Últimamente no sé por qué motivo me asaltan dudas, dudas, dudas y más dudas a la hora de elegir el disco de cada semana. Para esta ocasión se me habían juntado “sobre la mesa” 3 tentadoras propuestas, que aunque todas estuvieran encuadradas en la década predominante en el blog de los 80 y vayan a desembocar en el pop, tienen sus orígenes muy bien diferenciados. Los 2 descartes, que tendrán su momento en las próximas semanas los mantengo como secreto de sumario. Echen cuenta de qué grupos no hemos visitado todavía, y si quieren hagan sus apuestas.Para estos 7 días que poco a poco nos irán introduciendo en los que serán los más cálidos y largos del año, anticipo feliz de las vacaciones de muchos, me he decantado por la artista individual que se encontraba en el trébol de candidatos, en detrimento de las 2 bandas postergadas. Cynthia Anne Stephanie Lauper fue y es un claro icono pop de los años 80, a pesar del duro eclipse al que siempre se vio sometida por Madonna.
Escogemos su debut, que fue editado en 1983 y que se puede considerar como uno de los discos pop por excelencia de la mal llamada por algunos “Década De La Decadencia”; entiendo que dicha acepción sería por el género rock más clásico. Disculpen mi falta de originalidad si esa mención de “disco pop por excelencia” la haya usado ya en alguna ocasión. En todo caso, creo que de los discos revisados hasta la fecha es el que se lleva la palma claramente. Expliquemos por qué.
El uso de las melodías de teclados fantasiosas, de un fuerte carácter entrañable, van a ser protagonistas en gran parte de las canciones que conforman el álbum de título tan aplicable a Cyndi “Ella es tan fuera de lo normal”. Un pop en sentido estricto, que tras varias pasadas al lp, resulta más caluroso y menos inmediato de lo que nos puede parecer tras la primera escucha.
Ejemplo de ese recurso tan hipnotizante de las melodías de teclados es “Money changes everything”. Nada que ver con el notable tema instrumental que tienen por ahí perdido The Smiths, no se confundan. Desviándome a lo personal, decirles que accedí a Cyndi Lauper a través de su recopilatorio “The Best Of”, que es uno de los principales que tiene la cantante junto a “Twelve Deadly Cyns”. Ambos son de color rojo y con foto de la artista con sendos sombreros; pamela de ala muy ancha en el 1º y bombín cabaretero y rojizo en el 2º. El caso es que en el que yo me compré, no aparecía esta canción, pero sí que estaba incluida en el otro que tenía un ex-amigo (del que afortunadamente perdí la pista) que no llegué a escuchar. No sería hasta que conseguí este lp clásico en la discografía de la artista cuando me di de frente con esta irresistible canción. La agudísima voz de Lauper y su desenfadada forma de empezar la letra, con un enfoque algo rockero y desgarbado, contrastan con la música de la misma con una melodía de 5-6 notas de teclado que se clavan en tu mente de forma muy profunda. La historia que se cuenta es el abandono por parte de Lauper de su chico, aludiendo a que “el dinero cambia todo”. Resulta impactante el comienzo con ese “te diré que lo siento cariño, pero esta noche te dejo. Encontré a alguien nuevo, que está esperando afuera en el coche…”. Aunque lo que principalmente se te queda en la retina son los mencionados tecladitos, es destacable la línea de guitarra rítmica que hace de sostén principal del esqueleto musical de la canción. Reitero que la novedad viene de la mano de una actitud rockera en la forma de cantar de Cyndi, mezclada con una descarada melodía pop. ¿El resultado? Pues, como diría por estos tiempos U2, magnífico. Si este inicio les ha gustado y les ha emocionado, cojan fuerza, ya que en los siguientes temas no encontraremos momento para descansar. Sin ir más lejos la 2ª canción de “She’s So Unusual” es uno de los clásicos eternos de Cyndi, “Girls just wanna have fun”. Fue uno de los videos pioneros en emitirse