En estos días, Battiato se movía dentro del pop ligero, con
matices electrónicos, que siempre inquietaron al músico, pero los días del
experimentalismo de discos como “Foetus” quedaban lejos. Más quedaba, al menos
sobre todo en el ítem que hoy hemos escogido para volver a su figura, tras el
análisis que hicimos en 2010 de su disco “L’Arca Di Noè”, de los movimientos
que Franco Battiato hizo dentro de la música clásica, visto sobre todo en los
arreglos clásicos que impregnan algunas de las canciones, que se encargaba de
organizar el que por aquellos días era mano derecha de Battiato, el maestro
Giusto Pio.
El anterior trabajo de Franco, “Orizzonti Perduti”, reportó
un éxito en forma de balada electroacústica con “La stagione dell’amore”. Uno
de los grandes éxitos del artista, que siguió reforzando el buen éxito que “Voglio
vederti danzare” y “Centro di gravità permanente” de sus 2 anteriores discos
(en España, “Yo quiero verte danzar” y “Centro de gravedad permanente” para los
amigos y para que no se me pierdan). El papel principal en el disco que hoy nos
ocupa correspondería a esa canción que a partes iguales mezcla los solemnes
arreglos orquestales a cargo de Pio con notas inquietantes electrónicas que es
la canción “No time no space”, en la que Battiato alterna en la letra partes en
italiano con un estribillo en inglés que sin duda era signo de búsqueda de
proyección internacional.
A nivel personal, apuntar que junto a “Mask” de Bauhaus y el
“In This Light And On This Evening” de Editors, es uno de los discos que ha
estado perenne en mi reproductor mp4 (en este caso el más longevo, ya que creo
que más allá que desde comienzos de año, lleva más de 12 meses ahí plantado) y
completa la revisión de discos que más he podido escuchar en los trayectos
muertos en transporte público en los últimos tiempos. A ver si renuevo su contenido
en breve.
El primer capítulo de “Mondi Lontanissimi” lo supone “Via Lattea”,
que en parte nos puede recordar en sus formas sonoras a “Radio Varsavia”, que
abría de manera inmejorable el “L’Arca Di Noè”, ya que es una composición
suave, con cierto misterio y que también ofrece una vaga solemnidad con
arreglos de viento de orquesta. Una canción muy animada y que no sé si por su
melodía o por la inclusión del concepto de la primavera en su título y letra,
resulta muy radiante y luminosa, es “Risveglio di primavera”. Las melodías de
teclado repiquetean en esta composición donde los adornos clásicos siguen
presentes, una constante a lo largo de todo “Mondi Lontanissimi”. El single que
más ha perdurado de la obra es “No time no space”, en el que la electrónica se
muestra por momentos inquietante y muy movida, pero que destaca sobre todo por
la solemnidad que ofrece en lo musical en ese estribillo cantando en inglés.
Los cambios de ritmo son otra nota característica relevante de este trabajo de
Battiato y “No time, no space” es quizás la pieza que más claramente demuestra
esa montaña rusa de melodías y sensaciones. En parte, y como siempre se ha
dicho y hemos reafirmado sobre Tino Casal, Battiato también es un visionario y “Personal
computer” y todo lo que plantea en su letra, podía ser algo poco común a mitad
de los 80. Estamos ante otra pieza muy vital en los teclados y sintetizadores,
que se acelera mucho en la parte final instrumental, en sus últimos segundos.
Una joya oculta de la obra es “Temporary road”, sobre todo por su ritmo
vibrante y el buen ánimo que transmite. Ésta es una composición ligera y
trepidante a ratos, en la que Battiato sigue introduciendo matices en inglés en
la canción como ese “Nena, te necesito.
Entra en mi vida”.
Quizás sea el último disco masivo de Battiato a nivel
internacional, ya que estimo que los siguientes “Fisiognomica” y “Giubbe Rosse”
no es tan bueno y luego Battiato ha proseguido su investigación musical con
volúmenes de discos de poemas y tal. Es curioso que aún en estos días no había
dado el salto definitivo a nuestro país, el cual se produciría poco después con
la edición de aquel disco “Nómadas” con varios de los clásicos del artista
adaptados a nuestra lengua, lo cual le reportó mucho éxito, sobre todo en la
nueva puesta en valía de “Yo quiero verte danzar”.
