Retomamos hoy el pulso a la actividad normal del blog, con la publicación semanal el sábado por la mañana. Continuamos rescatando grupos que ya pasaron hace mucho tiempo por el blog, y en esta ocasión, creo recordar que fue en unas fechas muy parecidas a cuando lo hicieron por primera vez nuestros invitados de la pasada semana Queen. Igualmente, el grupo que hoy nos ocupa, como sucedía con la formación liderada por Freddie Mercury, están considerados como uno de los gigantes de la historia de la música moderna. Esta semana retornamos a la discografía de The Police para rescatar su 2º disco de estudio, editado en 1979, “Reggatta De Blanc”.Tras su notable debut discográfico de la mano del álbum “Outlandos D’Amour” de 1978, el grupo se había perfilado como una rara ave dentro del fenómeno punk que por aquellos días arrasaba el Reino Unido y la actualidad musical mundial. Y es que The Police, aún partiendo de los ritmos básicos y acelerados del punk, se notaban que incluían ciertos elementos que les diferenciaban de los grupos más extremos de esta vertiente. Y ahí estuvo el triunfo de Sting, Andy Summers y Stewart Copeland: en incluir matices de géneros como el reggae en sus canciones. Véase por ejemplo “Roxanne”, que en su relanzamiento como single llegó al 2º puesto de las listas de sencillos más vendidos. Gracias a este clásico y la rítmica “So lonely”, el primer disco de The Police fue un importante éxito y situó a la banda como uno de los grupos a tener en cuenta a partir de entonces.
Además, el personaje de Sting se iría haciendo grande por su cuenta, como por ejemplo cuando participó en la película “Quadrophenia”, interpretando al líder de los mods. Con estos antecedentes y buenas maneras demostradas en la carta de presentación discográfica del grupo, es normal que las expectativas ante el siguiente trabajo de la formación fueran muy altas. Y para nada se verían decepcionadas, ya que “Reggatta De Blanc” es un disco maravilloso, que a la par de incluir temas míticos dentro de la historia de The Police, incluye una generosa cantidad de joyas ocultas a las que también hay que prestar atención. Sin más dilación pulsemos play y comencemos a escuchar la obra.
Los retazos del punk se puede ver en el vigor y energía de la línea de guitarra a cargo de Andy Summers que apertura “Message in a bottle”. Esta canción que habla nuevamente de la soledad (tema ya tratado en “So lonely”, de forma más evidente en su título), igualmente supuso un número 1 en los charts británicos. El carácter oscuro y rabioso a la par que tiene este tema, le convierte en los mejores ejemplos de rock puro que tiene The Police en su discografía. El videoclip, con Sting ataviado con una chirriante pajarita, con la banda tocando dispuesta en los camerinos y con Copeland haciendo a ratos el chorra, sin ser nada especial, no deja de ser un ejemplo claro de los primeros experimentos audiovisuales de The Police, en los que también se incluían fragmentos de sus actuaciones en directo. Después de este clásico de inicio llegamos a la canción título, que es una curiosa instrumental, muy rítmica y dinámica, que solamente incluye algunos coros por parte de los componentes del grupo. No sé por qué, pero cada vez me agrada más escuchar esta pequeña composición. Se aprecia un cierto giro sonoro o evolución respecto a “Outlandos D’Amour”, pero también hay ejemplos que hubieran cuadrado perfectamente en el disco de debut. “It’s alright for you”, tiene la sencillez lírica de estribillo tan característica de temas como “Truth hits everybody” de su predecesor, a la par que una melodía enérgica y acelerada. No obstante, acto seguido nos damos con la primera joya oculta del disco. “Bring on the night” tiene un ritmo latente de las notas de guitarra y del bajo de Sting que son una tremenda delicia. Es una mezcla de soul y reggae fabulosa, que durante ciertos atardeceres de la primavera de 2002 (época en la que me hice con el disco), me reportó varios momentos de plena satisfacción. La letra tampoco es que sea nada del otro jueves, ya que Sting simplemente nos dice “que venga la noche, no puedo soportar otra hora de luz solar”, pero la confección instrumental es un triunfo como una catedral. Hay partes completamente instrumentales de desarrollo sonoro que son fabulosas. Lo dicho: una joya oculta a la que hay que prestar especial atención; no en vano, Sting la rescataría posteriormente en su carrera en solitario años más tarde (como diría Florentino Fernández en una ocasión refiriéndose a Sting imitando al periodista del corazón Mariñas, Sting está hecho un buen perraco). “Deathwish” vuelve a ser otro corte más cercano a los inicios de la formación, que palidece enormemente frente a otro gran clásico de la banda que se abre paso después.
