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viernes, 5 de julio de 2024

DMR finalizó su 15ª temporada en la radio

El pasado día 15 de junio de 2024 acabó precisamente nuestra temporada 15 de radio. Ha sido una temporada algo más corta de lo habitual debido al permiso de paternidad que nuestro director y presentador, Víctor Prats, estaba disfrutando hasta comienzos de noviembre.

No obstante, con todo, han sido 13 programas los que hemos dispuesto, entre los cuales destaca el programa-entrevista a La Broma Negra (recuperando el formato de entrevista mucho tiempo después de la última ocasión hasta la fecha).

La vía telemática nos permitió tener nuevamente a Alfredo Morales como tertuliano. Junto a él, otras voces habituales han sido el 2º de a bordo Mariano González, José Antonio Sánchez, Juan Carlos Mbeaka y Carlos Caballero.

Les dejamos enlace a nuestro perfil de Ivoox para que recuperen los programas que consideren oportunos y también el tradicional listado resumen de los items que hemos ofrecido durante esta temporada. Les esperamos en octubre, con lo que será nuestra temporada 16: https://www.ivoox.com/escuchar-audios-abacab_al_7681_1.html

Dmr 15-1: Depeche Mode - "A Broken Frame" (1982).
Dmr 15-2: Joaquín Sabina - "Yo, Mi, Me, Contigo" (1996).
Dmr 15-3: U2 - "Zooropa" (1993).
Dmr 15-4: Lady Gaga - "Chromatica" (2020).
Dmr 15-5: Mikel Erentxun - "El Abrazo Del Erizo" (1995).
Dmr 15-6: INXS - "Kick" (1987).
Dmr 15-7: Spandau Ballet - "Heart Like A Sky" (1989).
Dmr 15-8: Austra - "Future Politics" (2017).
Dmr 15-9: Cyndi Lauper - "True Colors" (1986).
Dmr 15-10: Depeche Mode - Especial Depeche Mode En Directo.
Dmr 15-11: La Broma Negra - "Suicidarse Y Seguir Viviendo" (2020) (incluye entrevista a Carlos Caballero, Luis García y Frahn Cuváz).
Dmr 15-12: Revólver - "El Dorado" (1995).
Dmr 15-13: Talk Talk - "It's My Life" (1984).
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viernes, 28 de junio de 2024

DMR cumple 16 años

Un año más que nos mantenemos con el ritmo de actividad habitual, el cual incluye nuestros habituales descansos en cada periodo vacacional. No deja de ser relevante, al menos para los que formamos DMR, que llevemos ya 16 años con nuestra labor de difusión cultural. Se me ocurrió como foto de este post la portada del single que en su día lanzó Billy Idol y que hace referencia a la edad que cumplimos.

Que nuestros artículos de revisión de discos, nuestras crónicas de conciertos y programas de radio sean válidos para alguien, nos llena de orgullo y confiamos en seguir nuestra altruista labor, aunque las obligaciones familiares cada vez nos lo hagan más difícil. Nos vamos acercando poco a poco a nuestra mayoría de edad. Hoy de momento soplamos 16 velas.
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viernes, 21 de junio de 2024

DMR cierra por vacaciones 2024

Salvo la crónica del inolvidable concierto que vivimos de Bruce Springsteen junto a su E-Street Band el pasado 17 de junio (y quizás alguna cosa más), no habrá nueva actividad de "DMR" hasta finales de septiembre, cuando comencemos a mover el reinicio de nuestra andadura en la radio con la temporada 16.

Ahora toca descansar, desconectar y coger fuerzas, que nuestra actividad, por poca que resulte, supone un esfuerzo sacarla adelante con las obligaciones familiares y de otro tipo que tenemos cada uno de los que formamos "DMR". Que tengan buen verano y nos vemos en otoño. La foto es del lugar al que fui de vacaciones el año pasado y al que también iré dentro de unas semanas... Deseando estar allí. Sean buenos y disfruten de la música.
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sábado, 15 de junio de 2024

Programa Revólver "El Dorado" (Temporada 15/ Programa 12)

Afrontamos el penúltimo programa de la temporada analizando uno de los discos más memorables de la banda encabezada por Carlos Goñi. Su disco "El Dorado" de 1995 nos reportó muy buenos minutos musicales y nos permitió debatir sobre la figura de Revólver dentro de la música española en los años 90 del pasado siglo.

Fueron Mariano González, telemáticamente, y Víctor Prats, quienes ofrecieron sus opiniones al respecto.

El programa tuvo lugar el sábado 1 de junio de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Hubo redifusión al siguiente sábado a la misma hora y los miércoles 5 y 12 de junio de 2024 a las 23.00h en el mismo dial.

Por si no escucharon las emisiones en RUAH, aquí les insertamos el reproductor con su podcast y el link a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga: https://www.ivoox.com/dmr-15-12-audios-mp3_rf_130377702_1.html
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viernes, 14 de junio de 2024

Temporada 15/ Programa 13: Talk Talk y "It's My Life" (1984)

No se nos ocurrió mejor disco y banda a la que tributar para este final de temporada. Mark Hollis hace ya un lustro que nos dejó y era momento de rendirle homenaje. Lo hacemos de la mano del icónico 2º disco de estudio de la banda a la que lideró, Talk Talk. El lp "It's My Life" ya fue objeto de análisis individual en las primeras temporadas de nuestro programa de radio, pero no fue tratado aún en formato coloquio.

La cita será este sábado 15 de junio de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Ya saben que hasta octubre no volveremos a ofrecer nuevo contenido, con lo que no se lo pierdan. Además, ¿qué mejor previo van a encontrar para el debut de la Selección Española en la Euro 2024? Les esperamos.

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/
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viernes, 7 de junio de 2024

Pet Shop Boys - Nonetheless (2024)

ANTECENDENTES E INTRODUCCIÓN.
Ponerse a analizar un nuevo trabajo de Pet Shop Boys siempre tiene algo de reto pues nos estamos metiendo con uno de los dúos más importantes de todos los tiempos y para muchos el grupo pop perfecto, su éxito y longevidad han estado a prueba de modas.

Hace ya 40 años que se publicó esa primera versión de “West end girls” y el dúo no se cansa de seguir ofreciéndonos discos nuevos como el que nos acontece esta vez, cuando bien podrían ni hacer el esfuerzo y vivir de sus grandes éxitos de los 80 y 90.

A este respecto siempre estará el debate sobre si es mejor que un grupo siga editando material a pesar de la calidad del mismo o si, como hacen grupos como The Cure o The Human League (por poner dos ejemplos bastante extremos), es mejor no editar nada que pueda manchar el catalogo y seguir haciendo exitosas giras explotando el mismo.

En el caso de Pet Shop Boys, si bien han conseguido mantener a través de los años una calidad bastante constante en sus composiciones, dejándonos discos bastante notables, también debemos reconocer que los discos publicados en la pasada década de 2010, si bien contienen grandes aciertos, no están a la altura de discos anteriores.

Por poner un poco de contexto, el año 2013 los Pet Shop Boys publican “Electric” primer álbum de una trilogía producida por el famoso Stuart Price (Madonna, The Killers, Kylie Minogue, y un largo etc), donde el concepto era que fuera un disco completamente electrónico y muy enfocado a la música dance donde por primera vez las orquestaciones y otros instrumentos no tuvieran cabida.

Sin embargo, y esto es mi opinión personal, el muy elogiado “Electric” podría haber sido muchísimo mejor de lo que fue con otro tipo de producción menos artificiosa, algunas canciones pierden bastante fuerza por intentar de forma muy forzada ofrecer una producción muy moderna que no termina de encajar en algunos momentos del disco. El siguiente paso “Super” (2016), tenía un sonido entre el dance y el pop con algunos temas bastante destacables pero la producción no aportaba nada e incluso en algunos casos (“Twenty something”) resultaba algo barata, lo cual es un crimen en un grupo como los Pet Shop Boys.

Llegados a este punto un tercer álbum con Stuart Price resultaba claramente redundante, pero se les había metido en la cabeza lo de acabar la trilogía al estilo de Depeche Mode con Ben Hillier y estas cosas no suelen acabar bien, en este sentido “Hotspot” (2020), publicado días antes de la pandemia, no aporta demasiado, a pesar de que esta vez la producción es un poco más comedida y se va alejando cada vez más de la música dance para ofrecernos algunos medios tiempos y baladas.

