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viernes, 31 de mayo de 2024

Temporada 15/ Programa 12: Revólver y “El Dorado” (1995)

Finalmente nos decidimos a dar tratamiento a uno de los discos más icónicos de Revólver en nuestro programa de radio. Tras 2 tentativas fallidas hace ya mucho tiempo de intentar tener a Carlos Goñi en nuestro espacio, desistimos la vía de entrevista y optamos por el formato coloquio en el que Mariano González y Víctor Prats daremos nuestra opinión sobre esta obra.

Comentaremos su contenido, la época que atravesaba Revólver y disfrutaremos de varias de sus notables canciones. La cita será el sábado 1 de junio de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Será el penúltimo episodio de nuestra 15ª temporada. ¡No se lo pierdan!

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viernes, 24 de mayo de 2024

Manel - 10 Milles Per Veure Una Bona Armadura (2011)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Con motivo de ver a través de Youtube el genial programa de Tv3 “Polonia”, tuve la ocasión de encontrarme con una versión de la canción “Belvongut” de la banda que hoy nos ocupa. En dicha versión, los últimos 3 presidentes del F.C. Barcelona y el actual entrenador trataban el asunto del caso Negreira y al final de la cover el actor Albert Melich aparecía imitando al propio cantante de Manel Guillem Gisbert.

La canción me atrapó y me supuso el empuje a investigar el “fenómeno Manel”, del cual no era ajeno, ya que recuerdo cuando toparon las listas nacionales con el disco que hoy nos ocupa, siendo destacado el hecho al tratarse de un disco íntegramente compuesto en catalán. Ese hecho ya era llamativo, pero para mí resultaba llamativo y gracioso el título del disco, sacado de una peli de Kenneth Brannagh, por lo visto.

El grupo ya había ofrecido un debut de éxito relativo, con título también llamativo, “Els Millors Professors Europeus”, si bien con dicho debut el salto a la escena nacional no se produjo de una forma tan potente como con el predecesor que nos ocupa. El grupo ofrecía un sonido pop folk, con sus ciertas influencias de zona, que supo conectar muy bien con la juventud de hace 3 o 4 lustros. Las letras escritas por Guillem Gisbert, siempre tienen un punto especial, bien sea narrando en tercera persona o en primera. A nivel de formación, hay que apuntar que el grupo se concreta en cuarteto, acompañando al ya citado compositor y vocalista Arnau Vallvé, Martí Maymó y Roger Padilla.

“10 Milles Per Veure Una Bona Armadura” con un conjunto conciso de 10 canciones, fue un cierto acontecimiento y permitió a la banda hacerse con un nombre más allá de las fronteras autonómicas. No es que aporte nada nuevo estilísticamente, pero se trata sencillamente de un buen conjunto de canciones, con melodías amables, y sabiendo manejar bien los momentos emotivos, con otros más relajados y distendidos. Pasemos sin más dilación a analizar las notables piezas que incluye.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Belvongut”: De traducción “Estimado”, “Belvongut” es una particular carta a un compañero de años atrás donde de alguna manera y con cierta elegancia se ajustan algunas cuentas pendientes. El sonido, con esos graves arreglos de viento, tiene cierta solemnidad y le da mucha identidad a la canción; de hecho, la estructura es cíclica en tanto a la melodía, ya que acaba con las mismas notas con las que empieza. El videoclip, con los componentes del grupo viajando en furgoneta con un niño, bajando en mitad de un bosque y terminando combatiendo con florete en mano, no deja de ser curioso.

2. “La canço del soldadet”: Tras un comienzo tan notable, quizás “La canço del soldadet” queda algo malparada. Su cariz de perfil bajo, no ayuda a pelear con “Belvongut”, pero tampoco es su cometido. Es una pieza de sonido claro y acústico, con cierto tono medieval en sus notas.

3. “El gran salt”: Con “El gran salt” el disco no experimenta volantazo de momento y sigue pautas parecidas a la canción anterior. Quizás me gusta algo más su enfoque. Algunas líneas de teclado suavecitas de acompañamiento le dan su personalidad principal y creo que le van bien.

