Pocos supondrían allá a comienzos del presente milenio que el nuevo trabajo que el dúo de techno pop alemán compuesto por el vocalista Peter Heppner y el músico Markus Reindhart sería a la larga el último que editarían para más adelante separarse definitivamente. Lo que está claro es que el grupo se tomó su tiempo para editar nuevo material tras el exitoso y muy bueno “Spectators” de 1998.Con su anterior trabajo el grupo consiguió afianzar su figura en Alemania dentro de las tendencias electrónicas y también a nivel continental ganó presencia y relevancia. Gracias a canciones como los singles “Once in a lifetime” y “Kuntsliche welten”, “Spectators” obtuvo unos resultados a nivel comercial y mediático razonables y el conjunto global de la obra se ganó buenas críticas en general.
A pesar de que sabíamos del carácter oscuro y a ratos introspectivo de Wolfsheim, dejó muy en fuera de juego el hecho de que para presentar “Casting Shadows” se escogiera como primer single la triste pero sobria “Kein zurück”; ¿quién sabe si en su título, de traducción al español “sin retorno”, se atisbaba en parte que Wolfsheim llegarían en breve a su final? Lo que sucede es que esta canción, que tras muchas, pero que muchas escuchas finalmente consigue llegarte, evidentemente no es nada inmediata, y además el hecho de que fuera de las composiciones en alemán del disco, por muy patriótico que les quedara de sus fronteras hacia dentro, lacraría la posibilidad de que Wolfsheim siguieran afianzándose a nivel internacional más allá de tierras teutonas.
No obstante, y aunque sea sin llegar al nivel de exigencia tan alto que marcó el anterior “Spectators”, hay que reconocer que “Casting Shadows” es un disco notable y solvente. Es quizás menos inmediato, pero tras llevar un tiempo interiorizándolo y casi sin darte cuenta, un día te paras a pensar sin saber por qué y resuelves que es un disco bastante bueno y agradable.
Y eso que se empieza con una composición poco frenética o arriesgada, que en parte concede el título al disco. “Everyone who casts a shadow” es un tema amable, que choca al ver la partida de Wolfsheim respecto a “Spectators” y que se vale de vocoders que a ratos continúan la letra que Heppner de forma hierática, muy a su estilo, se encarga de ejecutar. Un inicio curioso más que memorable, que pasará al olvido debido a que en el 2º lugar del set list se nos presenta una de las mejores composiciones del disco. Es “Care for you” sin lugar a dudas una de mis favoritas de Wolfsheim de todos los tiempos. Estamos ante un tema que destila melancolía y relajación a partes iguales. Nos enfrentamos a una calmada sensibilidad, plasmada de forma tan elegante y sinuosa a través de las melodías diseñadas por Markus y que Peter canta con bastante sentimiento. El estribillo es sencillo a más no poder, pero resulta que es lo importante, y sus repeticiones de palabras no son motivo para constituir lacra alguna. Una joya oculta de la discografía de Wolfsheim, que conforman un inicio de disco muy alejado de los ritmos con más beats y más oscuridad bailable que ofrecía su anterior disco. Llegamos a “I won’t believe” que es un claro ejercicio de pop, con un cierto toque amargo o melancólico en su melodía, que a ratos puede resultar algo hinchada o impostada dentro de lo que suele ser el semblante habitual de Wolfsheim. La canción gana intensidad tras su primer minuto y medio que tiene poco recargo sonoro y de programaciones. Ahora es turno de “Kein zurück”, que ya lo he advertido en la introducción, es un tema de factura más clásica en general y constituyó un arriesgado primer single de la obra. Recuerdo el videoclip con esa empleada de lavandería a la que se le va la olla, y ver a Peter y Markus por ahí metidos viendo el devenir de esa moza que sale corriendo de su lugar de trabajo. Termina por llegar, pero precisarán de varias escuchas, quizás, para cogerle el puntito. “And I…” es una composición de factura medio acústica, sugerente en el sentir que transmite y que supondrá uno de los últimos capítulos relajados de la obra, ya que hasta ahora “Casting shadows”, salvo en ciertos momentos de “I won’t believe” se ha mostrado muy reflexivo y calmado. No obstante, hay sitio para la también sosegada, pero con un toque oscuro bastante interesante, “Underneath the veil”. En el terreno más solemne del disco puede ser de las más llamativas y en todo caso es una de las pequeñas joyas ocultas que el último disco de estudio de Wolfsheim contiene.