Este “Mondi Lontanissimi”, en cuya portada, además de la silueta de Battiato se aprecian referencias a las inquietudes del cosmos que invaden los temas de ciertas composiciones, como habrán podido escuchar y ya
les he ido comentando, fusiona la electrónica con los arreglos orquestales como
si nada. Y la verdad es que el resultado es bueno. Quizás las jóvenes
generaciones son las que menos podrían entender este disco y a pesar de su
cierto riesgo, es el sector de una cierta edad quien puede valorar lo que hizo
Battiato con “Mondi Lontanissimi”.
La obra incluye 3 grandes temas del universo de Franco
Battiato, como son “Via Lattea”, “I treni di Tozeur” y sobre todo “No time no
space”. Solamente porque en su interior guarda estas grandes canciones, valdría
la pena, pero es que también merecen atención otras piezas a priori ocultas
como son “Temporary road”. Prueba de que no hay que quedarse solamente en el
“Yo quiero verte danzar”, o como yendo ya muy muy lejos con “Centro de gravedad
permanente”, con Battiato, es este disco que hoy les he traído. Este artista
italiano es un grande, más allá de sus 2 grandísimos éxitos internacionales
mencionados, y sobre todo de 1979
a 1985 firmó unos lps realmente admirables y
sensacionales. Al menos a mi me gustan mucho; ustedes, ya me dirán.
Este miércoles a las 23.00h en RUAH y una hora más tarde en
&radio, podrán escuchar el Especial Bosé que hicimos sobre “Velvetina” y
que tanto éxito tuvo en su día, en su premiere en directo. Recuerden que a las
16.00h los sábados, es decir, hoy, pueden escuchar la repetición del programa
emitido el miércoles en la sintonía de RUAH y en &radio a la misma hora
pueden escuchar anteriores coloquios; creo que hoy toca la 1ª parte de aquel
Especial OMD En Directo que hicimos un calurosísimo día de agosto del año
pasado, rememorando el concierto que el grupo dio en Madrid un par de meses
antes. Mañana domingo, a las 16.00h, en la misma &radio es cuando podrán escuchar
la redifusión del programa de la semana emitido el miércoles, que les recuerdo
fue sobre Pretenders y su “Last Of The Independents”. Hoy a las 16.00h ustedes
deciden: o Pretenders en RUAH o coloquio sobre OMD en &radio.
Eran poco más de las 22.00h y el grupo no quiso comenzar de forma demasiado arrolladora, sino que se atrevió con las melodías de la sensual (con algún lejano toque medieval en sus notas) de “El buen amor”. “Necesitamos ese dolor, Santa María madre de Dios”, cantaba Carlos en los primeros compases del concierto, para que justo después ya se atreviera con canciones del nuevo disco “Desilusiones De Grandeza”. Del nuevo disco, el grupo, al igual que ya hicieran en la sala Taboo, no escatimaron ni una sola composición y lo presentaron de pe a pa (como debe ser, ya que estábamos ante su puesta de largo oficial). Uno de los primeros temas fue la apertura del disco, esa solemne “Señor, danos la victoria”, que Carlos se encargó que quedara bien marcada en el recuerdo de la audiencia de la sala cuando se dispuso a entonar esa frase de la letra “No tengas miedo, no tengas miedo, no tengas miedo a morir” con el puño en alto (lo verán en la siguiente imagen), lo cual quedó como una imagen muy rotunda. Carlos salió a escena con una chupa de cuero que se quitó a las pocas canciones, para quedarse con un chaleco cubriendo su torso únicamente, y llevó una de sus gorras habituales, parecida a la que trajo el día que visitó los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares para dar forma a 
Ya hay varias composiciones que tras algunas escuchas en su formato impreso y 2 conciertos, poco a poco van calando. Y en ese terreno “Hay más de una manera de provocar un incendio” funciona y mucho con ese marcado “Canta sin miedo” que polariza su estribillo. La Broma Negra no quiso esperar mucho a sacarla a relucir para que el café La Palma fuera animándose, si bien hay que decir que la buena disposición de los espectadores asistentes fue patente durante las 2 horas que el grupo estuvo en escena. Otra que es notable y bastante movidita y pop es “Una mujer enamorada es otra forma de terrorismo”. Esta canción se situó nuevamente en los compases finales de la actuación, incluida en el bis de 4 temas que el grupo dispuso como cierre definitivo.