4. “Boomerang”: Llegamos a otro hito del álbum. “Boomerang” es uno de los clásicos absolutos de la discografía de la banda. Una canción nostálgica que narra una tarde adolescente veraniega en la que se juntaron 2 decepciones o traumas: uno, el de no hacer poder volar ese souvenir tan peculiar que un tío te ha traído de su viaje a Australia y dos, el de ver como nuestro ídolo ciclista Miguel Induráin sucumbía ante el tramposo danés Bjarne Rijs (que iba hasta las trancas dopado) y no ganaría su 6º tour. Canción para mí muy cercana, ya que, aunque esa tarde no intenté hacer volar ningún boomerang, sí que maldije al danés y a las rampas de Hautacam frente a la pantalla de televisión (quizás mi mayor trauma deportivo de juventud, junto al Italia 2-1 España de EEUU 94’). Es una canción con la que es fácil empatizar, ya que además de esos ligeros traumas que se nos quedan en el recuerdo, la historia se adereza también con el típico amor platónico adolescente, aquella chica a la que nunca nos atrevimos a tantear (“ay, la Vanessa, ¿cómo le irá?”) y esos vacilones de barrio, con un tremendo complejo de inferioridad, con los que teníamos contacto, (el Xavi, que se pavonea de hacer volar el cacharro y finalmente queda en ridículo). En directo la canción ha ido mutando y en sus últimas giras tenía un toque electrónico muy interesante, además de contar con inserciones de las retransmisiones deportivas de aquella tarde de la citada fatídica etapa del Tour 96’. Sin duda entre mis favoritas del disco. Y, por cierto, ¡Induráin, siempre! Rijs, que te…

5. “La bola de cristall”: También me gusta mucho, pero en otro sentido, la emotiva y relajada a la par “La bola de cristall”. Tiene esta canción el papelón de estar situada entre 2 de los buques insignia del álbum, pero para mí funciona muy bien. Los coros femeninos que acompañan a Guillem son simplemente preciosos. La melodía instrumental te mece en sus cálidas notas y la cadencia relajada de Guillem al micrófono va de la mano perfectamente acompasada. Leí críticas del disco que no la tenían en mucho estima a esta canción, pero desde mi gusto personal me van a permitir distanciarme de esas posturas, dándole mi voto totalmente a favor.
6. “Anniversari”: Otro gran clásico del disco y para muchos su favorito. “Anniversari” quizás sea la más emotiva de todas las canciones. Ofrece algo de ritmo incluso trepidante en la forma de cantar de Guillem y puntos álgidos de emoción. La canción se acompañó de un videoclip, cuanto menos curioso, de fuerte regusto del cine más antiguo. Musicalmente es rica y elaborada la melodía, con sutiles y gráciles arreglos bastante bien ensamblados. Objetivamente la canción es un punto claro de referencia dentro de la obra, más aún situándose en la mitad de la misma, pero personalmente yo me quedaría antes con al menos 5 canciones compañeras de obra; cuestión de gustos. Esa introducción con la emotiva descripción de la escena de una celebración de un cumpleaños reconozco que es brillante a la par que icónica dentro de la obra de Manel.

7. “Flor groga”: Cambiando un poco el enfoque, seguimos en esta fase sentida y emotiva de la obra. “Flor groga” tiene una cierta potencia y empaque de sonido. Incluso dentro de su carácter de medio tiempo emocional, ofrece un punto de arrojo. Instrumentalmente tiene una estructura lineal de base inquebrantable, que no baja el tempo en ningún momento.

8. “Criticarem les noves modes de pentinats”: Se pone el punto y final a este cuarteto que arrancó al finalizar la animada “Boomerang” con “Criticarem les noves modes de pentinats”. En esta ocasión el sentir de la melodía es algo derrotista, con esos arreglos de viento que son los que creo que más apuntalan esa sensación. Es, por otro lado, uno de los momentos más bonitos del disco y dentro de este sector, en mi siempre discutible opinión, creo que supera en emoción a “Anniversari”. Un gran acierto y una joya oculta dentro de “10 Milles Per Veure Una Bona Armadura”.