Con “Find you’re gone” el grupo recupera de forma más clara el techno pop bailable que caracterizaba “Spectators”, y lo más curioso es que este acertado single tenía su réplica solamente en formato single con la previa “Find you’re here” que no se incluyó en “Casting Shadows”. Por cierto, resulta muy interesante ver los 2 videoclips seguidos, con esa evolución de la casa de Peter Heppner, que en la 2ª parte, la que constituye en sí el video de “Find you’re gone”, la reconvierte en un restaurante oriental. Los teclados y sintetizadores que marcan la melodía cuando Peter dice eso de “veo que te has ido”, son muy claros y directos y conforman uno de los más claros himnos pop del disco. La siguiente “This is for love” puede resultar algo forzada, y en todo caso palidecerá claramente con los 2 siguientes ejercicios que Wolfsheim situó para afrontar la parte final, que claramente dignificarán el resultado de la obra, dándole una parte final de mucho ritmo sintético que se agradece y que casi alcanza los momentos más excelsos que el grupo alcanzó en el anterior “Spectators”. Y es que “Wundervoll” es tal como su propia traducción indica: maravillosa. La melodía de sintes que organiza Markus es realmente genial y Peter canta de tal forma que le da un empaque y fuerza bastante notoria, sobre todo teniendo lo comedido que es Heppner al micro. Pero es que igualmente en este sentido se moverá la siguiente “Approaching lightspeed”, echando más madera al sector más bailable y movido del disco y conformando una 2ª mitad interesante. Estas 2 composiciones son de lo que más me gustan de la obra y se agradecen sobremanera. Se termina con una instrumental de título “In time”, al estilo de lo que el grupo ya hiciera en su anterior disco, pero en este caso con una composición de maneras misteriosas y sugerentes, algo ambient, que no queda nada mal como epílogo.En Alemania el disco tuvo una gran aceptación, e incluso “Kein zurück” funcionó relativamente bien, a pesar de no ser un single demasiado comercial. En aquellos momentos a Wolfsheim se les tenía en muy buena consideración y aunque el dúo se tomó su tiempo hasta editar nuevo material (5 años desde “Spectators”), no habían perdido la inercia del éxito y de la aceptación del público que aceptó con agrado este disco. Lo que nadie intuía es que a la larga sería el último del grupo.
Y es una pena, ya que “Casting Shadows” confirmaba la grandeza de Wolfsheim y su capacidad de dar lugar a discos muy perfectos. A “Dreaming Apes” quizás le sobraban ciertos interludios instrumentales experimentales que hacían algo agreste el camino al disco al público menos ducho en la materia, pero ya en “Spectators” el grupo dio con la justa medida. Lo que sí resulta algo sosa es la portada del disco, ¿no?
Este disco que hoy hemos revisado tiene temas realmente buenos. Quizás salvo “I won’t believe” y “This is for love”, las cuales no me emocionan particularmente, el resto de composiciones son buenas o incluso muy buenas. Puedo quedarme con muchas. Indudablemente con “Care for you”, “Find you’re gone”, “Underneath the veil” y esa pareja de temas de la parte final tan animada y movida como son “Wundervoll” y “Approaching lightspeed”. Wolfsheim sellaron su discografía con un buen último disco. Lástima que creemos que no habrá más.
Esta semana santa no habrá estreno el miércoles en nuestro horario de las 23.00h en RUAH ni una hora más tarde en &radio. Podrán escuchar repeticiones, que no sé si coincidirán en ambos casos, ni cuáles serán, ya que las elegirán los encargados de programación de cada emisora. En breve estará subido el Especial Pink Floyd que se emitió el pasado miércoles.
Llegamos con demasiada anticipación, ya que poco después de las 21.30h estábamos en la puerta de la sala y The Noises no tocarían hasta la medianoche. De casualidad nos encontramos con nuestra buena amiga Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras de camino a la sala y nos informó que el plan de la noche incluía un grupo previo a The Noises que comenzarían a las 23.00h y luego tras The Noises 3 sesiones de distintos djs.
