Temporada 11/ Programa 8: Falco y “Emotional” (1986)

Tras mucho tiempo sin dedicarle un programa (tantos como los que han transcurrido desde nuestro primero que hicimos, dedicado a él), ya tocaba que prestásemos nuevamente atención al gran Falco. Tras mi visita a Viena y sumergirme en su universo e influjo, era más apropiado aún.

Hemos escogido su 4º disco de estudio para la ocasión. "Emotional" fue un trabajo notablemente exitoso, que mantuvo el tirón del previo "Falco 3" y que está repleto de canciones estupendas.

La cita será este sábado 29 de febrero de 2020 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). No nos falten a la cita, les esperamos y agradecemos su escucha.

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Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/2669371836505896/
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Ramones - End Of The Century (1980)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

Pocos años antes de 1980 había tenido lugar una revolución que consiguió zarandear toda la escena musical. Fue la revolución punk, y su punto de vista no pudo ser más sencillo; canciones breves, un par de acordes, y actitud subversiva. La paternidad de esta revoltosa criatura suele atribuirse a los Ramones, si bien no es raro que los eruditos más sesudos trepen por el árbol genealógico.

Entre los antecedentes más clásicos suelen estar los legendarios The Stooges, con Iggy Pop al frente, los New York Dolls, MC5, o algún eslabón como The Dictators. En 1976 nuestros amigos Ramones debutan con su disco homónimo y se genera el acto fundacional más o menos canónico. Su quinto disco, “End Of The Century” es, a priori, una contradicción. En las tareas de producción está el mítico Phil Spector, creador del famoso muro de sonido y capaz de hacer de una canción pop de 3 minutos una auténtica épica wagneriana, a base de capas y más capas de producción.

Sin embargo, Ramones ejemplificaban lo contrario. Minimalismo y sencillez instrumental, escasez de arreglos y un acabado de serie b. ¿Qué podrían tener en común? En principio fue Spector quien, tras verlos en directo en 1977, se ofreció a producirles un disco. La invitación fue en ese momento rechazada, sin embargo, una razón tan poco punk como pulir su sonido y tratar de llegar a más gente fue impulsora de, tres años después, aceptar la proposición de Phil Spector. Incluso tenían cierto acervo musical común: el chicle pop de los 60, los grupos de chicas de esa misma década… No deja de haber, por cierto, bastante más sustancia melódica en los Ramones de lo que sospechamos. Para empezar, su nombre deriva del seudónimo que utilizaba Paul McCartney para inscribirse en los hoteles, allá en los albores de su carrera.

Había descaro, rabia, y ganas de diversión en Ramones, pero el punk como algo subversivo, nihilista y “filosófico” vendría mucho más formado de la mano de Sex Pistols o The Clash. Más allá de la pertinacia o reincidencia en las mismas estructuras musicales, Ramones siempre tuvieron un espíritu pop dentro de sí, que aderezaban con furiosos guitarrazos aquí y allá. “End Of The Century” es, con diferencia, su disco más pulido, arreglado y limpio. Quizá por eso, con el decurso de los años, el grupo no ha guardado especial simpatía por la obra. Lo cual no tiene por qué tener relevancia; a veces los autores son los jueces más extravagantes de sus propias obras. Lo que sí consiguieron fue la mejor posición en los charts de EE.UU (puesto 44 en el Billboard) y un razonable éxito Europa. No debemos olvidar, no obstante, que aunque influyentes y casi legendarios, nunca han sido un grupo superventas.

El proceso de grabación en los Gold Star Studios de Hollywood es tan famoso como el álbum en sí. El temperamento de Phil Spector era sanguíneo hasta bordear psicótico, lo que unido a un afán de perfeccionismo patológico dio como resultado, según dice la leyenda, a que el enloquecido (pero talentoso, que conste en acta) productor llegase a encañonar con un revólver a la banda. Por no mencionar las interminables sesiones en las que el grupo, pero sobre todo Johnny Ramone, tenía que repetir la misma parte durante horas.

