Primeramente, decirles que “Discos, música y reflexiones” ya ha tomado el primer contacto en serio con la radio. El pasado lunes en Radio Universitaria de Alcalá de Henares, realizamos la grabación del primer programa piloto. La experiencia fue muy positiva y agradable, algo estupendo; el resultado: prometedor. Para este próximo lunes tenemos fijada la grabación del 2º ensayo. Si los resultados son positivos, no tardaremos mucho en estar en las ondas. Ya les daré los detalles del horario definitivo, pues creemos que finalmente no será a las 17h, sino un poco más tarde (se están mirando las 23 o 00h), debido al público al que está dirigido el contenido. Esperamos que en breve nos puedan escuchar en http://www.ruah.es/ o si residen en Alcalá de Henares en el 107.4 FM, ya que fuera del término municipal es probable que no cojan la señal. Dicho esto, pasemos a lo que toca hoy.La propuesta de esta semana nos permite seguir moviéndonos en la mitad de la década de los 90, pero en esta ocasión con un estilo y artista bastante alejado de Suede. También me estoy dando cuenta de que en este 2º año de “Discos, música y reflexiones”, hemos aumentado notablemente el porcentaje de representación española en las revisiones. Es un tremendo honor para mí hablarles esta semana del maestro Kiko Veneno. José María López Sanfeliu, nombre real de Kiko Veneno, es un músico que lleva más de 30 años dando alegrías dentro del mundo de la música y que curiosamente su éxito o reconocimiento le llegó algo tarde.
De todos es sabido que allá por finales de los años 70, en estrecha colaboración con Raimundo Amador, Kiko Veneno dio forma al disco propiamente titulado “Veneno”. Este trabajo está considerado como una obra de culto, que en su día paso algo inadvertida, pues en palabras de uno de sus creadores, estuvo quizás algo adelantada a su tiempo. Sin embargo, según afirmó Kiko en una entrevista a la cadena Sol Música, es uno de los discos más vendidos dentro de la serie media española. Al poco tiempo el sr. Veneno consiguió su primer triunfo personal, aunque como compositor, debido a “Volando voy”, que popularizó el mítico cantaor flamenco Camarón de la Isla.
En los años 80, Kiko Veneno pasó algo de puntillas, con algún que otro disco como su primer lp en solitario de curioso título “Seré Mecánico Por Ti”, siendo quizás lo que más recordará la memoria colectiva aquella mítica aparición en el programa “La Bola De Cristal”, caracterizado como un peculiar y alegre Frankenstein, cantando la canción “Me siento tal feliz”; si les pica la curiosidad, dicho video es muy fácil de localizar en el portal youtube.com.
Sería en los primeros años 90 cuando gracias a tu estupendo trabajo “Échate Un Cantecito”, Kiko alcanzaría su verdadero éxito comercial. Canciones como “Lobo López”, “Joselito”, “Echo de menos” o “En un mercedes blanco”, justifican la buena acogida popular del trabajo. Como apunte anecdótico, mencionar que en el clip grabado para la última canción citada en la anterior relación, aparecía Raimundo Amador. Las señas de identidad del estilo de Kiko Veneno están muy presentes en esta obra: un rock con claros influjos aflamencados, que tan buen ritmo transmiten, y sobre todo muchas ganas de pasarlo bien.
He tenido a bien escoger su siguiente disco a “Échate Un Cantecito”: “Está Muy Bien Eso Del Cariño”. A día de hoy tengo serias dudas de cuál de los 2 trabajos es mejor, y he de decirles que resulta muy difícil decantarse por uno o por otro. Quizás el hecho personal de que “Está Muy Bien Eso Del Cariño” fuera el disco con el que conocí a Kiko Veneno y que el mismo esté asociado a unos meses muy felices de mi vida, sea lo que ha jugado a favor de su elección. Démosle al play y pongámonos a escuchar este entrañable álbum.