Ese año 2020 anunciaron una gran gira de grandes éxitos que tuvo que ser suspendida en dos ocasiones hasta que por fin en 2022 pudo realizarse o más bien comenzar, porque la gira continuó el año pasado y en la actualidad sigue vigente con bastantes conciertos en el horizonte. Por ello es bastante sorprendente que a estas alturas de su carrera y con un espectáculo tan engrasado como el que llevan en la actualidad, se lancen a publicar un nuevo álbum, este “Nonetheless” que pasamos a analizar.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Loneliness”: El álbum comienza a lo grande con el single principal del mismo, una canción muy efectiva que cuenta con una destacada sección de vientos que le da mucho empaque a la canción cuyo tema principal es escapar de esa sensación de soledad que muchas veces nos invade. En un primer momento al escuchar el adelanto del single me pareció simplemente resultón pero poco más, fue al escuchar la versión álbum mucho más extendida y con varias progresiones de sintetizadores que se puede apreciar realmente la calidad de este tema, una vez más hay edits que son matadores. La canción contó con un videoclip que utiliza precisamente la versión del album y en el que podemos observar la vida secreta de los diferentes protagonistas del mismo, donde los Pet Shop Boys hacen una breve aparición.

2. “Feel”: Se abre con un agradable ritmo electrónico que usa un loop muy parecido al de “Numbers” de Kraftwerk, adornado con algunos toques de piano, la producción es realmente soberbia con gran protagonismo de las cuerdas y una forma de cantar el estribillo bastante evocadora, la historia de la canción es curiosa, se trata de alguien que va a visitar a su amante a la cárcel deseando que lleguen esos días en los que les está permitido verse, es una canción preciosa que podría ser single perfectamente, el estribillo es muy sencillo pero pegadizo. Destaca bastante el puente donde la electrónica se funde con las cuerdas, algo que es marca de la casa. Circula por la web un mash up que mezcla esta canción con el “Tour de France” de Kraftwerk y que es realmente original.

3. “Why am I dancing”: Instrumentos de viento nos dan la bienvenida y sabemos desde un principio que este será un tema alegre, ¿o no? Es un perfecto tema que juega con la música disco y donde el protagonista hace una especie de repaso de su vida, en realidad es como una celebración de estar vivo, desprende vitalismo a la par que cierta melancolía, el titulo bien podría ser una referencia a la pandemia y los confinamientos que nos dejaron aislados a los unos de los otros. Otro potencial single.

4. “New london boy”: Esta canción tiene un cierto toque de nostalgia, trata de cuando Neil llego a Londres en los 70 en pleno periodo del glam y en parte está inspirada en la canción “The london boys” de Bowie. Habla de unos muchachos con pintas glam descubriendo la gran ciudad, visitando locales gays donde en esa época te podías jugar una paliza a la salida de los mismos puesto que los jóvenes nazis ya acechaban. Es sin duda la canción más atrevida y experimental del álbum donde Neil recita un rap que nos hace relacionar esta canción con su clásico “West end girls” e incluso algun detalle de sintetizador tiene una cierta similitud, un tema muy logrado a la vez que inesperado.

5. “Dancing star”: Es el homenaje del grupo al bailarín ruso Rudolf Nureyes que en una de sus giras escaparía del control de la Union Sovietica para convertirse en una estrella mundial. Es una canción muy simple pero es justo ahí donde está toda su fuerza, apenas tres minutos pero es un auténtico trallazo bastante retro que recordara a los Pet Shop Boys mas ochenteros, a mi algunas partes me recuerdan a su tema “In the night”. Todo funciona al detalle en esta canción que incluye un muy acertado recitado de Tennant enumerando las ciudades donde Rudolf triunfo. Si la sofisticación era una de las armas del primer single “Loneliness” aquí es justo lo contrario, la simpleza bien entendida es el gran valor de este tema a parte de demostrar como el grupo puede sacar temáticas de lo más variadas. El single contó con un clip bastante simple con imágenes del cantante intercaladas con unas pocas del grupo. 
6. “A new bohemia”: Es la gran balada del álbum y también la elegida como tercer single del mismo. La canción tiene una muy bonita melodía que es potenciada por la orquesta que da un gran empaque a una canción realmente nostálgica del ambiente cultural que se vivía en Londres en los años 90 y de la que los Pet Shop Boys formaban parte, es por un lado la constatación de que esos tiempos desaparecieron para siempre y el deseo un tanto ingenuo de encontrar en los tiempos que corren una nueva bohemia como la que vivieron en esa época. Lo curioso es que pudiéramos pensar que nuestros protagonistas también vivieron la bohemia de los 80 pero según ellos mismos nunca se sintieron parte de la misma si es que existió.

7. “The schlager hit parade”: Y después de un tema bastante melancólico llega otro que pretende desenfadadamente subirnos el ánimo, “The schalger hit parade” sería una lista de canciones facilonas y pegadizas de pop europeo, fundamentalmente germano para simplemente disfrutar sin darle muchas vueltas a la cabeza, el tema es intrascendente, pero sin duda disfrutable a pesar de que la entrada del estribillo no sea muy brillante, quizás el tema que menos encaja en el álbum sin que signifique una ruptura.

8. “The secret of happiness”: Esta canción tiene cierta atmosfera cinematográfica y eso unido a lo evocador de la música, unos arreglos bastante sofisticados y una letra romántica, pero sin resultar empalagosa, hacen de esta canción un perfecto medio tiempo que podría recordar a “It always comes as a surprise” de “Bilingual” pero en este caso diría que estamos ante un tema mucho más sofisticado y elaborado.

9. “Bullet for Narcissus”: Este tema va a recordar mucho a los New Order de finales de los 80 y hasta cierto punto al proyecto Electronic que llevo en un primer momento a la unión de Bernard Sumner, Johnny Marr y los propios Pet Shop Boys. El tema tiene un irresistible ritmo house con algun toque funky y una guitarra tocada por el propio Neil Tennant. En cuanto a la letra es realmente original pues está inspirada en Donald Trump o más exactamente juega con la fantasía de ponerse en la cabeza de uno de los guardaespaldas de Trump, el cual desprecia al líder americano, pero al mismo tiempo está obligado a defenderlo. Otro single potencial clarísimo.

10. “Love is the law”: El álbum cierra con una intensa balada algo oscura y bastante dramática sobre el sexo de pago y llevar una vida basada en esa actividad aunque el punto de inspiración de la canción fue cuando Oscar Wilde salió de prisión y viajo a Niza donde fue testigo de todo el mercado del sexo que se producía en la ciudad francesa. Nuevamente nos encontramos con un tema muy cinematográfico con una instrumentación exquisita y un Tennant que a pesar de sus limitaciones vocales es capaz de infundir un dramatismo creíble, tras un acertado outro instrumental el álbum toca a su fin dejando un buen sabor de boca.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Sin duda con “Nonetheless”, Neil Tennant y Chriss Lowe han realizado una especie de vuelta al sonido que fueron construyendo en la primera etapa del grupo donde bases completamente electrónicas y bailables convivían en perfecta harmonía con majestuosas orquestaciones y secciones de viento, la producción de James Ford (Arctic Monkeys, Florence and The Machine, Depeche Mode, etc) es bastante correcta y no pretende más que ensalzar unas canciones consiguiéndolo en la mayoría de los casos.

Estamos ante un disco que parece seguir el patrón clásico de cara a y cara b, siendo la primera donde están casi todos los potenciales singles mientras en la segunda están los medios tiempos y temas más intimistas, en cualquier caso, estamos ante un muy buen disco donde el grupo realiza un viaje donde podemos encontrar experiencias personales, homenajes, referencias culturales, además de cierta melancolía visión crítica sobre el mundo actual.

A nivel de crítica el disco ha sido muy bien recibido, sobre todo en comparación con los más recientes álbumes del dúo, se ha destacado sobre todo que hayan sido más ambiciosos musicalmente hablando creando esta vez canciones más complejas. También la recepción a nivel de listas ha sido bastante buena obteniendo el número 2 de álbumes en Reino Unido, impidiéndoles ser numero 1 el huracán Taylor Swift y funcionando bastante bien en listas europeas, en España concretamente fue número 7.

El grupo sigue con su exitosa gira “Dreamworld The greatest hits” que comenzó en 2022 y parece que no tuvieran ninguna intención de hacer una gira o conciertos específicos dedicados a este “Nonetheless” y simplemente se contentan con incluir unas pocas canciones de este álbum en su gira de grandes éxitos. Una pena pero en mi opinión estamos asistiendo a los años finales de la carrera de Pet Shop Boys y tiene cierta lógica que quieran terminar su carrera por todo lo alto con sus mayores éxitos sin que esto excluya el publicar nueva música y si es de tanta calidad como lo incluido en “Nonetheless” bienvenido sea.

