viernes, 23 de octubre de 2020

Lou Reed - Transformer (1972)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Lou Reed es uno de esos casos paradójicos donde se puede ser un clásico y a la vez un artista de culto. En efecto, si miramos a las frías cifras, ni con The Velvet Undergroud, ni tampoco él en solitario ha vendido cifras muy altas de discos. De hecho, “Transformer” es su mayor éxito de ventas, llegando a ocupar el puesto número 13 en el Reino Unido y el 29 en USA. Los singles de este álbum también son los que más repercusión tuvieron. Para ello, baste citar nombres como “Walk on the walk side”, “Perfect day” o “Satellite of love”; clásicos fácilmente reconocibles.

La mayor influencia de Reed quizá haya recaído en el underground más que en el mainstream, pero no por ello deja de ser un imprescindible de la historia de la música rock. Su forma de cantar es perfectamente identificable, no hay un estilo muy parecido al suyo. Es una voz como inconmovible, propia de alguien que parece que pasa de todo, estilosa, quieta, pero que en conjunción con las letras puede ser un puñal. Como ejemplo moderno, se me ocurre Julian Casablancas como sucesor de esta forma de interpretar.

Lou Reed también es el cronista del lado salvaje de la vida, particularmente de la neoyorquina. En los tiempos de la Velvet, mientras el mundo cantaba al son del idealismo hippie, sus letras hablaban de sadomasoquismo, camellos, adicciones varias, historias truculentas. Eran como el lado oscuro de aquellos veranos del amor. Ni que decir tiene que en “Transformer” también encontramos esos elementos, unidos a una especie de bohemia cabaretera y glam de moda que hacen el disco más accesible.

La presencia glam ya se deja sentir desde la icónica portada, donde vemos a Lou Reed con la cara maquillada y el semblante ambiguo. Además, no hay que olvidar la presencia de David Bowie en las tareas de producción, que además le prestó algún músico como el guitarrista Mick Ronson. No hay que confundir esto como una absorción del Duque Blanco hacia Reed; si algo tenía el neoyorquino era personalidad e independencia. Pero no se puede evitar ver alguna influencia estilística.

Mucha gente piensa que éste es el debut de Lou Reed en solitario, pero en realidad es el segundo disco. Unos meses antes había lanzado su primer disco con una nula repercusión comercial. Aun así, lo que tienen en común ambos discos es que de algún modo son obras de transición. En el sentido de que son discos con composiciones, no todas, de la época de la Velvet, pero que no llegaron a entrar en ningún disco. Si acaso sonaron en algún directo. Ello no quita para que incluidas en Transformen tengan su propio espíritu, pero la disolución del grupo estaba cerca todavía. No habían transcurrido ni dos años.

“Transformer” es un disco perfecto para iniciarse en Lou Reed. Incluso los no muy seguidores conocerán canciones que ya son pequeños clásicos, y el estilo es altamente accesible, libre de los experimentos sonoros de algunos trabajos de la Velvet, y de posteriores discos de Reed como “Metal Machine Music” (1975). Además, es una obra que se escucha fácilmente, son unos 36 minutos de duración y no hay bajones significativos en la calidad. “Transformer”, sin duda es uno de los discos esenciales de la historia del rock y un buen instrumento de disfrute.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Vicious”: El punto de partida de “Transformer” es la versión más roquera. Se trata de un glam rock de buen guitarreo y ritmo constante. Contagia una extraña vitalidad, como una pequeña llamada a la locura. La estructura es sencilla y solamente se rompe algo en algún arranque de intensidad, sobre todo al final. Ojo a la chulería de la melodía vocal. Según Lou Reed la canción está inspirada en Andy Warhol. Buen y animado comienzo.

2. “Andy’s chest”: Completamente distinto es el comienzo de esta canción. Lenta, seductora, recreándose en la voz casi hablada de Reed. Hay un pequeño cambio de ritmo que inserta una vena rock de medio tiempo. Incluso se permite un toque de barroquismo con la aparición de unos curiosos coros donde participa David Bowie. En general no deja de ser un rock bastante clásico, agradable y melódico que no teme dejar un sabor algo crápula. Esta es una de las composiciones de la época de la Velvet, y el Andy del título vuelve a ser Andy Warhol.

3. “Perfect day”: Hermoso y trágico es este clásico de Lou Reed, que demuestra que es perfectamente capaz de urdir bellas melodías. Lo que pasa es que la belleza en Lou Reed tiene algo de desolador, de decadencia, de lamento. Incluso cuando el mensaje pretense ser el contrario. Los arreglos de cuerda y pianos son excelentes, y la voz de Reed es personalísima (incluyendo el “pseudogallo” del estribillo). Se insiste mucho en el supuesto doble sentido de la letra, que en lugar de tratarse de asunto amoroso, hablaría en realidad de la adicción a la heroína. Teoría potenciada por la inclusión de la canción en “Trainspotting” en el momento de la sobredosis de Renton. No obstante, Lou Reed niega esta interpretación y dice que es tan solo la historia de un chico disfrutando de un día perfecto con su pareja. Todo un clásico de Reed, versionado por varios artistas. Entre ellos Duran Duran, que en 1995 consiguieron un leve éxito con su propia cover.

4. “Hangin’ round”: Y volvemos al rock y a la querencia glam. Puede que sea una de las canciones de Lou Reed que más se parece al Bowie de la época, pero la melodía vocal sigue los patrones propios del neoyorquino. Los pequeños arreglos de piano en el estribillo dan el punto justo de rock clásico. Esta canción, por lo tanto, es uno de los momentos más genuinamente animados del disco. Un buen contrapeso a la emotividad de “Perfect day”, en lo que es una especie de cabriola estilística.

5. “Walk on the wild side”: Quizá la cancion más conocida de todo el repertorio de Lou Reed. Y no solo por la música, sino por la temática de la letra. A través de unos personajes, que Lou Reed conoció realmente en la época de The Factory y Andy Warhol”, se nos habla de travestismo, chaperos, sexo oral y drogas. Imaginen esos temas en los años 70, o más bien imaginen una canción así ahora y cuántas firmas se recogerían en change.org para censurarla. A lo que vamos. La canción es de una elegancia canallesca, de elementos sencillos donde la voz y el bajo son los constituyentes principales. Los arreglos de jazz catalizan la atmósfera de plácida bohemia, de reflexiones crápulas y nocturnas.