Y la verdad es que el grupo anterior Sala And The Strange Sounds resultaron muy interesantes. Por lo general, este grupo de formación clásica, cuarteto incluyendo batería, bajista, guitarra y vocalista-guitarra, sellaron una actuación muy animada. El grupo profesa un estilo rock puro y duro, con ciertos guiños en su género al after punk. Su set list se centró lógicamente en el material que están a puntito de editar, que no es ni más ni menos que su debut. Salvo, como ellos mismos advirtieron, con el tema “Let me down”, que es en sus propias palabras lo que más se parece a una balada de su repertorio, el resto de temas fueron descargas potentes de rock muy vital y para muestra de ellos y que se lo puedan imaginar fielmente, escogieron una versión de Los Ramones para completar su set list. Buenas maneras, buena actitud y una lógica puya a ciertos sectores que nos les apoyaron, dedicándoles de forma airada el tema “Danny Boy”. En breve el grupo estará tocando en el recinto Madrid Arena y en la sala El Sol; además, en el mes de mayo sacan su disco al mercado. Interesantes Sala And The Strange Sounds, con un repertorio completamente cantado en inglés, que veremos si a lo largo de su historia se muta al castellano como a tantas bandas indies les ha sucedido (Second, Love Of Lesbian, etc.). Apuntar que el batería del grupo llevaba un casco que me recordó en parte a aquel Julián Hernández de Siniestro Total cuando igualmente se encargaba de la batería cuando Miguel Costas era el vocalista de los de Vigo.
Y tras unos pocos minutos para preparar el escenario, llegó el turno de The Noises, que desde el comienzo llamaron claramente la atención. Gran parte de la culpa la tuvo su vocalista, Fran Gómez, el cual vino completamente desmelenado y con un descarrile de adrenalina, que le sumó una intensidad a la actuación increíble; reiteramos que esa intensidad no la percibimos en el 
The Noises abrieron fuego con “Mandanga”, un tema resultón, rítmico y pegadizo, en el que fácilmente se te queda la reiteración del estribillo “quieres más, quieres más…”; no en vano, fue de los temas que reconocí que el grupo tocaron en la otra ocasión que les pude ver. No sé si ya en este primer tema el vocalista de The Noises, Fran, hizo su primera incursión en el público de la sala, para bailar algo de pogo. Las guitarras, muy del gusto del sonido Strokes de su debut (muy presente en toda la noche), nos metieron de lleno en el universo de marcha y animosidad que por lo general destila el disco de debut “Bellavista” de The Noises.
El desparpajo de Fran se notó más si cabe que en la foto superior, cuando avisó que el 2º tema sería escogido como siguiente single, para al instante mirar el setlist que tenía a sus pies y corregir que no era así, que habían cambiado el setlist y se había colado. La verdad es que no sé si “1984 (nos oyen)” la escogerán para hacer un videoclip como mínimo, pero la verdad es que el tema lo merece, ya que está muy bien y fue uno de los momentos que más me gustaron de la actuación. Lo de “nos oyen”, me recuerda vagamente en la letra al “Observándonos (satélites)” de Soda Stereo, aunque el estilo musical de los argentinos tampoco tiene mucho que ver con el de The Noises. Abajo una foto de The Noises desde un lateral detrás del escenario.
Pero el concierto no se basó únicamente en el primer y hasta la fecha único lp del grupo de título “Bellavista”, sino que The Noises tuvieron a bien ir presentando nuevas composiciones, que ni siquiera Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras, y encargada de la comunicación del grupo en esos momentos conocía, según me confesó poco antes de la actuación. Sonaron bastante bien las 3 canciones nuevas, de título “Cristal”, “Abismo” y “Caza”, gustándome especialmente la 2ª de las mencionadas, que inició una parte menos movida que alcanzaría el final del concierto para posteriormente afrontar los bises.
