Huelga quizás decirlo, pero no, hoy no repetimos artista. Cierto es que aproximadamente hace un año revisamos el disco que da nombre a mi nick, “Abacab” de Genesis, pero lo que hoy nos atañe es un disco en solitario del que fuera su 2º vocalista tras la marcha de Peter Gabriel, el carismático Phil Collins. Concretamente he elegido su debut en solitario, precisamente contemporáneo de aquel “Abacab” del año 1981.Se preguntarán ustedes qué fue lo que motivo a Phil Collins a moverse por su cuenta e iniciar trayectoria paralela a su protagonismo en Genesis. En varias entrevistas realizadas hace varios años, y resumiendo las respuestas de Phil al respecto, la razón principal estriba en parte en la situación personal del cantante en aquellos meses. Por lo visto, el primer matrimonio de Collins se encontraba en un punto de ruptura definitiva y el cantante y batería encontró consuelo refugiándose en la composición de nuevas canciones por su cuenta.
El resultado de las composiciones creadas, se lo presentó Phil Collins al manager de Genesis, Tom Smith, y éste al escuchar las composiciones, vio claramente la posibilidad de editar un nuevo álbum. Resulta muy graciosa la expresión de desidia y de desgana que muestra Phil Collins como respuesta a esa afirmación por parte del manager de su banda, diciendo en una entrevista que pensó algo como: “oh Dios mío, otra vez a hacer lo mismo”. Nunca me he creído esa falta de interés por el protagonismo de la que hace gala Phil. En las conclusiones volveré a hablar de ese aspecto.
Esas canciones tan personales y válidas a las que había dado forma Collins por su cuenta, se concretaron en el lp “Face Value”. Glorioso debut de Phil en solitario, que por otro lado generó algo de controversia y envidia por parte de sus compañeros en Genesis al ver que Phil en solitario había conseguido un éxito mayor que el que Genesis había logrado hasta la fecha.
Gran parte del éxito citado vino asociado a la canción que abre el trabajo. La nocturna y mística “In the air tonight”, es una canción con un sonido muy distinto a lo que habían hecho los Genesis a los que pertenecía Phil hasta entonces. Empieza con un sonido muy desnudo, apoyado en unos leves arreglos electrónicos, sobre los que Phil canta con una profunda voz y una hierática interpretación. Estructuralmente en lo instrumental, se divide en 2 partes, con esa atronadora batería como frontera en común. La primera parte destaca por las incipientes notas de teclado y algunos acordes perdidos de guitarra eléctrica muy afilada. En la 2ª, la instrumentación es más cargada, principalmente debido a la potente línea de batería que la sostiene. Igualmente las notas y melodías de teclado ganan en intensidad. Personalmente me encanta el clip que se grabó, con un Phil en primer plano (recreando la portada del disco) y posteriormente apareciendo en unos siniestros pasillos, iluminados con luces cegadoras y puertas que llevan a habitaciones oscuras. También hace un guiño a la portada del anterior disco de Genesis “Duke”, con esa imagen frente a la ventana abierta y la luna en el cielo. De las mejores canciones de Phil de todos los tiempos y quizás la única en su estilo. Tan solo “I don't care anymore” de su siguiente obra se le asemeja ligeramente. Tras la intensidad que nos ha proporcionado “In the air tonight”, pasamos a una lenta y suave baladita titulada “This must be love”. Se abandona el lado oscuro y nocturno del tema de apertura, para mostrarnos al Phil Collins más accesible y blandito que podemos escuchar. “Behind the lines” es un puente entre la trayectoria de Genesis y Collins en solitario, al tratarse de una revisión de la original que apareció en el disco de Genesis “Duke” de unos meses antes. Phil, acerca este tema al jazz y rythm ‘n’ blues que tanto le gusta predicar en su carrera en solitario, sobre todo en sus discos de los 80. “The roof is leaking” es una canción que debido al sonido que le confiere la producción, nos puede recordar a alguna canción country de corte serio. La voz de Phil suena lejana y el sonido de los instrumentos vuelven a sonar con un regusto nocturno, aunque más bien de una noche tranquila, lejos del oscurantismo y misterio de “In the air tonight”. “Droned” inicia el combo de 2 instrumentales que forma junto a “Hand in hand” que protagoniza la parte media del disco. Aquí el sonido de la percusión y los sonidos, nos pueden evocar que estamos en mitad de la selva en una fiesta de algún pueblo aborigen. “Hand in hand” es una curiosa instrumental, unida a su predecesora “Droned”, de sonido muy amable, apoyado en unos coros muy llevaderos y principalmente recordada por las melodías creadas por las trompetas que la protagonizan.