Llega la colosal “Walking on the moon”. Un ejemplo clarísimo de conjunción pop y reggae, con Sting alcanzando un registro brutalmente agudo al micrófono, y con un lucimiento a la par en su melodía del bajo. No obstante, aquí los acordes perdidos que suelta Andy Summers a la guitarra en las partes instrumentales, son pequeñas maravillas para nuestros oídos. Otro nº 1 en los charts para el trío, y quizás uno de los momentos más clásicos visuales de la banda, con el clip grabado en Cabo Cañaveral en las instalaciones de la NASA, con los componentes tocando entre transbordadores espaciales y las pistas de aterrizaje. Resulta hilarante ver a Stewart Copeland tocando con sus baquetas en los reactores de las aeronaves. De las favoritas de los fans del grupo y de aquellos que van más allá de “Every breath you take”, “So lonely” y “Roxanne” y se meten más a fondo en el grupo. “On any other day” no deja de ser un tema de transición hacia otra joya oculta llamada “The bed’s too big without you”, y más aún tras estar situada a la sombra de “Walking on the moon”. La citada “The bed’s too big without you” es junto a “Bring on the night” la otra verdadera piedra preciosa que se encuentra dentro de la mina de “Reggatta De Blanc”, una vez que te adentras en ella con pico y pala. Es más sombría en su melodía que “Bring on the night”, y creo que nos encontramos otra vez ante una pieza en la que el bajo de Sting es claro protagonista. Esta clase de temas, además de ser realmente buenos, tienen su importancia en que marcan el punto de evolución del sonido de The Police respecto a su anterior disco, ya que por ejemplo 2 de las 3 últimas canciones que nos quedan como son “Contact” y “No time this time”, aparte de su ritmo no aportan nada nuevo a lo que estos muchachos nos habían mostrado en su álbum de debut. La penúltima “Does everyone stare?” sirve para aportar algo de variedad al sonido, al ser una pieza de cadencia más pausada, pero aquí no nos encontramos ante un triunfo como con “Bring on the night” o “The bed’s too big without you”. Y para terminar, pues quizás curiosamente “No time this time” es la que más gracia me hace de todas las canciones que tienen una factura parecida a la del sonido genérico de “Outlandos D’Amour”, con lo que lo considero un buen cierre al disco.The Police cumplieron sobradamente con las expectativas generadas ante su 2ª entrega. “Reggatta De Blanc” fue número 1 en las listas de los discos más vendidos del Reino Unido y en otros países e individualmente 2 de las canciones extraídas como sencillo hicieron lo mismo en sus categorías. De esta forma el trío se confirmaba como uno de los grandes grupos emergentes, tomando la delantera a otro trío británico liderado por una joven promesa llamada Paul Weller que se llamaban The Jam.
La popularidad del grupo aumentó gracias al carisma de Sting, que como ya hemos mencionado al inicio, se hizo más notable ante la sociedad debido a su participación en el gran film promovido por The Who “Quadrophenia”. A comienzos de la década de los 80, The Police eran el grupo del momento y de hecho la banda no se amilanó a la hora de dejar velado el título de su siguiente disco un mensaje encriptado que venía a decir: tres hombres rubios dominan el mundo. Razón, aparte de cierta soberbia, no les faltaba.
