muchos pensaron que realmente era francés ya que su sonido se encuadraba perfectamente en la música electrónica de baile que se estaba haciendo en ese momento en el país galo, pero la realidad era que Stuart era, por así decirlo, un farsante. A nuestro protagonista le dio por hacerse pasar por francés, pero en realidad él es británico. Un guiño a esta falsa identidad francesa está en el propio nombre del proyecto Les Rythmes Digitales, ya que éste nombre tiene una falta de ortografía pues en realidad, en un francés correcto, debería escribirse Les Rythmes Digitaux.
Con este alias se estrenaría en 1996 con el álbum “Liberation”, un álbum muy diferente al que nos ocupa, donde Stuart practica un sonido mucho más oscuro, frio y denso, muy poco bailable que mezclaba de manera original techno, detalles de hip hop e incluso de jazz. En definitiva un álbum un tanto difícil, lo que explica en parte que no tuviera una gran repercusión.
Tras este primer álbum, Price decide que el segundo será el contrapunto perfecto y si “Liberation” era un álbum poco comercial y sombrío, este “Darkdancer” sería un álbum muy luminoso, a veces de forma exagerada, pasamos a analizarlo.
ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Dreamin’”: El album comienza con un buen pedazo de House donde se nota la influencia de los primeros Daft Punk, y también del Euro-Disco de la primera mitad de los 90. Estilo muy denostado por amantes de la música electrónica de generaciones posteriores, pero que hay que reconocerle el merito de hacernos bailar con mensajes tan simples como los de este “dreamin’” que no para de repetir en su escasísima letra ese “dance dance dance”. Fluidas melodías de sintetizador muy marcadas y un sonido pulcro consiguen que “dreamin” sea un tema agradable y festivo, totalmente luminoso que marca lo que será prácticamente todo el álbum.
2. “Music makes you lose control”: Con un bajo sinuoso con ligeros toques funky, Stuart encara un tema repleto de viejas cajas de ritmos ochenteras, en algunos momentos pareciera que estuviéramos escuchando uno de esos instrumentales que hacia la Human League de la época del “Dare”. Para no dejar el toque ochentero, no podía faltar el correspondiente saxo evocador y un tanto hortera, todo con una pequeña pátina de la escuela “french touch”. Un tema un tanto chirriante, pero sin duda pegadizo que logra su propósito de que el baile no pare, sería uno de los singles del álbum.
3. “Soft machine”: Se trata de un tema bastante agresivo por la lograda combinación de la voz potente y agitada del cantante Thomas Ribero, con una percusión muy machacona, aunque manteniendo siempre un sonido limpio. Ribero realiza su primera colaboración en el álbum y realmente se luce poniendo grandes dosis de emoción, a veces hasta excesiva, pareciera poseído por el mismo Lucifer como dice la letra de la canción “I’ve got Lucifer rising in my head”. Hay que destacar que no son pocos los elementos minimalistas que se incluyen en “Soft machine” adelantándose en unos cuantos años al auge de esta rama de la electrónica, a Price le gusta jugar con el sonido y no duda en distorsionar bajos y sonidos de sintetizador. A pesar de ser un tema con un sonido un tanto áspero, unas oportunas capas de sintetizador dan el contrapunto creando un sonido algo más amable.
4. Hypnotise: A pesar de su título, el tema no es que sea muy hipnótico realmente. Más allá de ritmos repetitivos, de este absoluto rompepistas destaca sin duda por su más que contundente percusión. Con su sonido minimalista, con toques muy electro, nos está mostrando el camino de lo que será los movimientos electroclash, el minimal en la siguiente década. Adelantada a su época.
5. (Hey you) What’s that sound: Uno de los temas con más peso en el disco es claramente esta canción construida a partir de un sampler del éxito “I wish” del rapero Skee-Lo. Todo el tema es por un lado un homenaje al sonido Daft Punk circa “Homework” con ese toque funk y ese magnifica línea de bajo y por otro un nada disimulado tributo a la música de los años 80; esto se hace más que patente en esos chirriantes punteos de guitarra sintetizada y ritmos saltarines. Por si no estaba claro el homenaje a los 80, el video clip realizado para esta canción está plagado de referencias a esa época, Price armado con un Keytar (sintetizador tipo guitarra) recorre una ciudad transformando a diversos personajes en clichés de la década de las hombreras y los blusones; sin duda un videoclip muy divertido y kitsch, que además cuenta con el cameo de Boy George.
6. “Take a little time”: El sonido ochentero continúa, y qué mejor que hacerlo con la colaboración de la potente voz de Shannon. Es muy posible que este nombre no les diga nada pues se trata de uno de esos tantos artistas “one hit wonder” que en el año 1983 tuvo su momento de gloria gracias al single “Let the music play” que mezclaba elementos pop y disco. Está claro que para este “take a little time”, Stuart ha tenido muy presente el antiguo hit de la cantante y ha querido construirle un tema a su medida, muy pop sobre todo en el estribillo que nos recuerda un poco a la primera Madonna. El tema además incluye algún que otro apunte soul y unos pianos house muy del final de los 80 o principios de los 90. En resumen un perfecto numero pop ochentero sin un ápice de ironía.