“Lo que me importa eres tú” abre de forma animada el disco. Claros signos de rock con influencias andaluzas en su sonido. Aunque si cabe se verá más deje andaluz en el siguiente corte “Veneno”, sobre todo en la forma de cantar de Kiko Veneno. La mayor alegría e ímpetu, vienen anexadas a “Dime a”, tercera canción del álbum. En esta pista, los instrumentos de viento le dan una tremenda fuerza a la canción y la consagran como uno de los momentos más animados de la obra. En la letra de la misma, Kiko no puede evitar hacer un guiño a sus colores futbolísticos cuando dice eso de: “Dime a, dime ámame, dime b, dime bésame. “Musho” Betis, “musho” Betis eh”. Mucho ritmo y animación para una canción que también llegó a sonar en las radios, aunque no tengo tan claro que fuera editada como single. Uno de los aspectos que más va a caracterizar a “Esta Muy Bien...” es la seriedad dentro del ritmo y también la cantidad de canciones con una fuerte carga sentimental en su sonido. El primer ejemplo viene de la mano de “Estaba lloviendo”. Desde los coros que acompañan a Kiko, hasta los tarareos aflamencados que introduce de vez en cuando el cantante, todos apuntan a un sonido muy entrañable y sentido. De igual manera, en la letra se incluye algún dicho de esos tan apañados como “las flores del campo no tienen maceta”. “Respeto” es de alguna manera la canción que da título a la obra en global, aunque no derivado de su título propiamente dicho, sino que dicha frase está incluida tal cual en mitad de la letra. Con “Respeto” no abandonamos la vena o la senda de canciones sentimentales. Recuerdo una vez a Kiko en un programa de música de tve al estilo de aquellos “Música Sí”, en el que salió interpretando esta canción. Una composición que para abundar en su carácter sentimental, trata sobre el amor y sus diferentes aspectos. El estribillo nos dice cosas como “Está muy bien eso del cariño, yo me comprometo. Pero no me des un dulce como a un niño, te estoy hablando de respeto”. El sonido de la guitarra eléctrica en una parte de solo mediada la canción, es igualmente estupendo en lo que se refiere a lo estrictamente instrumental. Bonita y emotiva canción sin lugar a dudas.
Llega el turno de escuchar uno de los temas abanderados del disco, “Hace calor”. De las pistas de sonido más pachanguero y desenfadado, pero sin llegar a extremos de puro cachondeo que a veces incluyo el sr. Veneno en sus obras como la futura “Los notas del retumbe” de su trabajo “El Hombre Invisible”. La canción levemente va ganando intensidad instrumental, ya que empieza de forma muy esquelética, y termina con una mayor carga sonora y varias voces apoyando a Kiko, repitiendo la proclama del título de la misma. El video promocional grabado, filmado en blanco y negro en unas sofocantes calles de casas de paredes blancas, tan propias de los pueblos andaluces y con lo que se intuye un sol abrasante a las horas centrales del día, recrea perfectamente esa situación de asfixia metereológica que describe Kiko en este tema. “Hace calor” es la canción con la que conocí a Kiko Veneno y siempre he tenido una especial debilidad por ella al recordarme buenos tiempos pasados. “Viento de poniente” vuelve a las texturas de mayor seriedad del lp. También es de las canciones con un mayor influjo flamenco en la forma de cantar de Kiko Veneno en la obra. Llegamos al otro momento inolvidable del álbum. “Memphis blues again” es una adaptación de Kiko Veneno de una canción de Dylan y me parece que también fue un tema muy apropiado para aquel verano de 1995. Dispuso de un desternillante video en el que aparecían personajes como Popocho de la Orquesta Mondragón, Pablo Carbonell (con pintas de guiri atolondrado, con esas sandalias, americana y pantalón corto) y Santiago Segura, no muy conocido todavía por aquellos tiempos, haciendo en el video de director del clip que se intenta grabar dentro del propio clip. Lo más gracioso es cuando este curioso equipo de trabajo presenta el videoclip resultante a los empresarios de la discográfica al final del video. Están todos encantados con el resultado, pero posteriormente se ven atacados por los