Empezamos la temporada con un debido tributo a una banda que, como tal, ya forma parte de la historia de nuestra música. Y, aunque vimos a su vocalista hace unas pocas semanas en directo, el caso es que La Unión no terminó de la mejor forma posible entre la triste pérdida de Mario Martínez y las trifulcas entre Rafa Sánchez y Luis Bolín.
Sirva este estreno para hacer un homenaje al legado del grupo de la mano de su interesante 2º trabajo de estudio y para volver a hablar de ellos después de la entrevista que hace ya varias temporadas hicimos a su biógrafo oficial y mánager durante mucho tiempo Javier Adradós y al propio Rafa Sánchez.
Se acabó el parón veraniego o vacacional, solamente alterado por las crónicas de conciertos a los que hemos acudido, y este sábado vuelve nuestra actividad con una nueva temporada de radio. No se prevén cambios ni de entrada ni a lo largo de la temporada con respecto a lo que es nuestra estructura habitual de programa, horarios de emisión o colaboradores que estuvieron activos en la última temporada.
Los sábados a las 16:00h cada 2 semanas tendrá lugar un nuevo episodio en el que desgranaremos el disco que escojamos y la semana siguiente podrán escuchar la redifusión del espacio en el mismo dial de nuestra emisora, Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), que tampoco cambia nuestro medio de emisión (posteriormente seguiremos subiendo el podcast a Ivoox).
Se mantienen igualmente intactas las ganas de llevar a cabo esta altruista tarea de difusión cultural, con mucha ilusión y confiando en que les sea de su agrado y disfrute. De momento, no se pierdan el estreno de la nueva temporada este próximo sábado 19 de octubre de 2024. Les esperamos.
Haciendo muchos esfuerzos, por distintos asuntos de índole personal, decidí pasarme
nuevamente por la plaza de toros de mi municipio a ver a bandas que hacía ya tiempo
que no veía en directo. Dichos esfuerzos merecieron mucho la pena, ya que el programa
doble de Toreros Muertos y luego Seguridad Social (luego había también otras
actuaciones, pero principalmente acudimos a estas) fue de resultado altamente
satisfactorio; por cierto, aunque hace 2 años hicimos 2 artículos independientes de las 2 noches del festival, en esta ocasión lo juntamos todo en un único artículo; no damos para más.
A los Toreros Muertos tuve ocasión de verles ya más de 9 años atrás en la Plaza Mayor
de Madrid en unas fiestas de San Isidro. Haciendo memoria, el setlist fue bastante
parecido. No faltaron en esta cita torrejonera los pesos pesados en forma de canción de
su obra y hubo espacio para alguna versión alternativa desternillante como “El fútbol
femenino necesita tranquilidad”.
Personalmente disfruté mucho de la apertura con el tema que da nombre a la banda, con
“Manolito”, la extensa versión de “Mi agüita amarilla” y sobre todo la irreverente
canción dedicada a la lengua de Shakespeare “On the desk”, la cual a ratos puede que
sea mi favorita del grupo. En todo caso, el vídeo que les vamos a insertar corresponde a otro de sus temas más celebrados, “Yo no me llamo Javier”.
Pablo Carbonell y los suyos aparecieron ataviados de forma llamativa, con trajes de
cheerleader, gorras escocesas, etc., siendo quizás el más “discreto” el propio Pablo, con
camisa de manga corta, corbata y pantalón corto con calcetines rojos. Estuvieron poco
menos de hora y media sobre el escenario y con su buen humor y el ritmo de sus
canciones, en muchos casos con base ska muy saltarina, nos permitieron pasar un rato
muy agradable.
No tardaron mucho en apañar el escenario para los Seguridad Social. En el caso de los
valencianos, desde mayo de 2007 no les veía en directo (ni existía aún “DMR”…), en
un show que dieron en el pueblo de Vallecas. Destaco 2 cosas principalmente de los de
José Manuel Casañ. En primer lugar la potencia de su sonido y en segundo lugar lo bien
que sonaron con una formación básica (la misma estructura de toda la vida) con un solo
guitarra, bajista y batería.
Además, el setlist ofreció mucha potencia en general, destacando temas como “Acción”,
“1, 2, 3, mueve los pies”. No en vano arrancaron con la declaración de intenciones que
suponía “La camisa de once varas”. Nos gustó mucho gran parte de las canciones que
escogieron para la cita, las cuales, aún siendo conocidas dentro de la historia de la
propia banda, no necesariamente fueron tan evidentes. Por ejemplo, “María Manuela”
me hizo mucha ilusión escucharla en esta noche, al igual que 2 de los singles bandera de
lp de comienzos de milenio “Calavera” y “A tontas y a locas”.
No faltaron igualmente los platos fuertes habituales de “Chiquilla” y “Comerranas” (con
sus incursiones a mitad de tema en “Reggae connection” y “Mi almohada está
preñada”), estas situadas en el tramo final del show, y “Quiero tener tu presencia” más
bien a mitad de actuación. En el bis destacó, como siempre, la extensa y narrativa “El
viajero”, un clásico para los que seguimos al grupo de hace tiempo, pero un tema quizás
no muy conocido para curiosos que se puedan acercar a conciertos de la banda, atraídos
por “Chiquilla” o “Quiero tener tu presencia”.
Fue en torno a hora y media de potencia, buen sonido y buena ejecución por parte de
Jorge Molina al bajo, Javi Vela a la guitarra, Víctor Traves en la batería y, como no, el
infalible José Manuel Casañ al frente del mástil del micrófono. Un reencuentro tras
muchos años sin vernos que mereció mucho la pena. Quizás fuera “María Manuela”
junto a “Comerranas” mis momentos para el recuerdo de la actuación. Por cierto, de Seguridad Social no les podemos insertar ningún vídeo ya que me quedé sin batería en el móvil durante su actuación...
A la semana siguiente acudimos a la 2ª entrega del festival Locos X Los 80, con un
programa dispuesto doble otra vez (o triple, mejor dicho), con No Me Pises Que Llevo Chanclas y Rafa
Sánchez de La Unión en el cartel, además de Chimo Bayo. La semana anterior, Toreros Muertos aparecieron en
el escenario a las 21.15-21.20h. Entre ese detalle y que por motivos familiares salí
justito de casa, llegué a la plaza a las 21.07h. Bien, pues en esta ocasión, con
puntualidad sevillana, los No Me Pises Que Llevo Chanclas llevaban ya 2 canciones y
media actuando. Según entré por la plaza de toros vi al fondo de frente en el escenario al
bueno de Pepe Begines con su inconfundible sombrero cordobés empleándose a fondo.