9. “El Miquel i l’Olga tornen”: Para afrontar el tramo final llegamos a otro de mis pasajes favoritos del disco. Es claramente la canción más alegre de la obra, de sonido floreado, primaveral. Inicialmente pensaba, por el título, que la narración sería en 3ª persona, pero no, es en primera persona. Guillem, acompañado de la cantante Gisela Fullà, de nombre artístico Noia, hacen de Miquel y Olga en esta canción donde de forma alegre parece que mandan un mensaje a toda la gente que no les ve como pareja para anunciar que tras una ruptura vuelven, a sabiendas por su propia parte de que se equivocarán, pero les apetece y tienen la determinación de volver. Como cuando escuché la primera vez el disco no me había metido a buscar la letra y mi comprensión del catalán es limitada, me daba la impresión de que, como ya he dicho, era narrada en 3ª persona y pensé “¡cómo se alegra la gente de que vuelva esta pareja!”. Qué gracioso. Por cierto, punto a favor de Manel que en su web oficial puedes encontrar las letras de todas sus canciones con posibilidad de traducirlas a diversos idiomas. Fabulosa canción, de estilo folk muy animado y que invita a la fiesta. Fabulosa pista.

10. “Deixa-la, Toni, deixa-la”: Y pasamos de la oportunidad dada a un amor con pocas vistas a todo lo contrario. Una especie de orfeón catalán se dedica a corear a Toni que abandone a esa mujer que no le hace nada de bien. Guillem se emplea como portavoz del orfeón del estribillo, para de forma solemne dar sus razones al Toni al que se dirige la canción. Queda bien como fin de obra.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Con este 2º disco de estudio, Manel se convirtieron en una banda revelación y sensación a nivel nacional, traspasando la frontera de Cataluña y alrededores. Parece ser que gran parte de la sociedad dejó de lados prejuicios políticos y demás para abrazar un lp que es muy disfrutable y de bastante alta calidad.

El folk de Manel es bastante puro en este trabajo, cosa que en el futuro iría evolucionando. Ya con su nombre ganado, la banda seguiría editando discos de títulos llamativos (buenísimo que el siguiente se titulase “Atletes, Baixin De l’Escenari”, en referencia a Constantino Romero y su voz de alerta ante un desmadre vivido en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92’).

Dentro de la historia de la banda aparecerían temas posteriores como “Teresa Rampell”, “Boy band”, “Per la bona gent” o “Sabotatge” que se convertirían en clásicos absolutos de su obra. El grupo iría incluyendo elementos que les irían acercando a un pop más mediano, dejando de lado el folk el inicial. Y llegaron a 2023 cuando deciden parar por un tiempo, veremos cuánto, y a raíz de ahí el “Polonia” de Tv3 les decide tributar con la ya comentada versión de “Belvongut”.

Espero que se quiten los prejuicios y se atrevan con este disco los que aún no lo han hecho. Es un trabajo tan discreto como su sencilla portada, con el dibujito de una armadura sobre fondo granate. Sin ser yo un admirador del folk de manual, he disfrutado bastante con esta obra y varias de sus canciones van y vuelven con frecuencia a mi mente para ofrecerme buenos momentos. Merece mucho la pena y el revuelo que causó en su día cuando llegó al 1 de ventas en España está más que justificado.
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sábado, 18 de mayo de 2024

Programa Especial Depeche Mode en directo (Temporada 15/ Programa 10)

Con motivo de la última visita de Depeche Mode a Madrid a la que acudimos el pasado 12 de marzo de 2024, llevamos, movidos por la euforia, a cabo este programa especial para comentar la trayectoria en directo del grupo y nuestras experiencias al asistir a varios de sus conciertos.

3 vía telemática, Carlos Caballero, Mariano González y Alfredo Morales, y 1 en los estudios, Víctor Prats, comentamos largo y tendido sobre estos aspectos y muchas cosas se nos quedaron en el tintero.

La cita fue el pasado 4 de mayo de 2024 a las 16.00h en directo en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) y además pusimos varias canciones de los discos en directo de Depeche Mode.

Por si no lo escucharon en su directo y en redifusiones posteriores, aquí les insertamos el reproductor con el podcast y también les dejamos link a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga si así lo prefieren: https://www.ivoox.com/dmr-15-10-audios-mp3_rf_129090712_1.html
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viernes, 17 de mayo de 2024

Temporada 15/ Programa 11: La Broma Negra y "Suicidarse Y Seguir Viviendo" (2020)

 

Mucho tiempo ha pasado desde nuestra última entrevista y mucho tiempo más de la última que hicimos a La Broma Negra. Por mucho que su líder, Carlos Caballero, haya participado en coloquios como tertuliano, este próximo sábado 18 de mayo de 2024 su banda es la protagonista y lo será de la mano del que hasta la fecha aún es su último disco de estudio.

