.

domingo, 27 de marzo de 2022

Programa Phoenix "Bankrupt!" (Temporada 13/ Programa 10)

Tras haber dedicado un programa hace ya unas temporadas a su relevante disco "Wolfgang Amadeus Phoenix", ya era de retormar la historia y trayectoria de la banda de Versalles. Para el pasado sábado 12 de febrero de 2022 nos propusimos analizar el siguiente paso que supuso "Bankrupt!" en 2013.

La cita del estreno fue en la citada fecha a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares. Mariano González y Víctor Prats tuvimos el turno de palabra exclusivo una vez más para poder exponer nuestras impresiones sobre este notable trabajo de Thomas Mars y cia..

Si en su emisión en directo de estreno en la fecha y hora indicadas o en las posteriores redifusiones (miércoles 16 y 23 de marzo a las 23:00h y sábado 19 de marzo a las 16.00h) en el mismo dial no pudieron escucharlo, aquí les insertamos el reproductor con el podcast para su escucha directa y también les dejamos enlace a Ivoox y su alojamiento por si se lo prefieren descargar: https://www.ivoox.com/dmr-13-10-audios-mp3_rf_84621687_1.html
Leer más...

viernes, 25 de marzo de 2022

Temporada 13/ Programa 11: Blur y "Blur" (1997)

El disco homónimo de Blur editado tras el que editaron en el año de máximo apogeo del brit pop de los años 90, "The Great Escape" en 1995, es cuanto menos una obra que resulta interesante no solamente para abordar aquellos días en la formación encabezada por Damon Albarn, sino para entender la situación general de la música británica en aquel momento.

Por ello, nos va a servir de excusa para volver a tener a Blur como protagonistas un programa más en nuestra trayectoria en las ondas. Sobre "Blur" de 1997 hablaremos este próximo sábado día 26 de marzo de 2022 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Les adelantamos que será nuevamente un diálogo musical entre Mariano González y Víctor Prats y que nuevamente supone un análisis de un disco que a nivel personal les lleva a ambos a su etapa de educación secundaria o B.U.P. en su día, con lo que los apuntes personales no estarán exentos en sus intervenciones. No se lo pierdan.

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
Leer más...

viernes, 18 de marzo de 2022

Héroes Del Silencio - Senderos De Traición (1990)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Recientemente Bunbury ha dado a conocer que abandona los escenarios, de modo que me rondaba por la cabeza estos días que mi próximo artículo estuviese relacionado con él. Podría haber elegido un disco suyo en solitario (aunque ya comenté “RadicalSonora”), pero como vocalista creo dio sus mejores momentos con Héroes Del Silencio. En su momento ya escribí sobre “El Espíritu Del Vino” (1993), de modo que opto por elegir “Senderos De Traición”. Lo cual no es una decisión inadecuada. La voz de Enrique es un activo valiosísimo del disco. En cierto modo, sin menospreciar al resto de la banda, es un disco muy de vocalista. En posteriores álbumes, más duros y barrocos, la instrumentación será un elemento cada vez más importante. Lo cual no debe hacernos pensar que el resto de la banda no tenga importancia en este disco. Pero ya lo iremos viendo.

La banda zaragozana no quedó demasiado contenta con la producción de su primer LP, “El Mar No Cesa” (1988), A cargo de la misma estaba Gustavo Montesano, miembro de Olé, Olé, y la banda pensaba que no había sabido captar la energía del grupo dando como resultado un disco más blando y diluido de lo que quisieran. A título personal me parece una buena obra, con temas potentes como “Mar adentro”, “Flor venenosa” o “No más lágrimas”. Era, en definitiva, un disco de pop oscuro, de querencias casi góticas, pero con un sonido alejado de crudeza de la banda en directo.