7. “From disco to disco”: Siendo uno de sus artistas favoritos los germanos Kraftwerk, no podía faltar un tema donde el vocoder fuese protagonista. Un vocoder perfectamente distorsionado a veces de forma surrealista, lo cual unido a una serie de ruidos y sirenas varias hacen el tema más caótico. En realidad esta canción está basada en el mismo tema del grupo Whirlpool Productions que sería un gran éxito en 1996 y el cual sería remezclado por Stuart Price. Una acertada decisión recuperar el tema para este “Darkdancer”.
8. “Brothers”: Se trata de un tema prácticamente instrumental donde se repite sin cesar el titulo de la canción creando una secuencia repetitiva y con algún que otro detalle robótico. Hay que destacar como en un tema tan puramente dance podemos distinguir varias líneas melódicas y de percusión que consiguen esa agradable sensación de preguntarse qué nuevo sonido será el siguiente, pues aquí a Stuart pone su lado más experimental y, alejándose del formato pop, nos ofrece un original tema donde demuestra su creatividad. A destacar también el bajo electrónico hacia el final de la canción dando lugar a un sonido más denso.
9. “Jacques your body (make me sweet)”: Seguimos con otro tema para la pista de baile. Fue el mayor éxito del álbum en formato single; curioso ya que no tiene una estructura convencional y carece de letra, estribillo, etc., pero lo cierto es que sin duda seria beneficiado por el efecto Daft Punk ya que “Jacques your body” está muy influenciado por el duo francés y es un perfecto ejemplo de french touch, con esas líneas de bajo funky que dotan la canción de un ritmo endiablado. A mitad del tema una curiosa línea de sintetizador se añade para dar una pequeña pausa para inmediatamente volverse a lanzar con más determinación, aún si cabe, completando una de esas canciones que es puro electro-funk. El single contaría con un surrealista video clip donde Stuart que interpreta a un músico callejero se ve de repente transportado a un mundo paralelo donde se transforma en superhéroe y es perseguido por un ejército de mujeres; realmente surrealista y hortera pero muy divertido.
10. “About funk”: El título lo dice todo y aquí Price profundiza durante más de cinco minutos en su vertiente más funk, aunque no renuncia a añadir una cálida mezcla de sintetizadores retro con algunas originales distorsiones que tanto gustan a nuestro protagonista. Una pieza que sigue los planteamientos del tema anterior dándole un toque más repetitivo, aunque sin llegar a saturar. Price decide dar fin a la canción con diversos ruidos de una gran ciudad, pero podría haber continuado manteniendo la base rítmica ad infinitum. Es de esos temas que se presta a ello.
11. “Sometimes”: Uno de los temas estrella de este álbum con la colaboración de Nik Kershaw a las voces. Recordemos que Nik tuvo un grandísimo éxito entre los años 1983 y 1986, con lo que de nuevo el guiño a los 80 es evidente. El tema nos ofrece unos bajos atronadores que constituye la base, es destacable como a partir de elementos muy minimalistas (esas cajas de ritmos tan simples por ejemplo) logra crear un tema totalmente pop apoyado por la convincente interpretación de Nik. Sin duda uno de los platos fuertes del disco y es normal que fuera uno de los singles. El tema además contaría con un original video que relata un mundo de ositos de peluche, donde nuestro protagonista oso comete un suicidio producido por la incomprensión de sus semejantes a sus aspiraciones por ser una pop star; merece la pena el visionado.
12. “Damaged people”: De nuevo Thomas Ribero toma las riendas vocales para darle entidad a la que es la canción más profunda y oscura del álbum. El tratamiento de los sintetizadores recuerda a lo realizado por Moby sobre esa época. Una percusión original y juguetona consigue hacer resaltar aun más la interpretación vocal haciendo que Ribero se luzca a gusto. Todo ello en un tema de casi 7 minutos que representa la cara más experimental del álbum.
RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Aunque “Darkdancer” tuvo muchísimo más impacto que su álbum de debut, tampoco es que fuera un gran éxito. Eso sí, singles como “Sometimes” y sobre todo “Jacques your body (make me sweat)” sonaron bastante e hicieron que el álbum no pasase desapercibido.
Con el tiempo “Darkdancer” se ha convertido en un álbum de culto. Hacía falta mucho valor para sacar al mercado en un año como 1999 este compendio de electro, french house y homenaje nada velado a los 80, pero Stuart Price no solo consigue actualizar el sonido ochentero, sino que también va a crear un álbum realmente adelantado a su tiempo ya que va a definir la música electrónica de baile que sonará en la primera década de los 2000 y movimientos como el electroclash. No es casual que el álbum se terminara reeditando (incluyendo un segundo disco de remezclas) a mediados de la década pasada. Tenía sentido pues era la época que le correspondía.
A partir de “Darkdancer” la carrera de Price empieza a despegar. Sigue ganando notoriedad con su proyecto Zoot Woman, se empieza a cotizar muy bien como remezclador, de hecho para muchos críticos su mejor labor esta en este campo ganando diversos premios como los dos Grammys que se llevaron sus remixes para No Doubt (“It’s my life”) y Coldplay (“Talk”), aunque el gran campanazo lo daría con la producción del álbum “Confessions On A Dance Floor” de Madonna, que fue un enorme éxito mundial y que le valió otro Grammy.
Entre sus trabajos más recientes hay que destacar las producciones para Pet Shop Boys, Robbie Williams o Hurts, pero la lista es interminable convirtiendo a Price en una especie de mago del pop que no tiene ningún problema de saltar de un proyecto a otro sin que de momento su sonido se resienta.