Hay que ir valorando en su justa medida a “Desilusiones De Grandeza”, aunque todavía tardemos unas semanas o un par de meses en hacerle el post que se merece. Ya el disco desde su formato, con ese pack en forma de vinilo, con edición cd+vinilo (que por cierto esta semana vi en Fnac disponible y que, a modo de hacer un favor al grupo, a quienes consideramos amigos del blog y programa de radio, pusimos en primer plano del estante donde se situaba), demuestra elegancia y un trabajo hecho con esmero. La portada, con ese aire de tiempos pasados, y que los aficionados futboleros sabrán apreciar, es de una belleza plástica notable y además creo que transfiere sensaciones que en parte pueden evocarte las composiciones de La Broma Negra. Pero, hoy lo que analizaremos es su conexión en el directo. El grupo poco a poco se va sintiendo a gusto con las mismas en el escenario y eso ya se notó sensiblemente desde 
En el plano emocional y más sentido de las nuevas piezas del disco está “¿Quién era yo cuando era niño?”, que se situó en la parte mediada de la actuación y que junto a “Me vas a hacer llorar”, dio lugar a un sector muy intenso gracias a la buena interpretación vocal de Carlos. Y es que el vocalista del grupo nuevamente estuvo muy correcto en la actuación, aunque curiosamente volvió a patinar en esa joya ligera y deliciosa que es “Los sonetos”, aunque esta vez fue al comienzo de la canción y no en un enlace de las estrofas del estribillo. No obstante, supo salir bien del paso una vez más; se nota que Carlos tiene tablas; arriba de este párrafo una buena pose que le cogí.
En las guitarras Alex Gómez acompañó inestimablemente a las programaciones sintéticas, para darle ese punto de vigor y humanidad que concede a La Broma Negra una característica muy importante de su parte meramente musical. Cuando Carlos terminó las últimas palabras de “Los muertos”, Alex se quedó solo en el escenario, afilando un solo de guitarra que se dispuso sobre las últimas notas electrónicas de esta excelsa composición.
A modo de curiosidad, hay que apuntar que Alex recibió hasta en 3 ocasiones el calor directo del público de la mano de una seguidora del grupo que se atrevió a subir al escenario a plantarle 2 besos al guitarrista del grupo, lo que se refleja en la fotografía de arriba de este párrafo; toca muy bien la guitarra y es un tío muy majo, se lo tiene merecido. Además, no podemos obviar que en varias canciones aportó coros, como por ejemplo en “He tocado el cielo”, que fue donde más se le notó el refuerzo vocal o réplica que concedía a su compañero Carlos. Lo podrán comprobar en el video que hice con mi cámara de fotos, el cuál les dejo insertado a continuación.Analizando un poco más el set list y volviendo a mirar atrás, destacaremos como siempre ese gran momento que supone “Los reyes no morirán en su cama”, con dedicatoria especial a nuestro monarca a cargo de Alex Gómez, debido a los hechos ocurridos o revelados estos días y sin lugar a dudas la sorpresa vino de la mano de “Cenicienta”, la cual tomó parte del bis del concierto. En esta ocasión, La Broma Negra se sirvieron de una bailarina de nombre Laura, que bailó y bailó hasta el amanecer, tal como reza la letra de este clásico del anterior disco del grupo, mientras que Carlos, desde abajo de las tablas cantaba mientras contemplaba a su personal Cenicienta de la noche. Un instante de la interpretación de “Cenicienta” justo aquí abajo.
A modo de ausencias, lógicas, ya que si no el grupo tendría que tocar 3 horas y la verdad es que a La Broma Negra generosidad no se les puede reprochar a la hora de sus conciertos, ya que menos en 
Sintetizando, resumiendo y llegando a conclusiones. Primero de todo, afirmar que el nuevo disco de La Broma Negra “Desilusiones De Grandeza” es muy bueno y funciona muy bien en directo. Segundo, que el grupo pudo darse un baño de multitud con un café La Palma repleto, para compensar el aforo a medio gas de la sala Taboo, en esos siempre complicados jueves, que al estar entre semana suelen echar atrás a la gente. Y tercero, constatar que asistir a un concierto que lleven a cabo Alex y Carlos, Carlos y Alex, siempre es una apuesta segura, ya que esa puesta en escena tan elegante, con su ya clásico telón de fondo tan llamativo, por la profundidad de las letras y los ritmos oscuros, pero en muchos ratos bailables, del grupo, la experiencia va a merecer la pena.