Me dio rabia perderme esas canciones por 2 motivos, uno porque no había visto a este
grupo aún en directo y dos porque ofrecieron una hora y 10 minutos aproximadamente
de mucho ritmo y acierto musical, aderezado con su sentido del humor plasmado en las
letras de sus temas. Nada más llegar estaban con “Las calles de Chicago”, ese tema que
ansias de levantar una plaza de toros en la ciudad de Illinois, pero que no es posible de
ejecutar porque el alcalde es un malaje. Fueron desfilando otros temas que no conocía
como “El polisía”, con una historia muy graciosa de un agente de la autoridad de raza
gitana, y “El tomate cantante”.
De los clásicos más grandes del grupo yo esperaba 2 e inexplicablemente me había
olvidado de otros 2 bastante gordos dentro de su obra. Se me habían pasado “Canario” y
“¿Y tú de quién eres?” ni más ni menos. La de “Canario”, con su estribillo tan
inolvidable “¡ay!, qué pena me da que se me ha muerto el canario” sirvió como final de
concierto y la otra citada estuvo más o menos a mitad de concierto. No podemos olvidar
a “Manué Sanche Sanche”, que también estuvo dentro del repertorio ofrecido en esta
noche.
No obstante, para mí uno de los momentos de la noche tenía que venir de la mano de
“Bolillón”. Esa irreverente historia de colocones y paseos por el barrio de Santacruz (de
Sevilla capital), con ese ritmo de más bien agroska que agropop (género que siempre ha
reivindicado el grupo para adjetivar su estilo), fue el penúltimo capítulo de la actuación
y fue muy bien recibida por la plaza de toros de Torrejón de Ardoz. A continuación les dejamos el vídeo que grabamos de ese momentazo.
Y es que el recinto le venía muy al pelo por muchos motivos al grupo, por la cita que
hay en la ya comentada “Las calles de Chicago” y por 2 canciones como “Mi torero es
ciego” y “Tirititri”. Esta última era el otro hit que esperaba y que estuvo muy en
rotación en los medios allá a mediados de los 90 como single del recopilatorio que lanzó
entonces el grupo. Pero fue la gran ausencia de la noche. Mal menor este, ya que me
quedó una buena experiencia del rato con Pepe Begines y su banda, recordando algo a
lo que viví en 2006 con los ya retirados y también andaluces Danza Invisible, que era
una banda que por entonces conocía, admiraba, pero a los que no había visto en directo
aún y de los que no tenía una visión muy amplia de su obra. Así que probablemente, en
un futuro, haré por volver a ver a los Chanclas en directo y puede que me compre algún
disco suyo para completar mi colección. Quizás mis momentos preferidos de la
actuación fueron “Las calles de Chicago” y “Bolillón”.
A la larga me merecen la misma repercusión los Chanclas que Rafa Sánchez en tanto a
la motivación que me movió a ir a la 2ª noche del festival, si bien, a priori, por el
conocimiento superficial de los de Begines, lo que me motivaba a ir era ver a Rafa por
primera vez sin el acompañamiento del nombre y componentes de La Unión.
Poco después de los Chanclas, se presentó la banda actual de Rafa Sánchez sobre el
escenario y comenzaron a intepretar “Vampiros”, tema de relumbrón de la trayectoria
ya en solitario de Rafa y que no en vano fue candidato a Mejor Single Nacional DMR
en 2021. Rafa, con un look que nos recordaba en parte a nuestro buen amigo Carlos
Caballero de La Broma Negra, arrancó bien con esta canción de su obra propia, y, junto
a “Vístete princesa”, que sonó a mitad de actuación más o menos, no hubo más especio
para temas suyos en solitario.
El resto de su hora y 20 más o menos de actuación fue a base de grandes temas de La
Unión. El primero en aparecer fue “Ella es un volcán”, siempre muy bien recibida, en
cuya versión me faltaron aquellos punteos míticos de la guitarra eléctrica que tan bien
ejecutaba el añorado y fallecido hace un tiempo Mario Martínez. El escrutinio incluyó
temas como “¿Dónde estabas en los malos tiempos?”, una versión muy correcta de
“Más y más”, “Maracaibo”, “Vivir al este del edén” o “Mala vida”, siendo esta última
quizás la menos evidente.
Sí que estuvo “Falso amor”, esa versión del “Tainted love” que le funcionó muy bien en su
día a la banda y en el tramo final estuvieron los singles bandera del disco de debut de La
Unión que son “Sildavia” y “Lobo-hombre en París”, correctísimamente dedicada a
Mario Martínez en su memoria (muy bien ahí Rafa, si bien a Luis Bolín no hubo
mención directa; ya sabe que la cosa entre ellos no acabó muy bien). En el final de show
también se situó la popera “Vuelve el amor” del disco “El Mar De La Fertilidad”,
funcionando como siempre a su manera, y la acertada cover de los Doobie Brothers “Tren de largo recorrido”. Como vídeo a insertar del concierto de Rafa Sánchez, les metemos una de mis favoritas, “Ella es un volcán”.
Realmente no eché en falta mucha cosa (“Humo” y “Negrita”), el setlist se puede considerar más que atinado y
lógico. El grupo sonó bien, aunque se echa de menos el carácter nostálgico del trío que
Rafa formó con Luis y Mario. Recordé que casi 20 años antes vi al grupo a las puertas
del recinto de esta ocasión, en la carpa de las fiestas patronales de octubre de 2004 y
recuerdo como aquel concierto uno de los mejores que he ido en mi vida (y he ido a
unos cuantos). Rafa en solitario estuvo bien, con su habitual buen rollo con el público y sus clásicos “¡vente conmigo!” a modo de grito de ánimo.
Estábamos cansados e hicimos esfuerzo de aguantar un poco para ver mínimamente a
Chimo Bayo (arriba una foto), que ya estuvo en el festival 2 años antes, pudiendo ver su desempeño al
menos de “La tía Enriqueta”. Pero no dábamos para más, y es que un servidor, al
margen de su ajetreada vida familiar con sendos niños de 1 y 3 años, tuvo que ir a un
examen de oposición de promoción interna a las 9h de la mañana a un instituto del
Barrio del Pilar de Madrid, así que enfilamos el camino a casa, satisfechos de las
actuaciones vividas en la noche del 14 de septiembre y también, en balance global, de
las de 1 semana antes, dando por muy bueno y satisfactorio el desempeño del ya clásico
festival Locos X Los 80 de Torrejón de Ardoz. Veremos qué nos ofrecen el próximo
año, pero lanzo una idea al aire, por si el alcalde actual (muy activo en redes) o el
concejal de cultura tienen acceso a este artículo, de, aunque sean más de los 90,
aprovechando que se volvieron a reconciliar Cristina y Alberto, Amistades Peligrosas.