Texto: Alfredo Morales.
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sábado, 1 de junio de 2024

Programa La Broma Negra “Suicidarse Y Seguir Viviendo” (Temporada 15/ Programa 11)

Retornamos al formato entrevista de “DMR”, después de mucho tiempo, el pasado 18 de mayo de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Nos visitaron en persona La Broma Negra. Una nutrida representación del grupo con Carlos Caballero a la cabeza (vocalista y compositor del grupo), acompañado de Frahn Cuváz y Luis García, guitarra acústica y teclista respectivamente.

Debatimos sobre el último disco de estudio de la banda editado hasta la fecha. Pusimos varias de sus canciones y, sorteando problemas técnicos graves, sacamos adelante un programa que no quedó del todo mal. Mariano González, telemáticamente, y Víctor Prats fuimos los que nos encargamos de preguntar diversas cosas a la banda sobre su disco y sobre la situación que rodeó a la grabación y también de su actualidad.

Por si no lo escucharon en el directo o en sus redifusiones en RUAH, dejamos aquí insertado el reproductor con el podcast del programa y también enlace a su alojamiento en Ivoox por si prefieren optar por su libre descarga: https://www.ivoox.com/dmr-15-11-audios-mp3_rf_129719121_1.html
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viernes, 31 de mayo de 2024

Temporada 15/ Programa 12: Revólver y “El Dorado” (1995)

Finalmente nos decidimos a dar tratamiento a uno de los discos más icónicos de Revólver en nuestro programa de radio. Tras 2 tentativas fallidas hace ya mucho tiempo de intentar tener a Carlos Goñi en nuestro espacio, desistimos la vía de entrevista y optamos por el formato coloquio en el que Mariano González y Víctor Prats daremos nuestra opinión sobre esta obra.

Comentaremos su contenido, la época que atravesaba Revólver y disfrutaremos de varias de sus notables canciones. La cita será el sábado 1 de junio de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Será el penúltimo episodio de nuestra 15ª temporada. ¡No se lo pierdan!

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/
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viernes, 24 de mayo de 2024

Manel - 10 Milles Per Veure Una Bona Armadura (2011)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Con motivo de ver a través de Youtube el genial programa de Tv3 “Polonia”, tuve la ocasión de encontrarme con una versión de la canción “Belvongut” de la banda que hoy nos ocupa. En dicha versión, los últimos 3 presidentes del F.C. Barcelona y el actual entrenador trataban el asunto del caso Negreira y al final de la cover el actor Albert Melich aparecía imitando al propio cantante de Manel Guillem Gisbert.

La canción me atrapó y me supuso el empuje a investigar el “fenómeno Manel”, del cual no era ajeno, ya que recuerdo cuando toparon las listas nacionales con el disco que hoy nos ocupa, siendo destacado el hecho al tratarse de un disco íntegramente compuesto en catalán. Ese hecho ya era llamativo, pero para mí resultaba llamativo y gracioso el título del disco, sacado de una peli de Kenneth Brannagh, por lo visto.

El grupo ya había ofrecido un debut de éxito relativo, con título también llamativo, “Els Millors Professors Europeus”, si bien con dicho debut el salto a la escena nacional no se produjo de una forma tan potente como con el predecesor que nos ocupa. El grupo ofrecía un sonido pop folk, con sus ciertas influencias de zona, que supo conectar muy bien con la juventud de hace 3 o 4 lustros. Las letras escritas por Guillem Gisbert, siempre tienen un punto especial, bien sea narrando en tercera persona o en primera. A nivel de formación, hay que apuntar que el grupo se concreta en cuarteto, acompañando al ya citado compositor y vocalista Arnau Vallvé, Martí Maymó y Roger Padilla.

“10 Milles Per Veure Una Bona Armadura” con un conjunto conciso de 10 canciones, fue un cierto acontecimiento y permitió a la banda hacerse con un nombre más allá de las fronteras autonómicas. No es que aporte nada nuevo estilísticamente, pero se trata sencillamente de un buen conjunto de canciones, con melodías amables, y sabiendo manejar bien los momentos emotivos, con otros más relajados y distendidos. Pasemos sin más dilación a analizar las notables piezas que incluye.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Belvongut”: De traducción “Estimado”, “Belvongut” es una particular carta a un compañero de años atrás donde de alguna manera y con cierta elegancia se ajustan algunas cuentas pendientes. El sonido, con esos graves arreglos de viento, tiene cierta solemnidad y le da mucha identidad a la canción; de hecho, la estructura es cíclica en tanto a la melodía, ya que acaba con las mismas notas con las que empieza. El videoclip, con los componentes del grupo viajando en furgoneta con un niño, bajando en mitad de un bosque y terminando combatiendo con florete en mano, no deja de ser curioso.

2. “La canço del soldadet”: Tras un comienzo tan notable, quizás “La canço del soldadet” queda algo malparada. Su cariz de perfil bajo, no ayuda a pelear con “Belvongut”, pero tampoco es su cometido. Es una pieza de sonido claro y acústico, con cierto tono medieval en sus notas.

3. “El gran salt”: Con “El gran salt” el disco no experimenta volantazo de momento y sigue pautas parecidas a la canción anterior. Quizás me gusta algo más su enfoque. Algunas líneas de teclado suavecitas de acompañamiento le dan su personalidad principal y creo que le van bien.

4. “Boomerang”: Llegamos a otro hito del álbum. “Boomerang” es uno de los clásicos absolutos de la discografía de la banda. Una canción nostálgica que narra una tarde adolescente veraniega en la que se juntaron 2 decepciones o traumas: uno, el de no hacer poder volar ese souvenir tan peculiar que un tío te ha traído de su viaje a Australia y dos, el de ver como nuestro ídolo ciclista Miguel Induráin sucumbía ante el tramposo danés Bjarne Rijs (que iba hasta las trancas dopado) y no ganaría su 6º tour. Canción para mí muy cercana, ya que, aunque esa tarde no intenté hacer volar ningún boomerang, sí que maldije al danés y a las rampas de Hautacam frente a la pantalla de televisión (quizás mi mayor trauma deportivo de juventud, junto al Italia 2-1 España de EEUU 94’). Es una canción con la que es fácil empatizar, ya que además de esos ligeros traumas que se nos quedan en el recuerdo, la historia se adereza también con el típico amor platónico adolescente, aquella chica a la que nunca nos atrevimos a tantear (“ay, la Vanessa, ¿cómo le irá?”) y esos vacilones de barrio, con un tremendo complejo de inferioridad, con los que teníamos contacto, (el Xavi, que se pavonea de hacer volar el cacharro y finalmente queda en ridículo). En directo la canción ha ido mutando y en sus últimas giras tenía un toque electrónico muy interesante, además de contar con inserciones de las retransmisiones deportivas de aquella tarde de la citada fatídica etapa del Tour 96’. Sin duda entre mis favoritas del disco. Y, por cierto, ¡Induráin, siempre! Rijs, que te…

5. “La bola de cristall”: También me gusta mucho, pero en otro sentido, la emotiva y relajada a la par “La bola de cristall”. Tiene esta canción el papelón de estar situada entre 2 de los buques insignia del álbum, pero para mí funciona muy bien. Los coros femeninos que acompañan a Guillem son simplemente preciosos. La melodía instrumental te mece en sus cálidas notas y la cadencia relajada de Guillem al micrófono va de la mano perfectamente acompasada. Leí críticas del disco que no la tenían en mucho estima a esta canción, pero desde mi gusto personal me van a permitir distanciarme de esas posturas, dándole mi voto totalmente a favor.
6. “Anniversari”: Otro gran clásico del disco y para muchos su favorito. “Anniversari” quizás sea la más emotiva de todas las canciones. Ofrece algo de ritmo incluso trepidante en la forma de cantar de Guillem y puntos álgidos de emoción. La canción se acompañó de un videoclip, cuanto menos curioso, de fuerte regusto del cine más antiguo. Musicalmente es rica y elaborada la melodía, con sutiles y gráciles arreglos bastante bien ensamblados. Objetivamente la canción es un punto claro de referencia dentro de la obra, más aún situándose en la mitad de la misma, pero personalmente yo me quedaría antes con al menos 5 canciones compañeras de obra; cuestión de gustos. Esa introducción con la emotiva descripción de la escena de una celebración de un cumpleaños reconozco que es brillante a la par que icónica dentro de la obra de Manel.

7. “Flor groga”: Cambiando un poco el enfoque, seguimos en esta fase sentida y emotiva de la obra. “Flor groga” tiene una cierta potencia y empaque de sonido. Incluso dentro de su carácter de medio tiempo emocional, ofrece un punto de arrojo. Instrumentalmente tiene una estructura lineal de base inquebrantable, que no baja el tempo en ningún momento.