Carlos Caballero, vocalista del grupo, me advirtió antes del concierto en la puerta del local, que al no haber tocado nunca en la sala no sabía qué tal iba a quedar el sonido. Pues sonó realmente bien y además esa característica de poder ver al grupo reflejada en proyectores en una de las paredes laterales de la sala, cuanto menos creaba una sensación curiosa. Bravo por La Broma Negra y felicitaciones por su actuación, ya que en todos los aspectos creo que resultó muy satisfactoria. Igualmente agradecer al grupo que nos tuvieran en cuenta para que hayamos podido dar cuenta de su concierto, ya que siempre es un placer para nosotros.
Se trataba de un evento gratuito, de esos que genera Myspace, asociado para la ocasión con Vodafone, en los que como te descuides, te quedas fuera, ya que los aforos se completan con 2 de pipas. En esta ocasión, por fortuna, estábamos acreditados en lista como medio de comunicación (recuerdo de un evento de estos con Mando Diao y Vetusta Morla en el que nos quedamos en las puertas de la sala), pero igualmente fuimos puntuales en la apertura de puertas para situarnos bien de cara a ver correctamente a Najwa en escena. Y fue una suerte, ya que la iluminación fue tenue a más no poder y a ratos el oscurantismo impregnaba la sala. Con todo, las fotos no nos salieron mal del todo.
Como todavía no he accedido al disco, lógicamente, ya que no está a la venta, los títulos de las canciones y llegar a identificarles cada una de ellas me será imposible; solamente conozco el adelanto de mismo título que el disco “Donde rugen los volcanes”, que si no recuerdo mal apareció en 2º lugar de la actuación. En esta pieza sugerente, misteriosa y latente, se pueden apreciar algunos guiños al disco “Carefully” de 2001, pero no es fácil de encontrar el paralelismo, ya que el simple hecho de que la letra es en español le da un revestimiento distinto.
“El Último Primate”, anterior disco de Najwa, era más clásico en su concepción instrumental, por mucho que pudiéramos ver una versión suya parecida el enfoque de “Donde Rugen Los Volcanes” en directo en aquella actuación en el 
Dentro de las composiciones, prima la electrónica, que en algunas composiciones se acercaba a las pistas de baile más exquisitas, y a ratos se adentraba en los mayores experimentalismos posibles; recuerdo en particular un tema en el que el efecto de los coros de Najwa se interrumpía periódicamente cada segundo, creando una especie de sensación de trance y en parte de exorcismo de lo más impactante. Najwa también incluía algún efecto de rapeo vocal en alguna canción, para sumar variedad a un disco que, dentro de los terrenos sintéticos, muestra distintas caras.
La actitud de Najwa nuevamente fue única. En casi toda la actuación se dejaba llevar por la música, siendo poseída por el ritmo y el baile se transmitía en su cuerpo claramente. Apareció con abrigo con capucha, prenda muy del gusto de Najwa (véanlo en la fotografía de arriba de estas líneas, en la que vemos detrás de Najwa a Raúl Santos afanado en las programaciones sintéticas que envolvieron el viernes a la Joy Eslava), para después quitársela y verla con el pelo algo más largo que el de Sinéad O’Connor; la verdad es que no le quedaba nada mal.
Vestida de negro, como ya se presentó en el 
En plan anecdótico, comentarles que Najwa también puso la mejor cara que pudo a un fallo de micrófono que hubo en la penúltima canción, y se animó a salir del paso con la canción utilizando 2 micros (lo cual se puede apreciar en la 2ª foto de este artículo) y también se dirigió de cuando en cuando al público con sus notas de humor, como cuando dijo algo como que en breve repetirían la actuación, pero esa vez cobrando entrada, que ya nos valía. Para esta ocasión Najwa no tuvo a bien incluir ni un solo tema de discos anteriores, siendo estrictamente una presentación de cabo a rabo del nuevo disco, sin mayor añadidura que se saliera del camino marcado. Abajo Najwa y Raúl Santos antes de empezar con la última canción.