Por fortuna para la banda Phil Manzanera, exguitarrista de Roxy Music, tuvo la oportunidad de verlos en directo. Manzanera tuvo un flechazo con la música de Héroes Del Silencio y les propuso ser productor de su próximo disco. Y en esta ocasión la producción da más en el clavo. Más nítida, más directa, más enérgica. La clave está en la ecualización entre el sonido del directo y el del estudio. La banda gana en agresividad, y por primera se aproxima al hard rock predominante de los siguientes discos. Se pueden ver en “Entre dos tierras”, “Hechizo”, “Decadencia”, “Oración”…

El disco tiene un toque épico bastante notorio. Las canciones son como gritos de guerra; suenan directas, desafiantes, enforzadas. La voz de Bunbury, entre barroca y arrogante canta con una convicción descomunal, como si estuviera a cada paso dando la última nota de su vida. También el resto de la banda evoluciona. La parte rítmica, sostenida por Pedro Andreu y Joaquín Cardiel suena más compacta, y cortante. Juan Valdivia mete guitarras más duras, punteos de lo más interesantes, y añade un sentido del equilibrio entre los acordes atmosféricos, misteriosos, cristalinos, y los descaradamente eléctricos.

Aunque yo sea más propenso al exceso del peculiar “El Espíritu Del Vino”, barroco como pocos, “Senderos De Traición” en conjunto es su obra más sólida y regular. Uno escucha las canciones como himnos, como pequeñas llamadas a la acción. Pero todo ello mezclado con la sensación enigmática y misteriosa que desprende la música de los zaragozanos y las crípticas letras de Bunbury. Es un disco que ha envejecido bastante bien, y todavía conserva fresca esa insolencia barroca de Héroes Del Silencio.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Entre dos tierras”: Sobresaliente forma de comenzar un disco. Cualquier persona que haya escuchado mínimamente la radio a lo largo de su vida conocerá a la perfección esta canción. Y, sin embargo, no se gasta. Sigue moviéndonos a cantar a voz en grito cada vez que la escuchamos. La consecución de un himno a partir de varios elementos. Desde los acordes sueltos y reverberados del inicio, pasando por el arrasador estribillo, el estupendo solo de Juan Valdivia. Seis minutos realmente ambiciosos, impactantes y perdurables. Una de las joyas del rock en español. Incluso se hace perdonar que la letra incluya la línea “no seas membrillo”. Ojo, porque Rammstein han dicho que van a hacer una versión en su próximo disco. Ya se sabe del éxito que tuvieron Héroes Del Silencio en Alemania.

2. “El maldito duende”: De himno a himno y tiro porque me toca. Sigue siendo poderosa sobre todo por la combinación del contundente ritmo de batería de Pedro Andreu en la batería y la fiereza vocal de Enrique Bunbury. Es una épica elativamente más comedida, pero que se aferra más a un sonido misterioso cuyo soporte son los sencillos pero atmosféricos acordes de Juan Valdivia. Presuntamente la letra habla sobre el consumo de drogas. En cualquier caso, otro clásico de nuestro rock.

3. “La carta”: El disco continúa golpeando fuerte. No llega al estatus de las dos canciones anteriores, pero “La carta” no está nada mal. Utilizando recursos sencillos y directos la banda consigue hacer otro pequeño himno, aunque esta vez menos épico y más melancólico. En nuestra cabeza se acaba quedando fácilmente el característico punteo de Juan Valdivia entre estrofas y la trágica interpretación del estribillo por parte de Bunbury. Un medio tiempo brioso que no rechaza cierto sentimiento de introspección.

4. “Malas intenciones”: El número más pop hasta el momento, y también del disco en general junto con “Despertar”. La guitarra rítmica de Juan Valdivia suena mucho más animada y la canción es perfectamente pegadiza. Por la temática de la letra, la canción tiene un aire de rencor, de reproche a una ex o a alguien tóxico. Pero de todos modos Bunbury se las apaña para acabar dando un remate teatral y manierista a su interpretación.

5. “Sal”: ¿Qué se puede decir sobre un interludio de veinte segundos? Bunbury susurra el título de la “canción” y unos acordes de guitarra dan paso a la siguiente canción, de la que es como una especie de preámbulo.