Ahí lo dejo. Y hasta la próxima.
Habiendo visto a Bonnie Tyler en mayo de 2004 en las fiestas de San Isidro en la Plaza Mayor de Madrid y en septiembre de 2012 en las fiestas de Móstoles en el parque Finca Liana, por mucho que la vida familiar me lo ponga difícil, era obligado que ya que visita la ciudad en la que vivo, no me perdiera la ocasión. Además, las 23.00h, hora de inicio del concierto, favorecía más la situación.
Llegamos con el tiempo necesario para situarnos incluso en primera fila, aunque un poco ladeados. En las fiestas de Torrejón la puntualidad en los conciertos suele cumplirse y no fue una excepción esta ocasión. Vimos a Bonnie Tyler en muy buen estado de forma, llevando muy bien los 70 y pico años que ya tiene (al estilo de Bruce Springsteen, al cual vimos a comienzos de la misma semana). Su voz sigue siendo inconfundible, muy rota, con solamente un par de ocasiones en las que se quebró más de la cuenta.
En tanto al repertorio no faltaron los clásicos más absolutos de su trayectoria, los cuales se recibieron con muchas ganas. El primero en aparecer, más o menos mediado el concierto, fue “It’s a heartache”. Más hacia el final del concierto llegó “Total eclipse of the heart” y como colofón al show llegó “Holding out for a hero”.
No obstante, destacaría otras muchas cosas del concierto, como la digna cover que hizo, en claro homenaje a Tina Turner de “The best”. Y de su repertorio propio he de decir que me agradaron mucho las canciones que escogió de su último trabajo “The Best Is Yet To Come”, como por ejemplo la propia canción título. Sonaron muy bien esas canciones, las cuales no conocía, y con más motivo destaco las mismas ya que es difícil que de primeras escuchas te entre una canción.
Y la verdad es que Bonnie, con una formación muy sencilla de teclista, batería, guitarra y bajo, consiguió que su música sonase muy bien, con potencia y con dosis de lucimiento y virtuosismo de sus músicos a nivel individual. El concierto empezó con la versión de la Creedence “Have you ever seen the rain?”, no siendo, como ya hemos comentado, la única cover que Bonnie emplearía para la ocasión, citando también “To love somebody” de los Bee Gees.
El disco “Faster Than The Speed Of Night” fue quizás el más representado de la noche, donde también hizo su buen trabajo la canción título. Fue una hora y media de buena música, y una correcta actuación de Bonnie, salvo quizás algún patinazo puntual, tampoco demasiado reseñable. Al término del concierto, nuestro amigo David intentó fotografiarse con la artista, pero la cosa resultó imposible incluso para él, capaz de logros destacables en asuntos de backstage.
Para compensar, nos tomamos algo de cenar en el mismo recinto y pudimos comentar lo bien que estuvo en general el concierto. Mereció mucho la pena acercarse a ver por 3ª vez a Bonnie Tyler; tiene pinta de que haya sido la última vez que la haya visto, pero nunca se sabe…
Conseguimos entradas para el último de los 3 apabullantes días que Bruce Springsteen y su E-Street Band ofrecerían en el Nuevo Metropolitano, cosa no menor, ya que, como suele ser habitual, los tickets vuelan en estas ocasiones. Era una forma de cerrar personalmente el circulo con Bruce, ya que fue 21 años antes (en lo que es mi ecuador actual vital) cuando le vi por primera vez en el mismo sitio, pero con un recinto que estaba en estado embrionario, con la tribuna como única grada en aquellos días. Fue en el tour mundial de “The Rising” y en la vuelta de Springsteen a España en aquel mayo de 2003 tras su primer paso en noviembre por Barcelona en mítico concierto. Desde entonces, una vez más desde dentro en 2008 y otras 2 desde fuera escuchando (y finalmente viendo en parte) en 2012 y 2016. Tocaba volver a estar dentro.
Después de sortear colapsos del metro en Avenida de América (los pasillos previos al andén de la línea 7 estaban atestados y se veía una larga espera para poder montarnos en un tren) cogiendo un bus desde dicho intercambiador a Canillejas y andar los 20 minutos desde ahí al estadio, pudimos sentarnos en nuestros asientos a las 20.57h. Y esta vez el Boss no se retrasó tanto como en 2008, ya que a las 21.13h comenzaban a salir los componentes del directo de la E-Street band, con él en último lugar.
El concierto arrancó con Springsteen dándome un par de alegrías de inicio. No me esperaba “Lonesome day” (hay que tener en cuenta que me gusta ir a los conciertos desconociendo lo que los artistas van ofreciendo en su gira) y la cual no escuchaba precisamente en un directo de Bruce desde 2008; siempre he considerado a “Lonesome day” una gran canción para empezar un concierto.
Acto seguido metió “Cover me”, en un año en el que se cumplen 40 años del disco “Born In The U.S.A.” donde se incluye. Ya en su día la escuché a petición de un oyente y sus carteles en 2008, pero no por ello dejó de ser un pasaje muy agradable para mí, ya que desde la primera vez que escuché el álbum íntegro cuando me lo compré en 2002, me convenció claramente.
Confeccionó un show Springsteen que no ofreció parada hasta pasados más de 45 minutos. Seguía la fiesta con la acelerada “Night” del “Born To Run”. En el tramo inicial me resultó muy curioso y para nada esperado que se rescatara la fabulosa “Atlantic City” de “Nebraska”. Eso sí, la toma sonó como hubiera sonado si aquel disco de 1982 se hubiera grabado con toda la banda en el estudio y no de la forma desnuda que escogió el Boss para publicarlo en aquellos días. Ya a estas alturas, la asistencia me había merecido mucho la pena.
En otras noches no pasó así, pero en la última de las 3 de Madrid sí que se tributó a base de bien al “cuarentañero” “Born In The U.S.A.”. En el escrutinio aparecieron “Darlington County”, con su tono desenfadado, la íntima y cálida “My hometown” y el para mí otro de los momentos cumbre del show, “I’m on fire”; esta canción, de mis preferidas en general de la discografía de Springsteen, ya la escuché en la última de las ocasiones que merodeé en un concierto de Bruce, pero desde dentro no la había vivido. Fue una interpretación fabulosa, con Springsteen sublime en todo momento al micrófono, especialmente en los coros que él mismo hace en el tramo final; de esta forma, servidor iba sumando efectivos a mi grado general de satisfacción. Aquí inserto el vídeo que grabé.