Habrá que esperar a que tengamos el disco entre las manos para ir afianzando esta primera toma de contacto con el nuevo trabajo de Najwa, pero de momento las sensaciones son positivas y prometedoras. Quizás en “Walkabout” y “El Último Primate”, Najwa había dejado en parte de lado las inquietudes electrónicas de sus 2 anteriores discos, por los cuales siempre me ha gustado referirme a ella como la gran dama de la música electrónica de nuestro país. Con este último disco, parece que Najwa quiere volver a ese terreno y nosotros estamos encantados de que así sea. Termino agradeciendo una vez más a Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras que nos acreditará para dar cuenta de este interesantísimo evento que vivimos.
En la cara b, bajo mi punto de vista, están mis 2 canciones preferidas. Por un lado nos encontramos con la medio ska “Un hombre en mi nevera”, que nos cuenta esa historia delirante del hombre dentro de la nevera que se ventila todas las provisiones del pobre Iñaki que canta con un tono más agudo y liviano, que solamente se altera cuando advierte al cantar precisamente eso de “que hay un hombre en mi nevera”. No obstante, la mayor originalidad alcanzada llega de la mano de “Narcosis”. Este es el único tema en el que está incluida la firma de Iñaki Fernández en los créditos. Lo que te llama la atención es ese retorcimiento del sonido y esa distorsión buscando crear el efecto alucinógeno de los efectos de los narcóticos sobre los que divaga la canción. Eso del “Cuando estoy con una chica, tengo un síntoma muy raro, ¿será que Dios para que no peque me ha narcotizado?”, me suena a una historia de Carlitos Alcántara dentro de la serie “Cuéntame”; no en vano en esa serie ese personaje ficticio es de la quinta de los integrantes de Glutamato. También me tuvo un tiempo loco el discernir qué era lo que decía Iñaki al hablar de la narcosis en la mili, para posteriormente enterarte que no era nada de “porchino” ni cosas raras, sino “cochino” lo que decía. Una composición graciosa irreverente y que sumado sobre todo a “Holocausto caníbal” y “Un hombre en mi nevera” da lugar a un primer ítem discográfico de Glutamato Ye-yé realmente glorioso.
Interesante resulta “In fear of fear”, con esos saxofones y la notable línea del bajo. Aquí casi podríamos estar ante un ejemplo de pop gótico, porque la melodía, además de ser bastante bailable, tiene un toque animado, dentro de sus fantasmagóricas formas y adornos eléctricos que tiene. Atropellada resulta, sobre todo por la batería y lo inconexo de su melodía en general, “Muscle in plastic”, en la que se suman notas inquietantes de piano en ciertos momentos y en la que Peter Murphy va enloqueciendo poco a poco, de tal forma que se le va la cabeza bastante en la parte final, pareciendo que incluso mencionara el nombre del cantante de Bloc Party. En el sector intenso-gótico resulta muy acertada “The man with the x-ray eyes”. Aquí Murphy se centra mucho en las tareas vocales y la maquinaria sonora de Bauhaus suena quizás más ensamblada que nunca a lo largo del lp. El grupo, muy al estilo de lo que hacían también The Cure en sus primeros discos, termina con la canción que le da el título a la obra. “Mask”, la canción título, es una pieza asfixiante, muy siniestra, en la que la teatralidad de Murphy hace gran parte del efecto con esos quejidos y la solemnidad algo sobreactuada de su interpretación vocal. La música es distorsionada, lúgubre, afilada y, en todo caso, ajustada al sentir de este final tan intenso, que sorprende a propios y a extraños cuando en su parte final, con una producción cristalina y muy clara, irrumpen unas líneas de cuerdas acústicas para dar el cierre formal a la obra. No obstante, es propio que en las ediciones actuales se incluyan varios bonus tracks, que son algunas caras b de los singles, de las que resultan interesantes sobre todo esa suite en la que los nombres de los componentes conceden el título a la misma y que casi podríamos decir que es una especie de rock gótico-progresivo. El primero de los cortes, “In fear of dub”, no es ni más ni menos que una variación experimental de la “In fear of fear” que ya hemos escuchado en el track list principal. “Ear wax”, con ese devenir disoluto y fantasmagórico de Murphy en las voces se hace notar especialmente en los bonus. La que menos tiene que ver es “Harry”, con ese toque desnudo y alegre en su melodía, en la que no faltan ciertos guiños vocales de Murphy, que parece que en los momentos menos solemnes se le va la cabeza como ya vimos en “Of lilies and remains”, aunque he de decir que personalmente me gustan mucho esos arranques que Murphy tiene de cuando en cuando. “Satori”, la última de todas las piezas, es una instrumental de prominente base rítmica.