“Reggatta De Blanc” tiene su importancia en que confirmó que el mundo se encontraba ante una banda fenomenal y ante 3 músicos excelentes, capaces de dar forma a canciones tremendas, a pesar de las brutales y violentas diferencias que existían entre ellos. Es un disco que demuestra una evolución en su sonido, y que ya desde lo que sería el significado de su título lo evidencia, algo así como “Reggae De Blancos” (y no “regate de Laurent Blanc”, actual seleccionador francés de fútbol y exjugador del Barça, que un amigo y yo siempre hemos utilizado como coña). La portada repite foto en tonos azul oscuro de la formación de The Police, pero lo más gracioso es quizás la contraportada en la que se ve una foto de las coronillas rubias de los 3 miembros de la banda.
En definitiva, la propuesta de esta semana es un grandísimo disco, que a partes iguales les regalará ritmo y contundencia, y por otro lado experimentalismo y momentos musicales más sensuales y relajantes. Además, desde el lanzamiento de este disco y hasta que la banda se separó al final de la gira de “Synchronicity”, por muchos fueron considerados el grupo musical más grande a nivel mundial de ese periodo.
Hoy les dejo como regalito una foto de The Police en su inestimable gira de reunión de hace un par de años, cuando les vi tocar en directo en Rock In Rio en Arganda del Rey. Los más antiguos seguidores recordarán el post del concierto que escribí en su día, pero en aquellos días en los que el blog daba sus primeros pasos, todavía no subía imágenes en los artículos, con lo que dicho post se quedó como un ingente texto sin una sola imagen del evento; solo en una pequeñísima parte, espero compensarles con este ejemplo que les dejo a continuación.
Igualmente, termino recordando que “Discos, música y reflexiones” está inmerso en la V Edición de los Premios 20Blogs 2010, y que ahora mismo está abierto el plazo de votaciones. Vamos situados en 4ª posición en la Categoría de Mejor blog de Música y la cosa esta difícil; de hecho en las últimas horas, de forma sorprendente, se ha complicado no solo el alcanzar al 2º y 1er. clasificado, sino que hemos perdido la 3ª posición que ostentábamos de forma tranquila desde hace varias semanas. Por ello, a todos aquellos usuarios que participen en el concurso y que les guste el blog, decirles que serán bien recibidos sus votos y muy agradecidos por nuestra parte. No obstante, creemos que el 6º puesto de la pasada edición sí que lo superaremos, con lo que igualmente tenemos que estar contentos por el papel que estamos realizando. Finalizo dando las gracias de forma muy sincera a los participantes que hasta la fecha nos han otorgado su voto. 
Afrontamos la cara “b” del vinilo o la 2ª parte de la obra, en la que el tema circundará sobre lo aprovechado para la banda sonora de “Los Inmortales”. Esto se ve de forma evidente en la épica y emocionante “Who wants to live forever”, que igualmente se anotó un solemne videoclip con las famosas velas y el grupo tocando en plan orquestal. El tono épico y desgarrado de Mercury al micrófono en la parte del estribillo y los perfectos coros, simplemente ponen el pelo de punta. Es curioso que esta canción en particular, y en general la implicación de Queen en el film “Los Inmortales”, se diera en unos días en los que quizás Freddie descubriera su enfermedad a la postre mortal, sabiendo que él se marcharía antes de tiempo. Esta pregunta de este título, al estilo de lo que sería “¿quién quiere vivir para siempre?”, parece que Freddie quisiera quitar hierro al hecho de que con 41 años nos abandonara. Si le damos este enfoque, el tema se impregna de un halo muy especial. No lo sé a ciencia cierta, pero ya saben que las “reflexiones” es parte de este humilde blog, tal como se indica en el título. Lo que pasa es que la autoría del tema es del guitarrista Brian May, con lo que esa hipótesis pierde fuerza, a no ser que May supiera de lo que le sucediera a Freddie. La mayor intensidad rockera vivida hasta ahora en el disco estaba en la inicial “One vision”. No obstante, ahora “Gimme the prize” va a dejarla a la altura del betún, debido a sus afiladas guitarras y la rabia desaforada de Mercury al cantar. Mi favorita del disco, sobre todo por su latente melodía, perfectamente aderezada de elementos electrónicos, es “Don’t lose your head”. Quizás la mejor composición de Taylor, o al menos la más arriesgada e innovadora. Los Queen habían mezclado electrónica y rock de forma controvertida para sus fans, pero esta oscura pieza, con un halo de hipnosis en su melodía a ratos, es una joya oculta dentro de “A Kind Of Magic”. Se trata igualmente de otro tema que aparece en mitad del film “Los Inmortales”. Y para finalizar, Queen abunda en su linaje dedicando la última pieza del disco a “Los príncipes del Universo”. Un tema que tiene unos cambios de ritmo muy interesantes en su melodía, ya que a ratos es lenta y rotunda y en otros momentos es vertiginosa y acelerada. El videoclip, con Christopher Lambert apareciendo puntualmente en el mismo, es sensacional y de una épica brutal. No sé si el orden de canciones es el correcto. En mi opinión hubiera alterado la colocación de “Who wants to live forever” y el de esta pieza, para aportarle un final más grande a este buen disco de Queen.