8. “Criticarem les noves modes de pentinats”: Se pone el punto y final a este cuarteto que arrancó al finalizar la animada “Boomerang” con “Criticarem les noves modes de pentinats”. En esta ocasión el sentir de la melodía es algo derrotista, con esos arreglos de viento que son los que creo que más apuntalan esa sensación. Es, por otro lado, uno de los momentos más bonitos del disco y dentro de este sector, en mi siempre discutible opinión, creo que supera en emoción a “Anniversari”. Un gran acierto y una joya oculta dentro de “10 Milles Per Veure Una Bona Armadura”.

9. “El Miquel i l’Olga tornen”: Para afrontar el tramo final llegamos a otro de mis pasajes favoritos del disco. Es claramente la canción más alegre de la obra, de sonido floreado, primaveral. Inicialmente pensaba, por el título, que la narración sería en 3ª persona, pero no, es en primera persona. Guillem, acompañado de la cantante Gisela Fullà, de nombre artístico Noia, hacen de Miquel y Olga en esta canción donde de forma alegre parece que mandan un mensaje a toda la gente que no les ve como pareja para anunciar que tras una ruptura vuelven, a sabiendas por su propia parte de que se equivocarán, pero les apetece y tienen la determinación de volver. Como cuando escuché la primera vez el disco no me había metido a buscar la letra y mi comprensión del catalán es limitada, me daba la impresión de que, como ya he dicho, era narrada en 3ª persona y pensé “¡cómo se alegra la gente de que vuelva esta pareja!”. Qué gracioso. Por cierto, punto a favor de Manel que en su web oficial puedes encontrar las letras de todas sus canciones con posibilidad de traducirlas a diversos idiomas. Fabulosa canción, de estilo folk muy animado y que invita a la fiesta. Fabulosa pista.

10. “Deixa-la, Toni, deixa-la”: Y pasamos de la oportunidad dada a un amor con pocas vistas a todo lo contrario. Una especie de orfeón catalán se dedica a corear a Toni que abandone a esa mujer que no le hace nada de bien. Guillem se emplea como portavoz del orfeón del estribillo, para de forma solemne dar sus razones al Toni al que se dirige la canción. Queda bien como fin de obra.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Con este 2º disco de estudio, Manel se convirtieron en una banda revelación y sensación a nivel nacional, traspasando la frontera de Cataluña y alrededores. Parece ser que gran parte de la sociedad dejó de lados prejuicios políticos y demás para abrazar un lp que es muy disfrutable y de bastante alta calidad.

El folk de Manel es bastante puro en este trabajo, cosa que en el futuro iría evolucionando. Ya con su nombre ganado, la banda seguiría editando discos de títulos llamativos (buenísimo que el siguiente se titulase “Atletes, Baixin De l’Escenari”, en referencia a Constantino Romero y su voz de alerta ante un desmadre vivido en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92’).

Dentro de la historia de la banda aparecerían temas posteriores como “Teresa Rampell”, “Boy band”, “Per la bona gent” o “Sabotatge” que se convertirían en clásicos absolutos de su obra. El grupo iría incluyendo elementos que les irían acercando a un pop más mediano, dejando de lado el folk el inicial. Y llegaron a 2023 cuando deciden parar por un tiempo, veremos cuánto, y a raíz de ahí el “Polonia” de Tv3 les decide tributar con la ya comentada versión de “Belvongut”.

Espero que se quiten los prejuicios y se atrevan con este disco los que aún no lo han hecho. Es un trabajo tan discreto como su sencilla portada, con el dibujito de una armadura sobre fondo granate. Sin ser yo un admirador del folk de manual, he disfrutado bastante con esta obra y varias de sus canciones van y vuelven con frecuencia a mi mente para ofrecerme buenos momentos. Merece mucho la pena y el revuelo que causó en su día cuando llegó al 1 de ventas en España está más que justificado.
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sábado, 18 de mayo de 2024

Programa Especial Depeche Mode en directo (Temporada 15/ Programa 10)

Con motivo de la última visita de Depeche Mode a Madrid a la que acudimos el pasado 12 de marzo de 2024, llevamos, movidos por la euforia, a cabo este programa especial para comentar la trayectoria en directo del grupo y nuestras experiencias al asistir a varios de sus conciertos.

3 vía telemática, Carlos Caballero, Mariano González y Alfredo Morales, y 1 en los estudios, Víctor Prats, comentamos largo y tendido sobre estos aspectos y muchas cosas se nos quedaron en el tintero.

La cita fue el pasado 4 de mayo de 2024 a las 16.00h en directo en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) y además pusimos varias canciones de los discos en directo de Depeche Mode.

Por si no lo escucharon en su directo y en redifusiones posteriores, aquí les insertamos el reproductor con el podcast y también les dejamos link a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga si así lo prefieren: https://www.ivoox.com/dmr-15-10-audios-mp3_rf_129090712_1.html
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viernes, 17 de mayo de 2024

Temporada 15/ Programa 11: La Broma Negra y "Suicidarse Y Seguir Viviendo" (2020)

 

Mucho tiempo ha pasado desde nuestra última entrevista y mucho tiempo más de la última que hicimos a La Broma Negra. Por mucho que su líder, Carlos Caballero, haya participado en coloquios como tertuliano, este próximo sábado 18 de mayo de 2024 su banda es la protagonista y lo será de la mano del que hasta la fecha aún es su último disco de estudio.

La cita será a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). A Carlos le preguntaremos por los últimos tiempos de La Broma Negra, ya que en el último lustro han tenido lugar variaciones realmente importantes de citar. Además, disfrutaremos de varias de las canciones que forman parte de "Suicidarse Y Seguir Viviendo".

No se lo pierdan y acompáñennos en lo que será el antepenúltimo programa de nuestra temporada nº 15.

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/
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viernes, 10 de mayo de 2024

La Broma Negra - Suicidarse y Seguir Viviendo (2020)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Nuestros amigos de La Broma Negra tienen cumplidas reseñas de su discografía, en DMR, desde “Joyas De Princesas Muertas” (2010). Por ello, saldamos una deuda con la crítica de “Suicidarse Y Seguir Viviendo” (2020), último disco de estudio, de momento, de la banda. La Broma Negra cumple aquello de que lo único constante en la vida es el cambio, en este caso encarnado en variaciones de formación, giros estilísticos y en un sonido tan evolutivo como propio. En efecto, cada disco de La Broma Negra es como una obra significativa en sí misma, que captura una identidad determinada. A nuestros amigos los hemos visto transitar por el techno pop, el folk, el rock, los beats de baile y las brumas góticas.

“Suicidarse Y Seguir Viviendo” continúa esta singularidad, y no suena del todo como otras obras anteriores de la banda-. Pero, no obstante, y esto es lo bueno, la esencia, el espíritu, la forma de obrar, de La Broma Negra se reconocen fácilmente. Te sientes como en casa escuchándolo, solo que la arquitectura de la casa es intransferible de este disco.

Para empezar, diremos que no es disco fácil, ni de digestión rápida. Es más áspero, más austero y en cierto modo más contundente. Los sintetizadores son más subrepticios y menos embellecedores, no hay casi devaneos folk, y el conjunto suena más punzante. Yo diría que es un disco menos barroco de lo acostumbrado, pero también más compacto. La oscuridad que desprenden las melodías de “Suicidarse y Seguir Viviendo” es más densa, menos ornamentada y más reconcentrada. También podría decirse que es un disco más rock.

Pero también hay elementos muy reconocibles. El ejemplo más intuitivo y directo es la voz de Carlos Caballero, con ese tono distintivo de barítono misterioso y algo atormentado. Si en algo conserva La Broma Negra su teatralidad es en él. Sus letras, tan líricamente decadentes, siguen algunos pasos familiares: menciones a la infancia, la desazón existencial, referencias históricas, algún símil religioso. Ni que decir tiene que estas letras, como siempre, son uno de los mayores atractivos del grupo.

Así que, después de todo, sigue habiendo un sabor clásico a La Broma Negra. Aunque todo fluye, aún hay cosas que permanecen. Lo que no quita que, desde su penúltimo disco, “Los Extraños Tienen los Mejores Caramelos” (2018) se produjeran cambios. Para los que siguen habitualmente al grupo no será nada nuevo, pero es evidente que hay que mencionarlo. Sólo Carlos Caballero continúa de los que había antes y es, por así decirlo, el director de la institución que es La Broma Negra, siendo el autor de todas las canciones. Para el directo ha encontrado una nueva banda que, si siguen nuestras crónicas, hace muy buen papel.