En esa 2ª mitad de actuación The Noises se atrevieron a fusionar a los Strokes y a los Pixies, saliendo airosos del envite y dentro de este sector menos luminoso o acelerado melódicamente destacó del repertorio propio del grupo otro gran tema de título “Equilibrios”, que sin duda es otro de los momentos más destacables de “Bellavista” desde mi punto de vista, viéndolo como lógico todos aquellos que saben de mis preferencias y gustos musicales de toda la vida. “Shake” y la novedad ya citada de “Caza” dieron lugar al final formar de actuación, tras lo que solamente cabía esperar las propinas. El vocalista de The Noises llevaba su propia corona, pero no de espinas (tal y como se pondrá de moda en unos pocos días), sino de pandereta.
Y el bis que dispusieron los Noises fue arrollador, de la mano de 2 trallazos como son “Rara avis” que se situó en primer lugar y en la que Fran se encargó de que el público hiciera correctamente los pegadizos coros que incluye el tema y luego el grupo quiso terminar en lo más alto con “La ciudad es tuya”, primer sencillo de su ópera prima. Con “La ciudad es tuya” y su melodía tan animada, luminosa, bailable y genuinamente pop, The Noises pusieron el broche final a una actuación muy buena, que solamente se vio tímidamente enturbiada por algún que otro problema de sonido ajeno al grupo, en forma de petardeo de los bafles, que por fortuna solamente se cebó con una de las canciones que sonaron.
Chuso Ruiz y Pablo de la Fuente con sus guitarras, Sergio Benavente al bajo y Oliver Ruiz desde su batería funcionaron como una máquina de rock luminoso y animado, que no tuvo fisuras. Fran Gómez como vocalista y frontman estuvo arrollador (ya lo comentamos en las redes sociales hace unos días); el cantante de The Noises no paró de animar a la sala en todo momento, de meterse en mitad del público a bailar chocándose cuál bola de pinball y de arengar a la gente para que se sumara a la fiesta.
Se notaban que The Noises jugaban en casa, ya que había mucho seguidor de la formación dentro del grupo y ello ayudó inestimablemente a que en la sala Taboo se respirara un buen ambiente. Fue una hora y unos pocos minutos lo que The Noises estuvieron en escena, pero de sobra y suficiente para llamar la atención de una forma clara y concisa, lejos de la dilución que supuso su actuación en el 
Vamos, que nos lo pasamos muy bien con The Noises y me sorprendieron en todos los sentidos. Sobre todo en el campo de la actitud en escena, ya que la música me sonó bien 
Parte de la lacra comercial del disco fue que la complicada “Raw” fuera escogida como primer single. Este tema que fusionaba soul y cierto carácter rock a partes iguales, no llegó ni a los fans antiguos del grupo ni a nueva gente. Se quedó en tierra de nadie, suponiendo un cierto toque de riesgo para el grupo, que en efecto fue tal y que les vino horrible en unos momentos en los que como ya he comentado había cierta zozobra interna entre sus componentes. “Empty spaces” es una de las joyitas ocultas de “Heart Like A Sky”. Supone otro instante de relajación e intimismo al estilo de lo que “A matter of time” nos mostró unas pistas antes, pero en esta ocasión con un giro más en la rueda de intensidad emocional, lo cual es inestimable para llegar a conformar una composición muy válida y disfrutable. “Windy town” es una canción pop que por momentos gusta y por otros momentos no. Tiene partes o pasajes buenos, pero quizás parte de su melodía flojea en otros instantes. Por lo general no está mal, pero mejor resulta el cierre del disco “A handful of dust”, que en parte toma los bríos derivados de “Crashed into love” para sellar “Heart Like A Sky” con una composición de soul y pop a partes iguales que no está nada mal y que no en vano seleccioné como música de fondo en lo que fue la 1ª temporada de “Discos, música y reflexiones” en la radio.
La sala Costello de Madrid acogió uno de los conciertos que últimamente está ofreciendo Dr. Sapo para presentar su 4º trabajo de estudio. Llegué a las inmediaciones de la sala poco antes de las 21.00h y justo en ese momento salía de la misma el líder de la banda Miguel de Lucas, con quien pude hablar un poco antes de su actuación y tras la pertinente prueba de sonido que acababan de finalizar. El mismo nos informó de la inclusión de Dr. Sapo en un proyecto del Ministerio de Cultura denominado “GPS”; no se confundan con accesorios de automóviles, ya que las siglas se refieren a “Girando Por Salas”. De esa forma, una serie de grupos seleccionados entre más de 1500 tienen acceso a un circuito de actuaciones, cobrando un caché y permitiendo de esa forma que subvencionen sus proyectos, como es en el caso de Dr. Sapo la financiación de su último videoclip.