enfurecidos directivos de la casa de discos, al ver en qué se han gastado el presupuesto del que disponían. Finalmente terminaban tocando los 4 en la boca del metro de La Latina, recopilando las monedas que les tiraba el respetable. En ese final del video, se veía a Kiko siendo objeto de la efusividad de señoras de más de 60 años, en lo que podría ser un reflejo de esa frase de la canción “las señoras me tratan amable, me van a llenar de cintas. Y en lo profundo, deep in my heart, sé que no tengo salida”. Lo más recordable de esta canción es ese estribillo con el sostenido “Oooooh mama”. Una alegría de canción sin lugar a dudas. “La casa cuartel” es otro de los momentos de mayor carga emotiva después del desparrame de “Memphis blues again”. El disco termina con “El lince Ramón”, que vuelve a sonar de una forma más divertida. Podría ser una vuelta de tuerca a “Lobo López” y sin duda una continuación de la tradición de Kiko Veneno de crear canciones con títulos combinando nombres propios y nombres de animales.Gracias al éxito de los sencillos “Hace calor” y “Memphis blues again”, “Está Muy Bien…” fue un disco que reportó un importante éxito comercial a Kiko. En aquel sofocante verano de 1995, bastante parecido al que hemos vivido estos meses atrás, la canción “Hace calor” sirvió de perfecta y apropiada sintonía para aquellos días. La portada del disco está diseñada por Mariscal e incluye una especie de animalito con guitarra al cuello o mejor dicho pegada a él. No es otra cosa que la particular representación que hace de Kiko Veneno el que fuera creador de Cobi, aquella mascota de Barcelona 92. Es la formalización en imagen de lo que es en realidad el “Lobo López”.
Sumado a su anterior lp “Échate Un Cantecito”, “Está Muy Bien…” sirvió para consagrar definitivamente a Kiko Veneno como un reconocido músico a nivel nacional. Ayudó mucho la promoción que tuvo el disco en los 40 principales y en Canal +, con la aparición de los videoclips de “Hace calor” y “Memphis blues again” de forma bastante frecuente.
A partir de esta época, Kiko Veneno sería llamado a colaborar con artistas más jóvenes que él y muy recientemente se juntó con Los Delincuentes, Muchachito y Tomasito para formar el proyecto G-5. El resultado fue el disco “Tucaratupapi” con alguna notable canción como “40 forajidos”, la cual tenía un desternillante videoclip con Kiko Veneno caracterizado como un sheriff bigotón.
Posterior a “Está Muy Bien...”, llegaría el turno al lanzamiento del disco “La Familia Pollo”. Un disco con un carácter más festivo y gamberro, y con menos carga emotiva que la del lp que hoy hemos revisado. El cachondeo se ve en canciones como “Se han llevado las toallas” o la propia “Feos”. Recuerdo una interpretación de “Feos” precisamente en un “Caiga Quien Caiga” de su época gloriosa con Wyoming al frente, en la que durante la misma se veía a un Juanjo de la Iglesia bastante entregado; muy curioso.
Anterior a este destacado trabajo también se lanzó el no tan escuchado disco “Punta Paloma”. Sin embargo, dentro de “La Familia Pollo” había lugar para canciones tan bonitas como “Coge la guitarra”, una de mis favoritas de toda la trayectoria de este músico. A día de hoy, y tras cumplirse 4 años de su anterior trabajo “El Hombre Invisible”, del cual destaco “Bilonguis” (no se dejen llevar por el título, es un tema muy emotivo y de sonido muy serio), Kiko Veneno ha realizado una gira este verano presentando las canciones que formarán parte de su próximo trabajo.
No me perdono haberme dado cuenta de forma tardía esta semana, que el sr. Veneno fue escogido para uno de los conciertos programados en las Fiestas del Barrio de la Elipa hace unos días atrás. Hubiera ido de cabeza a verle. Por fortuna, ya he tenido ocasión de ver a Kiko 2 veces. La primera fue en el concierto “Pobreza Cero” de la primavera de 2006 en el Palacio de los Deportes, junto a Revólver, La Unión, Iván Ferreiro e Ismael Ló, y la 2ª fue en el festival Universimad de 2007. En aquella ocasión llevé mi cámara de fotos, inestimable compañera, y escoltando el presente párrafo les dejo las mejores fotos que conseguí del evento.