6. “Make up”: Una canción para tocar en un cabaret o en un music hall. Parece una melodía medio burlona debido a esos trombones que suenan eventualmente, y por la entonación algo irónica de Lou Reed. No es de lo mejor del disco, y quizá suene un poco a relleno. En cualquier caso se trata de un relleno agradable. La letra habla del proceso de transformación de una drag queen, siendo la intención de Lou Reed la de escribir una canción de temática gay que no resultase negativa ni trágica, elementos íntimamente asociados en aquel momento con esta cuestión (todavía quedan rescoldos hoy, tristemente).
7. “Satellite of love”: Otro clásico de Lou Reed. Esta dentro de su faceta melódica, y demuestra la capacidad de Reed para componer, si quería, exquisitas canciones pop. No es tan solemne como “Perfect day”, en buena medida por la interpretación de Reed, pero también por algunos coros de fondos, unos curiosos toques de flautín, y un final que es puro chasqueo de dedos. La canción ya estaba compuesta en los últimos tiempos de la Velvet, aunque finalmente se decidió no incluirla en “Loaded” (1970), su último álbum. La letra habla de un hombre mirando desde su televisor como ponen un satélite en órbita, mientras reflexiona sobre las infelicidades de su novia (que es un satélite del amor, vamos).

8. “Wagon wheel”: Otro poco de rock dentro del setlist de “Transformer”, en forma de una divertida canción de medio tiempo, con alguna que otra pausa extraña. Es una canción muy de Lou Reed, con una voz de elegante chulería que consigue conformar un final de lo más adictivo. Es más de lo que parece, y acaba siendo uno de las canciones más pegadizas del disco.

9. “New york telephone conversation”: Lou Reed más cabaretero y ligero que nunca. La canción es una breve melodía burlesca que no aporta nada, pero que tampoco molesta escucharla. Es como esos números que metía Queen en sus discos, del tipo “Lazing on on the Sunday afternoon”. Nuevamente recuerda a Warhol, en este caso por su manía de tener largas conversaciones telefónicas con famosos. Como sí Reed, en este caso, quisiera burlonamente alejarse de su época en The Factory.

10. “I’m so free”: Lou Reed vuelve a mostrar con vehemencia su lado glam. Guitarras y percusiones muy marcadas, en el que quizá sea la canción más contundente del disco. La guitarra de Mick Ronson da una personalidad punzante a la canción, que nunca olvida su ritmo despreocupado. Realmente divertida y vital.

11. “Goodnight ladies”: Para cerrar “Transformer”, Lou Reed decide recurrir a su otro gran recurso estilístico del disco, después del glam, o sea la música de cabaret. Esta vez con un profuso recubrimiento de arreglos de cuerda, como si así el resultado fuese medio vodevilesco, medio decadente. Curiosa forma de acabar, casi al estilo de los años 20 y con un sentimiento casi etílico, de profunda bohemia. El caso es que el protagonista de la letra se lamenta de pasar solo la noche del sábado después de haber roto con su pareja, y no tener mucha suerte en salir en busca de alguna aventura.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
“Transformer “es un disco de melodías bastante accesibles que consiguen que adentrarse en el peculiar mundo de Lou Reed no sea una tarea ardua. Acaso junto con “Berlin” (1973) y el directo “Rock n Roll Animal” (1974), sean sus discos por antonomasia. Es, además, un disco regular, sin meteduras de pata, y con un nivel parejo durante todo el minutaje.

Si acaso, podría prescindirse de alguna canción tipo “New York telephone conversation”, pero no es un desliz grave, como mucho un pecado venial. Mantiene además el tono lírico característico de Lou Reed como narrador urbano que sin ningún tipo de aprensión es capaz de reflejar en sus letras la faceta más sórdida, o menos visible, de la vida urbana. Y es que además de ser ya un clásico canónico del rock, el neoyorquino sigue siendo vorazmente moderno.
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viernes, 16 de octubre de 2020

DMR aplaza nuevamente el estreno de su 12ª temporada en la radio

El estado de alarma que afecta a Madrid, Torrejón de Ardoz y otras localidades de la Comunidad de Madrid, nos impide que arranquemos mañana nuestra 12ª temporada de radio, con lo que el programa previsto sobre "Fever Dream" de Of Monsters And Men se aplaza a priori al 31 de octubre. Mañana, si lo desean, pueden escuchar en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), o el último programa de la anterior temporada sobre ABC y "Beauty Stab" o quizás algún otro antiguo que hayan programado en la emisora.

Esperemos que la situación actual mejore y podamos llevar a cabo el arranque de la temporada, si bien nuestros deseos de mejora de la situación no sean principalmente por nuestro interés particular, sino por el general. De momento, vayan con cuidado y continúen esperando. Al menos, la próxima semana sobre esta hora, tendrán un nuevo artículo de revisión de disco a cargo de Mariano González.
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viernes, 9 de octubre de 2020

Chvrches - Every Open Eye (2015)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Era evidente en su momento, hace apenas un lustro, que ante un debut tan sobresaliente como fue un par de años antes "The Bones Of What You Believe", Chvrches tenían sobre sí varios ojos pendientes de comprobar qué depararía su 2º disco de estudio. El resultado, si no subió la apuesta, considero que al menos mantuvo el pulso al 1er. disco.

Considero a "Every Open Eye" en varios aspectos superior a su predecesor (por ejemplo, su enfoque más sintético, al afrontar un conjunto de canciones menor en número y más coherentes entre sí) y en otros al nivel; quizás solamente pierda la comparativa en lo que respecta a singles potentes, sin quitarle méritos a ejemplos como "Leave a trace" o "Clearest blue" (pero es que "Gun" y "The mother we share", son mucho "Gun" y "The mother we share"; eso es así).

El trío formado por la menudita Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty asumió nuevamente la producción de la obra, aspecto que no considero baladí, visto el resultado de lo que vendría después. Creo que los 3 saben rematar con más sentido sus discos que con un productor externo. Veremos qué es lo que deciden para su 4º lp; yo, en su lugar, retomaría los mandos absolutos.

"Every Open Eye" es un disco de altísima nota. Se le puede dar un 9 sobre 10, o incluso más, sin pecar de generoso. Quizás también sea el disco más elegante en sus formas de los 3 hasta la fecha de los escoceses. Son 11 canciones (la edición normal, que es la que recientemente adquirí; mención especial a todos los bonus tracks de las ediciones especiales, mucho ojo ahí).

En lo personal siempre le tendré especial afecto, ya que durante el curso 2018-2019, cuando preparaba el 2º examen de la oposición que finalmente aprobé, era uno de los discos que me acompañaba para practicar los 30 minutos del supuesto de Word que tenía que desarrollar en esa última prueba para dar carpetazo a uno de mis aspectos vitales que tenía planificado desde tiempos remotos. En esos días lo escuchaba en Youtube, pero hace unas poquitas semanas me lo compré nuevecito online a un precio razonable (algo menos de 9 euros), cosa que era un debe y tenía en mente desde hacía tiempo.