Nos adentramos en la sala, con aspecto de gruta (me recordó mucho al local en el que Loquillo grabó el videoclip de su versión de “Ya no hay héroes” con Hugh Cornwell de The Stranglers en el 96) para situarnos de cara al inicio de concierto fijado para las 21.30h. Serían pasadas las 21.40h cuando Miguel y su formación actual, la cual solamente ha variado en el guitarrista respecto a la 
Miguel siguió fiel a su camiseta negra con el lema “Rana tu padre” impreso en la misma y ya nos advirtió que la actuación sería más bien intensa, ya que del repertorio han hecho limpia de los temas más lentos. Y en efecto así fue. Tras la intro el grupo comenzó abriendo con uno de los nuevos temas de título “Mierda”, en el que pudimos ver el gusto de De Lucas por Extremoduro con claras influencias de los de Robe y también un puntito de Kiko Veneno. Lo de representar el título de este tema se vio en el boñigo de broma que a modo de pisapapeles sujetaba el set list que al pie tenía el propio Miguel.
Respecto a lo de la intensidad del set list, es cierto que así fue y quizás uno de los momentos más sentimentales y lentos que tuvieron hueco en la selección de canciones con las que nos deleitó Dr. Sapo el pasado miércoles fue “Mundo mágico” de su anterior disco “
Pero para no caer en el terreno que según Miguel el grupo no estaba interesado en abundar en la actuación, justo después se presentó la canción compañera de disco de “Mundo mágico” “Tarzán ha vuelto”, que como ya sabrán es uno de los temas más cachondos y desenfadados de la discografía del grupo. En consecuencia fue de los momentos más divertidos de la actuación, con Miguel desaforado con ese instrumento de viento chirigotero en ciertos compases; recuerden que en “
En los repertorios de Dr. Sapo ya se aprecian clásicos del grupo y eso es consecuencia lógica de una trayectoria musical que ya lleva un tiempo razonable en marcha. Fue interesante ver, relacionado con este aspecto, como el grupo dispuso tocar seguidas “Luna de menta”, recuperada para su último disco “Balas De Plastilina”, y “Perdí las alas”, siendo de los momentos que mejor recibió la gente.
Con intensidad se dispuso “Deja que duerma” y hubo momentos muy animados y divertidos como “Rogelio el caracol”, la cual apareció en los primeros compases del show. En los bises, hubo lugar para hacer una dedicatoria a uno de los componentes del grupo en ciertos momentos como es Fernando Vasco, el cual acudió al concierto y a instancias del propio Miguel subió al escenario para marcarse esos bailes flamencos al son de “Territorio apache” (compruébenlo en la foto situada debajo de este párrafo), de la que se encargó solito de hacer Miguel en acústico en escena.
Hubo espacio para que en la parte final del concierto, antes de los bises, Miguel se bajara los pantalones (lo podrán ver en la siguiente fotografía) y siguiera sumando animosidad y divertimento a una noche muy entretenida. Y es cierto que quizás la cercanía de la sala propició que el grupo estuviera como sapo en la charca (no vamos a decir lo de pez en el agua, ya que lo otro viene al pelo) y eso se pudo apreciar en la actitud del grupo y en especial de Miguel, que se desgañitó en varios momentos y muchas partes de ciertas canciones las afrontó al micrófono bastante desaforado y enérgico.
Por la actuación y por lo que pudimos hablar con Miguel antes de la actuación, se nota y se ve que Dr. Sapo está en un buen momento. Con disco nuevo bajo el brazo y con una gira que está funcionando bien y con el sobreseguro de lo ya explicado del programa GPS, Dr. Sapo ha tenido un buen comienzo de 2012. Sus conciertos siguen siendo sinónimo de buen ánimo, ritmo, diversión y todo ello se debe en gran parte a la inestimable actitud y buen rollo que el propio Miguel de Lucas transfiere desde el escenario; prueba de ello fue el ejercicio de salto que representó 2 veces en el escenario al final del núcleo principal del set list y en el cierre definitivo de la actuación tras los bises; la imagen de abajo da fe de ello.