Tuve la ocasión de escuchar el primer single poco antes del inicio de la pandemia, lo que añade un plus de lobreguez al ya oscuro sonido del disco. Es curioso como de algún modo y de manera anticipatoria (esto es a título personal) el disco parece recoger algo de ese pesar. Acaso sea solo una asociación de ideas, o que como decía Goya, el tiempo también pinta. En cualquier caso, es un disco extraordinario. Si no lo han escuchado, procedan.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Me llamo España y soy alcohólica”: Buen y enérgico comienzo, donde se hace patente el sonido más afilado de “Suicidarse y Seguir Viviendo”. Hay guitarras vigorosas a la altura del estribillo, y una interpretación potente de Carlos Caballero. Las estrofas son algo más manieristas, incluyendo unos curiosos coros. Es un rock directo, muy adecuado para abrir un disco, y con un tono más rabioso que oscuro. Respecto a la letra, no sé si expresa un sentimiento de dolor sobre la historia de nuestro país, o hay algo de humor soterrado sobre lo que somos. De hecho, los mencionados coros de las estrofas dan cierto aire de canto comunal, como de himno apócrifo y tabernario. Fue el acertado primer single del disco.

2. “Inocentes”: Rock oscuro con algún toque de postpunk y un ritmo de percusión bastante marcado. El tono es más desesperado, urgente, anhelante. Se sigue confirmando el enfoque más directo del disco, con un importante papel de las guitarras. El estribillo resulta bastante emotivo y, circunscrito a la letra, parece hablar sobre buscar “un poco de paz”.

3. “Mi hermano pequeño”: Algo más de sosiego se encuentra en el tercer corte del disco. Tienen mayor presencia las guitarras acústicas y un tono melancólico, vulnerable, nostálgico. Conecta más con el estilo de “Los Extraños Tienen Los Mejores Caramelos”. El resultado final es una estupenda melodía con gran carga emotiva, que crece incluso según la canción se acerca al final. Carlos utiliza algunos recursos familiares en la letra, como las referencias históricas, todo ello aplicado a una añoranza de afectos antiguos.

4. “1º de noviembre”: Un tema realmente curioso. Es como musicar una de las Leyendas de Bécquer, o escuchar una melodía de folk oscuro, aunque juguetón, que recoge alguna costumbre local. La voz de Carlos es solemne y la instrumentación ligera, con algún corillo fantasmal de fondo que suena abracadabrante Además aprendemos que, si pintamos con miel negra la puerta de nuestra casa, ni los muertos, ni el diablo, podrán pasar. Importante en la noche de difuntos. Puede parecer en principio un tema menor, pero no me sobra para nada, incluso añade matices al disco. Sonó muy propia en el concierto en el Cementerio Británico de Madrid que La Broma Negra celebró hace unos meses.

5. “Por mí y por todos mis compañeros”: Uno de los temas más intensos del disco. Se basa en una estructura repetitiva pero eficazmente usada, que poco a poco aumenta en pegada. La letra es auténticamente enciclopédica por la mención constante a diversos personajes de la historia de España. La mayoría de ellos no muy conocidos, salvo alguno como Blas de Lezo, Enrique Jardiel Poncela, o Pedro Muñoz Seca. Tratando de encontrar un nexo, Wikipedia mediante, en la mayoría de los casos, llego a la conclusión de que son españoles de varias épocas y de todo talante ideológico, con un final triste en su vida. Muertos en el exilio, fusilados, jóvenes, empobrecidos, perdidos en la Antártida…Por pura especulación, podría pensar que se canta a la angustia que tienen los que van sabiendo que su fin se acerca y que su destino está sellado. En cualquier caso, está enumeración y el estribillo ofrecen una adecuada intensidad.

6. “Apóstatas”: Vuelve el rock, sobre todo en un estribillo que coge músculo y poder. Las estrofas son más minimalistas, pero desembocan en un remate eléctrico y con cierta épica que se mezcla con un sonido áspero. Suena entre cabreada, nostálgica y un poco desafiante. El título del disco está extraído de un verso de esta canción.

7. “Pintor de batallas”: Esta canción es bastante más densa y oscura, de ritmo lento y dominada por la voz cavernosa de Carlos Caballero. Todos los demás elementos son bastantes más minimalistas. Le letra flirtea con la evocación de una pesadilla recurrente. En cualquier caso, en su ensimismamiento y sentido de la decadencia no encuentra asidero cómodo el oyente (no lo digo en un sentido peyorativo, conste en acta.
8. “Los pecados de mi padre”: Una canción muy “Broma Negra” de los últimos años, que podría encontrar acomodo en su anterior disco. Es un pop rock que bordea el folk sin zambullirse en él. Sencilla, breve, pero con una de las melodías más bellas del disco. Es escucharla y sumirte en una introspección melancólica. Melódicamente es una maravilla.

9. “Tengo un ataque de oscuridad”: Uno de los momentos más roqueros del disco, con fuerte protagonismo de las guitarras. La voz de Carlos es ansiosa, desesperada, de una manera ligeramente barroca. Tiene mucho que ver con los sonidos más propios de este disco: aspereza, electricidad, y estilo directo que no se priva de una ligera y adecuada rimbombancia. Buena canción. Otro single del disco, con un vídeo sencillo pero llamativo, que cuenta con la presencia de Laura Pérez.

10. “Escarlatina”: En esta ocasión se trata de un pop rock directo, con un brioso estribillo. Las guitarras son inquietantes y atmosféricas en las estrofas para afilarse después. Suena como el pop oscuro de los 80, de una forma directa y depurada. Es un buen vehículo para la desazón existencial que se vislumbra en la letra, con referencias incluidas a la muerte de Dios.

11. “Cementerios de España”: Y llegados a este punto la oscuridad se adensa. Un ejercicio de goticismo y ritmo siniestro. El tempo es lento y mortuorio, de ritmo marcado. Las guitarras y algunas ráfagas de teclados dan un acabado absolutamente sombrío y rugoso. Es inquietante la frase “donde eches a andar pisarás Cementerios de España”, y vuelvo a especular que acaso haga referencia a nuestro histórico cainismo y sus heridas sin cerrar.. En cualquier caso, la canción más oscura del disco.

12. “Miserere”: Un rock ligero y sencillo de esmerada melodía y estilo pegadizo al menos en comparación con la anterior canción, Es fácil cogerle el tranquillo, los fraseos de guitarras y teclados son ligeros y llevaderos. Más agridulce que oscura. De algún modo da un respiro, y te ofrece además una buena melodía.

13. “Último día en La Tierra”: Una canción sencilla y compleja a un tiempo. La parte inicial es lenta, tétrica, melancólica. Algo más allá de la mitad de la canción hay un cambio de ritmo donde las guitarras eléctricas y la percusión cogen el testigo. Se repite enigmáticamente como un mantra: “La tempestad, la voz de Dios” Como decíamos su estructura es breve, pero es curiosa sobre todo si tenemos en cuenta que es uno de los singles del disco. Y es que no es una canción particularmente pegadiza; es oscura y obsesiva.: Deja un poso de misterio y amargura. No es desdeñable como final de disco.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Las impresiones más inmediatas al escuchar el disco es que La Broma Negra encuentra en este disco un sonido más directo, eléctrico y orgánico. Conserva algo del barroquismo clásico de la banda, pero en menor grado y cuando llega la oscuridad me da la impresión de que es más densa. Acaso no sea un disco que entre tan pronto como el anterior, pero pica la curiosidad para seguir escuchando y al final se muestra como un muy buen álbum (otro más) de La Broma Negra.

La lírica encuentra referencias, ya decíamos, como la infancia y la familia (de forma amarga), el recurso a personajes y hechos históricos, la imaginería de un esoterismo casi gótico, y una visión existencial del mundo. Quién sabe si el título del disco hace referencia a la situación de La Broma Negra como proyecto, tras la disolución de la anterior formación, pero a ratos se intuye algo de rabia, de tensión, de desafío al borde del abismo. En cualquier caso, la dirección del proyecto parece ser buena.

En directo las canciones están funcionando bien, y presentan matices respecto al estudio. Suenan más folk, arreglos de violín incluido, y plenamente orgánicas. Añadir además que La Broma Negra ha editado un disco en directo, “Te Quiero Pero He Elegido La Oscuridad” donde se pueden comprobar las bondades de la banda.

Texto: Mariano González.
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sábado, 4 de mayo de 2024

Programa Cyndi Lauper "True Colors" (Temporada 15/ Programa 9)

Con este programa intentamos poner en valía el 2º disco de estudio de Cyndi Lauper. Tras "She's So Unusual", "True Colors" supuso más que una digna continuación y poco a poco se apreciaban ligeros detalles de evolución estilística de Cyndi.