Resumiendo y poniendo punto y final por esta semana, Kiko Veneno es un artista muy reconocido a día de hoy y muy querido por casi todo el mundo. Sus canciones generan habitualmente muy buen rollo y también saben tocar la fibra sensible cuando él lo estima oportuno. Que una canción como “Echo de menos” fuera homenajeada hace unos años en “El Otro Lado De La Cama”, demuestra que a este músico se le tiene presente. “Está Muy Bien…” es quizás junto a “Échate Un Cantecito” su mejor disco como ya mencioné antes. Particularmente me gusta ligeramente más que “Échate Un Cantecito”. Rompemos hoy con la costumbre que tengo de proponerles música que considero acorde a la época del año en que nos movemos. Quizás la escucha de este disco sea más propicia para el mes de junio, cuando comienza el verano, pero creo que siempre es un buen momento para recuperar la música de este maestro.
Finalmente fui más acompañado de lo que esperaba al concierto, lo cual hizo más agradable la tarde/noche. Tras una contusiva experiencia en los coches de choque, en los que salí con la espinilla hecha fosfatina, llegamos al parque Finca Liana y me sorprendió la cantidad de gente que se había congregado para ver el concierto. Conseguimos situarnos en una decente 6ª fila, aunque algo escorados hacia la derecha del escenario, tras previamente haber localizado una siempre inestimable fuente de agua potable, para poder llenar el buche antes de meternos entre la multitud. El cielo estaba muy nublado y amenazaba lluvia. Ya es casualidad que no había llovido ni un solo día que recuerde en este verano, y que el sábado al tiempo caprichoso le diera por ponerse así. Por fortuna no rompió a llover intensamente, no pasando de 4 gotas puntuales, que no propiciaron la suspensión del concierto, pero que si nos metieron el miedo en el cuerpo a más de uno. Las fotos que pude sacar, no están del todo mal, aunque quizás algo oscuras; les iré intercalando las mejores a partir de este párrafo. Una de las bondades principales que tienen estos conciertos, aparte de ser gratuitos, es que hay libertad total para hacer todas las instantáneas que desees.
Puntualmente el sr. Goñi apareció en escena con sus compañeros actuales. Ataviado con una seria americana, pantalón y botas negras, no noté que hubieran pasado 3 años desde la última vez que tuve a Carlos delante. Empezó con la fuerza y arrojo que desprende “Duro de llevar”, tema que fue resarcido al ser el abanderado del volumen 3 de los conciertos “Básico” de Revólver. Este tema, no obstante data de 2000, de aquel estupendo y genial disco llamado “Sur”, dentro del cual se encontraba también la siguiente canción del repertorio: “Sara”. Emotiva composición con nombre propio, y de las contadas que Carlos tiene en su repertorio dirigidas a alguien en particular.
Siguiendo con el apartado de “Sur”, también dispusimos de la brutal “Faro de Lisboa”, a la que Goñi introdujo diciendo algo como: “nunca he entendido eso que dicen las folclóricas de querer morirse en el escenario… Yo, el día que dé mi último concierto, que tened por seguro que lo daré, habrá una canción que seguro que estará incluida y será ésta”. Sobran las palabras ante un estribillo tal como “Faro que alumbras al mundo por encima de la tempestad, devuélveme la esperanza y que brille mi estrella, pero no en soledad; oye mi voz, mi última oportunidad. Faro que alumbras al mundo, alumbra mi vida”. Sobrecogedor. Sirvió como el fin de la 2ª parte del concierto, esa en la que se incluyen las versiones acústicas y como preludio de los bises que corresponderían. También canción abanderada de “Sur”, “San Pedro” no pudo faltar a la cita. Estupenda canción de rock accesible y que describe lo que yo siempre he considerado un amor loco, de esos veraniegos cuando vas con la familia a la costa cuando eres jovencito. Se puede intuir en frases como las del estribillo: “Nos prometimos el mar…”; recuerda a las tonterías que pueden decirse mutualmente 2 adolescentes embelesados. Nuevamente fue acongojante oír a toda la audiencia cantar a voz en grito, permitido por Carlos, el inicio desde “Una noche de buen vino y de mejor compañía…” hasta “…en la villa de San Pedro, vi el paraíso en su boca”. Sin posibilidad de discusión, de los momentos más disfrutados del concierto.