Seguimos subiendo la intensidad rítmica de la mano de “La torre”. Llama la atención el mayor componente electrónico en esta pista con una cadencia endiablada a ratos. También el registro vocal de Battiato, por momentos engravecido por la producción, nos deja fuera de juego. En todo caso es una pieza interesante que viene a demostrar que Franco Battiato, a pesar de no estar ya jugando en la liga de la experimentación musical, no la perdió de vista definitivamente. “New frontiers” se vale nuevamente de los elementos corales cercanos a los coros de ejércitos que Franco ya utilizó en el disco predecesor “La Voce Del Padrone”. Esta penúltima canción es un notable ejercicio que fusiona correctamente la música moderna y electrónica con aspectos clásicos. Llegado el final, alcanzamos el plato fuerte. Mejor cierre imposible de la mano de “Voglio vederte danzare”. Estamos ante una toma menos electrónica y más lenta que la posterior versión en español. ¿Qué podemos decir de esta canción? Es sin lugar a duda el tema con el que Franco Battiato es recordado más allá de las fronteras italianas. Le hizo popular a nivel internacional, gracias a plasmar un texto en el que Franco homenajea a distintas formas de bailes y danzas, todo ello dispuesto sobre una línea inquietante de sintetizador y con unas notas de teclado de claro regusto oriental (influencia decisiva en Battiato todo lo referente a la cultura árabe), que se adorna de ciertas notas de corte más clásico, como elementos de cuerda. El videoclip, con Franco departiendo con un grupo de nómadas del desierto en un oasis alrededor de una hoguera es un momento clásico dentro del universo Battiato. De hecho ese diálogo que tiene con el jefe del grupo al principio del videoclip, en el que Franco afirma que lo que ha ido a hacer allí es “a formar la latinización del la lengua árabe”, me hace temer por su integridad si se diera el caso de que el buen jefe sea de corte integrista islámico; contra todo pronóstico, y como cual gordo de la mancomunidad que recibe a un técnico reparador de depuradoras de piscinas para solucionar una avería (esta coña marinera solo la entiendo yo y algunos cercanos a mi entorno), le da las gracias de forma aliviada. En fin. También hay imágenes de Franco bailando en su peculiar estilo arrítmico, atropellado y robótico en un patio. Estupendo final de disco con un clásico de la música de todos los tiempos. No voy a mencionar las versiones estúpidas de broma que se han hecho por ahí del tema, ya que no viene a cuento.