Fuimos Mariano González (vía telemática) y Víctor Prats quienes debatimos sobre este trabajo el pasado 20 de abril de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Por si no lo escucharon en su momento, les dejamos aquí insertado el reproductor con el podcast y también el enlace a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga si así lo prefieren: https://www.ivoox.com/dmr-15-9-audios-mp3_rf_128437510_1.html
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viernes, 3 de mayo de 2024

Temporada 15/ Programa 10: Especial Depeche Mode en directo

Como hicimos ya hace un tiempo sobre The Cure con motivo de su última visita a Madrid, retomamos esta práctica con motivo de que varios del equipo de “DMR” asistiéramos al primero de los 2 conciertos que Depeche Mode ofrecieron en Madrid el pasado 12 de marzo de 2024.

En este programa hablaremos no solamente de nuestras impresiones del último concierto de la banda al que hemos asistido, sino de lo vivido en giras anteriores y también comentaremos sus lanzamientos en directo de su trayectoria.

La cita será este sábado 4 de mayo de 2024 a las 16:00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Les esperamos. No falten a la cita.

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/
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viernes, 26 de abril de 2024

Zaho De Sagazan - La Symphonie Des Éclairs (2023)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
En esta ocasión vamos a repasar a uno de los artistas revelación francófonos del año pasado cuyo éxito ha continuado en el presente año, se trata de Zaho de Sagazan. Desde el principio estuvo en contacto con el mundo del arte, sobre todo a través de su padre el pintor, escultor y performer Olivier de Sagazan, pero en un principio parecía que Zaho se iba a dedicar a la danza ya que la estuvo practicando durante muchísimo tiempo de manera muy intensiva.

La carrera musical de Zaho comienza de una manera poco usual, simplemente subiendo videos a su Instagram donde realizaba versiones de otras canciones dejando de vez en cuando caer alguna composición propia. Es así como se hace remarcar y ya a partir de 2021 empieza a actuar en distintos festivales franceses donde empieza a darse a conocer poco a poco pero el disco se hacía esperar, parecía que las discográficas no querían arriesgar pero por fin, en 2023, le llego la oportunidad y se publica su debut “La Symphonie Des Éclairs”, el cual pasamos a analizar.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. "La fontaine de sang": El álbum empieza de forma sutil con una melodía circular de teclados y pequeños toques de sintetizador formando una atmosfera realmente oscura y hasta diría yo decadente en la que Zaho nos cuenta la surrealista historia de una fuente que es completamente consumida hasta la extenuación. El texto es lo suficientemente ambiguo como para dar pie a varias interpretaciones, pero más bien transmite la historia de alguien de la cual un montón de hombres se aprovechan hasta acabar por agotar a la persona abusada. La voz tan grave de Zaho hace su primera aparición dando un dramatismo pronunciado a esta canción.

2. "Aspiration": El tono lúgubre sigue con el siguiente tema que sin duda es de los que más destaca en el disco y uno de sus singles importantes, bien podría llamarse “Dernier cigarrette” puesto que es lo que más se repite en la canción. “Aspiration” es una canción de pop electrónico que tiene unos muy logrados y sutiles toques de guitarra sintetizados muy a lo Depeche Mode y encima en su frenética segunda parte es hasta bailable. La canción relata la batalla de Zaho con su adicción a la marihuana y como estos cigarros se convierten en su recurso en los momentos difíciles que al final son prácticamente todos a medida que la adicción se hace más pronunciada. “Aspiration” es de esas grandes canciones que consiguen transmitir musicalmente una historia ciertamente angustiosa y para completar el pack también se hizo un video que igualmente logra transmitir ese enganche malsano y todo ello sin más artificios que una habitación cerrada y una utilización del lenguaje corporal sobresaliente.

3. "Les dormantes": Si bien las influencias de la música electrónica están muy presentes en el álbum, Zaho también es una declarada seguidora de la chanson française. Aquí tenemos una perfecta combinación de ambas cosas; aquí Zaho nos cuenta la historia de unos seductores y los peligros que acarrea acercarse a ellos, pues puedes salir mal parado a nivel sentimental. El tema tiene un estribillo irresistible que se hace totalmente tarareable y quizás esto haya influenciado para que fuera otro de los singles del álbum que conto con un simpático videoclip de siluetas y personajes animados.

4. "La symphonie des éclairs": El tema que da título al álbum es, claro está, una sinfonía electrónica que rompe con el pesimismo con el que había empezado el disco para ofrecernos una especie de oda al poder de la música como bálsamo para superar la dureza de la vida. Los versos narrativos que en realidad cuentan la propia historia de Zaho desde la niñez, están perfectamente acompasados con unos teclados ligeros que parecen la banda sonora perfecta de un cuento infantil salvo cuando al final todo se vuelve más grandilocuente en el estribillo para terminar volviendo al principio y disiparse, es sin duda una canción de una gran belleza y cuyo título describe un poco en general lo que es este álbum, una historia de claros y oscuros a lo largo de la vida de la protagonista.

5. "Les garçons": Aquí nos encontramos con uno de los temas más desenfadados del disco, sino el que más, en el cual Zaho nos habla de que está enamorada de todos los chicos pues cada uno de ellos le aporta algo diferente. En realidad se trata de una canción que rememora el fin de una relación y que viene a decir que ya encontrara algún otro. La canción es un medio tiempo irresistible con un estribillo muy pop que coge influencias claras del pop de los primeros 80 en Francia, una época no muy destacable en el país galo en comparación con otros países de su entorno, pero tuvo grandes éxitos de artistas como Lio, Ethienne Daho y otros.

6. "Langage": Después de un tema luminoso toca una mucho más sombrío, de estilo bastante minimalista. En esta canción es más importante la parte instrumental con esos sintetizadores realmente evocadores que dibujan melodías melancólicas, que la letra que en este caso se reduce al mínimo imprescindible y sin duda funciona haciendo buena la frase de que menos es más. La forma de cantar recuerda mucho a cierto tipo de canción de Mylene Farmer más triste y reflexiva, en parte es otra de las influencias de Zaho.

7. "Dis-moi que tu m aimes": Nuevo cambio de registro con una balada de solo piano y voz donde podemos apreciar el talento interpretativo de de Zaho que no necesita de más para hacer creíble esta demanda de escuchar “te quiero”, pero no de una forma patética como veremos más adelante en el álbum, sino que aquí se trata de una confirmación de haber encontrado a la persona deseada después de haber transitado por muchos “amores desgraciados” como dice en la canción.
8. "Mon inconnu": Tanto musicalmente como a nivel de letra hay cierta sordidez en esta canción que trata de la atracción irracional hacia un desconocido, es uno de los temas más techno del disco donde podemos ver influencias de Depeche Mode pero también de The Knife e incluso de Kraftwerk a nivel de arreglos y sobre todo en la parte final que es más industrial y rítmica; el tono de la voz tan grave añade aún más sordidez.

9. "Je rêve": Una de las canciones más bellas del álbum, en la que la protagonista parece rememorar a una persona que ya no está entre nosotros, deseando que de alguna manera esta persona volviese a la vida. El tema es un agradable medio tiempo en forma de vals con una melodía que se acopla perfectamente a la voz de Zaho, esta vez en un registro menos grave, demostrando una variedad de rango vocal envidiable.

10. "Tristesse": Otro de los singles fuertes del álbum donde se puede ver de nuevo las influencias de grupos de technpop en cuanto a la parte musical, aunque es cierto que se prescinde bastante de adornos entregando un tema más áspero, lo cual no quita que sea también bailable por sus ritmos repetitivos y ciertos toques industriales en la parte final. En “tristesse” se produce una lucha a ritmo de sintetizadores repetitivos y una voz punzante, muy adecuada para, en un principio, darnos la impresión que es una persona que ha superado esa tristeza existencial y la controla perfectamente para finalmente que finalmente esto no es así y llega a reconocer que tiene la impresión de que esa tristeza seguirá siempre ahí y nunca la abandonará. El tema conto con un videoclip de estilo totalmente minimalista donde al igual que en el realizado para “Aspiration” podemos darnos cuenta del total dominio de Zaho en lo que respecta al lenguaje corporal.

11. "Suffisamment": Parece que el disco torna en esta parte final hacia las historias decadentes. Se trata de un tema muy básico basado en un loop de sintetizador que esta presente en toda la canción al cual se añade algunos detalles minimalistas. Este fue uno de los primeros temas que saltaron a la popularidad en las redes y que comenzaron a forjar la popularidad de la cantante, era claro que muchas personas se podían sentir identificadas con la temática de la canción en la que una persona está completamente enamorada de otra, pero no es correspondida y las preguntas que surgen ante una relación tan desigual. La modulación de la voz provocan acentuar aún más el patetismo y la decadencia de la canción pero a la vez estamos ante un tema de una gran belleza totalmente atemporal puesto que nos podemos imaginar a cualquier clásico de la chanson française haciendo suyo este tema.