6. “Senda”: Esta canción es una buena representante de la vertiente más misteriosa, cercana al rock gótico, de Héroes del Silencio. Tanto la voz como los acordes de guitarra que adornan la canción tiene un toque pétreo, oscuro, inescrutable. La letra tiene el tono alegórico y rebuscado de los textos de Bunbury, aunque seguramente hable de la necesidad de encontrar un camino adecuado por el que transitar durante nuestra vida. La melodía es buena, y eso toque oscurete le sienta bien, Una pequeña joya oculta.
7. “Hechizo”: La banda vuelve a la carga con los niveles de épica recargados al máximo. La canción es absolutamente fulgurante, de echo es la canción más rápida del disco, y Joaquín Cardiel en el bajo y Pedro Andreu en la batería hacen un trabajo magnífico. Bunbury se reserva algunos momentos realmente intensos, subiendo de nivel cada vez que llega el estribillo y rematando en una frenética cuenta atrás, quizá algo exagerada. Mención aparte para el trabajo de Juan Valdivia en la guitarra, hipnótico y cristalino en las estrofas, y eléctrico y potentísimo en el estupendo solo del último tercio de la canción. De las canciones donde Héroes ya flirtean con el hard rock. Ojo al uso que hace Paco Plaza en su interesante película “Verónica” de la extraña intensidad de esta canción.

8. “Oración”: Bunbury convierte en melodía sus cuitas religiosas y existenciales. Es una canción que tiene algo de delirante tanto en la letra (esas interpelaciones a Dios: “¡Señor, no queda otra opción!”) como en la desmedida interpretación final con Bunbury sacando vozarrón a grito pelao. La canción por otra parte, sigue una estructura que va de menos a más; va del medio tiempo inicial al intenso remate que combina las potente guitarras de Juan Valdivia con el desmelene de Bunbury.

9. “Despertar”: Para hacer de contrapeso al drama del anterior tema, esta canción es la más melódica y luminosa del disco. Un muy buen tema pop, donde Bunbury por fin parece que ha escrito un texto optimista, considerando cada día como una nueva oportunidad de huir de lo malo (“todo se olvida al despertar una vez más”). Las guitarras suenan risueñas y la voz de Bunbury es más dúctil que en otras canciones. No está nada mal.

10. “Decadencia”: Una de esas canciones que solo podían hacer Héroes Del Silencio. Un delirio místico-fatalista, donde nos perdemos un poco en el sentido exacto de la letra, mientras la parte musical va a toda leche. Un trallazo de hard rock con un potentísimo riff de Juan Valdivia y una importante atmósfera de intensidad. El grupo, en resumen, mostrando su faceta más aguerrida, barroca y teatral. En directo solían incluir algún medley de melodías, que podía ir de Elvis, a Radio Futura, pasando por Tom Waits, por lo que la canción se podía estirar casi hasta los diez minutos. Por no mencionar unos speech de Bunbury cuyo significado solo él sabrá cuál es.

11. “Con nombre de guerra”: Decir que es una balada igual es un poco exagerado, pero al menos cuadra con un enfoque de medio tiempo romántico. O casi. La letra habla de una prostituta y su encuentro con un cliente que parece encariñarse con ella. El inicio es curioso, con un jueguecillo entre el bajo y la batería que da paso a las guitarras, esta vez mucho más placidas, No entra entre las más llamativas, pero es un cambio de tono y tiene una atmósfera cuidada.

12. “El cuadro II”: Para cerrar el disco, Héroes Del Silencio deciden regalarnos una extravagancia que incluso tiene su punto. “El cuadro” era canción de las sesiones de “El Mar No Cesa” que se quedó fuera del disco, probablemente por ser mucho más roquera que el resto de los temas. Puede escucharse en el disco “Rarezas” de 1998. Pues bien, ésta es una extraña versión de aquel tema inédito. Pero raruna. Empiez con un clavicordio como si de música de cámara o de época se tratase, a posteriori hay guitarras de sonoridad peculiar, partes grabadas al revés, y un Bunbury en modo teatral. El tono es oscuro en general, volviendo a esa especie de “goticismo”. La letra es para darle de comer aparte. Desde menciones a Andy Warhol, a cuadros donde las figuras danzan, y otros simbolismos que a sabe dónde quieren ir a parar. Reconozco que me gusta, y que es una forma peculiar de acabar el disco.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
El disco fue un éxito enorme que se cimentó en “Entre dos tierras”, y su violento vídeo musical, y en “El maldito duende”. Dos canciones lo suficientemente clásicas como para opacar al resto del track list, de no ser porque es un disco sólido en casi toda su extensión. Muestra una banda más segura, más combativa, más atrevida. El corazón y el alma del disco bordean la búsqueda del himno, la canción que exalte al público, pero con una sensación de equilibrio total. En lugar de ser un disco ampuloso, es un disco enérgico, como una colección de píldoras eléctricas pero melódicas.