Junto a "Mena" de mi adorada Javiera Mena y "Script For A Jeptster's Tear" de Marillion, "Every Open Eye" era uno de los discos escogidos para esos momentos de dura preparación; a esos álbumes ya les haré hueco en un futuro en sendos artículos, pero ahora toca centrarnos en lo que nos ofrecen estos geniales escoceses en su 2º episodio discográfico de estudio. A título personal para "DMR", con este post nos ponemos al día con Chvrches, ya que tenemos analizados todos sus discos de estudio hasta la fecha, cosa que sucede con pocas bandas en nuestro blog de momento (así que me vengan a la mente, otra de mis bandas recientes favoritas: Of Monsters And Men).

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. "Never ending circles": Arranca la obra con esos sintes tan llamativos jalonados de esos alientos hedonistas de Lauren que nos introducen a "Never ending circles". Canción con un estribillo largo, pero en registro bastante alto y con una cierta épica o tono trascendental, que llaman poderosamente la atención. Fue single, creo, pero sin videoclip. Una excelente forma de abrir el disco. Melodía ensoñadora y una potente Lauren Mayberry al micrófono, mostrando uno de sus mejores capítulos al micrófono en el ya citado estribillo.

2. "Leave a trace": Uno de los singles más potentes del disco fue "Leave a trace" y de alguna manera lo considero pieza clave, ya que hace de perfecto abanderado de la obra al servir de referente sonoro del conjunto. En esta canción se aprecia un tremendo buen gusto instrumental y una notable elegancia, con Lauren bastante comedida al micrófono, salvo en un par de versos del puente donde le mete más garra. El videoclip, con la propia Lauren sobria de atuendo (con un sencillo vestido negro), sirve para afianzar la imagen de elegancia que desprende sonoramente la pieza. Sin duda alguna uno de los clásicos del repertorio de Chvrches que han quedado de "Every Open Eye".

3. "Keep you on my side": De los aspectos más destacables de "Every Open Eye" es que, a pesar de su número no excesivo de pistas -11-, es capaz de cambiar de sentir entre piezas sin que se nos quede una sensación de incoherencia en ningún momento. Un ejemplo es el viraje que meten con "Keep you on my side", donde Chvrches abordan una de las composiciones más enérgicas de la obra. Con un tono ciertamente obsesivo (lo cual se podría intuir solamente con su título), nos encontramos con una pieza de ritmo algo atropellado, pero toda ella muy bien matizada en las labores de producción.

4. "Make them gold": Del frenesí y ritmo de "Keep you on my side", pasamos a la ensoñadora "Make them gold". Diría que quizás sea el mejor estribillo de "Every Open Eye", o al menos el que más emociona al ser escuchado. Las melodías de sintetizadores y las capas de bases creadas por Iain y Martin son una tremenda maravilla. De Lauren solamente podemos seguir afirmando el bueno momento vocal que esta muchacha atravesaba hace 5 años. Plenitud vocal.

5. "Clearest blue": Con "Clearest blue" me pasa algo que de cuando en cuando me sucede con las canciones adoradas por una gran parte de la masa de fans de la banda que sea: es una canción que, reconociendo su valía y gancho, no me atrae particularmente. Fue single, y de rutilante éxito y buen calado en la masa de seguidores de Chvrches. En la gira del disco era un momento también destacado de celebración dentro de los shows. Dispuso de un videoclip curioso, con Lauren a ratos ataviada con una especie de armadura. Es quizás el capítulo más bailable de "Every Open Eye" y conseguían Chvrches ese hito con unas formas que suponían una cierta partida, dentro de la electrónica, respecto a los momentos similares en el debut a esta pieza. Más allá de mis gustos personales (tampoco es que la repudie, no se confundan), es innegable que es el otro episodio para el recuerdo general dentro de la obra de Chvrches que ha deparado a la larga este "Every Open Eye"; además, el título del disco se extrae de la letra de la canción para más señas a los despistados.

6. "High enough to carry you over": Llegamos al interludio del disco, tanto por situación en el track list, como por ser el único momento al micrófono de Martin Doherty en todo el lp. "High enough to carry you over" es una grandísima canción. Es evidente que el sr. Doherty sabe escoger muy bien sus episodios de protagonismo a las voces dentro de los discos. Aquí no vamos a entrar en el debate ya algo manido de la diferencia de calidad de voz entre Lauren y Martin, cosa que en estudio se compensa algo más. Gusta llegar a esta mitad de obra, encontrarnos con un Martin tremendamente sentido a las voces y escuchar esta pieza algo melancólica en sus formas. Buen estribillo y buen trabajo de Martin en la voz, ya que no me imagino a Lauren cantando esta pieza; le viene como anillo al dedo.
7. "Empty threat": El otro momento pop del disco junto a "Clearest blue", es "Empty threat", el cual fue single y dispuso de un chocante videoclip con una panda de góticos que van a un parque acuático a pasar un día; es curioso que, cuando lo vi por primera vez, no sabía muy bien si la chica que acapara el protagonismo era la verdadera Lauren Mayberry (no les tenía muy fichados al grupo por entonces). Evidentemente no lo era, pero sí que te podrías imaginar a una Lauren con 19 añitos, si le hubiera dado por la vena gótica, en esas tesituras. Es una canción llena de ritmo de inicio a fin. Frenética a más no poder. Lauren Mayberry imprime pasajes de la mayor fuerza o empuje vocal, como cuando en el estribillo entona esa primera mitad de verso "estaba mucho mejor cuando...". En directo, Lauren le solía dar a la percusión de forma notable, resultando un capítulo muy llamativo de los conciertos. Aprovecho aquí para decirles que de la gira de "Every Open Eye" hay un porrón de conciertos grabados en una calidad excelente en Youtube. Yo me habré visto unos cuantos y les afirmo que merece mucho la pena reparar en ellos. Terminaré afirmando que a ratos quizás "Empty threat" sea una de mis favoritas del disco. Y es que como chute de adrenalina es muy efectiva.

8. "Down side of me": Podría ser que "Down side of me" sea el verso suelto (o uno de ellos) del disco. Canción larga, de cierto sonido exótico, reflexiva, lenta, pausada, pero tremendamente bella y ensoñadora. Bonita melodía de teclados en el estribillo, y Lauren delicada y cercana tras la sacudida pop que nos regaló en el episodio inmediatamente anterior. Es una canción que podríamos calificar de "slow grower", es decir, que va ganando mucho en tu interior, pero para ello vas a necesitar probablemente más de 4 escuchas al disco. Sirva como curiosidad personal que, cuando preparando el examen de mi oposición, cuando la reproducción llegaba a esta pieza, significaba que ya me quedaba poquito tiempo de los 30 minutos para acabar el supuesto.