“I missed again” fue otro de los singles extraídos de la obra. Un excelente ejercicio de instrumentos de viento de metal, con unos saxos y trompetas muy rítmicas y marcadas. Reminiscente de “No reply at all” de “Abacab”, pero con un sonido alegre, frente a la contenida melancolía del citado tema de Genesis. El clip grabado al efecto con varios Phil Collins haciendo mímica de instrumentos y vestidos cuales universitarios americanos, es a ratos desternillante. “You know what i mean” es una lenta balada, compuesta principalmente de una sencilla melodía de piano, sobre la cual Phil canta de forma algo llorona; el hecho de encontrarse en la parte final del disco al igual que la posterior “If leaving me is easy”, le confieren un sonido muy melancólico a la 2ª parte de la obra. “Thunder and lightning” se mueve dentro de los parámetros jazzísticos y con mucha carga musical de las secciones de metales de viento que son tan del gusto de Phil. Junto a “Hand in hand” y “I missed again”, esta canción representará el sonido habitual de Collins en solitario durante los años 80. “I'm not moving” es una canción alegre y saltarina, que destaca en la producción por las mezclas de las voces del propio Collins sirviéndole como coros. Tras la movidita “I'm not moving”, se presenta “If leaving me is easy” que es una balada quizás algo ñoña y llorona, pero no le podemos negar su bonito aspecto. Quizás pueda ser de las canciones más cercanas a las experiencias personales de Collins en aquellos días cuando todavía estaba recuperándose del fracaso de su primer matrimonio. Phil se convertirá por otro lado en un experto en baladas y canciones de amor, destacando obras posteriores como “Against all odds” o “One more night”; esto se puede apreciar en un recopilatorio específico de canciones románticas que Phil sacó allá por 2004, siendo éste doble cd ni más ni menos. El final viene de la mano de una enrevesada versión de una también enrevesada canción de The Beatles “Tomorrow never knows”. De sonido retorcido y desapacible, crea un chocante cierre de disco.El debut de Collins en solitario supondría el comienzo del dominio mediático de este hombre a lo largo de los 80. Entre su carrera en solitario, su continuidad como cabeza visible y cantante de Genesis, sus pinitos en el mundo de la interpretación y su participación en eventos tan importantes como el Live Aid de 1985, con la frivolidad y apuesta de tocar tanto en Philadelphia como en Londres al utilizar el Concorde para ir de continente a continente en tiempo récord, labrarían su leyenda.
Musicalmente, “Face Value” es una obra más que acertada. Quizás se haga algo larga por el total de canciones que incluye. Genesis sin embargo tenía más compactas sus obras en esos tiempos, no excediendo de 10 canciones a partir de “Duke” en sus lanzamientos de los años 80. Su siguiente trabajo “Hello, I Must Be Going”, siguió por los mismos caminos sonoros que había marcado “Face Value”.
Phil será un personaje muy importante dentro de los años 80. Siempre he dudado de esa supuesta casualidad a la que alude Collins refiriéndose a la consecución de su éxito y estatus de super-estrella. Cierto es que si Gabriel no se hubiera marchado de Genesis, su paso al frente como cantante del grupo, no se hubiera producido. Pero tampoco se da el caso de que alguien le pusiera una pistola en la cabeza y le dijera que se plantara ante el micrófono. Creo que Phil simplemente aprovechó su oportunidad y es uno de esos personajes que reniegan superficialmente y quizás conscientemente del protagonismo, pero que en su subconsciente tiene instalado sus ganas de éxito.
Sea como fuere, Phil supo alternar de forma acertada su tarea como líder de Genesis y su trayectoria en solitario durante los 80. Con muy poco tiempo se lanzaron su 1er. y 2º disco como solista, en 1983 recuperó a Genesis y se embarcó en el tour de “Three Sides Live”. 1984 vería su regreso a la “soledad” con el lanzamiento de aquella brutal “Against all odds” y al año siguiente su exitoso 3er. lp “No Jacket Required”, lo cual le reportó su primera gira mundial en solitario con su propia banda. Tras ello, regresó con Genesis para editar su masivo “Invisible Touch” y celebrar un multitudinario tour mundial junto a Rutherford y Banks.
“Face Value” tiene su importancia en que marca el comienzo de Phil Collins como personaje de primer orden. Tras sus primeros años de cantante en Genesis, llegó el momento de afianzarse como algo más que el cantante y batería de este grupo; como si eso fuera poco ya de por sí. Ahora bien, dejo a su libre juicio que valoren si el fenómeno Phil Collins fue fruto de la casualidad, como él mismo afirma, o si por otro lado Collins tenía bien claro hacia dónde dirigía sus pasos.