Sea como sea, a pesar de polémicas y armas de fuego diversas, “End Of The Century” me parece un disco magnífico. Conserva la esencia divertida y gamberra de Ramones y se ve complementada, pero nunca eclipsada, por lo sofisticados arreglos de Phil Spector. Se trata, además, de una obra regular donde, picos de calidad aparte, no hay altibajos en el nivel melodías. También nos dejó algún clásico de la banda como “Baby, I love you” (versión de The Ronettes) y “Do you remember rock 'n' roll radio?” Apenas dura 34 minutos, plenos de esencia lúdica, traviesa y algo salvaje. Es decir, por mucho arreglo que haya, un estilo totalmente “ramoniano”.

La banda sufrió una alteración respecto a la formación de sus primeros discos. El batería Tommy Ramone (Tamás Eldéryi), coproductor junto con Toni Bongiovi de las anteriores obras, dejó la banda para ser sustituido por Marky Ramone (Marc Steven Bell). El resto de los componentes son, digamos, la formación clásica: Joey Ramone (Jeffrey Ross Hyman) en las voces, Dee Dee Ramone (Douglas Glenn Colvin) en el bajo y Johnny Ramone (John William Cummings) a la guitarra. Tampoco podemos dejar de vincular Ramones con la escena neoyorquina del CBGB y la talentosa efervescencia de grupos como Blondie, Talking Heads, o Television.

En cualquier caso, se trata de un disco luminoso y disfrutable, que puede ser fácilmente identificable como “el disco punk para los que no les gusta el punk”. Disfruten de sus pop guitarrero e hipervitaminado mientras analizamos las canciones.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Do you remember rock 'n' radio?”: Toda una celebración nostálgica del buen y viejo rocanrol. Comenzamos con una canción que es puro jolgorio y diversión. Notamos la mano de Phil Spector en sus suntuosos arreglos de viento, el resonante eco de la percusión y en el “horror vacui” general de la producción. Es difícil reconocer la guitarra de Johnny Ramone, pero la entregada interpretación de Joey suple afortunadamente esta carencia. Todo un clásico de la banda, bullicioso y dicharachero. Son encantadoras sus referencias a Jerry Lee Lewis, John Lennon o los T. Rex. No solo se queda en la nostalgia, en un momento dado la letra dice algo así como: “Necesitamos un cambio y lo necesitamos rápido, antes de que el rock and roll desaparezca, porque últimamente todo suena igual”. Fue single y, con el tiempo, una canción relevante.

2. “I’m affected”: Las guitarras comienzan a ganar protagonismo, pero sin olvidar los viejos trucos de producción del viejo Phil (esa batería retumbante). Directa como un tiro, curiosamente no es la versión más soleada y alegre de los Ramones, habiendo incluso cierto dramatismo. La capacidad de la banda para inscribir estribillos memorables en nuestra cabeza se muestra de forma diáfana.

3. “Danny says”: Suena inusitadamente lenta para ser una canción de Ramones. De hecho, comienza de forma acústica, hasta que Johnny entra de forma poderosa y alimenta el componente eléctrico. Supone una bajada de revoluciones, para lo que en términos “ramonianos” sería una balada. La melodía es buena, pero no seduce en demasía. Podría ser que estuviera dedicada a Linda Daniele, la novia de Joey en ese momento y que en 1982 pasaría a ser la de Johnny Ramone, provocando ciertas disensiones en el grupo.

4. “Chinese rock”: Ramones haciendo rock puro y duro, donde no faltan las guitarras al galope, la melodía desafiante y la sensación de adrenalina. Especialmente marcado es el estribillo, y además Johnny Ramone parece que quiere ponerse algo (solo un poco) más épico que de costumbre. Una de las canciones más sólidas del disco. Escrita por Dee Dee Ramone y Richard Hell (músico de la escena neoyorquina), habla sobre la adicción a las drogas, queriendo seguir la línea de “Heroin”de The Velvet Underground. El parecido es más lírico que otra cosa.