9. "Playing dead": Otro cambio de enfoque, sin que tampoco nos suponga un golpe auditivo. De la mano de "Playing dead" afrontamos el pasaje más encabronado y sesudo de "Every Open Eye"; al menos a mí me produce esa sensación. Su enfoque es poco amable y Lauren parece que canta en tono recriminatorio (la letra algo de eso tiene). No obstante, no nos engañemos: no hay nada excesivamente radical, sino que el contraste con la onírica y reflexiva "Down side of me" es tan notable que da esa sensación.

10. "Bury it": Otro single fue "Bury it". De hecho, creo que fue el último. En el mismo colaboró la cantante de Paramore Hayley Williams. El videoclip, de dibujos animados con el grupo en plan superhéroes volando por los tejados de los rascacielos, es divertido cuanto menos. "Bury it" es otro de los momentos de pop electrónico para todos los públicos que Chvrches producen con su toque distintivo. No es mala pieza, pero no es de mis favoritas de "Every Open Eye".

11. "Afterglow": La edición normal del disco acaba con la introspectiva, altamente sentimental y también algo dolida en las sensaciones que transmite "Afterglow". Creo que es el único "pero" que le pongo formalmente a la obra. Opino personalmente que hubiera sido mejor permutar el orden con "Bury it" para terminar con otra cara el disco (algo como lo que acertadamente hizo Javiera Mena en "Otra Era" al decidir cerrar con "Espada" en lugar de "Quédate un ratito más"). Mi cd físico y original acaba aquí, pero los que tengan ediciones especiales cuentan con unos temas añadidos que valen sus segundos de duración en oro. "Bow down", "Get away" y sobre todo la pluscuamperfecta "Up in arms" (esta solamente creo que está en la edición alemana... ¿¿¿wtf??? ) son canciones que hubieran sido acreedoras de ser pistas oficiales dentro del listado regular de cualquier disco de la banda. Una pena que se hayan quedado por ahí como temas inéditos o bonus tracks; es algo parecido a lo que pasó el año anterior con el disco "World Peace Is None Of Your Business" del dios Morrissey.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
El resultado general de "Every Open Eye", disco de portada florida y pixelada por sectores, no contradice mis loas de los primeros párrafos de este post, ya que claramente este lp mantuvo la posición lograda por el debut de 2013 e hizo que la banda fuera reclamo rutilante de 1000 y 1 festivales a lo largo del globo terráqueo; no en vano, a Chvrches los conocí en el S.O.S. 4.8 de 2016 cuando me los topé después de prestar atención a los Manic Street Preachers.

El disco que hoy nos ha ocupado es un ejemplo de pop electrónico de muy buen gusto. Eso se aprecia en gran parte de sus melodías y en su remate, siendo necesario una vez más que puntualice y ponga en valía la labor de producción por parte de la banda. El trabajo funcionó bien. Se editaron varios singles, quedando como clásicos absolutos "Leave a trace" y "Clearest blue".

Sentó las bases para intentar un golpe de efecto mayor para el tercer disco, donde ya las críticas favorables no fueron tan unánimes, cosa que levantó puntualmente la ira de Lauren Mayberry contestando a alguna review que no miraba con buenos ojos a "Love Is Dead". Ya apunté en mi artículo por estas tierras 2.0 y en nuestro programa de radio en el episodio que dedicamos a "Love Is Dead", que no lo considero para nada un mal disco, pero sí inferior en exigencia tanto a "Every Open Eye" como a "The Bones Of What You Believe".

A Chvrches, auguro yo, les quedan por darnos muchas alegrías musicales. No creo que se demore mucho el 4º álbum, quizás 2021, pero con la situación mundial que atravesamos sanitariamente, a saber. Hoy les he propuesto deleitarnos con su excelente 2º disco, lo cual espero que les haya supuesto un buen rato de música al detenerse a escuchar sus 11 pistas. Y sin han tenido la suerte de escucharlo en versión deluxe con esas canciones añadidas tan estupendas, mejor que mejor.
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viernes, 2 de octubre de 2020

DMR aplaza el estreno de su 12ª temporada en la radio

Nos lo temíamos y finalmente así ha sido. Las últimas ordenanzas ministeriales hacen que a partir de hoy a las 22.00h no se pueda entrar ni salir de Alcalá de Henares (y de otros municipios madrileños). Como nosotros no somos residentes en el municipio, lamentablemente mañana no podemos acudir a los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) para llevar a cabo el primer programa de la temporada.

"Discos, música y reflexiones" y la emisora en la que emitimos no somos una actividad ni profesional ni esencial, con lo que no hay salvoconducto que nos valga. Con esto, aplazamos a priori el programa de mañana al sábado 17 de octubre de 2020 a la misma hora. Esperemos que la situación mejor y sea posible llevarlo a cabo.

Sentimos las molestias y pedimos disculpas a nuestros numerosos y masivos seguidores, que se ven privados de nuevo material radiofónico. En la situación actual, hay cosas más importantes a las que prestar atención. Volveremos tan pronto se pueda. De momento, la próxima semana, tocará artículo de revisión de disco. Cuídense mucho y esperen novedades por nuestra parte, les iremos informando.
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lunes, 28 de septiembre de 2020

DMR estrena su 12ª temporada en la radio

Con toda la incertidumbre que rodea al mundo por el coronavirus, nosotros regresamos a la radio y lo hacemos con la esperanza de que la temporada se desarrolle al menos con medio normalidad. Habrá ciertos asuntos personales que también forzarán a esta temporada a ser más reducida de los habituales 15 o 16 programas, pero eso ya es arena de otro costal de la que en su momento informaremos.

Este sábado a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) retornamos a la actividad. No sabemos si Mariano González se atreverá a venir a los estudios con la situación actual; de momento no es posible debido a los confinamientos zonales selectivos aplicados y en vigor hasta dentro de unos días. Al respecto, esperamos que el teléfono al menos funcione y supla su asistencia presencial.

Mantenemos el horario de emisión y la novedad de contenido sigue siendo bisemanal; es decir, un sábado estrenamos programa en directo y al siguiente podrán escuchar a la misma hora (16.00h, repetimos) la repetición. También mantenemos nuestro horario de redifusión de los miércoles a las 23.00h. Una vez que estrenemos programa, el anterior lo subiremos en los siguientes días a nuestro perfil en Ivoox.