12. "Mon corps": De nuevo tenemos otro tema lento bastante oscuro donde esta vez el tema deja de ser las relaciones con los demás para centrarse curiosamente en su propio cuerpo, rara vez se ha hecho una especie de oda al cuerpo, un dialogo escalofriante entre mente y cuerpo donde de alguna forma la mente le está pidiendo perdón por las atrocidades que le ha provocado a lo largo de los anos. Una canción muy minimalista con algún arreglo de sintetizador que crea una atmosfera más apacible que la dureza que nos muestra la letra. Un tema lleno de sensibilidad, de hecho, la cantante siempre dijo que se considera hipersensible, y a la vez muy original.

13. "Ne te regarde pas": El álbum acaba con fuerza con un tema que nos devuelve a Zaho a su vertiente más electrónica, de hecho, este tema podía ser perfectamente de Kraftwerk, ahí están esos vocoders para demostrarlo además de algunas melodías de sintetizador bastante ochenteras y unas bases bastante bailables. La canción es una especie de himno en defensa de la propia intimidad y la discreción, un "métete en tus asuntos" en toda regla y una puesta en valor del minimalismo hasta en la forma de ser, preferir no destacar, aunque en este sentido la canción también expresa de alguna forma un cierto miedo a destacar de alguna forma pues esto podría dar a juicios poco favorables de los demás.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
“La Symphonie Des Éclairs” es un disco de una variedad remarcable y que combina perfectamente las dos mayores influencias de la artista, por un lado la música electrónica, con una especial predilección por los alemanes Kraftwerk (es muy usual verla vestida con camisetas de los de Dusseldorf) y por otra la canción francesa más tradicional de clásicos como Jacques Brel, Barbara o Edith Piaf. El álbum hace honor a su nombre, una sinfonía de sonidos de diversa procedencia que van creando una serie de canciones que van de la desesperación, la soledad, la tristeza o la adicción a la esperanza y el hecho de sentirse vivo.

El debut de Zaho ha sido fortísimo y da vértigo la sola proposición de un segundo álbum. El éxito ha sido lento pero rotundo, la propia Zaho describía su evolución comercial como algo muy cómodo ya que no se vio de un día para otro, sino que primero empezó tocando para 50 personas, luego 200 y así hasta llenar grandes arenas con un solo disco.

Pero el paso por los Victoire de la musique franceses donde se llevó nada menos que 4 premios llevó a la artista a otro nivel ya reservado a muy pocos. Para rellenar los directos ya que tiene bastante poco material tuvo a bien en publicar un ep con tres versiones fantásticamente ejecutadas, se trata de “La bonne etoile” de M, “99 luftballons” de Nena (cantada además en alemán) y “Ah que la vie est belle” de Brigitte Fontaine.

Sin duda Zaho De Sagazan es la artista del momento en Francia y en la Europa francófona, y estará todo el 2024 tocando sin cesar, sin duda será interesante ver cómo lleva este primer trabajo al directo en grandes recintos y defender un espectáculo sin tener aún un repertorio amplio, todo un reto.

Texto: Alfredo Morales
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sábado, 20 de abril de 2024

Programa Austra "Future Politics" (Temporada 15/ Programa 8)

El pasado sábado 9 de abril de 2024 nos juntamos Alfredo Morales (vía Skype), Mariano González y Víctor Prats para establecer debate sobre el disco editado en 2017 por la banda canadiense Austra. Pudimos hablar del último trabajo que Katie Stelmanis editó en nutrida compañía de sus ya ex-compañeros.

Fue a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). El programa, además de nuestras reflexiones sobre la obra y el grupo, estuvo plagado de buena música, con varias de las canciones tan notables de este álbum de 2017 en primer plano.

Por si no lo escucharon en su momento en directo y en las numerosas redifusiones posteriores en RUAH los sábados a las 16.00h y los miércoles a las 23.00h, aquí les dejamos insertado el reproductor con el podcast y también les aportamos su enlace al alojamiento que tiene en nuestro canal en Ivoox para que opten, si lo prefieren, por su total y libre descarga: https://www.ivoox.com/dmr-15-8-audios-mp3_rf_127807991_1.html
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viernes, 19 de abril de 2024

Temporada 15/ Programa 9: Cyndi Lauper y “True Colors” (1986)

Retornamos tras nuestro parón por Semana Santa, un poco más largo de la habitual, para afrontar el tramo final de nuestra temporada 15 de radio. Este sábado a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) prestaremos atención al 2º disco de estudio de Cyndi Lauper.

Quizás “True Colors” no llegue al nivel de exigencia de su notable debut de 1983 “She’s So Unusual”, pero tampoco se crean que se va tan lejos. Incluye unos cuantos singles de relumbrón, incluyendo la canción título, y otras cuantas canciones que también merecen la pena.

Les acercaremos su contenido en un nuevo debate coloquio musical, donde pondremos varias de sus canciones en primer plano, y las que no en 2º plano mientras que exponemos nuestras ideas sobre este disco. No se lo pierdan.

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/
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lunes, 25 de marzo de 2024

Concierto Depeche Mode. Madrid (12-03-2024)

En esta ocasión las crónicas y críticas en general sobre el primero de los 2 conciertos que Depeche Mode han ofrecido en Madrid dentro de su tour mundial “Memento Mori Tour”, han sido favorables o muy favorables. Desde ya les indico que aquí no nos vamos a alejar de dichas valoraciones en positivo. Y es que siendo la 5ª vez que veía en directo al ya dúo de Basildon, compuesto por David Gahan y por Martin Gore tras el fallecimiento de Andy Fletcher, tengo serias dudas de si ha sido la ocasión que más me ha gustado de todos los shows que he visto a la banda, a pesar de la ineludible ausencia de Fletch sobre el escenario.

Con el tiempo justo para acceder y localizar nuestros asientos, llegué al Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid para no perdernos tampoco a la artista invitada, Suzie Stapleton. No sé si de alguna forma cerré el círculo con DM al verles en graderío, cosa que hice solamente (y de forma voluntaria aquel día) en 2001 en el Palacio Vistalegre. En 2006, 2009 y 2014 estuve en el pie de pista del mismo recinto de esta ocasión (en 2017, con solo una fecha programada, me fue imposible coger entrada).

A las 20.30h, 10 minutos más tarde de lo que se anunciaba en la web de la promotora del concierto, aparecía esta australiana, de fuerte contraste entre su propuesta musical y su actitud con respecto al público entre canción y canción. Suzie se mostró amable, cercana y simpática, incluso hablando en un aceptable español, entre tema y tema. Su estilo es contundente y algo sombrío. Con una formación de bajo, guitarra y batería (lejos de lo que supone el artista principal al que introducía), Suzie nos ofreció media hora de intensidad y un ejercicio de contundencia, teniendo en cuenta los pocos medios o apoyos que tenía sobre el escenario. Discreta, en el buen sentido de la acepción, y lejos de molestar, no supuso mal aperitivo para lo que vendría media hora después.
Con puntualidad de Basildon, a las 21.30h clavadas, se apagaron las luces, comenzando la intro. Poco a poco fueron saliendo los componentes del cuarteto que son DM en directo, con sus músicos que les llevan así como si nada acompañando cuarto de siglo en sus giras. Christian Eigner, Peter Gordeno, Martin Lee Gore y un poco más tarde, desatando ya la locura con solamente pisar el escenario, ese frontman para la historia de la música llamado David Gahan; un tipo el señor Gahan que puede encontrarse perfectamente en el top 10 de hombres espectáculo de la historia del rock, y codearse sin ningún tipo de rubor con leyendas del nivel del propio Freddie Mercury.

Empezó el grupo como pronosticamos los 3 amigos (Mariano González entre ellos) que nos juntamos para asistir a la cita, con el tema de apertura del disco, la oscura y quizás familiar lejana de “Clean”, “My cosmos is mine”. Para arrancar situaron también anexa el single “Wagging tongue”, otro de los temas del aceptable “Memento Mori”, que probablemente sea el trabajo que más haya gustado en general a los fans desde “Playing The Angel”. Fueron 4 los temas de este último disco, incluyendo también a la sesuda “Speak to me”, haciendo de rogar, bien avanzada la actuación el efectivo y emotivo primer single “Ghosts again”.
Ya en el tercer lugar del setlist situaron el primer clásico, el cual nos trasladó a aquellos días de inspiración a la par que de cierta turbiedad en la banda de la era de “Songs Of Faith And Devotion”. “Walking in my shoes” siempre acierta con su épica arrolladora y ampulosa emotividad. Para entonces, David ya estaba demostrando que no iba de farol y que el cierto bajón en actividad que le noté una década atrás, centrado más en la faceta vocal y dejando de lado tanto vaivén en las tablas, no fue el indicativo de una bajada o trayectoria de descenso en su hiperactividad escénica, ya que más de 10 años después de aquella noche lluviosa de enero de 2014, David se mostró tan inquieto y animoso como en 2001 en el Exciter Tour cuando les vi en la plaza de toros cubierta del barrio de Carabanchel.