Hablando ya a propósito de los momentos álgidos, destacar igualmente el combo formado por “Tu noche y la mía” y “Odio”. Se dispusieron en la parte incipiente del concierto. La primera de las citadas, nuevamente regaló otro momento de lucimiento del público, entonando todos juntos de forma más que emotiva, la primera parte de la canción. Supongo que a Carlos se le debe erizar el vello de la piel al escuchar a la audiencia tan entregada coreando sus versos. Una de las canciones más bellas jamás compuestas por Goñi. Fue anecdótico que Carlos se quejó que nunca le sale bien la intro de la canción, y se puso mano a mano con el acordeonista a darle a la guitarra antes de identificar los acordes más reconocibles del tema. “Odio” fue un momento de baile y desparrame. El músico reconoce que es de las pocas canciones de sonido alegre que tiene, aunque la letra sea un descargo total contra todo lo que le molesta. Otra vez el público estuvo a la altura para gritar ese “siempre me joden la canción” dedicado a los “disc-jockeys asesinos” que menciona Carlos.
No podemos dejar de lado que el concierto estaba encuadrado dentro de la gira de presentación de “21 Gramos”, último trabajo de Revólver. De este disco, aparte de los singles “Tiempo pequeño”, curiosamente incluido en los bises, e “Y pasa el tiempo”, dispuesto en la mitad de la sección acústica, se presentaron la canción que da título al disco y “Clarisa”, nada más terminar ese combo del disco “Sur” con el que se inició el show. Quizás fueron las mejores elecciones que se pueden extraer de su último lp. “Y pasa el tiempo” es un tema que me resulta simpático y es llevadero. “Tiempo pequeño” nos ayuda a recordar al Goñi más épico en su sonido, aunque hay que decir que está lejos de “El dorado” o “No va más”. Sin embargo, eché en falta “Todos somos capitanes”; no sé por qué, pero me gusta esta canción, además de que me parece gracioso el título.
Acabo de citar “El dorado” y “No va más”. Ambas aparecieron por fortuna en el concierto y además tuvieron lugares privilegiados dentro de la estructura o el orden de salida de las canciones. “El dorado” sirvió como fin del primer núcleo de la actuación, que posteriormente se retomaría con la parte acústica. Este tributo a los padres por parte de Carlos, volvió de forma muy acertada a alargarse más de 10 minutos, debido a la parte de solo de guitarra que mete Carlos en mitad del tema, para disfrute de los que acudimos al espectáculo. Intensa, emotiva y un clásico de Revólver sin lugar a dudas, que nunca ha de faltar en uno de sus conciertos. “No va más”, canción que no siempre apareció en los conciertos previos que vi de Carlos, tuvo el honor de ser el tema que cerró el concierto. Se aprovechó de forma clara para echar el resto y terminar con una explosión de energía e intensidad que dejó a la gente con ganas de mucho más. Se pidió de forma insistente otra canción y debido a ese empeño que noté, hasta llegué a dudar unos segundos si caería una propina extra más, aunque el show ya se notaba que había llegado a su lógico final. Habían transcurrido 2 horas y de lo bien que lo pasamos, nos pareció un concierto de una hora y cuarto como mucho. ¡Qué rápido pasa el tiempo cuando estás disfrutando!