5. “The return of Jackie and Judy”: Más electricidad, aunque algo más domada. Rock directo, saltarín y despreocupado. Se trata de una especie de punk pop de buenas vibraciones y pegajosa melodía, además de tener una notable influencia del rock de los años 50. Podría considerarse una continuación de “Judy is a punk”, de su disco debut.

6. “Let’s go”: Más plenamente punk que la anterior; comenzar a escucharla es un chute de electricidad y acordes fulgurantes. Esta canción es puro Ramones, divertida, rápida, sencilla y furiosa. Entre lo macarra y lo melódico, la canción es tan simple como la letra, y el mensaje. Es un gusto que también en “End Of The Century” se escuche a la banda bien engrasada y en estado cristalino, sin aditivos. La letra es una especie de mezcla entre diversión y menciones un tanto extrañas a la vida de mercenario.

7. “Baby, I love you”: Una canción controvertida para los seguidores y para la propia banda, que no acabó contenta con el resultado final. Es una de los temas más pop y acaramelados que hayan tocado jamás. No es un gran problema, ya hemos dicho que a los Ramones les encantaban los grupos de chicas de los 60, y esta canción es una versión de The Ronettes. Dentro de lo incómoda que debió ser la grabación del disco, lo concerniente a esta canción pudo uno de los puntos álgidos de desencuentro. Se dice que solamente participó Joey Ramone y que el resto fueron sustituidos por músicos de sesión. Los arreglos de cuerda de Phil Spector son simpáticos y elegantes, pero ahogan la esencia del grupo demasiado. Curiosamente fue una de sus canciones más exitosas en los charts.

8. “I can´t make it on time”: Volvemos al punk pop altamente melódico, con el referente puesto en los años 50, pero con contundentes guitarras de finales de los 70. Liviana y despreocupada, se tararea sin dificultad y resulta incluso agradable. Buena canción. La letra sencillamente habla de alguien que nunca está a tiempo en el lugar donde debería estar.

9. “This ain’t Havana”: Regreso al punk total con quizá la canción más vertiginosa del disco. Es casi imposible no ponerse a dar botes y chocar contra las paredes mientras se escucha. Johnny Ramone desenfunda sus rapidísimos acordes, mientras Joey lanza un estribillo sencillísimo y eficaz. Es una canción para los que gusten aunar adrenalina conservando algún sentido de la melodía. Líricamente se relaciona con “Havana affair”, canción de su primer disco que hablaba de un emigrante de Cuba que comenzaba a colaborar con la CIA.

10. “Rock 'n'roll high school”: Esta canción tiene su origen en la banda sonora de una película del mismo nombre, y existen tres versiones distintas de ella. La incluida en este disco esta completamente regrabada por Phil Spector y se diferencia de las dos previas, entre otros detalles, en algunos compases iniciales. Sea como sea es una canción cuyo título es a la vez una perfecta descripción; suena como la banda sonora que escucharían unos gamberros de instituto en los últimos 70. Rock impetuoso, desenfadado y alborotado. Las variaciones que hace Joey Ramone del estribillo son una delicia para los amantes de la música de los sesenta.

11. “All the way”: El sonido inicial suena ahora más oscuro, con unos acordes más broncos y distorsionados. Tras esta “intro” nos adentramos en una canción punk de alto octanaje, donde la banda va al ataque y arrasa con todo. Véase como los Ramones fueron una de las fuentes de futuros grupos como The Offspring o Green Day. Breve y afilada como un navajazo. Perfecta para un hipotético pogo.