En definitiva, el trabajo de Phil en la década de los 80, ya sea el que hizo con Genesis como el que realizó en solitario, desde mi punto de vista fue de una calidad excelente. Algunos le echarán encima la lacra de siempre: la comercialidad. Me mantengo en lo que siempre digo: si algo suena bien, ¿qué más da que sea comercial? “Face Value” es en definitiva un magnífico debut, e incluye una de las 3 canciones más importantes de la carrera en solitario de Phil Collins, y sin lugar a dudas la más reconocible por su peculiar sonido: “In the air tonight”.
Se me olvidaba decirles antes de terminar, que el disco que hoy les presento siempre lo he considerado muy adecuado para escucharlo en esta época del año. Perfecto para recrearse en esos días de entre semana a partir de las 21h. Procedan a su escucha conjunta ahora que nos encontramos en su franja del año, siguiendo estas recomendaciones de momento idóneo y quizás consigan pasar un muy buen rato en la compañía de este carismático personaje del mundo de la música.
Tras esta pieza, escuchamos “Villiers terrace”, que tiene como apunte principal las notas de teclado de la melodía. Esos aspectos son los que le confieren su mayor identidad. Por otro lado, quizás sea la canción en la que menos destaca Ian en la voz. “Pictures on my wall” es de las que tiene una melodía más oscura y una interpretación más lúgubre (muy acentuada en algunos segundos) por parte de McCulloch. Destaca la batería de De Freitas en ciertos momentos, pero sobre todo la parte del estribillo y esa melodía oscura de teclado junto al oscuro enfoque vocal del cantante es lo que más la define. “All that jazz” vuelve a mostrar algunos momentos muy acertados de Pete a la batería; le hace acreedor del puesto que le robó a “Echo”. No obstante, esta canción es de las más fácilmente olvidables del trabajo; resulta más acertado el corte con el que terminamos el track list principal, o por lo menos es más reconocible. “Happy death men” es un final algo gracioso, por la intensidad y brillo de su estribillo, que muestran a un muy animado Ian McCulloch. También son dignos de mención ciertos sonidos de viento que adorna la canción y que le confieren un aire marcial. Hay que decir que “Do it clean” y “Read it in books” se consideran canciones que forman parte moral del disco, y que en la más actual edición en cd figuran en la parte de los bonus track como las primeras canciones dentro de las excelentes propinas que se nos regalan. No en vano “Do it clean” es de las mejores canciones que incluye el disco, con ese estupendo bajo de Pattinson y ese inolvidable estribillo con Ian coreando el título de la canción de esa forma tan melódica. La sombría y pausada “Read it in books”, con algún que otro momento de rabia, destaca principalmente por una parte de guitarra clavada a alguna sección de “Monkeys”.
“The baby screams” es una canción que tiene un cierto carácter hipnótico, debido principalmente a la estructura cíclica de la guitarra que tiene. Destaca la intensidad con la que Robert Smith afronta la interpretación vocal de la misma, desgañitándose por completo al micrófono. “Close to me” es el verdadero inmortal de la discografía de The Cure que incluye el disco. Se trató del 2º single extraído de la obra, tras “In between days”. En los tiempos de “Mixed Up” el tema fue revisado, llevándolo a los terrenos del jazz, quitándole gran parte del ritmo y vibración que tiene el original. En lo instrumental destacan los juguetones y amables tecladitos y las palmas percusivas que tanto brío confieren al corte. Inestimable fue el rodaje del clip promocional por parte de Tim Pope, uno de los más recordados de los 80, en el que los miembros de la banda se encuentran hacinados en el interior de un armario al borde de un acantilado, cayendo finalmente el armario al mar. En la letra Robert habla de introspección y de llegar a encontrarse consigo mismo. Llegamos a uno de los momentos clave del disco. “A night like this” es uno de los temas más apreciados por los seguidores clásicos de la banda. Quizás se trate de una canción que esté últimamente algo olvidada, básicamente por su no inclusión en el repertorio de la banda en directo en los últimos años. Hasta comienzos de siglo, en cualquier revisión que se realizara de la banda, solía aparecer como canción destacada de la historia de The Cure. Igualmente dispuso de videoclip, grabado con imágenes ralentizadas, al ritmo marcado por esos graves rasgueos de