La cita será a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). A Carlos le preguntaremos por los últimos tiempos de La Broma Negra, ya que en el último lustro han tenido lugar variaciones realmente importantes de citar. Además, disfrutaremos de varias de las canciones que forman parte de "Suicidarse Y Seguir Viviendo".

No se lo pierdan y acompáñennos en lo que será el antepenúltimo programa de nuestra temporada nº 15.

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viernes, 10 de mayo de 2024

La Broma Negra - Suicidarse y Seguir Viviendo (2020)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Nuestros amigos de La Broma Negra tienen cumplidas reseñas de su discografía, en DMR, desde “Joyas De Princesas Muertas” (2010). Por ello, saldamos una deuda con la crítica de “Suicidarse Y Seguir Viviendo” (2020), último disco de estudio, de momento, de la banda. La Broma Negra cumple aquello de que lo único constante en la vida es el cambio, en este caso encarnado en variaciones de formación, giros estilísticos y en un sonido tan evolutivo como propio. En efecto, cada disco de La Broma Negra es como una obra significativa en sí misma, que captura una identidad determinada. A nuestros amigos los hemos visto transitar por el techno pop, el folk, el rock, los beats de baile y las brumas góticas.

“Suicidarse Y Seguir Viviendo” continúa esta singularidad, y no suena del todo como otras obras anteriores de la banda-. Pero, no obstante, y esto es lo bueno, la esencia, el espíritu, la forma de obrar, de La Broma Negra se reconocen fácilmente. Te sientes como en casa escuchándolo, solo que la arquitectura de la casa es intransferible de este disco.

Para empezar, diremos que no es disco fácil, ni de digestión rápida. Es más áspero, más austero y en cierto modo más contundente. Los sintetizadores son más subrepticios y menos embellecedores, no hay casi devaneos folk, y el conjunto suena más punzante. Yo diría que es un disco menos barroco de lo acostumbrado, pero también más compacto. La oscuridad que desprenden las melodías de “Suicidarse y Seguir Viviendo” es más densa, menos ornamentada y más reconcentrada. También podría decirse que es un disco más rock.

Pero también hay elementos muy reconocibles. El ejemplo más intuitivo y directo es la voz de Carlos Caballero, con ese tono distintivo de barítono misterioso y algo atormentado. Si en algo conserva La Broma Negra su teatralidad es en él. Sus letras, tan líricamente decadentes, siguen algunos pasos familiares: menciones a la infancia, la desazón existencial, referencias históricas, algún símil religioso. Ni que decir tiene que estas letras, como siempre, son uno de los mayores atractivos del grupo.

Así que, después de todo, sigue habiendo un sabor clásico a La Broma Negra. Aunque todo fluye, aún hay cosas que permanecen. Lo que no quita que, desde su penúltimo disco, “Los Extraños Tienen los Mejores Caramelos” (2018) se produjeran cambios. Para los que siguen habitualmente al grupo no será nada nuevo, pero es evidente que hay que mencionarlo. Sólo Carlos Caballero continúa de los que había antes y es, por así decirlo, el director de la institución que es La Broma Negra, siendo el autor de todas las canciones. Para el directo ha encontrado una nueva banda que, si siguen nuestras crónicas, hace muy buen papel.

Tuve la ocasión de escuchar el primer single poco antes del inicio de la pandemia, lo que añade un plus de lobreguez al ya oscuro sonido del disco. Es curioso como de algún modo y de manera anticipatoria (esto es a título personal) el disco parece recoger algo de ese pesar. Acaso sea solo una asociación de ideas, o que como decía Goya, el tiempo también pinta. En cualquier caso, es un disco extraordinario. Si no lo han escuchado, procedan.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Me llamo España y soy alcohólica”: Buen y enérgico comienzo, donde se hace patente el sonido más afilado de “Suicidarse y Seguir Viviendo”. Hay guitarras vigorosas a la altura del estribillo, y una interpretación potente de Carlos Caballero. Las estrofas son algo más manieristas, incluyendo unos curiosos coros. Es un rock directo, muy adecuado para abrir un disco, y con un tono más rabioso que oscuro. Respecto a la letra, no sé si expresa un sentimiento de dolor sobre la historia de nuestro país, o hay algo de humor soterrado sobre lo que somos. De hecho, los mencionados coros de las estrofas dan cierto aire de canto comunal, como de himno apócrifo y tabernario. Fue el acertado primer single del disco.