12. “High risk insurance”: Casi parece una continuación de la canción anterior. Breve, impetuosa y fogosa. La decisión de los Ramones es acabar el disco pisando el acelerador y hacer lo que mejor saben, divertidos aguijonazos de pura y divertida rabia. Este final de disco acaso sea el más propio del estilo de los neoyorquinos, dando rienda suelta a su particular, y primigenia, versión del punk. Hubiera sido demasiado artificioso acabar con uno de los barrocos arreglos de Phil Spector; de este modo el regusto que queda es la esencia misma del grupo. La letra aporta cierto contenido político y contiene una defensa del criterio independiente del individuo.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

“End Of The Century” es el disco de los Ramones que mayor espectro de aceptación puede encontrar fuera de los seguidores de la banda. El exquisito barroquismo de Phil Spector lima las partes más puntiagudas de su música, pero el precio que se paga no sepulta la electricidad; los aficionados más adrenalínicos también tienen jugoso material al que hincarle el diente. Unas de las conclusiones del disco, por lo tanto, es que, si alguien quiere escuchar un disco de los Ramones sin zambullirse en la discografía entera, aquí hay una buena opción.

Otros discos volverán a ser más punkarras, y en algunos casos puntuales volverán a flirtear con el pop (escúchese su canción “Howling at the moon (Sha-la-la)”, producida por Dave Stewart en 1984). En cualquier caso, con los Ramones siempre nos encontramos con la disyuntiva de valorar lo reconocible de su fórmula y sonido, o bien censurar la escasa variedad musical de la que hicieron gala. ¿Insobornables o repetitivos? Acaso un poco de ambas cosas, pero en última instancia es un grupo de amplísima influencia cuya música siempre insufla un torrente energético, vital e imparable.

Texto: Mariano González.

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Programa El Último De La Fila “Astronomía Razonable” (Temporada 11/ Programa 6)

Aunque no logramos entrevistar a ninguno de los 2 miembros del grupo, había que dedicar ya un programa por nuestra parte a un disco tan válido como el que a la postre fuera el penúltimo editado por El Último De La Fila. De ahí que el día 18 de enero de 2020 estrenásemos este ítem de nuestra 11ª temporada a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

No obstante, el programa fue grabado y emitido de incógnito (sin anuncio o promo previa) el pasado sábado 23 de noviembre de 2019 a las 14.00h en el mismo dial. No se preocupen, que si no escucharon el programa en su estreno o en su emisión no anunciada, les dejamos aquí el reproductor con el podcast y el link a Ivoox para su audición: https://www.ivoox.com/dmr-11-6-audios-mp3_rf_47785972_1.html

Fuimos nuevamente Mariano González y Víctor Prats los únicos colaboradores que nos citamos aquella tarde para debatir sobre esta obra, sus canciones y sus autores. Espero que el programa sea de su interés y les guste.

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Temporada 11/ Programa 7: Editors y “In This Light And On This Evening” (2009)

Editors es una banda que siempre nos ha llamado la atención. Desde su debut con “The Back Room”, esos sonidos oscuros con la potente voz de Tom Smith, nos evocaban a Joy Division y siempre va a ser un factor positivo en nuestras percepciones. Para el programa que podrán escuchar este próximo sábado hemos escogido el que fue el 3er. disco de estudio del grupo.

Con este álbum, la banda viraba hacia una electrónica igual de potente, y a la postre fue el último lp con el guitarrista original Chris Urbanowicz. Les esperamos a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Creemos que será un programa sumamente de su interés.

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Dua Lipa - Dua Lipa (2017)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

La conocí creo que durante 2017. La primera vez que vi su videoclip de “New rules”, llamativo sin duda, fue a mediados de año y lo volví a ver ya en el mes de noviembre y por fin me anoté su nombre.

De ahí en adelante Dua Lipa me ha terminado captando y acompañando desde entonces, gustándome cada vez más sus canciones, voz y melodías. Además, a su disco de debut completo accedí por primera vez en el viaje de ida a Japón en junio de este año (estaba entre las opciones que KLM te daba para escuchar en las 10 horas desde Amsterdam a Tokio), del cual me ha quedado muy buen recuerdo en general por diversos motivos, con lo que este lp que hoy nos ocupa siempre tendrá un punto emotivo positivo para mí.