En el apartado de las baladas más sentidas que aparecieron en la noche del pasado sábado, hay que citar las 2 que abrieron la parte acústica en la que Carlos se sienta en su banqueta, guitarra acústica en mano y solo ante el peligro y armónica al cuello, se dispone a susurrar esas palabras de amor que con tanta emoción escribe. Esto queda más que evidente con la elección de esta noche: “El esclavo de tu amor” y “Esta noche tengo más de lo normal”. Canciones brutalmente emotivas y que se vuelven más intensas aún por cómo las canta Carlos, acompañado del melancólico sonido de su armónica.
Tras terminar con los últimos acordes de “Esta noche tengo más de lo normal”, Goñi dio entrada de nuevo al resto de la banda, para los que tuvo un bonito detalle de reconocimiento al dedicarles a ellos el concierto y afirmar ante los que allí estábamos, que de todas las formaciones con las que había tocado en sus 20 años de carrera, era sin duda la mejor de todas. Parece ser que lo decía de forma sincera y le creo. Se me olvidaba, “Hay besos” de “21 gramos” también fue elegida para formar parte del track list y apareció en este núcleo de 4 canciones, que como ya cité antes, se completó con la sobrecogedora “Faro de Lisboa”, a cuya interpretación pertenece la instantánea de abajo.
Bueno, creo que en esta ocasión he comentado todas las canciones que salieron menos “El roce de tu piel” que estuvo situada en medio del ajetreo del núcleo principal del concierto. Para quien le interese, aquí dejo a continuación el track list en el orden que fueron apareciendo las canciones: “Duro de llevar”, “Sara”, “Clarisa”, “21 gramos”, “Tu noche y la mía”, “Odio”, “El Roce de tu piel”, “San Pedro”, “El Dorado”; Parte acústica: “El esclavo de tu amor”, “Esta noche tengo más de lo normal”, “Hay Besos”, “Faro de Lisboa”; Bises: “Tiempo pequeño”, “No va más”. Total, 2 horas de concierto ni más ni menos, de una calidad a prueba de bombas.
Digamos que en apartado de los “debe” o de lo mejorable, hay que destacar que a pesar de la calidad indiscutible del set list escogido, hubo muy poco lugar a sorpresas. En otras ocasiones, Carlos metía algún tema que te dejaba completamente fuera de juego. Recuerdo que fue muy grato escuchar “Esperando mi tren” en aquel 2º concierto que le vi a finales de junio de 2005, en mitad de una calle del barrio de Ascao. También fue curioso escuchar en Coslada al año siguiente “Mi rendición”. Aquí no hubo lugar a las rarezas excesivas. Pero bueno, quizás esto sea quejarse de vicio o simplemente sacar alguna pega; en el fondo lo hago por si el bueno de Carlos algún día da con el blog de un servidor, para que no se lo crea tanto y siga currándoselo.
Sobre la 1.30h de la madrugada llegó el final y tras reponer el depósito de agua de mi cuerpo (no imagináis la envidia que me da Carlos en sus conciertos cuando bebe agua y nos dice “brindo por vosotros con agua, nada más y nada menos”, y me doy cuenta de que otra vez se me ha olvidado llevarme una botellita fresquita), nos dirigimos hacia mi humilde coche para retornar a casa y salir lo antes posible de un pueblo tan caótico, circulatoriamente hablando, como es Móstoles (no me extraña que se examine ahí para el carnet de conducir). Mención especial desde aquí al sr. Pere Navarro y la excelente señalización del desvío que existe al dejar la A-5 y coger la M-40, que te dice que al aeropuerto y A-2 se va mejor dando la vuelta al círculo por Boadilla… Sí, seguro.
Tras dejar a mis acompañantes en casa camino de la mía, me acosté a las 3.30h tras no haber dado excesivas vueltas para encontrar sitio en mi barrio, que actualmente se encuentra en estado de sitio, debido a las obras de unos nuevos aparcamientos, de los que al menos sacaré mi deseada plaza en propiedad de aparcamiento cuando terminen; ni se imaginan la calidad de vida que ganaré.