2. “Inocentes”: Rock oscuro con algún toque de postpunk y un ritmo de percusión bastante marcado. El tono es más desesperado, urgente, anhelante. Se sigue confirmando el enfoque más directo del disco, con un importante papel de las guitarras. El estribillo resulta bastante emotivo y, circunscrito a la letra, parece hablar sobre buscar “un poco de paz”.

3. “Mi hermano pequeño”: Algo más de sosiego se encuentra en el tercer corte del disco. Tienen mayor presencia las guitarras acústicas y un tono melancólico, vulnerable, nostálgico. Conecta más con el estilo de “Los Extraños Tienen Los Mejores Caramelos”. El resultado final es una estupenda melodía con gran carga emotiva, que crece incluso según la canción se acerca al final. Carlos utiliza algunos recursos familiares en la letra, como las referencias históricas, todo ello aplicado a una añoranza de afectos antiguos.

4. “1º de noviembre”: Un tema realmente curioso. Es como musicar una de las Leyendas de Bécquer, o escuchar una melodía de folk oscuro, aunque juguetón, que recoge alguna costumbre local. La voz de Carlos es solemne y la instrumentación ligera, con algún corillo fantasmal de fondo que suena abracadabrante Además aprendemos que, si pintamos con miel negra la puerta de nuestra casa, ni los muertos, ni el diablo, podrán pasar. Importante en la noche de difuntos. Puede parecer en principio un tema menor, pero no me sobra para nada, incluso añade matices al disco. Sonó muy propia en el concierto en el Cementerio Británico de Madrid que La Broma Negra celebró hace unos meses.

5. “Por mí y por todos mis compañeros”: Uno de los temas más intensos del disco. Se basa en una estructura repetitiva pero eficazmente usada, que poco a poco aumenta en pegada. La letra es auténticamente enciclopédica por la mención constante a diversos personajes de la historia de España. La mayoría de ellos no muy conocidos, salvo alguno como Blas de Lezo, Enrique Jardiel Poncela, o Pedro Muñoz Seca. Tratando de encontrar un nexo, Wikipedia mediante, en la mayoría de los casos, llego a la conclusión de que son españoles de varias épocas y de todo talante ideológico, con un final triste en su vida. Muertos en el exilio, fusilados, jóvenes, empobrecidos, perdidos en la Antártida…Por pura especulación, podría pensar que se canta a la angustia que tienen los que van sabiendo que su fin se acerca y que su destino está sellado. En cualquier caso, está enumeración y el estribillo ofrecen una adecuada intensidad.

6. “Apóstatas”: Vuelve el rock, sobre todo en un estribillo que coge músculo y poder. Las estrofas son más minimalistas, pero desembocan en un remate eléctrico y con cierta épica que se mezcla con un sonido áspero. Suena entre cabreada, nostálgica y un poco desafiante. El título del disco está extraído de un verso de esta canción.

7. “Pintor de batallas”: Esta canción es bastante más densa y oscura, de ritmo lento y dominada por la voz cavernosa de Carlos Caballero. Todos los demás elementos son bastantes más minimalistas. Le letra flirtea con la evocación de una pesadilla recurrente. En cualquier caso, en su ensimismamiento y sentido de la decadencia no encuentra asidero cómodo el oyente (no lo digo en un sentido peyorativo, conste en acta.
8. “Los pecados de mi padre”: Una canción muy “Broma Negra” de los últimos años, que podría encontrar acomodo en su anterior disco. Es un pop rock que bordea el folk sin zambullirse en él. Sencilla, breve, pero con una de las melodías más bellas del disco. Es escucharla y sumirte en una introspección melancólica. Melódicamente es una maravilla.

9. “Tengo un ataque de oscuridad”: Uno de los momentos más roqueros del disco, con fuerte protagonismo de las guitarras. La voz de Carlos es ansiosa, desesperada, de una manera ligeramente barroca. Tiene mucho que ver con los sonidos más propios de este disco: aspereza, electricidad, y estilo directo que no se priva de una ligera y adecuada rimbombancia. Buena canción. Otro single del disco, con un vídeo sencillo pero llamativo, que cuenta con la presencia de Laura Pérez.

10. “Escarlatina”: En esta ocasión se trata de un pop rock directo, con un brioso estribillo. Las guitarras son inquietantes y atmosféricas en las estrofas para afilarse después. Suena como el pop oscuro de los 80, de una forma directa y depurada. Es un buen vehículo para la desazón existencial que se vislumbra en la letra, con referencias incluidas a la muerte de Dios.