Comentarles que esta chica, nacida en Londres, pero de origen kosovar, ha sido un ejemplo de personalidad resuelta y decidida. Emancipada con apenas 15 años, se marchó a vivir a su Londres natal (tras retornar su familia a Kosovo tras un tiempo como refugiados en la capital británica) a buscarse la vida como modelo, cantante y camarera. Finalmente, Dua se ha terminado de hacer un hueco con merecimiento en el mundo de la música; no sé qué nos deparará su trayectoria, pero al menos por su disco de debut siempre podrá decir que ha dado origen a un lp más que aprovechable.

Hasta que su disco de título homónimo vio la luz, Dua fue editando sus singles y videoclips, logrando mucho éxito con “Be the one” (curiosamente una de las que no compuso ella). Con la que dio el golpe definitivo fue con “New rules”, canción de sonido exótico y, ya advertido, notable videoclip, donde podemos ver además la belleza física de esta chica.

En tonos vocales puede recordarnos en algunos momentos a Sia incluso. El disco en sí es generoso en listado de canciones y de él han salido varios singles. Tiene mucho potencial melódico y afronta distintos estilos o perfiles de canciones que de paso no lo hacen monotemático, ya que hay lugar para el baile, para electrónica suave, para baladas e incluso algún tema semiacústico. Hay mucha tela que cortar, por lo que comencemos.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Genesis”: La canción que abre el disco “Genesis”, es una pieza muy definitoria del estilo peculiar del pop de Dua. La percusión y los ritmos dan pista de otros capítulos que veremos dentro de la obra. El estribillo es claro y directo, si bien las estrofas no son tan accesibles de inicio. Canción luminosa y buena forma de abrir el disco, con un perfil ni alto ni bajo.

2. “Lost in your light (feat. Miguel)”: Llega el turno de un dueto, en este caso con el cantante californiano Miguel. “Lost in your light” la conocí en directo, viendo conciertos de la gira en Youtube. Canción vagamente hipnótica y oscilante en su melodía, con cierto aire de ensoñación y una electrónica bastante elegante. La voz de Miguel casa a la perfección con la de Dua. El videoclip, grabado en un callejón de ambiente industrial y en los tejados de naves, es sencillo, pero efectivo, con Dua Lipa levitando, perdida en la luz que protagoniza la canción. Para mi gusto uno de los capítulos más reseñables del disco (y no es porque esté carente de ellos). Un single de justicia, si bien muy eclipsado por el siguiente que fue “New rules”.

3. “Hotter than hell”: Más singles, en este caso una canción más de músculo y de perfil elevado como es “Hotter than hell”. Es un tema muy animado, sobre todo en el estribillo, con esos gritos y coros que aderezan la pista, que busca lograr cierta épica. Efectiva y directa y de las muy queridas por los fans de la artista dentro de este disco de debut.

4. “Be the one”: Si bien Dua se compone casi todas sus canciones, es curioso que 2 de las más llamativas no hayan sido obra suya. Es el caso de “Be the one”, una canción de pop ligeramente oscuro o de menor relumbrón, pero que es sin embargo bastante pegadiza por lo sencillo de su estribillo. No escatima en sonidos exóticos y notas fuera de la producción random internacional del pop de los últimos años, lo cual da identidad a este disco. Fue quizás el single de mayor éxito de Lipa hasta “New rules”; no en vano, dispone de 2 videoclips oficiales.

5. “IDGAF”: Más singles y más variedad. Aquí estamos ante un ejemplo de logro semiacústico. Esta canción de reafirmación personal ante una ruptura sentimental y un intento de retorno del que abandona, es una composición que nuevamente acierta en la melodía. El videoclip es curioso, con Dua Lipa repetida en vestido azul y pelo recogido y en vestido rojo y pelo mojado peinado hacia atrás (lo mismo que el resto del cuerpo de baile que la acompaña). Con apenas unos sencillos, pero atinados acordes de guitarra, la canción fluye a base de eso y la siempre atractiva voz de Dua. Claramente otra de mis favoritas. Por si alguno no lo sabe, las iniciales de “IDGAF” son de “I don’t give a fuck” (traducido “Me importa un...”) y en algunas actuaciones Dua, por temas de censura, se ha visto obligada a omitir el “fuck”, lo cual queda curioso (por ej. en la actuación previa a la final de la Champions League de 2018).