Otro de los sencillos, en este caso el 2º, fue “Beautiful ones”. Es una canción de sonido más que parecido a Trash, pero quizás con un punto menor de heroicidad en el tono de la misma. La melodía pegadiza y el ritmo estupendo de los versos de la letra, sobre todo al comienzo de la misma, son sus principales valedores a la hora de afirmarles que estamos ante otra gran canción de Suede. Los tarareos de Brett hacen al tema mucho más ligero y nuevamente la intensidad que muestra en la parte final cuando se desgañita subiendo algunos tonos en su registro más agudo, ayudan a valorar si cabe más a esta pista. Muy destacable son las notas de la guitarra eléctrica al inicio de la canción. Efectivamente, me gustan especialmente esos acordes de la guitarra eléctrica en los primeros segundos y también la parte final en la que se alcanza el mayor nivel de intensidad por parte de Brett, moviéndose entre varios falsetes y su tono habitual de voz. A continuación se presenta “Starcrazy”, que es otro de los momentos de mayor rabia guitarrera y rockera. “Picnic by the motorway” tiene un extraño sonido de conformismo en la parte de su estribillo, también apoyado por la letra del mismo: “qué día más bonito” ante la descripción de la sórdida realidad que nos proyecta: “Compraré una botella y nos la beberemos entre la polución…”. Destacan los teclados y las notas disonantes que existen adornando la canción. El momento de sonido más ñoño (no se aprecie aquí matiz peyorativo alguno), viene de la mano de “The chemistry between us”. Me respaldo en esos “la-la-la-la” de carácter tan inocente para afirmar el enfoque bucólico de esta canción, que se encuentra en las antípodas de “Filmstar” por ejemplo. A pesar de decirles que es una canción algo ñoña, he de reconocer que me encanta. “Saturday night” fue otra de las canciones que se extrajeron del álbum. De mejor resultado que “Lazy”, es uno de los momentos de mayor melancolía y tristeza de la canción. Resultando bastante emotiva, no llega a esos niveles opresivos que aportó al inicio “By the sea”, pero creo que de las 10 canciones que componen “Coming Up” es la más apropiada para darle carpetazo.
“A sigh” es una pieza casi acústica y de las más sentidas del disco (y eso es decir mucho). En esta parte central, tan solo será “Silent house” la que tendrá algo más de intensidad, sobre todo en la parte final de su estribillo, ya que “English trees” es tema suave y un sentido homenaje al desaparecido anterior batería de la banda. En cierta parte de la letra parece haber una absolución entonada por Neil cuando dice “todos tus crímenes están perdonados”. Por decirlo de alguna manera es el “Wish you were here” particular de Crowded House, apoyada en un sonido suave y sentido. La verdadera joya de la corona, desde mi punto de vista, es “Walked her way down”. Es el tema más enérgico del disco, ayudado sobre todo por Finn y su entrega. El sonido de las guitarras suena con mucho arresto y es una canción única en su especie dentro de este relajado y sentido lp. Quizás este hecho hace que destaque más respecto a las otras. “Transit lounge” es el tema más experimental del disco. Con arreglos electrónicos y ciertas programaciones, con ayuda de acertados coros femeninos, se crea una composición para disfrutar de largas estancias en los aeropuertos. Finn alterna momentos susurrantes con otros de mayor intensidad en lo que a la voz se refiere. “You’re the one to make me cry” es una importante balada, que siguiendo en la línea de buscar ejemplos comparativos con otras canciones anteriores de la banda, me recuerda mucho a “You’re not the girl you think you are” y no me refiero únicamente al título. Instrumentalmente destaca por sus arreglos de corte clásico, que le dan mucha elegancia. Estupendo final (otra semana más) de la mano de “People are like suns”. Se me quedó muy marcada esa frase que dice “la gente son como soles, están ardiendo en su interior”. Tiene un regusto optimista que me gusta para terminar un disco muy humanizado.