Realmente “I’m on fire” se incluyó ya en el tramo final del despegue del concierto (que estamos hablando de más de una hora de actuación para entonces, ojo). Tras ese momento reflexivo del Boss con “Last man standing”, arreció la emotiva “Backstreets” y una “Because the night” con un tremendo lucimiento en la guitarra eléctrica de Nils Lofgren; menudo solo se marcó este señor, como ya vi en 2008.
Y en este pasaje o tramo final no desentonaron ni mucho menos “Wrecking ball” o “The rising”, y eso que compitieron con compañeras reputadas de discografía como “She’s the one” (otro acierto) y el latigazo exagerado que supuso el tocar seguidas “Badlands” y “Thunder road”.
Los bises casi ni se notaron, ya que Springsteen no terminó de marcharse nunca del escenario y ya con las luces del estadio encendidas, cosa habitual en los shows de la formación, y tal y como si estuviera el Atlético de Madrid disputando un partido nocturno, se nos apabulló con las “Born” seguidas. Primero fue la “In the U.S.A.” y luego la “To run”. No es preciso extenderse mucho con ellas. Sonaron canónicas, como debe de ser, y evidentemente la respuesta de las casi 60000 almas que allí estábamos, la acogimos con fervor y entusiasmo. Se seguía metiendo mecha al disco de 1984 con “Bobby Jean” y “Dancing in the dark”, a la cual recibo siempre con mucha alegría, ya que fue la canción que, junto a “Streets of Philadelphia”, me hizo engancharme a Bruce Springsteen.
No podía faltar ese final de fiesta que es la versión del “Twist and shout”, pero en esta ocasión Bruce nos guardaba un epílogo en forma de “I’ll see you in my dreams”, nuevamente con las luces generales apagadas y con Springsteen ya solito en el escenario interpretando esta bonita pieza. Y con esto termino de comentar canciones y sus momentos en el show. Evidentemente, hubo mucho más, entre ellas clásicos de talla enorme como “Hungry heart” o “The river”.
El sonido he de apuntar que en al menos los primeros 30 minutos fue horrible. Quizás fue solamente en nuestra zona, situados en la grada alta y a lo mejor fue el efecto de rebote de la cubierta voladizo del estadio. Luego, no sé si fue que se me amoldó el oído o que solucionaron el asunto desde la mesa técnica, ecualizando mejor la mezcla. Springsteen estuvo arrollador. 74 años para él no son nada. Estuvo a la altura de su leyenda, dirigiendo no solo a su banda, sino también a la audiencia en tanto a los vaivenes de brazos y demás. A ratos intenso, a ratos reflexivo y ratos guasón, sobre todo cuando en el bis bromeó con la idea de que el público no quería más actuación y querían irse a casa; ahí contó con la colaboración de Steven Van Zadt y Max Weinberg.
Estos 2 fueron de los más destacados de los músicos. Max desde su batería tocó con tremenda intensidad y aplomo; es brillante el desempeño de este profesor de universidad cuando se sienta en su batería. Steven tuvo sus momentos de protagonismo cuando se ponía mano a mano con Bruce y otros de saber quedarse en un 2º plano. Roy Bittan en sus teclados parecía un artesano de la música, con un domino muy claro y una ejecución de sobriedad pasmosa. Faltó Patti Scialfa, a la que confundí durante todo el concierto con la corista Lisa Lowell, pero me extrañaba que no cogiese la acústica para ponerse más cerca de su marido. Mi amigo César San Miguel me aclaró este aspecto telefónicamente al acabar el concierto.
Realmente estoy muy satisfecho de haber asistido a la fecha que más me hubiera gustado por repertorio en estas giras de fechas múltiples de 2024, tanto con Depeche Mode como con Bruce Springsteen. Viendo el setlist de los días distintos al que yo asistí, he de decir que me hubiera dado rabia ver como muchas de las canciones que viví, de otra forma me las hubiera perdido. Realmente eso es muy de agradecer, ya que si bien Depeche Mode son más troncales, Bruce ofreció un notable cambio de canciones en cada una de las 3 fechas que actuó en Madrid, lo cual, para algunos que asistieron los 3 días (que los hay), es algo más que deseable y que no es tan común que hagan las formaciones (junto a Bruce, The Cure y Morrissey, quizás).
También, como en el caso de Depeche Mode y en el caso de Bruce más claro, ya que es más mayor que los de Basildon, te queda un cierto poso de melancolía ante el hecho de que quizás sea la última vez que haya visto a Bruce Springsteen en directo. Mientras que haya vida habrá esperanza y siempre podremos pensar en que esta vez haya sido la penúltima. Terminado el show, y dando una vuelta por la zona del metro para ver que eso estaba imposible, retomé el mismo camino que hice en 2003 para llegar a la zona de Canillejas. Curiosamente, las sensaciones fueron muy parecidas a aquella ocasión, de alta satisfacción por lo vivido, intentando no pensar en la melancólica idea de que quizás haya cerrado mi círculo personal con el Boss en directo. Si así fuera, no se me ocurre un concierto con un repertorio mejor para despedirse (quizás “Brilliant disguise” y “Streets of Philadelphia” si me pongo exigente).
Acabamos la temporada 15 rindiendo homenaje póstumo a Mark Hollis. Cierto es que han pasado 5 años desde su triste pérdida, pero el caso es que lo teníamos pendiente. El pasado 15 de junio de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) llevamos a cabo lo que consideramos un sentido homenaje a su figura y al legado de su banda Talk Talk.
Fuimos Mariano González y Víctor Prats los que comentamos sobre su disco de estudio de 1984, el segundo de la trayectoria del grupo. Pudimos escuchar varias de sus notables composiciones en primer plano y las que no, se pudieron escuchar en 2º plano.
Por si no pudieron escucharlo en su momento, ni en redifusiones posteriores en RUAH a las 23.00h los miércoles y a las 16.00h los sábados, aquí les dejamos insertado el reproductor para su escucha y también en link a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga. Además de que hasta octubre, con el arranque de nuestra 16ª temporada, no habrá nada más, creemos que el programa merece mucho la pena. Escuchen: https://www.ivoox.com/dmr-15-13-audios-mp3_rf_131930590_1.html
El pasado día 15 de junio de 2024 acabó precisamente nuestra temporada 15 de radio. Ha sido una temporada algo más corta de lo habitual debido al permiso de paternidad que nuestro director y presentador, Víctor Prats, estaba disfrutando hasta comienzos de noviembre.
No obstante, con todo, han sido 13 programas los que hemos dispuesto, entre los cuales destaca el programa-entrevista a La Broma Negra (recuperando el formato de entrevista mucho tiempo después de la última ocasión hasta la fecha).
La vía telemática nos permitió tener nuevamente a Alfredo Morales como tertuliano. Junto a él, otras voces habituales han sido el 2º de a bordo Mariano González, José Antonio Sánchez, Juan Carlos Mbeaka y Carlos Caballero.