6. “Blow your mind (mwah)”: Más bien advertiré de lo que no son singles a partir de ahora, ya que esta también lo fue. “Blow your mind (mwah)” es de textura bullanguera y saltarina y algo machacona. Incluye incluso en su título la onomatopeya del beso, que era un signo de identidad de Dua Lipa cuando con 15 años subía vídeos en Youtube de sus covers de otros artistas. La veo en parte como a “Hotter than hell”, siendo canción de estructura parecida y semejante en sensaciones que transmite.

7. “Garden”: Pues miren, la atormentada “Garden” no fue single. Estamos ante una balada dolida, con Dua Lipa cantando con tremendo sentimiento. La pista va ganando potencia instrumental, llegando a ser bastante épica en su estribillo central. Sube la montaña y luego baja, ya que termina en formato acústico tal como arrancó. Hay algunos coros que distorsionados acompañan a Dua Lipa en el estribillo, para darle un toque de cierto desasosiego.

8. “No goodbyes”: Es curioso que “No goodbyes” es una canción tranquila en estrofas, pero que alcanza mucha intensidad en su sencillo estribillo. No fue single, pero creo que aquí las canciones que no lo fueron en ningún caso resultan un mero relleno para formar el lp. Creo que esta pieza es nuevamente otro momento muy a tener en cuenta.

9. “Thinking’ bout you”: Con “Thinking’ bout you” Dua Lipa nos ofrece otro estilo distinto a lo escuchado hasta ahora, ya que si “Garden” también es una balada, “Thinking’ bout you” suena amable y no dolida como la antecesora. Canción de formato acústico, sencilla y sin alardes. Fue single también.

10. “New rules”: Claramente la canción vamos a decir tótem del disco. “New rules” es exótica y llamativa en esa peculiar electrónica en la que se basa. Dua se mueve bien en los registros vocales, jugando a ratos con el hedonismo en algunas estrofas. No es una canción de estructura fácil, pero sí es llamativa y por eso enganchó. El videoclip ya comentado, es bastante acertado y ajustado a los tiempos actuales. Una gran canción, que curiosamente es la otra excepción a la composición de la intérprete.

11. “Begging”: Con tanto single, considero una injusticia que este temazo no lo fuera. “Begging” es épica, brutal, de los mejores capítulos del disco. Tiene potencia a raudales, sentimiento, melodía y acierto en todo momento; incluso en directo, el final que ofrecían jugando con los efectos sintéticos de las notas era sublime. Junto a otra que vendrá a continuación, para mí es definitoria de mi viaje a Japón de este pasado 2019. De mis favoritas absolutas.

12. “Homesick”: Lenta balada después del frenesí pop de “Begging”. En esta pieza Dua se acompaña de Chris Martin de Coldplay. “Homesick” es una canción lenta, delicada y muy desnuda, en la que solamente hay una melodía de piano clásico sobre la cual Dua canta de forma cálida, con el acompañamiento de Chris cuando toca.

13. “Dreams”: Otra pieza exótica, muy definitoria del disco es “Dreams”. Tampoco fue single, y me llamó la atención al igual que con “Lost in your light” al ver conciertos en Youtube (no en vano las 2 formaban parte del mismo sector del show). Esta la tengo asociada al viaje de ida a Japón aquel glorioso 14 de junio de 2019, en el que muchos de mis sueños se me habían hecho realidad, por lo que no podía ser más adecuada. Además, es que su carácter es tremendamente luminoso y radiante. Canción muy positiva, enfocada a la temática del amor, pero que pueden readaptar a lo que quieran, como yo hice. Otra de mis predilectas sin duda alguna.

14. “Room for 2”: Creo que “Room for 2” es de las piezas más raras del disco. Ya choca con encontrarse con Dua cantando en su inicio (y volviendo a lo largo del tema) en un registro tan grave e incluso lúgubre. Es una semibalada que no sé por qué se me antoja que también podría haber firmado en su día Lady Gaga; no en vano, hay algunos momentos de Dua en registros altos dentro de esta pista que me evocan a esa otra diva que tanto me gusta y respeto.