Aquel día, curiosamente, la seguridad estuvo bastante permisiva. Por ese motivo, les dejó flanqueando estos párrafos las mejores instantáneas que pude sacar. La situación, como los seguidores habituales de este blog sabrán, cambió radicalmente un mes y medio después en el concierto de Interpol. El concierto duró hora y tres cuartos. Estos australianos, prepararon una exquisita selección de las mejores canciones de la historia de la banda y varios temas del disco hoy presentado. Echar en cara a Neil y sus compañeros dejar de lado “Walked her way down”. Hubo instantes sumamente emotivos, como por ejemplo cuando sonaron los acordes de “Don't dream it's over”.
Time On Earth se puede considerar un perfecto ejemplo de orgulloso y magnífico regreso. Es cierto que comercialmente hablando y en lo que a repercusión mediática se refiere, el resultado no fue tan importante como los picos de popularidad que alcanzó el grupo en 1986 o 1996 gracias a temas como “Don't dream it's over” o “Weather with you”. Lo que desde aquí les estoy valorando como orgulloso o acertada reunión, estriba en la calidad de la obra entregada. Canciones como “English trees” o “Walked her way down” lo justifican. A nivel personal he de destacar también, que en aquel concierto tuve la ocasión de conocer en persona a Neil Finn y a Mark Hart. Con el primero no pude más que estrecharle la mano y con Mark al menos le pude comentar que 5 años atrás le había visto actuar con Supertramp.
Estos muchachos cuentan en su discografía con una buena colección de canciones delicadas, emotivas y muy elegantes. Al hablarles de Prefab Sprout hace unas semanas, ya busqué sacar comparativa entre ambas bandas. Por fortuna, el paso del tiempo y la larga interrupción de actividad de la banda en conjunto, no mermó su buen hacer a la hora de componer canciones. Lo único que sucede con estas bandas medianas, es que cuando paran y regresan, es complicado que vuelvan a suscitar el mismo interés que tuvieron en su primera parte. Hay varios ejemplos: Tears For Fears, The Lightning Seeds etc.
Lo que sería la cara “b” del vinilo, supondría un reparto más desigual entre las canciones que lo componían, ya que tanto “Saint Tropez” como “Seamus” no llegan a los 4 minutos y no dejan de ser un ligero aperitivo para la obra maestra del disco que hoy revisamos: “Echoes”. “Saint Tropez” supone el estreno al micrófono de Roger en el disco. Tiene un sonido vagamente cercano al blues, sobre todo por las notas de piano que incluye. “Seamus” ya introduce esos matices tan peculiares que les gustaba meter a los Floyd en sus obras. Sobre unos ladridos nerviosos de perro, se dispone una marcada guitarra acústica, para sustentar el escaso devenir vocal de David. Hemos llegado al gran momento de la semana, y en consecuencia del álbum revisado. “Echoes” es una perfecta sinfonía, llena de matices, experimentación en los sonidos, el origen de los mismos y la producción. Una obra de 20 minutos de duración, que fue justamente homenajeada al concederle el mérito de darle título al “grandes éxitos” de la banda. La psicodelia viene de la mano de sonidos retorcidos, con un punto de cierto oscurantismo (pero no gótico) y el misterio habitual que casi siempre ha desprendido la banda. Es difícil analizar un tema de tan basto metraje. Sumergirse en la misma y navegar por su más de cuarto de hora de música, es una experiencia recomendable a cualquier apasionado de la música moderna que se precie. Su complejidad de elementos es tal que es muy difícil citarlos todos. Destaca esa intro en los primeros 2 minutos, con un fuerte regusto misterioso, que dará paso a la sección de sonido acústico, más en concordancia con la parte central del disco. Posteriormente se entra en la parte más psicodélica y enrevesada con estridentes sonidos agudos (según he oído por ahí, de ballenas), que ayudan a darle esa pincelada oscura. Para cerrar se vuelve a la estructura de la parte vocal tras la introducción, pero ya con una mayor carga instrumental, menos acústica. Se termina el disco con ese sonido de tormenta de viento huracanado, con el que se nos daba la bienvenida. Algo así, como haber sido atravesados por un tornado y haber estado disfrutando de la música en el ojo del huracán. Terminar el disco con esta canción, hace que te quede una idea más fortalecida de que lo que has estado escuchando merece mucho la pena.