También mantenemos nuestra "nómina" de colaboradores, los cuales irán viniendo en la forma que buenamente puedan. Tenemos prevista alguna novedad al respecto, la cual a medida que se produzca irán conociendo.

Por el resto, poco más. Emplazarles nuevamente a que este sábado 3 de octubre de 2020 a las 16.00h nos acompañen en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), ya que sin ustedes, esto tendría poco sentido más allá de darnos el gusto personal de poder debatir sobre lo que consideramos buenos discos y artistas.
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viernes, 25 de septiembre de 2020

Lady Gaga - Chromatica (2020)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Está claro que Stefani Joanne Angelina Germanotta, es decir Lady Gaga, tiene un lugar privilegiado en "DMR". Hemos seguido atentamente su evolución desde esos anuncios promocionando el politono de “Just dance” o “Poker face” en La Sexta, hasta verse convertida en la diva que es actualmente. Parece mentira, pero Gaga ya tiene a sus espaldas una carrera que dura más de una década. Han pasado 12 años desde el éxito masivo de “The Fame”, disco que se nutrió del sonido electroclash de artistas como Fisherspooner o Miss Kittin y lo mezclo hábilmente con un sonido ochentero muy pop y una producción muy saturada. Como todos sabemos, fue el principio de un reinado incontestable que se vería acrecentado por “The Fame Monster” (2009), para muchos su mejor disco aunque solo incluya 8 canciones.

En 2011 llegaría el excesivo “Born This Way”, donde Gaga despliega su personaje extravagante y ególatra hasta extremos desbordantes. El éxito la seguiría acompañando, pero ya se empezaban a vislumbrar signos de agotamiento; pareciera que la artista no podía parar de producir un álbum tras otro, una noticia tras otra, con tal de estar siempre de actualidad.

Finalmente el colapso se produce en 2013 con “Artpop”, que si bien incluye un buen puñado de buenas canciones, entre ellas el hit “Applause”, suena a veces predecible y otras veces demasiado histriónico. Las ventas bajaron de forma muy pronunciada. Aún así, despachó más de dos millones de copias, pero estaba claro que Gaga necesitaba tomarse su carrera con más tranquilidad y darle un nuevo giro. Un año más tarde publica junto al Tony Bennett el disco “Cheek To Cheek”, donde se reivindica como cantante en un álbum de jazz, sin duda el primer paso de una nueva etapa.

Su vuelta al mundo del pop la realiza en 2016 con el álbum “Joanne” que se vendió como su álbum más sincero y personal; en realidad todos los álbumes de Gaga lo son, ya que no para de explotar su personaje, pero aquí el sonido es mucho más orgánico y tiene pocas canciones que se ajusten a su electropop característico. Al final el álbum salvó los muebles gracias sobre todo al single “A million reasons”, aunque no consiguió ni de lejos devolverla a sus mejores tiempos. A esas alturas otras princesitas pop ya le habían usurpado el trono (Dua Lipa o Arianna Grande por ejemplo) y la fiebre por Gaga había pasado, si bien esta conservaba una gran base de fans.

Este giro hacia un público más adulto se completa en 2018 con la banda sonora de “A Star Is Born”, película que la misma Gaga junto a Bradley Cooper protagoniza. De repente un nuevo público descubre a la cantante y el éxito es absolutamente masivo convirtiéndose el single “Shallow” en su canción más vendida.

Llega 2020 y Gaga nos sorprende con una nueva pirueta inesperada representada en un nuevo álbum “Chromatica”, que tuvo que ser retrasado por la pandemia, pero cuya espera ha valido la pena, nos disponemos a repasarlo.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. "Chromatica I": Actúa como una introducción al álbum y es una pieza de apenas un minuto, bastante cinematográfica, adornada por unas cuerdas y una sección de viento que crean un cierto dramatismo.

2. "Alice": El disco realmente empieza con este tema que no se anda con rodeos en poner las bases de lo que será todo el álbum. Estamos ante un tema que rinde un claro homenaje al house de principios de los 90 que Gaga actualiza respetando al máximo el espíritu de este tipo de música. Un house con potentes bases techno y teclados machacones donde Gaga derrocha voz como si fuera digamos Blackbox o M People. El estribillo también es indicativo de lo que nos encontraremos en el álbum: mensajes directos y claros en una especie de búsqueda de la felicidad; Gaga nos dice que su nombre no es Alicia, pero sigue en busca de Wonderland.

3. "Stupid love": He de decir que cuando salió como adelanto no me sorprendió mucho. La consideré una canción de pop facilón correcta y poco más, pero hay que decir que en el contexto del álbum cobra otro sentido y su posición en el tracklist es todo un acierto. "Stupid love", es electropop puro y sin contemplaciones que, como en una buena parte de su discografía, Germanotta carga en exceso hasta crear esa sensación de efectismo excesivo, pero que sin duda es ya marca de la casa y que podrá gustar más o menos, pero desde luego es imposible aburrirse con semejante saturación de sonido. Con “stupid love” Lady Gaga estrena un nuevo estilismo en un video que como el titulo de la canción es un tanto estúpido. Dos tribus enfrentadas en el planeta Chromatica y Gaga que ha llegado para pacificar a estos burros a través del baile. Cierto que el video es hortera con ganas: esos decorados de cartón piedra tan kistch, esa coreografia ridícula e imposible... Todo eso es verdad, pero también lo es que es divertidísimo y que cumple con su función de dar que hablar.

4. "Rain on me": Llegamos al primer dueto del álbum y sin duda uno de los temas estrella del mismo. Muchos nos preguntamos que podía salir de esta unión de divas de diferentes generaciones y el resultado ha sido un tema que abre la puerta a una serie de canciones de este álbum que beberán claramente de la música disco de finales de los 70 y que Gaga mezcla con su sonido electropop clásico. Si a esto le sumas el tema de la superación de las dificultades, tan recurrente en la música disco, y un estribillo que en cualquier momento parece que va a fundirse con el “I feel love” de Donna Summer, pues ya tenemos el hit perfecto. Encima si tienes como invitada especial a alguien como Arianna Grande, que además cumple bastante bien el papel asignado, pues lo más probable es que hit sea de los que hacen historia y así ha sido cosechando numero uno tras numero uno: UK, USA, Alemania, Francia, etc. El vídeo se recrea en aspectos de la portada de “Chromatica”. Algunas imágenes las podemos encontrar en el mismo libreto del álbum. En lo que respecta al video nos encontramos con una Lady Gaga bajo una lluvia intensa y vestida al más puro estilo de mamarracha. Inmediatamente aparece el socorrido cuerpo de baile y la invitada especial Arianna Grande, que por supuesto tiene su propia troupe de bailarines. Es como si cada una de las cantantes estuviera en dos partes distintas del planeta (o en planetas diferentes) y terminasen por unirse. Nuevamente como en “Stupid love” los excesos visuales son la norma en un auténtico festival kistch que no puede dejar indiferente.