El siguiente paso quizá no sea tan equilibrado, pero me encanta. “El Espíritu Del Vino” es un canto al exceso y al barroquismo, de guitarras crudas y detalles heterogéneos. En 1995 se publicó “Avalancha”, un disco de hard rock puro y duro, no tan desmedido pero tampoco modesto precisamente. Por el camino nos fueron dejando “La sirena varada”, “La herida”, “Iberia sumergida”, “Avalancha”… Y después.. la despedida.

El año pasado se estrenó en Netflix un documental sobre Héroes Del Silencio bastante interesante, y se publicó un libro (que no he leído) que tuvo bastante buena acogida. Ello quizá sea síntoma de que sigue siendo una banda muy presente en el recuerdo de los aficionados al rock. Del mismo modo que Enrique Bunbury puede reclamar su puesto de honor con discos como “Radical Sonora” (1997), “Flamingos” (2002), o “Hellvile Deluxe” (2008). Ahora parece que esa otrora potente voz se aleja de los escenarios, así que solo queda agradecerle los servicios prestados.

Texto: Mariano González.
Leer más...

domingo, 13 de marzo de 2022

Programa R.E.M. “Up” (Temporada 13/ Programa 9)

Con esta entrega, conseguimos igualar el número de programas de la temporada 11, con vistas a volver a un número más aproximado a lo habitual de nuestras temporadas radiofónicas, aspecto que se vio truncado por la pandemia que todavía atravesamos. No hacía mucho tiempo que R.E.M. pasaron por última vez por nuestro espacio radiofónico, pero teníamos ganas de volver a abordar un álbum de su extensa obra.

En esta ocasión escogimos “Up” de finales de los 90, un disco que nos evoca mucho en lo personal a los 2 contertulios que estuvimos presentes en directo el pasado 26 de febrero de 2022 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Y es que tanto a Mariano González, que volvía a participar presencialmente, como a Víctor Prats, compañeros de quinta, les tocó la edición de “Up” con su año de C.O.U. y Selectividad (actuales 2º de Bachillerato y EvAU).

"Up" tiene su cierta complejidad, más allá de que fuera el primer disco del grupo como trío tras la marcha de Bill Berry. En intentar desgranarlo lo mejor posible nos afanamos durante la hora que duró el programa.

Si no pudieron escuchar el programa en su estreno en directo en la citada fecha ni en las redifusiones en RUAH en las semanas posteriores, aquí les dejamos el reproductor para que lo escuchen sin moverse de estas tierras y también les dejamos enlace a su alojamiento en Ivoox si prefieren descargárselo para prestarle atención en otro momento: https://www.ivoox.com/dmr-13-9-audios-mp3_rf_83421121_1.html
Leer más...

viernes, 11 de marzo de 2022

Temporada 13/ Programa 10: Phoenix y "Bankrupt!" (2013)

Tras un disco tan valorado como fue el editado en 2009 "Wolfgang Amadeus Phoenix", la banda de Versalles apuntalaron su posición de formación gurú dentro del panorama indie mundial con el trabajo al que prestaremos atención este próximo sábado a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) en nuestro siguiente capítulo de la 13ª temporada de "DMR" en las ondas.

"Bankrupt!" fue un disco muy exitoso y, aunque aún no ha pasado una década desde su edición, puede ser considerado como un clásico, no solo del grupo, sino de la música moderna internacional.

Hace ya un tiempo del programa que dedicamos a su ya mencionado predecesor, con lo que no está de más que volvamos a prestar atención a Phoenix. Está previsto un nuevo mano a mano en formato de diálogo musical entre Mariano González y Víctor Prats, en el que los 2 irán apuntando diversos aspectos del disco en cuestión y de Phoenix en general.