guitarra eléctrica tan característicos que incluye. Es al fin y al cabo una balada, con un sonido muy romántico y un leve retoque gótico o siniestro. En la letra Robert empieza diciendo “decir adios en una noche como ésta, si es la última cosa que siempre hacemos…” o más tarde “iré a buscarte aunque me lleve toda la noche, en lugar de desear a otra chica”. Una preciosa canción, de carácter maduro y que demuestra que The Cure iban muy en serio. Decirles antes de continuar, que gracias a la informática y SU PUTA MADRE (como diría algún amigo bloguero), he perdido todo el artículo que tenía escrito. Estaba finalizado (sí, muy tristemente) a falta de revisión. Así que disculpen si estoy algo disperso, ya que me cuesta recordar todo lo que había escrito y de qué hablé. Como bien saben, y reza el título del blog, esto es reflexión pura y dura, y no recuerdo todos los recovecos por los que divagué, con lo que esto será lo que es y no lo que pudo ser. En fin, que no recuerdo si había mencionado algo más de “A night like this”. Simplemente cerraré mi discurso sobre la misma, afirmando que se trata de una pieza preciosa muy a tener en cuenta; como suelo decir, una de esas joyas ocultas al margen de recopilatorios, extraviadas en el interior de los discos. “Screw” es quizás el rival más débil de “The Head On The Door”. Es algo pachanguera en su sonido y lo único que me hace algo de gracia es el sonido de la guitarra eléctrica, que me recuerda algo a la que incluye alguna parte de “Discotheque” de U2, que curiosamente asocié a “Screw” al darse la casualidad de que cuando U2 promocionaba el lanzamiento de su exorcizado disco “Pop”, estaba haciéndome con la discografía de The Cure y descubrí esta canción. El final del disco corre a cargo de “Sinking”. Un tema melancólico y el de sonido más oscuro del disco. Destaco en lo instrumental el sonido de los teclados, los cuales confieren a la canción un efecto atmosférico y solemne, suponiendo la aportación más importante de Lol Tolhurst al conjunto de la obra desde sus teclados. También son dignos de mención ciertos punteos de la guitarra eléctrica de regusto subterráneo. Hasta el momento, Robert Smith solía lanzar algunos mensajes personales en las canciones que cerraban los discos de The Cure; no obstante, aquí no lo tengo tan claro, ya que The Cure, lejos de hundirse, estaba trepando a la cima de los grupos más importantes de aquellos días. Tampoco creo que se ajuste a lo personal, ya que Smith había superado sus problemas derivados de su relación de pareja, de la hiperactividad de los meses anteriores y del consumo algo excesivo de drogas. Aquí encontramos el final de una tradición, que era la de cerrar el disco con la canción que lo titulaba. Aspecto que nunca había faltado hasta el anterior trabajo “The Top” (siempre y cuando no consideremos a “Japanese Whispers” disco de estudio). Esta canción provoca que nos quedemos embobados al llegar al final del álbum, debido a la intensidad emocional que tiene tanto Robert a la voz como su melodía.
Sin venir mucho a cuento, ya que estamos analizando los Cure de mediados de los 80 y ya llegará el turno de los tiempos actuales o más recientes, decirles que el año pasado acudí al concierto del Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid. En aquella noche, The Cure ofrecieron ni más ni menos que 3 horas de concierto. Hasta Joaquín Reyes en Muchachada Nui bromeaba sobre la longitud de los conciertos del grupo, cuando encarnó a Robert Smith en sus delirantes imitaciones. Con todo, les dejo bordeando este párrafo 2 de las mejores fotos que pude sacar aquella gloriosa noche, en la que asistía a mi 2º concierto de la banda, tras haber pasado 8 años de aquella primera vez en una más que atestada sala La Riviera con motivo del “Dream Tour” asociado al último gran disco de la banda: “Bloodflowers”.
El lp que hoy les presentamos es un conjunto de canciones muy variadas, afrontando por primera vez The Cure la confección de una obra heterogénea de forma redonda. El disco anterior “The Top” también se trata de un álbum con un amplio abanico de estilos y sonidos. Yo, aunque no soy de los que reniegan de dicho trabajo y lo defiendo, admito que incluye alguna lacra importante como “Give me it” o “Wailing wall”. Sin embargo, en “The Head On The Door”, se afrontan canciones de corte muy distinto de forma excelente. Para comprobar la diversidad de registros, basta con comparar entre sí “Six differente ways” y “Sinking”.