15. “New love”: No hay un cambio radical al pasar a “New love”. Es una canción de sensaciones parecidas. Tiene un leve aroma dolido, como algo que nos hace percibir esta canción con un vago regusto triste; no sé explicarlo muy bien, pero me causa esas sensaciones. Tema amable de transición a un combo de canciones para el final de disco que nos van a permitir abandonar en lo más alto.

16. “Bad together”: El disco va a cerrar con un 2 temas con cierta épica que le dan un broche de oro. Primero llegamos a “Bad together” donde Dua Lipa sigue demostrando su tremendo acierto melódico y ofreciendo otra pieza donde la épica pop está muy presente. Muy bueno sobre todo el puente al estribillo. Canción potente y decidida, que nos sube las pulsaciones después de 2 capítulos más introspectivos y relajados.

17. “Last dance”: Terminamos con otro single. “Last dance” resulta tremendamente frenética en su melodía y sonido. Es una canción muy sencilla en su estribillo, pero que funciona y llega sin dificultad a cualquiera. Es un final del disco más que acertado. Tengan en cuenta que lo que he analizado es el cd 1 de la “Complete Edition”. Luego hay un cd 2 donde están las otras colaboraciones de Dua Lipa en esta época (“One kiss”, masivo hit con Calvin Harris, “No lie” con Sean Paul, “Scared to be lonely” con Martin Garrix o “Electricity” con Silk City) y otras piezas llamativas como “Want to” (esta muy buena). Lamentablemente el temazo para “Alita: Battle Angel”, la canción “Swan song”, no llegó a tiempo de incluirse en ese cd extra.

Bonus tracks.
18. “Want to”: Tengan en cuenta que lo que he analizado es el cd 1 de la “Complete Edition”. Luego hay un cd 2 donde están las otras colaboraciones de Dua Lipa en esta época y un par de bonus tracks. De hecho, el cd 2 arranca con sus temas propios. El más acertado es el que abre, “Want to”. Es una canción que en parte continúa las sensaciones de la canción de cierre “Last dance”, pero con menos revoluciones. En sus sonidos es de factura algo desquiciante y busca desasosiego. No tardó mucho en entrarme. Fue también single para promocionar la reedición “Complete” del disco que estamos analizando.

19. “Running”: Quizás con “Running” se dé uno de los casos que menos me han calado del disco hasta ahora. Quizás su estribillo está lejos de la exigencia mostrada en tantos y tantos episodios del disco. No es una canción mala, pero brilla mucho menos que el 80% del contenido hasta ahora expuesto. No obstante, cualquier propina se agradece.

20. “Kiss and make up”: Y llegamos ya a las colaboraciones. “Kiss and make up” es con total seguridad la de menor relumbrón. Aquí Dua colabora con el grupo Blackpink y da lugar a una pieza quizás demasiado vacía, que busca el hit inmediato de forma muy descarada. No me llega especialmente. Por fortuna, el resto de colaboraciones que llegan son infinitamente mejores.

21. “One kiss”: Masivo hit con Calvin Harris. Fue una de las canciones del verano de 2018 a nivel internacional. En parte evoca las formas y maneras melódicas de “New rules”, con un toque si cabe más cálido. El videoclip, no sé si hecho de tal modo que transmita la sensación de ser un producto low cost, abusa del croma, dejando en evidencia sus limitaciones y nos muestra a un Jan Oblak, digo, Calvin Harris, de smoking hierático y a Dua con su nuevo look, con su melena morena recortada a la mitad en longitud y en tonos malva y otros vestidos llamativos. Es gracioso ver esos bichos marionetas con los operarios que los mueven viéndose por detrás sin disimulo alguno. Una canción pegadiza y que muestra gran parte de las pautas sonoras de Lipa en su debut.