No se pierdan esta nueva ocasión de la presente temporada, ya que lo que está garantizado al menos es que estará plagado de buena música a cargo de Thomas Mars y cia..

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
Leer más...

viernes, 4 de marzo de 2022

Fleetwood Mac - Mirage (1982)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Ya ha pasado demasiado tiempo desde que Fleetwood Mac pasaron por este blog por última vez. Para esta ocasión escojo “Mirage” de 1982, un trabajo que supuso una mirada a “Rumours” un lustro después de su edición y todo ello tras haber pasado por el arriesgado “Tusk” de 1979.

El quinteto clásico formado por Lindsey Buckinham, Stevie Nicks, Christine McVie, John McVie y Mick Fleetwood buscaron de alguna manera centrar el tiro de su siguiente obra con unas formas más reconocibles y que pudieran gustar más en general a sus seguidores de recorrido.

De alguna forma, “Mirage”, de divertida portada con Lindsey moviéndose entre Christine y Stevie (y con contraportada formada por John y Mick mirando circunspectos), es como el hermano menor de “Rumours”. En general es un trabajo bien medido y que también reportó algunos pequeños clásicos para el repertorio de la banda, donde destaca sobre todos “Gipsy”. Veamos sus canciones una a una.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Love on store”: Muy buen arranque, bastante animado (como en su día suponía “Second hand news” en “Rumours” de la mano de “Love on store”. Composición de Christine McVie, con ella a la voz principal y unas acertadas guitarras rítmicas eléctricas que nos conforman una pieza pop rock muy luminosa, suavecita y de estribillo atinado, sin necesidad de que sea muy evidente.

2. “Can’t go back”: Seguimos con ritmo de la mano de Lindsey y la primera de sus aportaciones. Bien apoyado por coros y con una línea melódica bastante pegadiza. La voz de Lindsey en “Can’t go back” se muestra en su registro más alto y agudo, lejos del tono más oscuro que mostrará en “Big love” del siguiente disco. Canción divertida y luminosa, que sigue conformando un trabajo de mucha claridad.

3. “That’s alright”: Dentro de este arranque positivo y con mucha luz, ahora es lugar de que Fleetwood Mac, gracias a la firma de Stevie, nos entregue un episodio de reminiscencias country. “That’s alright” es una canción muy llevadera con la que oímos por primera vez la voz de Stevie Nicks. De sonido algo cálido y sensual, es el episodio único en su género que nos encontraremos dentro del lp.

4. “Book of love”: “Book of love” resulta algo llorona en el sentir que transmite. Ofrece algunos momentos interesantes de guitarra eléctrica a cargo de su compositor, Lindsey. Los coros ayudan a conformar esa sensación algo triste. Aunque en “Mirage” casi todo es luminoso, también hay espacio para piezas de calado diverso como la presente; yo personalmente, me quedo con otros episodios.

5. “Gipsy”: Llega el turno de la que es el gran clásico de este disco. Se anota el tanto Stevie Nicks. La canción es muy amable de sonido, con una envoltura muy emotiva. Hay espacio para detalles instrumentales que resultan bastante interesantes, como son por ejemplo ciertos punteos o acordes de la guitarra eléctrica acompañando a la correctísima interpretación al micrófono de Nicks. No viene mal que un disco tenga en su haber una pista que sea abanderada, y con “Gipsy” y “Mirage” estamos ante ese caso.

6. “Only over you”: Regresamos a los terrenos de Christine McVie con otra pieza cargada de delicadeza. “Only over you” es placentera, de lenta cadencia y muy sencilla. Tiene ese encanto clásico de las composiciones de Christine, basado en lo amable y placentero de su sonido. Todo ello siempre en perfecta concordancia con el timbre y tono de la voz de su autora. Es una de las piezas que más claramente reflejan el sentir general de “Mirage” como obra.
7. “Empire state”: Mediado el disco nos llega “Empire state”, una pieza de las de Buckinham. Es el capítulo más, diría cómico de “Mirage”. Resulta algo exagerado el estribillo, con Lindsey arrastrando algo la voz. Por otro lado, en las estrofas, resulta saltarina y juguetona. Tiene un carácter distinto, socarrón y algo exagerado. Queda bien como contrapunto a la seriedad que nos llegará a continuación.