Llegados al ecuador del disco, ahora afrontaremos una 2ª mitad que quita el hipo. En su concepción de la época como disco de vinilo, con cara “a” y cara “b”, me asusta ver la calidad tan alta conseguida en este caso en la cara “b”. Tendría que analizar la época, pero que creo que dentro de la música española no hay un lp en los años 80 con una cara “b” con un nivel de exigencia tan alto (ni siquiera en discos de Mecano o Alaska Y Dinarama, pero bueno, para gustos los colores). Empezamos con quizás el 3er. tema en discordia de la historia de Casal, tras “Eloise” y “Embrujada”. Nos encontramos con “Pánico en el Edén”, que ya desde su inicio con esos acordes rasgados de guitarra eléctrica sobre la base inquietante de sintetizador, sobre los que los coros de Tino se elevan majestuosamente, muestra su potencial. La letra versa sobre distintas concepciones del amor dentro de una relación de pareja (¿Quizás tuviera algo que ver con la relación de Tino con su novia Pepa? Lo desconozco, pero pudiera ser). Digamos que Tino en 1ª persona aboga por la fidelidad “yo te quiero solo, solo para mí. Tú y yo, solos tú y yo, tómatelo como estímulo”. El ritmo endiablado de esta canción, que acertadamente en versión instrumental fue banda sonora de La Vuelta Ciclista A España de aquel 1984, y los coros de Tino del inicio, que se repiten en las partes instrumentales, dan lugar a un temazo, que quizás está injustamente olvidado a día de hoy dentro de la memoria colectiva de la sociedad española; en este apartado quizás no pasó el corte que sí superaron “Eloise” y “Embrujada”. Tras este frenesí de pop electrónico, llegamos a la preciosidad que nos va a suponer la canción “Mañana”. Un tema que según palabras de Julián Ruiz supuso un disparate de costes de grabación. Esta canción dispone de una electrónica de gran mesura, en la que destaca el aspecto ambiental de la misma, más que el marchoso. Los matices de sonidos orientales le confieren igualmente una elegancia y un toque exótico interesantes. En “Mañana”, más allá de la preciosa y relajante melodía que tiene, hay que prestar atención a la preciosa letra. Aquí Tino sí que da lugar a una preciosa historia, con versos realmente bellos… podría citar tantos. Esta canción sería uno de los ejemplos en los que les dejaría aquí la letra íntegra, pues no tiene desperdicio. Además, dentro de la letra se puede atisbar uno de los aspectos siempre destacados de Tino, que era aquello que se comentaba de que era un adelantado a su tiempo y un visionario; se demuestra en visiones particulares plasmados en fragmentos de la letra como “cuando la duda sea un error, cuando consultes a tu ordenador” (anticipando el fenómeno internet) o “cuando tu archivo de diskettes te hable de guerras que no puedes ver” (el terrorismo del siglo XXI). No me pregunten el por qué (casi parafraseando cierto pasaje de la canción), pero esta canción me evoca a un supuesto documental con imágenes de Tino y voz en off con un repaso global a su vida, en el que la vería insertada en la parte en la que se pusieran imágenes del coche accidentando y se hablara de la muerte de Tino. Al imaginármelo y estar escuchando justo en estos momentos el pasaje en el que Tino dice precisamente “no me preguntes el por qué, son tantos años, aún no sé, pero tú debes de seguir hasta mañana”, se me eriza el vello de los brazos mientras escribo. Parece el epitafio perfecto y el legado increíble, que finalmente se adjudicaría “Destino casual” de “1990. Histeria”, pero por desgracia casi lo llegó a ser por lo que sufriría Tino en cuestiones de salud unos meses después. Alternaremos ritmo y electrónica con sentimiento en esta 2ª mitad. Por tanto ahora toca moverse. “Bailar hasta morir” es de los temas preferidos por la gente que se adentra un poco más a fondo en el “universo Casal”, al acceder a algún recopilatorio. Ya desde el inicio, la canción llama la atención por su misteriosa y sinuosa melodía, tan grave y solemne, que incluye algunos punteos de guitarra sublimes. La electrónica, la base rítmica, los estupendos acordes de guitarra y esos coros agudos repetidos “oiaei”, se engarzan de una forma excepcional en toda la canción creando una pista que cumple perfectamente con la proclama que lleva en su título. La letra tiene alguna clara referencia de Tino a su vida y su lucha por llegar a triunfar: “tú, sin más, te crees que a mi me lo han montado. No es así; sudores me ha costado…”. Lo que no sabía Tino es que al poco tiempo tendría que sudar mucho más para volver a salir adelante. Se grabó un videoclip promocional estrenado en “La Bola De Cristal”, grabado a medias entre la casa de Tino en el Paseo del Rey y la