Cometí el error de ver hace casi un año ya el concierto que ofrecieron en un festival de Barcelona, pensando que a lo mejor en esta ocasión no pasarían por Madrid. Bien es cierto que desde entonces, el setlist algo ha cambiado, pero no radicalmente. No obstante, no recordaba bien ciertas cosas, pero sí las notas iniciales de la versión de “Everything counts” de esta gira; por ello, cuando arrancaron allá en la parte inicial del concierto, ya sabía lo que venía, que para mí es uno de los momentos más especiales de la noche. Nuevamente intenté que, coreando el final de la canción, se consiguiera algo como en el disco en directo “101”, pero no se hizo tan largo el singalong de la gente.

Lo que no recordaba es que “Just can’t get enough” estuviera en los bises, lo cual me agradó especialmente. El bis, con 4 temas, fue un acierto. Estuvieron presentes la efectiva “Personal Jesus”, con la que se puso el punto final a las 2 horas y cuarto de actuación (la más larga que les he visto, creo recordar que las 4 anteriores estuvieron en las 2 horas exactas o algún minuto menos), la épica mesiánica de “Never let me down again” (primera vez que pude ver el braceo de la gente desde lo alto del graderío, que no vean cómo impresiona; las 3 veces anteriores estaba cerquita del escenario abajo y no se palpaba más allá de tu entorno cercano) y la versión íntima de “Waiting for the night”, en perfecto dueto de David y Martin en el borde de la pasarela de extensión del escenario.
Cosa a destacar dentro de lo ofrecido es ver que “Playing The Angel” se confirma como un disco importante de la banda, consolidándose cada vez más en el colectivo general, ya que fue uno de los que más representación tuvo con 3 de sus canciones “A pain that I’m used to” (si bien en versión remix), “Precious” y “John the revelator”. Todas muy bien recibidas por el público. Curiosa fue la participación flamenca y zapateada de la bailaora Belén López en mitad de “Enjoy the silence”. Se ve que la banda estuvieron la noche anterior de fiesta flamenca en la capital y salió de Martin y David, al ver actuar en directo a Belén, invitarla a hacer algo en el show. Hubo algún silbido suelto, pero está claro que fue mejor recibido este guiño a nuestro país que lo que por lo visto sucedió en 1997 en el estadio Vicente Calderón cuando The Edge de U2 en pleno “Pop Mart Tour” se atrevió a tararear “Macarena” de Los Del Río. De hecho, esta folclórica anécdota, fue parte de los telediarios del día siguiente.

Además del ya comentado single bandera de “Construction Time Again”, mi momento particular favorito de la actuación fue ese combo “Black Celebration” que ya avanzado el show dispuso DM, con la canción título y su rutilante primer single, que de alguna forma, cambió o supuso el cambio en el estilo y dirección artístico-musical de la banda, “Stripped”. “Black celebration” no sonó en su versión más potente, pero nos sumergió en ese capítulo nocturno y oscuro tan arrebatador de la historia del grupo. “Stripped” brilló en medio de una iluminación rojiza, con sus sintetizadores tan ampulosos en perfecto estado de forma, y con un David Gahan muy atinado, dejando menos el micro a la audiencia y cantándose toda la parte final, como debe de ser. Simplemente con estas 2 canciones metidas seguidas en un listado de temas a interpretar, yo ya daría el notable a la actuación directamente; lo que pasa es que como hubo mucho más, la nota sube al sobresaliente, bordeando la matrícula de honor o mención honorífica.
En su día, cuando hace unas giras el grupo tocó una versión light de “Halo”, hablamos a nivel particular en nuestro círculo de amistades de “caída de huevos”, Alfredo Morales, con quien estuvimos telemáticamente haciendo programa de radio el pasado sábado, nos advirtió que en esta gira no había de eso. Enmendaría en parte el mensaje de calma de Alfredo, ya que al menos a medio gas, o dejándome una sensación agridulce al menos, que “Strangelove”, tema que aún no había visto en directo en las 4 veces previas, sonase en versión íntima por Martin, no es lo que más me hubiera gustado. Mejor así que sin que saliese, y además hay que decir que Martin Gore defendió muy bien el tema a la voz y que Peter Gordeno escogió muy bien la modulación de sus teclados para que el tema tuviera la fuerza necesaria de su melodía.

Mucho mejor fue en ese tramo protagonizado por Martin que rescataran “Somebody”, el bonito 4º single de “Some Great Reward”, ese gran disco de su primera etapa que raramente es recordado en sus shows. Así que, que decidieran recuperar esta delicada y sentimental pieza, fue bajo mi punto de vista otro de los momentos destacables del show en lo que se refiere a lo no troncal o esperado de una actuación de Depeche Mode. Nuevamente Peter Gordeno estuvo soberbio en la parte instrumental. David Gahan, cuando retornó a escena, pidió un fuerte aplauso a la audiencia mencionando la angelical voz de su compañero.

Luego hay que hablar de los terceros o cuartos singles de los discos de relumbrón. En esta ocasión la quiniela incluyó a “Behind the wheel”, con proyección íntegra de su videoclip sobre la pantalla de fondo, la cual estaba presidida por una “M” gigante, “In your room” y “Policy of truth”. Me gustó mucho que recuperaran el tercer single de “Violator”, totalmente acertado y que sonó en su versión más catódica. Por cierto, mencionar que “Behind the wheel” estuvo dedicada a Andrew Fletcher, con momento al menos para mí muy emotivo con proyección de una fotografía de Andy en las pantallas. Descanse en paz.
Tras el bis de 4 canciones, las luces tardaban en encenderse y pensamos que quizás hubiera lugar para un tema suelto, al estilo de lo que pasó con “Goodnight lovers” en 2006, pero no. Salimos ordenadamente del recinto y nos fuimos a cenar comida turca a la zona de Manuel Becerra, lo cual es una pequeña tradición personal de las últimas veces que hemos ido a concierto a este recinto.

Yendo al detalle de lo comentado al inicio de esta crónica, la crítica ha sido también unánime al loar a David Gahan. Reitero el repunte de estado de forma que le he notado respecto a 2 giras atrás. David bailó, se movió de lado a lado (no le pude sacar una sola foto buena), incluso giró con cierta velocidad con su palo de micro, cambió alguna vez de chaleco y aunque no terminó con torso desnudo, sí que se quitó la americana inicial (de hecho con “Walking in my shoes”, 3ª canción, ya no la llevaba) y tras el par de temas interpretados por Martin, ya regresó sin la camisa blanca y solamente con su chaleco en la parte superior. Vocalmente, impecable, salvo quizás en “Precious”, donde le noté algo errático, pero esto solamente por buscarle un momento de imperfección en una actuación memorable.

Martin Gore ofreció un perfil más bajo en su actuación. Incluso en su momento de protagonismo no cayó en el divismo, y logró emocionar desde la humildad y la buena ejecución. Bien a las guitarras, teclados y providencial en los coros y segundas voces que cuando tienen lugar adornan a la perfección la inmutable voz de David, que se mantiene en los mismos tonos y registros, imperecedera al paso del tiempo.

Eigner y Gordeno ya son de la familia y los 2 cumplen de sobra. Eigner da buen músculo con sus zurriagazos de batería y Peter supone un perfecto apoyo instrumental a Martin. Por cierto, hubo un momento en el que Eigner dejó las baquetas y se puso a los teclados también, cosa curiosa que no recuerdo de ningún otro concierto previo de los que he estado.

Veía este concierto como una forma de despedirme de una de mis bandas pódium en directo. Pero al menos por mi lado no va a quedar; hay que apuntar que alguna persona que conozco que fue al 2º concierto 2 días después, no notó tanta excelencia y entrega. Se ve que muchos fans que repitieron han afirmado que en este primer concierto fueron a divertirse y en el 2º a trabajar. Se rumorea que este concierto pueda ser el dvd oficial, porque por lo visto estaba Anton Corbijn por ahí dirigiendo. En fin sea como sea, quedé tan satisfecho de este concierto que si hay ocasión de otro concierto en Madrid (que no sea en festivales), allí intentaré estar. No sé si esta gira la ven Martin y Dave como un último baile y finiquitarán la historia de DM, viendo una continuación sin Andy más allá de este disco y tour homenaje como algo difícil de ejecutar. Ya lo veremos. En todo caso, si este ha terminado siendo la última vez que veré a DM en directo, no me podía imaginar una mejor despedida. Por si no nos volvemos a ver, gracias chicos. Y si queda alguna bala más, hasta la próxima, que allí pelearé por estar.
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