“A new kind of man” es de las canciones más siniestras sobre todo por las melodías de teclado principales y el sonido de dichos instrumentos. Muy nerviosa debido a ciertos sintetizadores que incluye, pero a la par de las más interesantes del disco. “Blurred girl” es de las canciones con un sonido más extraterrestre y agudo. A su vez es de las más pausadas y ambientales de “Metamatic”. A Foxx parécesele escuchar al fondo del estudio de grabación alejado al menos 10 metros del micrófono; de hecho no sé si se grabaría así. Destacan esas graves voces del estribillo en contraposición con el lejano John Foxx de esta pista. “030” es otro tema que dispone del registro vocal más robotizado de John Foxx, quedándose a mitad de camino entre el vocoder y la voz normalizada. Destaco algunas notas de teclado agudas que hacen acto de presencia de vez en cuando en la cíclica melodía de sintetizador y teclados. “Tidal wave” es una canción de sonido algo menos recargado y con unas notas de teclado más claras. También trae consigo uno de los momentos menos frenéticos y rutinarios de Foxx al micrófono. “Touch and go” curiosamente proporciona un final más accesible dentro del techno pop afrontado por Foxx en su debut en solitario. A ratos resulta bastante llevadero y pegadizo el ritmo que contiene. Curioso cierre de disco, quizás no muy acorde con el enfoque frío y deshumanizado que tiene la mayoría de la obra. No obstante, resulta inestimable para concederle algo de candor al álbum, o mejor dicho, humanizarlo levemente.
Tras la intensidad y el arrojo entregado por “Amazonas” pasamos nuevamente a unos minutos más relajados con la canción “Todo un hombre”. Quizás el tema menos válido y que menos aporta a la obra, por lo que pasaremos a la siguiente canción “Cuando el tiempo quema”, que sigue moviéndose por los medios tiempos y los sonidos suaves. Esta canción se vale de unas notas muy marcadas que le confieren un encanto muy particular. En la retaguardia de la producción se vale de arreglos electrónicos para aportarle los matices justos de misterio. En la letra Miguel vuelve a hacer uso de una estructura lírica cercana al cortejo y la seducción, como siempre ayudada inestimablemente por su cálida voz. Llega el turno de la canción de sonido más heroico de Miguel Bosé de todos los tiempos. “Partisano” es un himno antibelicista visto en frases tan claras como las de su estribillo: “Cantos de acero, no quiero matar. Último grito de rabia y se va. Que no me llamen cobarde y traidor: ¡Partisano! Patria y bandera yo os pido perdón, hoy que deserto me armé de valor. Himno de paz por el hombre que cree: ¡Partisano!”. En algunos momentos, Miguel parece cantar con un tremendo desasosiego e incluso casi con un lloriqueo en su voz, mezclado con algo de conformismo; recuerdo que cuando escuché por primera vez la canción, cuando dice en los momentos menos animados “Bueno, alto”, entendía erróneamente “Bueno, vale”. Perdónenme nuevamente estos vaivenes mentales que me entran y que les confieso de vez en cuando, pero al fin y al cabo estamos en un blog y me puedo permitir estas licencias. Los teclados y las guitarras tan afiladas y entregadas, son lo que, junto al derroche de energía de Bosé al micrófono, hacen de “Partisano” una canción pop arrolladora y de un fortísimo carácter épico. Termina el disco con uno de esos momentos cercanos a la música ligera que de vez en cuando aborda Bosé. De hecho en “Amapola bésame” hay algún momento que Miguel me recuerda a Julio Iglesias en esa frase en inglés que suelta antes del estribillo. Con su voz, Miguel se puede permitir estas licencias sin caer en el sonrojo.