entrada/hall/rellano de ascensores del hotel Plaza, en el que destaca ese bucle de entrada por la puerta giratoria del hotel de 4 repeticiones en su inicio. El estilismo de Casal alcanza el mayor barroquismo de toda su historia previa y posterior. Esa mezcla de modernidad, y rasgos orientales en su vestimenta (también a tono con esos matices sonoros de “Mañana” y la presente canción), sumado a las extensiones rastas capilares y sobre todo esos puntiagudos zapatos negros, no dejan indiferente a nadie. Es una excelente canción esta “Bailar hasta morir” y en parte una proclama que cumplió Tino en su vida, puesto que cuando falleció venía de pasar una noche de fiesta en compañía de sus amigos, en la que supongo que bailaría sin parar. La cara “b” de lo que sería el vinilo de “Hielo Rojo”, como ya les he dicho, es una pasada. Desde “Pánico en el Edén” hasta el cierre, las 4 canciones son ejemplos de alto valor sonoro. Y la mayor melancolía se presenta al final, algo en parte a como pasó con “Un minuto más” en “Etiqueta Negra”. “Miel en la nevera” es una canción que muchas veces puede causar una brutal angustia existencial escuchándola si te encuentras en horas bajas. La letra es de una belleza plástica sublime, aunque siendo a la par muy sencilla. Tino nos dibuja retazos de la soledad en su casa, cuando tras una noche de excesos “he bebido más de lo que aguanto, igual que ayer…”, llega a casa y se encuentra ante la soledad y el hecho de ver que su amor no está ya; desconozco si a estas alturas ya se había producido la ruptura sentimental con su novia Pepa, o es que simplemente empezaron las intermitencias de relación que a la larga desembocaron en la ruptura definitiva, puesto que en la posterior etapa de convalecencia, en algunos medios se afirmaba que Pepa Ojanguren estaba presente en el hospital acompañando a Tino. No en vano, en este aspecto, somos muchos los que pensamos que quizás Tino enfocaba la canción desde esa óptica personal y esa posible ruptura sentimental. En todo caso, esas frases como “siento frío y miedo en los pasillos, pues tú no estás” o “el desorden invade nuestra habitación, las montañas de discos son mi salvación”, sumadas a la proclama del estribillo “sin amor, prefiero estar sin un amor”, dispuestas sobre tan intensa y melancólica melodía, crean una canción acongojante y que de forma muy inteligente se dispone al final del disco. Cuando el silencio se apodera de tu entorno cuando ha terminado esta canción y en consecuencia la escucha del disco, te quedas petrificado y absorto.
“Two roads” comienza con una interesante y rítmica intro, con unos acertados acordes de guitarra, que a la larga dan paso a una luminosa y animada canción, en la que Chris medita sobre los diferentes caminos que el destino marca para 2 personas que por casualidad se conocen y coinciden en un puntual affaire. Destaca sobremanera la guitarra tan saltarina de Chris en esta pista. De lo movidito pasamos al extremo opuesto en otra pieza íntima titulada “Light of hope”, con una lenta cadencia de un sonido casi acústico. Después llegamos a “Auf immer und ewig”, una composición de sonido más electrónico y oscuro de lo más interesante, que forma parte de la banda sonora de una película del mismo título que desconozco, y que está compuesta en inglés con el único matiz en alemán de su título y la inserción del mismo en partes de la canción (de hecho Chris a ratos parece más bien alemán que británico por su aspecto). Los acordes de la guitarra al comienzo, dispuestos sobre la base sintética del principio es una auténtica maravilla, que por fortuna se repite cíclicamente a lo largo del corte. Abandonamos el cierto oscurantismo y mayor épica de “Auf immer und ewig”, para afrontar una canción de textura amable. “Freeway” nos abre el camino del final del disco, y aunque es una pieza agradable, no viene a aportar nada nuevo que Chris no nos haya mostrado ya a lo largo de las 11 canciones que ya llevamos de disco. En este aspecto, puede estar cercana a “Giverny”, o al menos así me lo parece. “Bless them all” es un tema instrumental, cortito de duración, de transición al final del disco. El cierre lo aporta “Crack that mould”, que tiene una inyección de ritmo contra todo pronóstico. Podríamos esperarnos que Chris nos quisiera dejar relajados con un tema de sonidos y matices suaves, pero aquí afrontamos una canción con una animada base rítmica y unas marcadas notas de piano que nos hacen movernos bastante en comparación con el resto de canciones que figuran en la 2ª mitad del disco tras “It’s all gone”. No está mal la canción, pero yo desde mi punto de vista hubiera rubricado el disco de otra forma.