11. “Cementerios de España”: Y llegados a este punto la oscuridad se adensa. Un ejercicio de goticismo y ritmo siniestro. El tempo es lento y mortuorio, de ritmo marcado. Las guitarras y algunas ráfagas de teclados dan un acabado absolutamente sombrío y rugoso. Es inquietante la frase “donde eches a andar pisarás Cementerios de España”, y vuelvo a especular que acaso haga referencia a nuestro histórico cainismo y sus heridas sin cerrar.. En cualquier caso, la canción más oscura del disco.

12. “Miserere”: Un rock ligero y sencillo de esmerada melodía y estilo pegadizo al menos en comparación con la anterior canción, Es fácil cogerle el tranquillo, los fraseos de guitarras y teclados son ligeros y llevaderos. Más agridulce que oscura. De algún modo da un respiro, y te ofrece además una buena melodía.

13. “Último día en La Tierra”: Una canción sencilla y compleja a un tiempo. La parte inicial es lenta, tétrica, melancólica. Algo más allá de la mitad de la canción hay un cambio de ritmo donde las guitarras eléctricas y la percusión cogen el testigo. Se repite enigmáticamente como un mantra: “La tempestad, la voz de Dios” Como decíamos su estructura es breve, pero es curiosa sobre todo si tenemos en cuenta que es uno de los singles del disco. Y es que no es una canción particularmente pegadiza; es oscura y obsesiva.: Deja un poso de misterio y amargura. No es desdeñable como final de disco.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Las impresiones más inmediatas al escuchar el disco es que La Broma Negra encuentra en este disco un sonido más directo, eléctrico y orgánico. Conserva algo del barroquismo clásico de la banda, pero en menor grado y cuando llega la oscuridad me da la impresión de que es más densa. Acaso no sea un disco que entre tan pronto como el anterior, pero pica la curiosidad para seguir escuchando y al final se muestra como un muy buen álbum (otro más) de La Broma Negra.

La lírica encuentra referencias, ya decíamos, como la infancia y la familia (de forma amarga), el recurso a personajes y hechos históricos, la imaginería de un esoterismo casi gótico, y una visión existencial del mundo. Quién sabe si el título del disco hace referencia a la situación de La Broma Negra como proyecto, tras la disolución de la anterior formación, pero a ratos se intuye algo de rabia, de tensión, de desafío al borde del abismo. En cualquier caso, la dirección del proyecto parece ser buena.

En directo las canciones están funcionando bien, y presentan matices respecto al estudio. Suenan más folk, arreglos de violín incluido, y plenamente orgánicas. Añadir además que La Broma Negra ha editado un disco en directo, “Te Quiero Pero He Elegido La Oscuridad” donde se pueden comprobar las bondades de la banda.

Texto: Mariano González.
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sábado, 4 de mayo de 2024

Programa Cyndi Lauper "True Colors" (Temporada 15/ Programa 9)

Con este programa intentamos poner en valía el 2º disco de estudio de Cyndi Lauper. Tras "She's So Unusual", "True Colors" supuso más que una digna continuación y poco a poco se apreciaban ligeros detalles de evolución estilística de Cyndi.

Fuimos Mariano González (vía telemática) y Víctor Prats quienes debatimos sobre este trabajo el pasado 20 de abril de 2024 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Por si no lo escucharon en su momento, les dejamos aquí insertado el reproductor con el podcast y también el enlace a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga si así lo prefieren: https://www.ivoox.com/dmr-15-9-audios-mp3_rf_128437510_1.html
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viernes, 3 de mayo de 2024

Temporada 15/ Programa 10: Especial Depeche Mode en directo

Como hicimos ya hace un tiempo sobre The Cure con motivo de su última visita a Madrid, retomamos esta práctica con motivo de que varios del equipo de “DMR” asistiéramos al primero de los 2 conciertos que Depeche Mode ofrecieron en Madrid el pasado 12 de marzo de 2024.

En este programa hablaremos no solamente de nuestras impresiones del último concierto de la banda al que hemos asistido, sino de lo vivido en giras anteriores y también comentaremos sus lanzamientos en directo de su trayectoria.

La cita será este sábado 4 de mayo de 2024 a las 16:00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Les esperamos. No falten a la cita.

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/
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