Llega el turno de escuchar uno de los temas abanderados del disco, “Hace calor”. De las pistas de sonido más pachanguero y desenfadado, pero sin llegar a extremos de puro cachondeo que a veces incluyo el sr. Veneno en sus obras como la futura “Los notas del retumbe” de su trabajo “El Hombre Invisible”. La canción levemente va ganando intensidad instrumental, ya que empieza de forma muy esquelética, y termina con una mayor carga sonora y varias voces apoyando a Kiko, repitiendo la proclama del título de la misma. El video promocional grabado, filmado en blanco y negro en unas sofocantes calles de casas de paredes blancas, tan propias de los pueblos andaluces y con lo que se intuye un sol abrasante a las horas centrales del día, recrea perfectamente esa situación de asfixia metereológica que describe Kiko en este tema. “Hace calor” es la canción con la que conocí a Kiko Veneno y siempre he tenido una especial debilidad por ella al recordarme buenos tiempos pasados. “Viento de poniente” vuelve a las texturas de mayor seriedad del lp. También es de las canciones con un mayor influjo flamenco en la forma de cantar de Kiko Veneno en la obra. Llegamos al otro momento inolvidable del álbum. “Memphis blues again” es una adaptación de Kiko Veneno de una canción de Dylan y me parece que también fue un tema muy apropiado para aquel verano de 1995. Dispuso de un desternillante video en el que aparecían personajes como Popocho de la Orquesta Mondragón, Pablo Carbonell (con pintas de guiri atolondrado, con esas sandalias, americana y pantalón corto) y Santiago Segura, no muy conocido todavía por aquellos tiempos, haciendo en el video de director del clip que se intenta grabar dentro del propio clip. Lo más gracioso es cuando este curioso equipo de trabajo presenta el videoclip resultante a los empresarios de la discográfica al final del video. Están todos encantados con el resultado, pero posteriormente se ven atacados por los enfurecidos directivos de la casa de discos, al ver en qué se han gastado el presupuesto del que disponían. Finalmente terminaban tocando los 4 en la boca del metro de La Latina, recopilando las monedas que les tiraba el respetable. En ese final del video, se veía a Kiko siendo objeto de la efusividad de señoras de más de 60 años, en lo que podría ser un reflejo de esa frase de la canción “las señoras me tratan amable, me van a llenar de cintas. Y en lo profundo, deep in my heart, sé que no tengo salida”. Lo más recordable de esta canción es ese estribillo con el sostenido “Oooooh mama”. Una alegría de canción sin lugar a dudas. “La casa cuartel” es otro de los momentos de mayor carga emotiva después del desparrame de “Memphis blues again”. El disco termina con “El lince Ramón”, que vuelve a sonar de una forma más divertida. Podría ser una vuelta de tuerca a “Lobo López” y sin duda una continuación de la tradición de Kiko Veneno de crear canciones con títulos combinando nombres propios y nombres de animales.
No me perdono haberme dado cuenta de forma tardía esta semana, que el sr. Veneno fue escogido para uno de los conciertos programados en las Fiestas del Barrio de la Elipa hace unos días atrás. Hubiera ido de cabeza a verle. Por fortuna, ya he tenido ocasión de ver a Kiko 2 veces. La primera fue en el concierto “Pobreza Cero” de la primavera de 2006 en el Palacio de los Deportes, junto a Revólver, La Unión, Iván Ferreiro e Ismael Ló, y la 2ª fue en el festival Universimad de 2007. En aquella ocasión llevé mi cámara de fotos, inestimable compañera, y escoltando el presente párrafo les dejo las mejores fotos que conseguí del evento.
Resumiendo y poniendo punto y final por esta semana, Kiko Veneno es un artista muy reconocido a día de hoy y muy querido por casi todo el mundo. Sus canciones generan habitualmente muy buen rollo y también saben tocar la fibra sensible cuando él lo estima oportuno. Que una canción como “Echo de menos” fuera homenajeada hace unos años en “El Otro Lado De La Cama”, demuestra que a este músico se le tiene presente. “Está Muy Bien…” es quizás junto a “Échate Un Cantecito” su mejor disco como ya mencioné antes. Particularmente me gusta ligeramente más que “Échate Un Cantecito”. Rompemos hoy con la costumbre que tengo de proponerles música que considero acorde a la época del año en que nos movemos. Quizás la escucha de este disco sea más propicia para el mes de junio, cuando comienza el verano, pero creo que siempre es un buen momento para recuperar la música de este maestro.
Finalmente fui más acompañado de lo que esperaba al concierto, lo cual hizo más agradable la tarde/noche. Tras una contusiva experiencia en los coches de choque, en los que salí con la espinilla hecha fosfatina, llegamos al parque Finca Liana y me sorprendió la cantidad de gente que se había congregado para ver el concierto. Conseguimos situarnos en una decente 6ª fila, aunque algo escorados hacia la derecha del escenario, tras previamente haber localizado una siempre inestimable fuente de agua potable, para poder llenar el buche antes de meternos entre la multitud. El cielo estaba muy nublado y amenazaba lluvia. Ya es casualidad que no había llovido ni un solo día que recuerde en este verano, y que el sábado al tiempo caprichoso le diera por ponerse así. Por fortuna no rompió a llover intensamente, no pasando de 4 gotas puntuales, que no propiciaron la suspensión del concierto, pero que si nos metieron el miedo en el cuerpo a más de uno. Las fotos que pude sacar, no están del todo mal, aunque quizás algo oscuras; les iré intercalando las mejores a partir de este párrafo. Una de las bondades principales que tienen estos conciertos, aparte de ser gratuitos, es que hay libertad total para hacer todas las instantáneas que desees.