Se da paso ahora a la oscura “Ugly in the morning” que destaca por las labores de producción que confieren a Mike Patton un brutal eco en su voz en el inicio de la canción. El estribillo vuelve a permitir a Mike desmelenarse y gritar como un poseso. Al hablar de “Cuckoo for caca” decía que era quizás el momento más bestia del disco (sin olvidar pasajes de la anterior “Ugly in the morning” u otras piezas)… Me olvidaba de la invitada a la escucha que viene ahora; “Digging the grave” es otro ejemplo de metal intenso y agresivo que asusta, en ciertos pasajes. Creo que con el título ya sacarán en conclusión de qué va y cómo sonará si es que ahora no están escuchando el disco a medida que leen esta crónica. Se cambia de estilo en la siguiente canción. Llegamos a “Take this bottle”, con su sonido amable, en el que Mike canta con aires de perdedor un tema de corte más clásico, siendo de los momentos más accesibles del disco. Destaca principalmente la melodía de piano que aparece de vez en cuando a lo largo de la canción. La, en parte, canción título “King for a day” se sitúa seguido a “Take this bottle”. Ésta es la composición más larga en duración de la obra, y ciertamente es bastante interesante, ya que alterna el misterio y sigilo de las partes prosaicas con cierto tono épico en los estribillos. “What a day” es una de esas piezas también influenciadas por otros estilos que entraban dentro del entramado metalero de Faith No More; se aprecian ciertos matices de hip hop. Esta pieza es otro ejemplo de oscuridad y contundencia gracias a las vigorosas cuerdas de los instrumentos que la componen. “The Last to know” tiene un ritmo más lento y a ratos algo épico, que muestra uno de los ejemplos más interesantes de la 2ª mitad del disco y quizás de la obra en general. Es una estupenda composición llena de emoción e intensidad metalera, pero sin necesidad de volverse visceral. El final llega de la mano de “Just a man”, un momento de lucimiento vocal para Patton, para poner la rúbrica perfecta y elegante a este disco que alterna a partes iguales ejemplos de canciones de heavy o rock metalero y piezas de otros estilos menos contundentes. Con muchos amigos de instituto, hará más de una década, charlábamos sobre Faith No More, pues había un sector importante del grupo que los admiraba, y normalmente siempre mencionábamos la perfección vocal de Patton. “Just a man” es un ejemplo de ello.
Después de este despiporre (en el buen sentido de la expresión) jazzy, se pasa a un tema de corte acústico titulado “Loco por mi”, de apenas 2 minutos y muy sentida. Un paso importante para la percepción social de Nena Daconte fue que se hicieran cargo de la sintonía de la Vuelta Ciclista a España de 2007 con el temazo pop “En qué estrella estará”. Trampolín para muchos y elemento revitalizador para otros, este evento regaló a Nena Daconte un gran apoyo mediático en forma de uno de sus mejores temas pop de su trayectoria. Esta canción es un tema que te engancha desde los primeros acordes acústicos de guitarra de Kim y que sigue cuando entra Mai al micro de forma muy seductora. Igualmente la fuerza instrumental del estribillo y la intensidad de Mai en dicho momento es excelente. Además dispuso de un clip en el que aparecen Mai, Kim y sus músicos habituales de su directo tocando en una habitación marrón, con no mucha luz, en el que Mai se muestra bastante sensual, a la par que elegante, pero sencilla, con un vestido corto ajustado oscuro, y con medias, pero sin zapatos, haciendo una especie de guiño al título de su disco de debut. Esta canción, al igual que sucede con “Idiota”, termina de golpe tras ese “quiero irme con él”. En lo lírico es una canción que circunda sobre las sensaciones que se experimentan al estar enamorado y las decepciones que a veces pueden ir asociadas a ello, por diferentes motivos; de hecho esa frase que en la que Mai se pregunta y dice “dime quién vendrá a ocupar su lugar, por qué mis sueños se rompen de golpe” es de los fragmentos mejores no solo de la canción, sino de la obra en