Les dejamos enlace a nuestro perfil de Ivoox para que recuperen los programas que consideren oportunos y también el tradicional listado resumen de los items que hemos ofrecido durante esta temporada. Les esperamos en octubre, con lo que será nuestra temporada 16: https://www.ivoox.com/escuchar-audios-abacab_al_7681_1.html
Un año más que nos mantenemos con el ritmo de actividad habitual, el cual incluye nuestros habituales descansos en cada periodo vacacional. No deja de ser relevante, al menos para los que formamos DMR, que llevemos ya 16 años con nuestra labor de difusión cultural. Se me ocurrió como foto de este post la portada del single que en su día lanzó Billy Idol y que hace referencia a la edad que cumplimos.
Que nuestros artículos de revisión de discos, nuestras crónicas de conciertos y programas de radio sean válidos para alguien, nos llena de orgullo y confiamos en seguir nuestra altruista labor, aunque las obligaciones familiares cada vez nos lo hagan más difícil. Nos vamos acercando poco a poco a nuestra mayoría de edad. Hoy de momento soplamos 16 velas.
Salvo la crónica del inolvidable concierto que vivimos de Bruce Springsteen junto a su E-Street Band el pasado 17 de junio (y quizás alguna cosa más), no habrá nueva actividad de "DMR" hasta finales de septiembre, cuando comencemos a mover el reinicio de nuestra andadura en la radio con la temporada 16.
Ahora toca descansar, desconectar y coger fuerzas, que nuestra actividad, por poca que resulte, supone un esfuerzo sacarla adelante con las obligaciones familiares y de otro tipo que tenemos cada uno de los que formamos "DMR". Que tengan buen verano y nos vemos en otoño. La foto es del lugar al que fui de vacaciones el año pasado y al que también iré dentro de unas semanas... Deseando estar allí. Sean buenos y disfruten de la música.
Afrontamos el penúltimo programa de la temporada analizando uno de los discos más memorables de la banda encabezada por Carlos Goñi. Su disco "El Dorado" de 1995 nos reportó muy buenos minutos musicales y nos permitió debatir sobre la figura de Revólver dentro de la música española en los años 90 del pasado siglo.
Fueron Mariano González, telemáticamente, y Víctor Prats, quienes ofrecieron sus opiniones al respecto.
No se nos ocurrió mejor disco y banda a la que tributar para este final de temporada. Mark Hollis hace ya un lustro que nos dejó y era momento de rendirle homenaje. Lo hacemos de la mano del icónico 2º disco de estudio de la banda a la que lideró, Talk Talk. El lp "It's My Life" ya fue objeto de análisis individual en las primeras temporadas de nuestro programa de radio, pero no fue tratado aún en formato coloquio.
La cita será este sábado 15 de junio de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Ya saben que hasta octubre no volveremos a ofrecer nuevo contenido, con lo que no se lo pierdan. Además, ¿qué mejor previo van a encontrar para el debut de la Selección Española en la Euro 2024? Les esperamos.
Ponerse a analizar un nuevo trabajo de Pet Shop Boys siempre tiene algo de reto pues nos estamos metiendo con uno de los dúos más importantes de todos los tiempos y para muchos el grupo pop perfecto, su éxito y longevidad han estado a prueba de modas.
Hace ya 40 años que se publicó esa primera versión de “West end girls” y el dúo no se cansa de seguir ofreciéndonos discos nuevos como el que nos acontece esta vez, cuando bien podrían ni hacer el esfuerzo y vivir de sus grandes éxitos de los 80 y 90.
A este respecto siempre estará el debate sobre si es mejor que un grupo siga editando material a pesar de la calidad del mismo o si, como hacen grupos como The Cure o The Human League (por poner dos ejemplos bastante extremos), es mejor no editar nada que pueda manchar el catalogo y seguir haciendo exitosas giras explotando el mismo.
En el caso de Pet Shop Boys, si bien han conseguido mantener a través de los años una calidad bastante constante en sus composiciones, dejándonos discos bastante notables, también debemos reconocer que los discos publicados en la pasada década de 2010, si bien contienen grandes aciertos, no están a la altura de discos anteriores.
Por poner un poco de contexto, el año 2013 los Pet Shop Boys publican “Electric” primer álbum de una trilogía producida por el famoso Stuart Price (Madonna, The Killers, Kylie Minogue, y un largo etc), donde el concepto era que fuera un disco completamente electrónico y muy enfocado a la música dance donde por primera vez las orquestaciones y otros instrumentos no tuvieran cabida.
Sin embargo, y esto es mi opinión personal, el muy elogiado “Electric” podría haber sido muchísimo mejor de lo que fue con otro tipo de producción menos artificiosa, algunas canciones pierden bastante fuerza por intentar de forma muy forzada ofrecer una producción muy moderna que no termina de encajar en algunos momentos del disco.
El siguiente paso “Super” (2016), tenía un sonido entre el dance y el pop con algunos temas bastante destacables pero la producción no aportaba nada e incluso en algunos casos (“Twenty something”) resultaba algo barata, lo cual es un crimen en un grupo como los Pet Shop Boys.
Llegados a este punto un tercer álbum con Stuart Price resultaba claramente redundante, pero se les había metido en la cabeza lo de acabar la trilogía al estilo de Depeche Mode con Ben Hillier y estas cosas no suelen acabar bien, en este sentido “Hotspot” (2020), publicado días antes de la pandemia, no aporta demasiado, a pesar de que esta vez la producción es un poco más comedida y se va alejando cada vez más de la música dance para ofrecernos algunos medios tiempos y baladas.
Ese año 2020 anunciaron una gran gira de grandes éxitos que tuvo que ser suspendida en dos ocasiones hasta que por fin en 2022 pudo realizarse o más bien comenzar, porque la gira continuó el año pasado y en la actualidad sigue vigente con bastantes conciertos en el horizonte. Por ello es bastante sorprendente que a estas alturas de su carrera y con un espectáculo tan engrasado como el que llevan en la actualidad, se lancen a publicar un nuevo álbum, este “Nonetheless” que pasamos a analizar.
ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Loneliness”: El álbum comienza a lo grande con el single principal del mismo, una canción muy efectiva que cuenta con una destacada sección de vientos que le da mucho empaque a la canción cuyo tema principal es escapar de esa sensación de soledad que muchas veces nos invade. En un primer momento al escuchar el adelanto del single me pareció simplemente resultón pero poco más, fue al escuchar la versión álbum mucho más extendida y con varias progresiones de sintetizadores que se puede apreciar realmente la calidad de este tema, una vez más hay edits que son matadores. La canción contó con un videoclip que utiliza precisamente la versión del album y en el que podemos observar la vida secreta de los diferentes protagonistas del mismo, donde los Pet Shop Boys hacen una breve aparición.