22. “Electricity”: Siguió el éxito de “One kiss” “Electricity” con Silk City. Canción tremendamente dance, con Dua Lipa en su videoclip tonteando por 1ª vez con un cambio de look más radical (pasándose al rubio, el cual creo que no le pega nada). Saltarina, rítmica, levanta ánimos, positiva... En fin, un cóctel perfecto para lograr un masivo hit internacional.

23. “Scared to be lonely”: Se nota cada colaboración temporalmente de qué momento es y está claro que “Scared to be lonely” es de las primeras que hizo Dua, ya que está muy en consonancia con los sonidos centrales del disco. Aquí el colaborador de lujo es Martin Garrix. Canción dolida, de reproches sentimentales, y sonidos sintéticos en el estribillo que se muestran con cierto punto agreste.

24. “No lie”: El turno ahora es de “No lie”, que más bien es una canción de Sean Paul donde Dua Lipa se encarga del estribillo. Creación realmente rítmica, cálida y muy bailable. No soy muy amigo del hip hop o el rap, pero hay capítulos como este que siempre son bienvenidos. Es un tema de potencial y en su tramo de gira final del disco Dua lo incluía insertado a modo medley por su estribillo en un combo muy acertado que situaba en el primer sector del show.

25. “New rules (live)”: Hay que citarla, pero esta toma en directo de “New rules” no nos supone más novedad que ver el buen hacer de Dua en el directo. En la pista se aprecia como Lipa arenga al público y lo anima a corear las nuevas reglas que propone la canción y muestra lo que ha sido el final de sus conciertos de su gira de presentación, ya que los conciertos terminaban con “New rules”, como así hace esta “Complete Edition”. Lamentablemente el temazo para “Alita: Battle Angel”, la canción “Swan song”, no llegó a tiempo de incluirse en este cd extra, ya que vio la luz en enero de 2019.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

Dua Lipa con su disco de debut ha sido una de las nuevas divas del pop en incorporarse últimamente al mainstream mundial. Su irrupción definitiva en 2017 de la mano de “New rules” y el lanzamiento de este notable lp, demuestra su tino y su tirón. El disco ha sido muy exitoso, pero sin alardes excesivos (me refiero a que en los 2 países de referencia no llegó al 1; en Reino Unido fue top 3 y el Estados Unidos top 27).

Sin embargo, todas las colaboraciones llevadas a cabo por Dua y su participación en la ya mencionada ceremonia previa de la final de la Champions League de Kiev en 2018, demuestran la repercusión lograda por la artista en los últimos tiempos. He de comentar que la portada del disco es un poco extraña, ya que muestra a Dua Lipa en un look que no profesa mucho, con el pelo no sé si mojado o engominado, peinado como hacia atrás, con chupa de cuero, de tal forma que parece el disco que sacaría la hija de la cantante italiana Sabrina Salerno; no es la foto que más partido podría haber sacado de Dua, o al menos eso pienso.

Después de acceder al disco en esos vuelos de ida y vuelta al país del sol naciente, tenía clarísimo que me lo quería comprar. Y después de vagar por tiendas logré esta edición a un precio más que aceptable de 11,99 euros (tengan en cuenta que son 2 cds con 17 y 8 canciones). Es una de las adquisiciones que más orgulloso estoy de haber comprado en los últimos tiempos, ya que su contenido es altamente satisfactorio.

En estos días estamos esperando lo que será “Future Nostalgia” el 2º disco de Dua Lipa. De momento hemos conocido “Don’t start now”, buena canción de sonido dance y funky algo retro y la menos evidente y algo enrevesada (con Lipa mostrando su gusto por el rap o hip hop) en las estrofas canción título del futuro lp. Lo mejor es que el 26 de abril podremos verla actuar en el Palacio de los Deportes de Madrid. José Antonio Sánchez, colaborador de nuestro programa, y yo estaremos en el graderío muy atentos de lo que nos ofrecerá Dua esa noche. La noche previa también estaré por el mismo recinto viendo a Nick Cave And The Bad Seeds; no me dirán ustedes que el contraste no será notable entre una actuación y la otra.

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