Puntualmente el sr. Goñi apareció en escena con sus compañeros actuales. Ataviado con una seria americana, pantalón y botas negras, no noté que hubieran pasado 3 años desde la última vez que tuve a Carlos delante. Empezó con la fuerza y arrojo que desprende “Duro de llevar”, tema que fue resarcido al ser el abanderado del volumen 3 de los conciertos “Básico” de Revólver. Este tema, no obstante data de 2000, de aquel estupendo y genial disco llamado “Sur”, dentro del cual se encontraba también la siguiente canción del repertorio: “Sara”. Emotiva composición con nombre propio, y de las contadas que Carlos tiene en su repertorio dirigidas a alguien en particular.
Siguiendo con el apartado de “Sur”, también dispusimos de la brutal “Faro de Lisboa”, a la que Goñi introdujo diciendo algo como: “nunca he entendido eso que dicen las folclóricas de querer morirse en el escenario… Yo, el día que dé mi último concierto, que tened por seguro que lo daré, habrá una canción que seguro que estará incluida y será ésta”. Sobran las palabras ante un estribillo tal como “Faro que alumbras al mundo por encima de la tempestad, devuélveme la esperanza y que brille mi estrella, pero no en soledad; oye mi voz, mi última oportunidad. Faro que alumbras al mundo, alumbra mi vida”. Sobrecogedor. Sirvió como el fin de la 2ª parte del concierto, esa en la que se incluyen las versiones acústicas y como preludio de los bises que corresponderían. También canción abanderada de “Sur”, “San Pedro” no pudo faltar a la cita. Estupenda canción de rock accesible y que describe lo que yo siempre he considerado un amor loco, de esos veraniegos cuando vas con la familia a la costa cuando eres jovencito. Se puede intuir en frases como las del estribillo: “Nos prometimos el mar…”; recuerda a las tonterías que pueden decirse mutualmente 2 adolescentes embelesados. Nuevamente fue acongojante oír a toda la audiencia cantar a voz en grito, permitido por Carlos, el inicio desde “Una noche de buen vino y de mejor compañía…” hasta “…en la villa de San Pedro, vi el paraíso en su boca”. Sin posibilidad de discusión, de los momentos más disfrutados del concierto.
Hablando ya a propósito de los momentos álgidos, destacar igualmente el combo formado por “Tu noche y la mía” y “Odio”. Se dispusieron en la parte incipiente del concierto. La primera de las citadas, nuevamente regaló otro momento de lucimiento del público, entonando todos juntos de forma más que emotiva, la primera parte de la canción. Supongo que a Carlos se le debe erizar el vello de la piel al escuchar a la audiencia tan entregada coreando sus versos. Una de las canciones más bellas jamás compuestas por Goñi. Fue anecdótico que Carlos se quejó que nunca le sale bien la intro de la canción, y se puso mano a mano con el acordeonista a darle a la guitarra antes de identificar los acordes más reconocibles del tema. “Odio” fue un momento de baile y desparrame. El músico reconoce que es de las pocas canciones de sonido alegre que tiene, aunque la letra sea un descargo total contra todo lo que le molesta. Otra vez el público estuvo a la altura para gritar ese “siempre me joden la canción” dedicado a los “disc-jockeys asesinos” que menciona Carlos.
No podemos dejar de lado que el concierto estaba encuadrado dentro de la gira de presentación de “21 Gramos”, último trabajo de Revólver. De este disco, aparte de los singles “Tiempo pequeño”, curiosamente incluido en los bises, e “Y pasa el tiempo”, dispuesto en la mitad de la sección acústica, se presentaron la canción que da título al disco y “Clarisa”, nada más terminar ese combo del disco “Sur” con el que se inició el show. Quizás fueron las mejores elecciones que se pueden extraer de su último lp. “Y pasa el tiempo” es un tema que me resulta simpático y es llevadero. “Tiempo pequeño” nos ayuda a recordar al Goñi más épico en su sonido, aunque hay que decir que está lejos de “El dorado” o “No va más”. Sin embargo, eché en falta “Todos somos capitanes”; no sé por qué, pero me gusta esta canción, además de que me parece gracioso el título.
Acabo de citar “El dorado” y “No va más”. Ambas aparecieron por fortuna en el concierto y además tuvieron lugares privilegiados dentro de la estructura o el orden de salida de las canciones. “El dorado” sirvió como fin del primer núcleo de la actuación, que posteriormente se retomaría con la parte acústica. Este tributo a los padres por parte de Carlos, volvió de forma muy acertada a alargarse más de 10 minutos, debido a la parte de solo de guitarra que mete Carlos en mitad del tema, para disfrute de los que acudimos al espectáculo. Intensa, emotiva y un clásico de Revólver sin lugar a dudas, que nunca ha de faltar en uno de sus conciertos. “No va más”, canción que no siempre apareció en los conciertos previos que vi de Carlos, tuvo el honor de ser el tema que cerró el concierto. Se aprovechó de forma clara para echar el resto y terminar con una explosión de energía e intensidad que dejó a la gente con ganas de mucho más. Se pidió de forma insistente otra canción y debido a ese empeño que noté, hasta llegué a dudar unos segundos si caería una propina extra más, aunque el show ya se notaba que había llegado a su lógico final. Habían transcurrido 2 horas y de lo bien que lo pasamos, nos pareció un concierto de una hora y cuarto como mucho. ¡Qué rápido pasa el tiempo cuando estás disfrutando!