2. “Feel”: Se abre con un agradable ritmo electrónico que usa un loop muy parecido al de “Numbers” de Kraftwerk, adornado con algunos toques de piano, la producción es realmente soberbia con gran protagonismo de las cuerdas y una forma de cantar el estribillo bastante evocadora, la historia de la canción es curiosa, se trata de alguien que va a visitar a su amante a la cárcel deseando que lleguen esos días en los que les está permitido verse, es una canción preciosa que podría ser single perfectamente, el estribillo es muy sencillo pero pegadizo. Destaca bastante el puente donde la electrónica se funde con las cuerdas, algo que es marca de la casa. Circula por la web un mash up que mezcla esta canción con el “Tour de France” de Kraftwerk y que es realmente original.
3. “Why am I dancing”: Instrumentos de viento nos dan la bienvenida y sabemos desde un principio que este será un tema alegre, ¿o no? Es un perfecto tema que juega con la música disco y donde el protagonista hace una especie de repaso de su vida, en realidad es como una celebración de estar vivo, desprende vitalismo a la par que cierta melancolía, el titulo bien podría ser una referencia a la pandemia y los confinamientos que nos dejaron aislados a los unos de los otros. Otro potencial single.
4. “New london boy”: Esta canción tiene un cierto toque de nostalgia, trata de cuando Neil llego a Londres en los 70 en pleno periodo del glam y en parte está inspirada en la canción “The london boys” de Bowie. Habla de unos muchachos con pintas glam descubriendo la gran ciudad, visitando locales gays donde en esa época te podías jugar una paliza a la salida de los mismos puesto que los jóvenes nazis ya acechaban. Es sin duda la canción más atrevida y experimental del álbum donde Neil recita un rap que nos hace relacionar esta canción con su clásico “West end girls” e incluso algun detalle de sintetizador tiene una cierta similitud, un tema muy logrado a la vez que inesperado.
5. “Dancing star”: Es el homenaje del grupo al bailarín ruso Rudolf Nureyes que en una de sus giras escaparía del control de la Union Sovietica para convertirse en una estrella mundial. Es una canción muy simple pero es justo ahí donde está toda su fuerza, apenas tres minutos pero es un auténtico trallazo bastante retro que recordara a los Pet Shop Boys mas ochenteros, a mi algunas partes me recuerdan a su tema “In the night”. Todo funciona al detalle en esta canción que incluye un muy acertado recitado de Tennant enumerando las ciudades donde Rudolf triunfo. Si la sofisticación era una de las armas del primer single “Loneliness” aquí es justo lo contrario, la simpleza bien entendida es el gran valor de este tema a parte de demostrar como el grupo puede sacar temáticas de lo más variadas. El single contó con un clip bastante simple con imágenes del cantante intercaladas con unas pocas del grupo.
6. “A new bohemia”: Es la gran balada del álbum y también la elegida como tercer single del mismo. La canción tiene una muy bonita melodía que es potenciada por la orquesta que da un gran empaque a una canción realmente nostálgica del ambiente cultural que se vivía en Londres en los años 90 y de la que los Pet Shop Boys formaban parte, es por un lado la constatación de que esos tiempos desaparecieron para siempre y el deseo un tanto ingenuo de encontrar en los tiempos que corren una nueva bohemia como la que vivieron en esa época. Lo curioso es que pudiéramos pensar que nuestros protagonistas también vivieron la bohemia de los 80 pero según ellos mismos nunca se sintieron parte de la misma si es que existió.
7. “The schlager hit parade”: Y después de un tema bastante melancólico llega otro que pretende desenfadadamente subirnos el ánimo, “The schalger hit parade” sería una lista de canciones facilonas y pegadizas de pop europeo, fundamentalmente germano para simplemente disfrutar sin darle muchas vueltas a la cabeza, el tema es intrascendente, pero sin duda disfrutable a pesar de que la entrada del estribillo no sea muy brillante, quizás el tema que menos encaja en el álbum sin que signifique una ruptura.
8. “The secret of happiness”: Esta canción tiene cierta atmosfera cinematográfica y eso unido a lo evocador de la música, unos arreglos bastante sofisticados y una letra romántica, pero sin resultar empalagosa, hacen de esta canción un perfecto medio tiempo que podría recordar a “It always comes as a surprise” de “Bilingual” pero en este caso diría que estamos ante un tema mucho más sofisticado y elaborado.
9. “Bullet for Narcissus”: Este tema va a recordar mucho a los New Order de finales de los 80 y hasta cierto punto al proyecto Electronic que llevo en un primer momento a la unión de Bernard Sumner, Johnny Marr y los propios Pet Shop Boys. El tema tiene un irresistible ritmo house con algun toque funky y una guitarra tocada por el propio Neil Tennant. En cuanto a la letra es realmente original pues está inspirada en Donald Trump o más exactamente juega con la fantasía de ponerse en la cabeza de uno de los guardaespaldas de Trump, el cual desprecia al líder americano, pero al mismo tiempo está obligado a defenderlo. Otro single potencial clarísimo.
10. “Love is the law”: El álbum cierra con una intensa balada algo oscura y bastante dramática sobre el sexo de pago y llevar una vida basada en esa actividad aunque el punto de inspiración de la canción fue cuando Oscar Wilde salió de prisión y viajo a Niza donde fue testigo de todo el mercado del sexo que se producía en la ciudad francesa. Nuevamente nos encontramos con un tema muy cinematográfico con una instrumentación exquisita y un Tennant que a pesar de sus limitaciones vocales es capaz de infundir un dramatismo creíble, tras un acertado outro instrumental el álbum toca a su fin dejando un buen sabor de boca.
RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Sin duda con “Nonetheless”, Neil Tennant y Chriss Lowe han realizado una especie de vuelta al sonido que fueron construyendo en la primera etapa del grupo donde bases completamente electrónicas y bailables convivían en perfecta harmonía con majestuosas orquestaciones y secciones de viento, la producción de James Ford (Arctic Monkeys, Florence and The Machine, Depeche Mode, etc) es bastante correcta y no pretende más que ensalzar unas canciones consiguiéndolo en la mayoría de los casos.
Estamos ante un disco que parece seguir el patrón clásico de cara a y cara b, siendo la primera donde están casi todos los potenciales singles mientras en la segunda están los medios tiempos y temas más intimistas, en cualquier caso, estamos ante un muy buen disco donde el grupo realiza un viaje donde podemos encontrar experiencias personales, homenajes, referencias culturales, además de cierta melancolía visión crítica sobre el mundo actual.