En definitiva, fue una buena noche, que finalizó definitivamente con la siempre efectiva “Al tran tran”, en la que nos lo pasamos muy bien de la mano de Dr. Sapo y su animoso repertorio. Finalizo agradeciendo al propio Miguel de Lucas que nos tuviera en cuenta para dar cuenta de su actuación, cosa que hacemos con este post y encantados de que así haya sido.
“Death of a party” nos devuelve a Damon, en una composición en el que los teclados vuelven a recordarnos a épocas pasadas, con una base casi más propia del trip hop de aquellos días que de otro género musical. “Chinese bombs” apuesta por el sector agresivo y rockero del disco. Un tema bastante punk, visto en su rabia, la forma de cantar a modo de escupitajo vocal de Damon y su corta duración. “I’m just a killer for your love” se muestra sucia, rockera y reiterativa en su mensaje, mostrando a los Blur más cercanos al rock independiente; de hecho, en esta pieza nos podemos encontrar ciertos adelantos sonoros o de estilo de uno de los siguientes proyectos musicales de Albarn, Gorillaz. Luego nos llega “Look inside America”, que en sus primeros compases nos puede traer recuerdos lejanos de la gloriosa “End of a century”. Aquí se oye a Damon cantando sin retorcimientos de producción y sin él forzándose a sonar distinto. Se oye su tono habitual y da lugar a una canción agradable y reminiscente de los Blur de siempre, que por otro lado poco tiene que ver en el conjunto tan arriesgado de canciones que como comprobarán nos estamos encontrando en este 5º disco de estudio de la banda. La siguiente composición, antepenúltima de las 14 que forman parte del disco, suena interesante. “Strange news from another star”, cuenta nuevamente con Damon en formato sonoro reconocible en una composición lenta, reflexiva y a ratos bonita en sus formas, como por ejemplo a mi me lo parece en su estribillo. “Movin’ on” muestra un carácter más acorde con el disco, siendo sucia en producción, con cierto vigor en su melodía y con Damon otra vez modificado en el sonido de su voz tradicional. No obstante, algunos de los últimos episodios sonoros, aunque muy buenos, desvirtúan el mensaje de la obra, ya que lo inquietante predomina y por ello “Essex dogs” supone un cierre de obra apropiado visto lo visto. Larga, subterránea, nocturna, complicada, inquietante, de base rítmica trabada y que a su vez incluye un track oculto instrumental de carácter hipnótico y experimental.
Damos la vuelta la cinta en la pletina y le doy al play tras avanzar el tiempo restante en blanco que sobraba en los 45 minutos de cinta de la cara “a” (y es que me encargué en su día de hacer mi copia lo más real posible respecto a la original que me prestaron para copiármela). Resulta curiosa y atractiva “Fade in out”, la cual resulta algo experimental e hipnótica, además de ser bastante aguerrida en sus formas instrumentales. Otra balada que sigue la estela de “Stand by me” fue el 4º single de la obra “Don’t go away”. Aquí Liam se pone realmente romántico cantando las letras escritas por su hermano Noel, y si no escuchen el estribillo: “Por lo que no te vayas, di lo que sea, di que estarás por siempre en la lluvia en mi vida, porque necesito más tiempo, sí necesito más tiempo para hacer las cosas bien”. Me gusta bastante el sector baladístico de “Be Here Now”, aunque “Stand by me” me agrada quizás un poquito más que “Don’t go away”, la cual también contó con arreglos clásicos en su mezcla. Fuera de tono resulta la canción título, con esos sonidos tan rimbombantes y chocantes, abundando en el lado más pop del disco, a lo que vendrá a sumarse también el fallido 3er. single “All around the world”, la cual resulta pesada principalmente porque se pasó de duración; quizás esta “All around the world” en una versión algo más acortada hubiera resultado más digerible y amable. Un buen cierre supone la animada, llevadera y rockera “It’s gettin’ better (man!!)”. Siendo generoso le puedo llegar hasta la vitola de joya oculta personal y como estoy animado así la consideraré, principalmente porque es un buen capítulo final que te deja un buen sabor de boca, más allá del epílogo cansino de la versión reprise de “All around the world”; se ve que se quedaron con ganas de más “All around the world”, en un intento catastrófico de intentar conferirle a esta canción una sensación de clásico por estos favores que no viene a qué y que en todo caso me supone el momento más anodino y que menos me gusta del que fuera 3er. trabajo de estudio de los famosos hermanos de Manchester. Se termina la obra con unos pasos andando y cerrando una puerta.