general. También son interesantes los tarareos que Mai introduce a modo de pausas a lo largo de la canción. “En qué estrella estará” es una pista que alterna a la perfección el intimismo de las partes más prosaicas y la rotundidad y potencia pop de su estribillo. De las mejores canciones pop de la última década, y que a día de hoy figura eclipsada dentro de la trayectoria de Nena Daconte, debido al rotundo éxito de su posterior “Tenía tanto que darte” de su 2º disco. Es doloroso pasar a una canción tan dura, en la onda lírica de “Idiota”, titulada “Engáñame a mi también” que se sitúa detrás del sonido de “En qué estrella estará”, a pesar de que ésta última también tenga su punto agrio en el verso literal que he citado. La melodía de teclados y la dolida interpretación vocal de Mai de esos versos crean una pieza nuevamente con mucho sentimiento. Y el caso es que “He Perdido Los Zapatos” tiene pasajes líricos bastante amargos en su mensaje. El final sin embargo viene de la mano de una canción más alegre en su sonido como es “No paraba de llover”, que ayuda a dejarnos una sonrisa en nuestra cara tras escuchar el disco. No obstante, antes y en penúltimo lugar “No sé cómo decirte”, con una envoltura acústica, vuelve a sumar en el lado de la balanza de canciones con una letra poco alegre. En ediciones posteriores se finalizaba el disco de la mano del remix de Jean de “Idiota”, y en alguna se incluían temas como la versión de “The mighty queen”, que siempre me hizo mucha gracia como Mai la introducía en sus conciertos.
Como me quedé con las ganas de ver el concierto, a los pocos días sí que pude asistir a un concierto que Nena Daconte dio en las fiestas del barrio de San Blas en el auditorio del parque del Ajofrín y más tarde el pleno mes de agosto en la Plaza de las Vistillas. El espectáculo fue más o menos el mismo (por no decir que fue el mismo) y además de repasar todas las canciones de “He Perdido Los Zapatos” (lo cual fue inmejorable a la hora de conocer el disco, ya que cuando me hice con él ya me eran familiares todas las canciones tras el 2º concierto) hubo espacio para versiones del ídolo de Mai Elvis Costello y hasta de “It’s the end of the world as we know it” de R.E.M.. Como curiosidad indicar que Mai Meneses estaba lesionada en el concierto de Las Vistillas y tuvo que actuar sufriendo un esguince de tobillo sentada en una banqueta. Lo cual no rebajó la calidad del concierto y sin duda fue un punto a su favor y un detalle no cancelar la actuación. Arriba de este párrafo pueden ver una foto del concierto de las fiestas de San Blas, y abajo otra del día de Las Vistillas.
Con “Retales De Carnaval”, 2ª entrega del dúo, se hizo pública la relación que mantuvieron sentimental hasta entonces, con motivo de informar que ya no eran pareja (como si hubiera trascendido que antes lo fueran). El disco tuvo nuevamente una gran aceptación, sobre todo gracias a “Tenía tanto que darte”. No obstante, considero mucho mejor en conjunto a “He Perdido Los Zapatos”. En esta gira volvieron a pasar por Torrejón de Ardoz, en esta ocasión como concierto de apertura en el viernes de fiestas, y aquel día sí que pude asistir. Abajo Kim y Mai saludando al respetable al término de la actuación.
Veremos cuál es el siguiente paso que dará Nena Daconte. Curiosamente se ha destacado como la participante de más éxito de la 2ª edición de OT, demostrando el “ojo clínico” que tienen en ese concurso, al echarla a la calle a las pocas semanas de comenzar la edición; digamos que en ese formato no se buscan artistas del estilo de Mai, sino otra clase de intérpretes vocales y que además sepan ejecutar coreografías. Mai Meneses es una chica con una sensibilidad especial. No creo que sea fachada, pero da la impresión de ser una chica con una humildad y bondad que te atrapa en sus actuaciones. Kim Fanlo juega un poco en parte el papel de lo que Juan Aguirre hace en Amaral, aunque con una expresión mucho más risueña cuando toca la guitarra que el denominado “seriote de Amaral” por los chicos de Muchachada Nui.