A nivel de crítica el disco ha sido muy bien recibido, sobre todo en comparación con los más recientes álbumes del dúo, se ha destacado sobre todo que hayan sido más ambiciosos musicalmente hablando creando esta vez canciones más complejas. También la recepción a nivel de listas ha sido bastante buena obteniendo el número 2 de álbumes en Reino Unido, impidiéndoles ser numero 1 el huracán Taylor Swift y funcionando bastante bien en listas europeas, en España concretamente fue número 7.
El grupo sigue con su exitosa gira “Dreamworld The greatest hits” que comenzó en 2022 y parece que no tuvieran ninguna intención de hacer una gira o conciertos específicos dedicados a este “Nonetheless” y simplemente se contentan con incluir unas pocas canciones de este álbum en su gira de grandes éxitos. Una pena pero en mi opinión estamos asistiendo a los años finales de la carrera de Pet Shop Boys y tiene cierta lógica que quieran terminar su carrera por todo lo alto con sus mayores éxitos sin que esto excluya el publicar nueva música y si es de tanta calidad como lo incluido en “Nonetheless” bienvenido sea.
Retornamos al formato entrevista de “DMR”, después de mucho tiempo, el pasado 18 de mayo de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Nos visitaron en persona La Broma Negra. Una nutrida representación del grupo con Carlos Caballero a la cabeza (vocalista y compositor del grupo), acompañado de Frahn Cuváz y Luis García, guitarra acústica y teclista respectivamente.
Debatimos sobre el último disco de estudio de la banda editado hasta la fecha. Pusimos varias de sus canciones y, sorteando problemas técnicos graves, sacamos adelante un programa que no quedó del todo mal. Mariano González, telemáticamente, y Víctor Prats fuimos los que nos encargamos de preguntar diversas cosas a la banda sobre su disco y sobre la situación que rodeó a la grabación y también de su actualidad.
Por si no lo escucharon en el directo o en sus redifusiones en RUAH, dejamos aquí insertado el reproductor con el podcast del programa y también enlace a su alojamiento en Ivoox por si prefieren optar por su libre descarga: https://www.ivoox.com/dmr-15-11-audios-mp3_rf_129719121_1.html
Finalmente nos decidimos a dar tratamiento a uno de los discos más icónicos de Revólver en nuestro programa de radio. Tras 2 tentativas fallidas hace ya mucho tiempo de intentar tener a Carlos Goñi en nuestro espacio, desistimos la vía de entrevista y optamos por el formato coloquio en el que Mariano González y Víctor Prats daremos nuestra opinión sobre esta obra.
Comentaremos su contenido, la época que atravesaba Revólver y disfrutaremos de varias de sus notables canciones. La cita será el sábado 1 de junio de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Será el penúltimo episodio de nuestra 15ª temporada. ¡No se lo pierdan!
Con motivo de ver a través de Youtube el genial programa de Tv3 “Polonia”, tuve la ocasión de encontrarme con una versión de la canción “Belvongut” de la banda que hoy nos ocupa. En dicha versión, los últimos 3 presidentes del F.C. Barcelona y el actual entrenador trataban el asunto del caso Negreira y al final de la cover el actor Albert Melich aparecía imitando al propio cantante de Manel Guillem Gisbert.
La canción me atrapó y me supuso el empuje a investigar el “fenómeno Manel”, del cual no era ajeno, ya que recuerdo cuando toparon las listas nacionales con el disco que hoy nos ocupa, siendo destacado el hecho al tratarse de un disco íntegramente compuesto en catalán. Ese hecho ya era llamativo, pero para mí resultaba llamativo y gracioso el título del disco, sacado de una peli de Kenneth Brannagh, por lo visto.
El grupo ya había ofrecido un debut de éxito relativo, con título también llamativo, “Els Millors Professors Europeus”, si bien con dicho debut el salto a la escena nacional no se produjo de una forma tan potente como con el predecesor que nos ocupa. El grupo ofrecía un sonido pop folk, con sus ciertas influencias de zona, que supo conectar muy bien con la juventud de hace 3 o 4 lustros. Las letras escritas por Guillem Gisbert, siempre tienen un punto especial, bien sea narrando en tercera persona o en primera. A nivel de formación, hay que apuntar que el grupo se concreta en cuarteto, acompañando al ya citado compositor y vocalista Arnau Vallvé, Martí Maymó y Roger Padilla.
“10 Milles Per Veure Una Bona Armadura” con un conjunto conciso de 10 canciones, fue un cierto acontecimiento y permitió a la banda hacerse con un nombre más allá de las fronteras autonómicas. No es que aporte nada nuevo estilísticamente, pero se trata sencillamente de un buen conjunto de canciones, con melodías amables, y sabiendo manejar bien los momentos emotivos, con otros más relajados y distendidos. Pasemos sin más dilación a analizar las notables piezas que incluye.
ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Belvongut”: De traducción “Estimado”, “Belvongut” es una particular carta a un compañero de años atrás donde de alguna manera y con cierta elegancia se ajustan algunas cuentas pendientes. El sonido, con esos graves arreglos de viento, tiene cierta solemnidad y le da mucha identidad a la canción; de hecho, la estructura es cíclica en tanto a la melodía, ya que acaba con las mismas notas con las que empieza. El videoclip, con los componentes del grupo viajando en furgoneta con un niño, bajando en mitad de un bosque y terminando combatiendo con florete en mano, no deja de ser curioso.
2. “La canço del soldadet”: Tras un comienzo tan notable, quizás “La canço del soldadet” queda algo malparada. Su cariz de perfil bajo, no ayuda a pelear con “Belvongut”, pero tampoco es su cometido. Es una pieza de sonido claro y acústico, con cierto tono medieval en sus notas.
3. “El gran salt”: Con “El gran salt” el disco no experimenta volantazo de momento y sigue pautas parecidas a la canción anterior. Quizás me gusta algo más su enfoque. Algunas líneas de teclado suavecitas de acompañamiento le dan su personalidad principal y creo que le van bien.