En el apartado de las baladas más sentidas que aparecieron en la noche del pasado sábado, hay que citar las 2 que abrieron la parte acústica en la que Carlos se sienta en su banqueta, guitarra acústica en mano y solo ante el peligro y armónica al cuello, se dispone a susurrar esas palabras de amor que con tanta emoción escribe. Esto queda más que evidente con la elección de esta noche: “El esclavo de tu amor” y “Esta noche tengo más de lo normal”. Canciones brutalmente emotivas y que se vuelven más intensas aún por cómo las canta Carlos, acompañado del melancólico sonido de su armónica.
Tras terminar con los últimos acordes de “Esta noche tengo más de lo normal”, Goñi dio entrada de nuevo al resto de la banda, para los que tuvo un bonito detalle de reconocimiento al dedicarles a ellos el concierto y afirmar ante los que allí estábamos, que de todas las formaciones con las que había tocado en sus 20 años de carrera, era sin duda la mejor de todas. Parece ser que lo decía de forma sincera y le creo. Se me olvidaba, “Hay besos” de “21 gramos” también fue elegida para formar parte del track list y apareció en este núcleo de 4 canciones, que como ya cité antes, se completó con la sobrecogedora “Faro de Lisboa”, a cuya interpretación pertenece la instantánea de abajo.
Bueno, creo que en esta ocasión he comentado todas las canciones que salieron menos “El roce de tu piel” que estuvo situada en medio del ajetreo del núcleo principal del concierto. Para quien le interese, aquí dejo a continuación el track list en el orden que fueron apareciendo las canciones: “Duro de llevar”, “Sara”, “Clarisa”, “21 gramos”, “Tu noche y la mía”, “Odio”, “El Roce de tu piel”, “San Pedro”, “El Dorado”; Parte acústica: “El esclavo de tu amor”, “Esta noche tengo más de lo normal”, “Hay Besos”, “Faro de Lisboa”; Bises: “Tiempo pequeño”, “No va más”. Total, 2 horas de concierto ni más ni menos, de una calidad a prueba de bombas.
Digamos que en apartado de los “debe” o de lo mejorable, hay que destacar que a pesar de la calidad indiscutible del set list escogido, hubo muy poco lugar a sorpresas. En otras ocasiones, Carlos metía algún tema que te dejaba completamente fuera de juego. Recuerdo que fue muy grato escuchar “Esperando mi tren” en aquel 2º concierto que le vi a finales de junio de 2005, en mitad de una calle del barrio de Ascao. También fue curioso escuchar en Coslada al año siguiente “Mi rendición”. Aquí no hubo lugar a las rarezas excesivas. Pero bueno, quizás esto sea quejarse de vicio o simplemente sacar alguna pega; en el fondo lo hago por si el bueno de Carlos algún día da con el blog de un servidor, para que no se lo crea tanto y siga currándoselo.
Sobre la 1.30h de la madrugada llegó el final y tras reponer el depósito de agua de mi cuerpo (no imagináis la envidia que me da Carlos en sus conciertos cuando bebe agua y nos dice “brindo por vosotros con agua, nada más y nada menos”, y me doy cuenta de que otra vez se me ha olvidado llevarme una botellita fresquita), nos dirigimos hacia mi humilde coche para retornar a casa y salir lo antes posible de un pueblo tan caótico, circulatoriamente hablando, como es Móstoles (no me extraña que se examine ahí para el carnet de conducir). Mención especial desde aquí al sr. Pere Navarro y la excelente señalización del desvío que existe al dejar la A-5 y coger la M-40, que te dice que al aeropuerto y A-2 se va mejor dando la vuelta al círculo por Boadilla… Sí, seguro.
Tras dejar a mis acompañantes en casa camino de la mía, me acosté a las 3.30h tras no haber dado excesivas vueltas para encontrar sitio en mi barrio, que actualmente se encuentra en estado de sitio, debido a las obras de unos nuevos aparcamientos, de los que al menos sacaré mi deseada plaza en propiedad de aparcamiento cuando terminen; ni se imaginan la calidad de vida que ganaré.