“One more kiss, dear” sirve como interludio porque tras la misma llega otro de los grandes momentos. Es la composición perfecta para ambientar el cine negro que en cierto modo también desprende “Blade Runner”. En el blues de “Blade Runner”, esos sintetizadores desolados, lejanos, vagos y lánguidos, casi reflexivos, sirven para ilustrar la soledad y sordidez del policía que es Deckard y ambienta ese momento duro que sufre cuando retira a la replicante Zhora; acompaña a una de las escenas más bellas y mejor rodadas desde el punto de vista formal de la película. Ver como Zhora recibe los disparos en esa huída desesperada después de que Deckard la visitara a su camerino en el show de stripper en el que trabaja, y comprobar como va rompiendo los cristales de una galería de tiendas de ropa, en mitad de la nieve y a cámara lenta, es un prodigio y algo digno de enseñar en cualquier escuela de cine, que lleva la marca de Ridley Scott, el cual se anotó más que un tanto filmando esta excelsa escena. “Memories of green” es una delicada composición de piano, bastante bonita y emotiva, que sirve para ilustrar esos momentos de la película en los que Rachel analiza sus recuerdos para comprobar si de verdad son injertos artificiales implantados en su mente por Tyrell (quizás recuerdos propios de la sobrina de éste según Deckard) o son experiencias reales. Resulta realmente triste ver esa foto en blanco y negro en la que se ve a la supuesta Rachel de niña, con una madre que nunca tuvo; desgarrador y realmente emocionante. “Tales of the future” cuenta con una sorprendente voz de Demis Roussos y sirve para ambientar esa atmósfera noctura y las calles sombrías que forman parte del universo de la película. Realmente inquietante y sorprendente. “Damask rose” continúa por la senda de lo exótico y misterioso y quizás sea el momento menos memorable de los 12, ya que a continuación se presenta el tema tan contundente y rotundo que se compuso para los títulos finales, y que a la larga ha sido el tema que más ha permanecido en la memoria colectiva, sobre todo porque fue sintonía de un programa de televisión durante mucho tiempo. Es un tema siniestro, oscuro, agresivo y que impide que te relajes incluso en los títulos finales (más efectista si cabe si ves el final primero, en el que no hay apéndice romántico con imágenes que se tomaron prestadas de descartes de “El Resplandor”). Es curioso que en este conjunto editado en 1994 se sitúe al final “Tears in rain”, con ese monólogo para la historia del replicante Roy Batty al final del film, en el que te planteas quién era el bueno y quién era el malo en la película. Realmente el comportamiento agresivo y atroz de los replicantes deriva de su indignación por no poder vivir más y estar programados con fecha de caducidad. La muerte de Roy Batty, tras salvar a Deckard de caer al abismo, soltando al momento esa paloma con las nubes disipándose y con el único cielo azul, aunque sea oscuro, que vemos en la película (con la simbología de que la paloma volando se lleva su supuesta alma) y con ese speech que no me resisto a transcribir: “yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión, he visto rayos-c brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos… Momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”, es por derecho uno de los momentos inolvidables de la historia del celuloide. La música es delicada, cristalina y preciosa y acompaña inestimablemente a uno de los grandes momentos, no solo de la película, sino de la historia del cine. Uno está acostumbrado al doblaje en español y he de decir que quizás la voz de Rutger Hauer en la versión original es algo aguda; por tanto, al actor de doblaje español que lo realizó, estimo darle un 11 sobre 10 por tan magnífico papel a la hora de adaptar la interpretación al castellano.