8. “Straight back”: Joya oculta con mayúsculas. Se la anota en este caso Stevie Nicks. Una pieza genuina de su autora, de esas en las que el misterio, la elegancia e incluso la oscuridad casan a la perfección. Tiene un cierto halo de ensoñación en su seriedad que resulta muy especial. No fue single, de ahí lo de joya oculta, pero lo hubiera merecido con creces. Quizás a ratos sea mi capítulo favorito de la obra. Quedan varias canciones, pero creo que este nivel no se vuelve a alcanzar.

9. “Hold me”: Otro de los capítulos destacados de “Mirage” es “Hold me”. Single de éxito, con un videoclip bastante gracioso con la banda en pleno desierto, con Mick y John en tareas de arqueología, con Stevie tumbada en un diván y con Christine y Lindsey más centrados en tareas vocales. Es una canción de estribillo muy sencillo, basado simplemente en su título, pero muy juguetona y saltarina. Muy luminosa y que destila buen ánimo.

10. “Oh Diane”: El clásico que aporta Lindsey es “Oh Diane”. Buen ejercicio pop-folk, dando lugar a una balada sin pretensiones, pero que en esa falta de pomposidad es en donde reside su punto fuerte. Dispone de un estribillo de esos sencillos que tiran del título de la canción, pero que resulta muy adecuado sobre la línea de guitarra fok que se apodera del sector instrumental de la pieza. En definitiva, otra de las canciones que quedaron para el recuerdo de este álbum.

11. “Eyes of the world”: Quizás “Eyes of the world” sea la canción más movidita del disco. A cargo de Lindsey, tiene una base rítmica muy saltarina y briosa. La guitarra eléctrica del propio Buckinham suena incluso juguetona. No es que sea la composición más llamativa del disco, ni mucho menos, pero su toque algo exótico aporta variedad a la obra, dentro de que sea una pista igualmente positiva y que transmite muy buenas sensaciones.

12. “Wish you were here”: “Mirage” cierra de forma amable y acogedora gracias a otra aportación de Christine McVie, que vuelve a acertar, jugando en su terreno, con la sentida a la par que muy relajada, “Wish you were here”. Es una pieza de estribillo muy bonito y acertado, sin precisar de que sea muy evidente o efectivo. Creo que es una buena rúbrica a “Mirage”, ya que se mueve en sus sensaciones o sonidos principales, ayudando a encajar aún más su enfoque y evitando que nos despiste en sus últimos instantes.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Con este disco, el quinteto no consiguió alcanzar el nivel de exigencia del disco que puede inspirarle de 5 años atrás, pero “Mirage” sirvió para volver a centrar la dirección de la banda, encontrando un punto de partida válido para afrontar el resto de la década de los 80. Sin ser uno de los discos de mayor relumbrón de su historia, sí que es un trabajo que resulta y que aportó al menos otros 3 clásicos para el repertorio Fleetwood Mac.

Puede que, a pesar de no ofrecer un conjunto de canciones complicado (como a veces sucedía con “Tusk”), “Mirage” no es demasiado inmediato que se diga. No es un trabajo que busque la comercialidad sin más, a base de estribillos directos. Por ello, es un lp que precisa de numerosas escuchar para reparar en sus atmósferas y apreciar sus matices.

El siguiente paso sería un lustro después con “Tango In The Night”, el que quizás sea su gran obra de la década y un hito dentro de su trayectoria. Personalmente me gusta más que “Mirage”, ya que aquí la banda sí que adapta a su historia los sonidos de la década, obteniendo un resultado estupendo y plagado de hits.

“Mirage” es un disco que puede definir perfectamente a Fleetwood Mac, al menos en su etapa del quinteto clásico. No es ni mucho menos el más exitoso o de relumbrón, pero en su momento sirvió para que la banda se reencontrara nuevamente con su estilo y entregaran un álbum elegante y muy positivo.

Leer más...