5. "Free woman": El viaje por el mundo que da “Chromatica” continúa con una de las canciones más intimas y a la vez bailables del álbum donde escudada por una base house que pareciera de la artista brasileña Corona, Gaga admite que la búsqueda de la libertad absoluta no es un camino fácil y que hay que luchar por ella evitando depender de nadie: “I’m still something if I don’t got a man” nos dice Gaga mientras el baile no para “this is my dancefloor i fought for”. “Free woman” es en definitiva una exaltada celebración de la libertad y la independencia.

6 "Fun tonight": La cantante se sigue abriendo a su público con otro tema bastante personal que retrata de manera precisa el final de una relación y en el que notamos una cierta melancolía mezclada con lo incierto del futuro. Esto no impide que podamos seguir bailando aún en un contexto así; de hecho, “Fun tonight” tiene algo de celebración del fin de una etapa y de un nuevo comienzo. Por ello esta magníficamente situada como la última canción de esta primera parte de “Chromatica”.

7. "Chromatica II": La segunda parte del álbum se abre con un interludio nuevamente cargado de cuerdas y que sirve claramente para que el oyente entre en un estado de tranquilidad interrumpido bruscamente por el siguiente corte.

8. "911": Quizás el tema con un sonido menos retro de este disco. Bloodpop en este caso realiza una producción muy actual, fresca y muy disfrutable en la pista de baile, eso sí, no muy melódica. La canción aprovecha el interludio de introducción para crear un efecto que trastoca al oyente al meter esa base tan potente que no deja en absoluto indiferente. El tratamiento robótico de la voz de Gaga es, sin duda, otro efectismo más que junto con el estribillo crean un tema muy circular e intrigante. Gaga se abre otra vez ante nosotros sin miedo para confesar sus problemas con los antidepresivos y confesar que su peor enemigo es ella misma. Finalmente y después de bastante tiempo, esta canción ha sido elegida como tercer single del álbum y ha contado con otro estrambótico vídeo, que es una especie de metáfora de los problemas mentales sufridos por Gaga y donde se nos muestra un mundo irreal en el que la protagonista está inmersa y el dolor al despertar al mundo real. Nuevamente el vídeo es generoso en lo que se refiere a imágenes excesivas y en algunos casos hasta algo desagradables, pero que nos dejan claro que estamos ante un artista original y única.
9. "Plastic doll": Un título así no nos es ajeno. Sin ir más lejos, la portada de “Artpop” nos mostraba una Gaga que más bien parecía una muñeca hinchable tamaño natural y algo de eso hay en esta canción en la que gaga se reivindica como algo más que una muñeca, algo más que un producto. El estribillo es irresistible y en el mismo nos encontramos una de las mejores tomas vocales de la cantante, demostrando que su voz sigue en plena forma y es uno de sus puntos más fuertes. Se nota también la mano de Shrillex en esta canción, sobre todo en los sonidos más contundentes. Aún así, es un tema totalmente accesible en el que encima Gaga se autoparodia un poco “who’s that girl Malibu gaga”, ya era raro que hasta el momento no saliera la palabra gaga en el disco, ya es un clásico.

10. "Sour candy": Segunda colaboración del álbum, en este caso se trata del grupo surcoreano Blackpink, quizás el más famoso grupo de K-pop de este momento. En este tema destaca sobre todo el contraste de voces entre la china con su hilillo de voz tan infantil y el estribillo donde Gaga se come toda la canción. La china comienza la canción en inglés, pero va introduciendo poco a poco frases en surcoreano. El resultado es quizás el tema menos convencional del álbum y es una verdadera pena que ni siquiera llegue a los tres minutos pues el tema podría haber brillado más con un poco más de duración. En todo caso me ha despertado la curiosidad por este grupo de niñatas, que ya es mucho dado que su imagen entre Tokyo Hotel y un manga subido de tono me repugna bastante.

11. "Enigma": Gaga revitaliza el sonido disco con esta canción perfecta para una diva como ella y que es una especie de celebración de la libertad, donde todo es posible si nos lo proponemos. Gaga canta “we could be anything we want...” y suena más que creíble. Además la letra tiene algo de comentario sobre su confuso personaje que parece descolocar al publico por sus continuos cambios y extravagancias; es decir, Germanotta nos está de alguna manera diciendo que Gaga es su propia creación, su proyecto en continua evolución, en definitiva, su enigma. Curiosamente “Enigma” fue el nombre de la última gira de la artista en 2019 y mucho me temo que esos magníficos conciertos serán los últimos en mucho tiempo.

12. "Replay": Mezclando buenas dosis de electrónica garaje un poco a la Disclosure con claras referencias a la música disco (sobre todo en lo que en el estribillo se refiere, que podría ser perfectamente de The Communards), en “Replay” Gaga factura una de las canciones mas frenéticas y adictivas de toda su carrera, iba a decir un single perfecto pero, ¿qué canción en este álbum no lo es? El ambiente un tanto desenfrenado y convulso que consigue crear nuestra protagonista y sus colaboradores viene como anillo al dedo a una temática de relación toxica que se puede leer de dos maneras: como el intentar salir de una relación que no aporta nada más que repetir los mismos problemas o bien la relación tan especial, para bien y para mal, de Gaga con sus fans. La frase “the monster inside you is torturing me”, podría ser reveladora en ese sentido.

13. "Chromatica III": Último interludio del disco que nos conduce hacia el último acto de este álbum que nos traerá alguna sorpresa.

14. "Sine from above": Sin duda, este dúo con Elton John era bastante esperado; muchos sabíamos de la amistad entre los dos músicos y esta colaboración se venía fraguando desde los tiempos de “Artpop”. Cualquiera que piense en la unión entre Gaga y Elton John, lo primero que se le puede venir a la cabeza es una balada cada uno sentado en su piano. Por eso “Sine from above” desafía cualquier preconcepción con su ritmo trance e hipnótico siendo uno de los temas más interesantes a nivel musical. Destaca ese final muy drum and bass totalmente inesperado y que quizás sea la única excentricidad del álbum, aunque también lo sea el hecho de contar con la friolera de 13 compositores; a poco tocarían en royalties por mucha repercusión que tuviera. La letra combina una cierta melancolía con una celebración del poder sanador de la música en nuestros malos momentos. Otra canción que podría ser un éxito sin demasiado esfuerzo.