4. “Boomerang”: Llegamos a otro hito del álbum. “Boomerang” es uno de los clásicos absolutos de la discografía de la banda. Una canción nostálgica que narra una tarde adolescente veraniega en la que se juntaron 2 decepciones o traumas: uno, el de no hacer poder volar ese souvenir tan peculiar que un tío te ha traído de su viaje a Australia y dos, el de ver como nuestro ídolo ciclista Miguel Induráin sucumbía ante el tramposo danés Bjarne Rijs (que iba hasta las trancas dopado) y no ganaría su 6º tour. Canción para mí muy cercana, ya que, aunque esa tarde no intenté hacer volar ningún boomerang, sí que maldije al danés y a las rampas de Hautacam frente a la pantalla de televisión (quizás mi mayor trauma deportivo de juventud, junto al Italia 2-1 España de EEUU 94’). Es una canción con la que es fácil empatizar, ya que además de esos ligeros traumas que se nos quedan en el recuerdo, la historia se adereza también con el típico amor platónico adolescente, aquella chica a la que nunca nos atrevimos a tantear (“ay, la Vanessa, ¿cómo le irá?”) y esos vacilones de barrio, con un tremendo complejo de inferioridad, con los que teníamos contacto, (el Xavi, que se pavonea de hacer volar el cacharro y finalmente queda en ridículo). En directo la canción ha ido mutando y en sus últimas giras tenía un toque electrónico muy interesante, además de contar con inserciones de las retransmisiones deportivas de aquella tarde de la citada fatídica etapa del Tour 96’. Sin duda entre mis favoritas del disco. Y, por cierto, ¡Induráin, siempre! Rijs, que te…
5. “La bola de cristall”: También me gusta mucho, pero en otro sentido, la emotiva y relajada a la par “La bola de cristall”. Tiene esta canción el papelón de estar situada entre 2 de los buques insignia del álbum, pero para mí funciona muy bien. Los coros femeninos que acompañan a Guillem son simplemente preciosos. La melodía instrumental te mece en sus cálidas notas y la cadencia relajada de Guillem al micrófono va de la mano perfectamente acompasada. Leí críticas del disco que no la tenían en mucho estima a esta canción, pero desde mi gusto personal me van a permitir distanciarme de esas posturas, dándole mi voto totalmente a favor.
6. “Anniversari”: Otro gran clásico del disco y para muchos su favorito. “Anniversari” quizás sea la más emotiva de todas las canciones. Ofrece algo de ritmo incluso trepidante en la forma de cantar de Guillem y puntos álgidos de emoción. La canción se acompañó de un videoclip, cuanto menos curioso, de fuerte regusto del cine más antiguo. Musicalmente es rica y elaborada la melodía, con sutiles y gráciles arreglos bastante bien ensamblados. Objetivamente la canción es un punto claro de referencia dentro de la obra, más aún situándose en la mitad de la misma, pero personalmente yo me quedaría antes con al menos 5 canciones compañeras de obra; cuestión de gustos. Esa introducción con la emotiva descripción de la escena de una celebración de un cumpleaños reconozco que es brillante a la par que icónica dentro de la obra de Manel.
7. “Flor groga”: Cambiando un poco el enfoque, seguimos en esta fase sentida y emotiva de la obra. “Flor groga” tiene una cierta potencia y empaque de sonido. Incluso dentro de su carácter de medio tiempo emocional, ofrece un punto de arrojo. Instrumentalmente tiene una estructura lineal de base inquebrantable, que no baja el tempo en ningún momento.
8. “Criticarem les noves modes de pentinats”: Se pone el punto y final a este cuarteto que arrancó al finalizar la animada “Boomerang” con “Criticarem les noves modes de pentinats”. En esta ocasión el sentir de la melodía es algo derrotista, con esos arreglos de viento que son los que creo que más apuntalan esa sensación. Es, por otro lado, uno de los momentos más bonitos del disco y dentro de este sector, en mi siempre discutible opinión, creo que supera en emoción a “Anniversari”. Un gran acierto y una joya oculta dentro de “10 Milles Per Veure Una Bona Armadura”.
9. “El Miquel i l’Olga tornen”: Para afrontar el tramo final llegamos a otro de mis pasajes favoritos del disco. Es claramente la canción más alegre de la obra, de sonido floreado, primaveral. Inicialmente pensaba, por el título, que la narración sería en 3ª persona, pero no, es en primera persona. Guillem, acompañado de la cantante Gisela Fullà, de nombre artístico Noia, hacen de Miquel y Olga en esta canción donde de forma alegre parece que mandan un mensaje a toda la gente que no les ve como pareja para anunciar que tras una ruptura vuelven, a sabiendas por su propia parte de que se equivocarán, pero les apetece y tienen la determinación de volver. Como cuando escuché la primera vez el disco no me había metido a buscar la letra y mi comprensión del catalán es limitada, me daba la impresión de que, como ya he dicho, era narrada en 3ª persona y pensé “¡cómo se alegra la gente de que vuelva esta pareja!”. Qué gracioso. Por cierto, punto a favor de Manel que en su web oficial puedes encontrar las letras de todas sus canciones con posibilidad de traducirlas a diversos idiomas. Fabulosa canción, de estilo folk muy animado y que invita a la fiesta. Fabulosa pista.
10. “Deixa-la, Toni, deixa-la”: Y pasamos de la oportunidad dada a un amor con pocas vistas a todo lo contrario. Una especie de orfeón catalán se dedica a corear a Toni que abandone a esa mujer que no le hace nada de bien. Guillem se emplea como portavoz del orfeón del estribillo, para de forma solemne dar sus razones al Toni al que se dirige la canción. Queda bien como fin de obra.
RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Con este 2º disco de estudio, Manel se convirtieron en una banda revelación y sensación a nivel nacional, traspasando la frontera de Cataluña y alrededores. Parece ser que gran parte de la sociedad dejó de lados prejuicios políticos y demás para abrazar un lp que es muy disfrutable y de bastante alta calidad.
El folk de Manel es bastante puro en este trabajo, cosa que en el futuro iría evolucionando. Ya con su nombre ganado, la banda seguiría editando discos de títulos llamativos (buenísimo que el siguiente se titulase “Atletes, Baixin De l’Escenari”, en referencia a Constantino Romero y su voz de alerta ante un desmadre vivido en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92’).
Dentro de la historia de la banda aparecerían temas posteriores como “Teresa Rampell”, “Boy band”, “Per la bona gent” o “Sabotatge” que se convertirían en clásicos absolutos de su obra. El grupo iría incluyendo elementos que les irían acercando a un pop más mediano, dejando de lado el folk el inicial. Y llegaron a 2023 cuando deciden parar por un tiempo, veremos cuánto, y a raíz de ahí el “Polonia” de Tv3 les decide tributar con la ya comentada versión de “Belvongut”.
Espero que se quiten los prejuicios y se atrevan con este disco los que aún no lo han hecho. Es un trabajo tan discreto como su sencilla portada, con el dibujito de una armadura sobre fondo granate. Sin ser yo un admirador del folk de manual, he disfrutado bastante con esta obra y varias de sus canciones van y vuelven con frecuencia a mi mente para ofrecerme buenos momentos. Merece mucho la pena y el revuelo que causó en su día cuando llegó al 1 de ventas en España está más que justificado.