15. "1000 doves": Gaga nos ofrece en esta parte final una de sus canciones mas personales y desnudas donde nos hace participes de su fragilidad y de la necesidad de una mano amigo “lift me up...”. Sin dejar los ritmos de baile, Gaga nos ofrece una bonita melodía que resalta aún más con una espectacular interpretación vocal. Una canción sin duda ideal para combatir los momentos menos amables de nuestro día a día.

16. "Babylon": El álbum se cierra de la mejor manera posible, con un tema de autoafirmación de su personaje rodeado por los rumores y eso es lo que nos quiere decir en cierta forma “Babylon”, que Gaga ya ha asumido que tendrá que vivir el resto de su vida con ellos. Gaga alterna partes cantadas con otras simplemente recitadas y que pueden recordar, si los monsters me lo permiten, al “Vogue” de Madonna o por poner un ejemplo más cercano a la propia “Venus” de Gaga. Musicalmente es una auténtica celebración sonora sobre base house noventera y a la que no le falta de nada, incluye unos muy logrados vientos, coro góspel y hasta palmas creando el tema más colorista del álbum y un excelente final.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Lo podemos decir claramente: Gaga se ha marcado todo un discazo candidato sin duda a mejor disco de 2020, ya de hecho le están lloviendo multitud de premios y bien merecidos.

Germanotta ha hecho un disco divertido que entronca más en sonido con su primer álbum “The Fame” que con cualquier otro de su discografía, desmarcándose de esa línea que llevaba últimamente más enfocada a conquistar un público más adulto. Así que podemos considerar “Chromatica” una especie de “The Fame” muy mejorado.

Gaga no se sale en todo el álbum de su zona de confort: el electropop ultraproducido bailable y petardo, esta vez con una gran influencia del eurodance de los 90 y la música disco. El sonido es más uniforme que nunca, todas las canciones podrían cambiar de posición en el disco y no pasaría nada, eso da una idea de “Chromatica” como un todo y no como una serie de canciones sueltas. De paso le da a sus fans una buena dosis de alpiste electro, algo que llevaban años reclamando.

“Chromatica” es un disco fácil, muy disfrutable y efectista a más no poder, contiene un par de ganchos para hacerse notar en el público más joven (los duetos con Arianna Grande y Blackpink) y el más adulto (su esperado dúo con Sir Elton John).

Como el álbum está aún muy reciente, todavía no se ha explotado ni mucho menos al máximo. Tiene mucho mérito el éxito masivo que está teniendo con unos medios de promoción muy limitados por la Covid-19, que ha dado al traste con la gira de conciertos que tenía planificada para 2020 y que ha sido trasladada a 2021, sin que haya muchas posibilidades reales de que estos conciertos se terminen finalmente celebrando.

En definitiva, con “Chromatica” Gaga da un giro inesperado y con cierto riesgo después de una etapa digamos más seria con “Joanne” y “A Star Is Born”. Giro que no podía ser mejor recibido, poniendo a la artista de nuevo en la primera línea del pop y aunque este disco se grabó antes de la pandemia del coronavirus, es el disco perfecto para disfrutar, bailar y olvidarse de estos duros tiempos en los que vivimos.

Texto: Alfredo Morales.
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sábado, 8 de agosto de 2020

Programa ABC "Beauty Stab" (Temporada 11/ Programa 9)

Finalmente conseguimos no cerrar la 11ª temporada en falso debido a los tiempos del Covid-19 que nos han tocado vivir. Con el levantamiento del estado de alarma, pudimos regresar el sábado 27 de junio de 2020 a grabar lo que fue el final de temporada; no se pudo emitir en directo como estaba previsto por problemas técnicos de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), situación bastante recurrente por desgracia.

Como si hubiéramos emitido en directo, de 16.00h a 17.00h estuvimos Mariano González (que por motivos prudenciales no se desplazó a los estudios de RUAH y retornó al teléfono para salvar su participación; comprueben en la foto que inmortaliza la sesión nuestro regreso a los "cutremontajes", si bien el presente es de los más comedidos que hemos perpetrado) y Víctor Prats hablando del 2º disco de estudio de ABC. Pusimos sobre la mesa nuestras opiniones de lo que tomó el relevo al sobresaliente debut "The Lexicon Of Love" y comentamos varios aspectos sobre este lp de los de Martin Fry.

Curiosamente hubo varias menciones en el programa a gente como el presentador Óscar Martínez, al Liverpool y Jürgen Klopp (con mención especial a su recién ganada Premier League -vean la camiseta que lucí durante el programa en la foto-) y a la mujer de Víctor Prats, al coincidir la fecha de este programa con su 16º aniversario como pareja.

Como en su momento de estreno la cosa se vio truncada, aquí más que nunca tiene sentido que les dejemos el enlace a su alojamiento en Ivoox y el reproductor insertado para que lo puedan escuchar: https://www.ivoox.com/dmr-11-9-audios-mp3_rf_54950040_1.html
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viernes, 3 de julio de 2020

DMR cierra por vacaciones 2020

Toca relajarnos durante un largo tiempo, tras el cual esperemos que las circunstancias generales sean más propicias para todos. Nuestra actividad, como viene siendo habitual desde hace muchos años, se ve interrumpida para disfrutar (de la forma que se pueda) del verano.

Solamente quedará un momento de publicación este verano para postear el podcast del último programa de la 11ª temporada de radio. Igualmente, de cuando en cuando publicaremos algo en nuestros perfiles de las redes sociales, pero muy de cuando en cuando, que no somos adictos a dichos medios.

Está previsto que regresemos con un nuevo artículo de revisión de disco el último viernes del mes de septiembre. De igual forma, nos gustaría iniciar nuestra 12ª temporada de radio el 2º sábado del mes de octubre. Ese es nuestro calendario previsto.

De momento, nos queda desearles un feliz verano, que sean prudentes, que hagan caso de las recomendaciones (no se las pasen por el forro, aunque sea por el prójimo) y que se cuiden mucho. Y todo ello acompañado de buena música, que siempre ayuda a llevar mejor las digestiones pesadas. Les dejamos como imagen este año la vista más preciosa que he visto en mi vida hasta el momento, que es la que se ve desde el mirador del monte Misen en la isla de Miyajima de Japón.
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jueves, 2 de julio de 2020

DMR finalizó su 11ª temporada de radio

Se acabó la atípica temporada nº 11 de "DMR" en las ondas. Atípica por el parón inesperado que supuso la presente situación mundial por el Covid-19. Se ha concretado en la temporada más cortita de nuestra historia, apenas 9 programas, y que rematamos con mucho esfuerzo el pasado día 27 de junio de 2020 a las 16.00h, aunque dicho programa se vio truncado en su emisión por motivos técnicos; esperemos que suene en repetición mucho este verano en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), cuando recuperemos la emisión on-line y continuidad.

El parón inesperado truncó quizás alguna tentativa de entrevista que teníamos pensado llevar a cabo en primavera, con lo que en este sentido la temporada también ha sido la más sosa, siendo una de las pocas que en nuestra historia no ha tenido entrevista alguna (yo diría que todas las temporadas, incluso en la 1ª, al menos hemos tenido 1 entrevista realizada).

Haciendo balance de los 9 programas, podemos apreciar el dominio absoluto, sin proponérnoslo lo más mínimo, de la década de los 90 y llama poderosamente la atención del doblete en la misma temporada (y en programas consecutivos) de Everything But The Girl; si bien, hay que advertir del cambio de registro notable entre los 2 discos analizados.

A continuación les dejamos el listado de programas que hemos llevado a cabo (solamente nos queda por subir el último realizado, el cual tardaremos aún un tiempo en subirlo) y les remarcamos nuestra intención de retornar en octubre con lo que sería la 12ª temporada. Sin embargo, veremos cómo estamos todos en octubre y si la coyuntura lo permite. Cuídense, sean buenos y disfruten de la música.

Dmr 11-1: Chvrches - Love Is Dead (2018)
Dmr 11-2: HIM - Greatest Lovesongs Vol. 666 (1997)
Dmr 11-3: Everything But The Girl - Temperamental (1999)
Dmr 11-4: Everything But The Girl - Amplified Heart (1994)
Dmr 11-5: Travis - The Man Who (1999)
Dmr 11-6: El Último De La Fila - Astronomía Razonable (1993)
Dmr 11-7: Editors - In This Light And On This Evening (2009)
Dmr 11-8: Falco - Emotional (1986)
Dmr 11-9 (pendiente de subir a fecha 02/07/2020): ABC - Beauty Stab (1983)
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martes, 30 de junio de 2020

Programa Falco "Emotional" (Temporada 11/ Programa 8)

Su estreno oficial fue a fecha 29 de febrero de 2020 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Si bien, el programa fue grabado el sábado 15 de febrero de 2020 a las 14.15h en los mismos estudios, si bien no pudimos hacer su emisión o estreno extraoficial de soslayo debido a problemas técnico de la emisora.

Decidimos escoger el 4º lp de estudio de Falco para rendirle tributo merecido. Nos justamos Luis Felipe Novalvos, Mariano González y Víctor Prats para dicho propósito. Escuchamos varias todas las canciones del disco (4 en primer plano, el resto en 2º plano) y pudimos hablar sobre varios aspectos de la leyenda de Falco.

Si no lo escucharon en su momento, aquí les insertamos el reproductor con el podcast y también les dejamos enlace a Ivoox con su alojamiento por si se lo desean descargar y escuchar como quieran: https://www.ivoox.com/dmr-11-8-audios-mp3_rf_52780335_1.html
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domingo, 28 de junio de 2020

DMR cumple 12 años

En mitad de unas circunstancias más bien raras, por todo esto del Coronavirus o Covid-19, "DMR" cumplimos 12 años. Ha sido un año extraño, en el que hemos mantenido al menos el ritmo bisemanal de publicación de artículos de revisiones de discos tema a tema (respetando, eso sí, nuestros habituales parones por vacaciones de Navidad, Verano o Semana Santa) y nuestras ocasionales crónicas de conciertos (personalmente yo me despedí con Of Monsters And Men en Copenhague, ¿quién me lo iba a decir y más teniendo a Nick Cave & The Bad Seeds, Dua Lipa y otra vez a los OMAM en el horizonte?), pero en el que por la pandemia nuestra 11ª temporada de radio se vio interrumpida cuando menos los esperábamos.

Ha habido lugar a que estrenásemos nuestro apartado de videoblog, con el "Turismo DMR" y su primera entrega a los pies de la tumba del inolvidable Falco. Pero, claro, con esto que nos acontece, las circunstancias para viajes se han visto drásticamente modificadas y veremos cuándo tiene lugar la entrega #2.

Quiero agradecer en este artículo de balance a mis amigos y coredactores del blog, Mariano González y Alfredo Morales y también a mis colaboradores o tertulianos radiofónicos Luis F. Novalvos, José Antonio Sánchez y Óscar Cañas; sin todos ellos, esto tendría un valor notablemente menor.

Y en último lugar, pero no por ello menos importante, quiero agradecer a todo aquel que haya pasado por aquí en algún momento para leer algún artículo, escuchar alguno de nuestros programas e incluso dejar algún comentario; sin ustedes, esto tendría poquísimo sentido. Sigan acompañándonos y les esperamos en la conmemoración del "12+1", como diría el malogrado Ángel Nieto.
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viernes, 26 de junio de 2020

Temporada 11/ Programa 9: ABC y "Beauty Stab" (1983)

En estos tiempos extraños y difíciles, regresamos para no cerrar en falso la temporada. ¿Quién iba a decirnos que tras el programa dedicado a Falco y "Emotional", tardaríamos tanto en realizar un nuevo episodio de la 11ª temporada? A estas alturas del mes de junio, normalmente ya hemos finalizado la temporada de turno, pero no quería que nos marchásemos así.

Por ello, con ABC y su 2º disco de estudio, este sábado 27 de junio de 2020 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), realizaremos un último programa antes de, en principio (veremos cómo estamos entonces), regresar en octubre con la 12ª temporada.

Está previsto que sea un debate entre Mariano González y Víctor Prats, pero Mariano González, por prudencia razonable por la situación actual y sus circunstancias familiares, tendrá que tomar parte por teléfono, tal como hizo hace un tiempo en sus peores tiempos de limitación física. Esperemos que la línea telefónica funcione, ya que de lo contrario el programa retrocedería en el tiempo a las 3 primeras temporadas cuando la tónica habitual era que solamente yo comentase las obras propuestas.

Este trabajo del por entonces trío liderado por Martin Fry, no es un disco de tan relumbrón como el debut, e incluso considero que está por debajo en resultado al siguiente. Sin embargo, es un lp bastante aprovechable, con un buen puñado de canciones que nos harán pasar un buen rato este próximo sábado.

Les esperamos con ilusión. Sintonicen RUAH llegado el momento. Esperamos poco a poco ir recuperando nuestra vida previa, pero hay que ir con prudencia y creo que la forma en la que vamos a afrontar este epìsodio final de temporada, cumple con todos los requisitos de sensatez que exige la situación actual.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/695113247997754/
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
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