en la nueva MTV por entonces y no paraba de ponerse una y otra vez. Hilarante clip en el que Cyndi volvía locos a sus supuestos padres (impagable esa especie de italoamericano a lo Pavarotti pero en plan sucio y churretoso) y terminaba montando una fiesta enorme en su cuarto con algunos personajes curiosos, como por ejemplo algún “caracono”, entre los asistentes. Un delirio total. Ese alocado riff de teclado del inicio y su ritmo saltarin y con retazos de funky en la guitarra, hace de fondo musical a esta especie de himno pop feminista y liberador por parte de Lauper. Sin duda una de las 3 o 4 canciones por las que Cyndi Lauper es recordada y que se ha visto homenajeada en películas como “Los Amigos De Peter” en su parte inicial, cuando la mujer de Kenneth Brannagh enloquece al escucharla tras llegar a la mansión del bueno de Stephen “Peter” Fry. Yo recuerdo que la primera vez que la escuché fue en un resumen anual de los mejores momentos futbolísticos del año 1993 en Telemadrid, en el cual la presente canción compartió protagonismo con otras como “El orden del mundo” de Danza Invisible y “Quiero tener tu presencia” de Seguridad Social… imaginen; no sé si fue porque en aquella época viera la luz algún recopilatorio de la artista. Una canción pop brillante, capaz de estar incluida en cualquier recopilatorio de la década de los 80. Sin duda una pista que te levanta el ánimo y te incita a irte de fiesta, bien seas chica o chico; recuerdo una noche por los madriles que estando en una calle la escuché en un garito y me adentré en el mismo para transportarme en el tiempo años atrás… testigos hay. ¡Atención! Llega uno de esos momentos que yo llamo las joyas ocultas que tienen los discos de estudio. Supongo que decirles que la canción de turno tiene la firma de Prince, les ayudará a abrir bien los oídos. “When you were mine”, para mi gusto, está por encima de las 2 excelentes canciones que ya hemos escuchado. Emotivo tema pop, preciosos teclados, y una interpretación de Cyndi en ciertas partes que pone el pelo de punta. Una canción de desamor de esas tan apañadas que Prince ha cedido a otros artistas (véase Sinead O’Connor y su “Nothing compares 2 u”) y que tanto éxito han tenido. En este caso se trató de un single frustrado frente a la fuerza universal de “Girls just…” y la siguiente “Time after time”. En tanto a las labores de Lauper al micro, destaco la parte final en la que no sé por qué me da la impresión de que se metió demasiado en la historia narrada en la letra y hasta parece que llora cuando dice eso de “Sé que estás saliendo con alguien, pero me da igual, porque yo te quiero y eso no es amor. Te quiero más de lo que lo hice cuando eras mío”. Incluso un artista que les presenté semanas atrás, Casiotone For The Painfully Alone, hizo una versión muy minimalista y decadente, pero bastante curiosa. Esta es una de las bondades que incluye el recopilatorio que yo tengo “The Best Of” y del que “Twelve Deadly Cyns” carecía. Recuerdo habérsela puesto a aquel compañero de batallas años atrás y alucinó de la calidad del tema que no contenía su cd síntesis de la discografía de la artista. Algunos la conocerán, otros no, con lo que esos a los que esta canción no les suene, les advierto que presten mucha atención… bueno, esperaré sus comentarios respecto a lo que les habrá parecido. Como mencioné antes, “Time after time” fue una de las canciones que se escogieron como single promocional. Alejándose de la locura pop de “Girls just…”, aquí Cyndi afronta una sentida balada con versos muy románticos como “Si estás perdido y miras me encontrarás una y otra vez. Si te caes, te cogeré, estaré esperándote una y otra vez…”. Para el recuerdo queda ese videoclip con la cantante, con una cara de muñón increíble, al inicio del mismo en el interior de una caravana en mitad de un bosque, mientras ve una película romántica. El video igualmente enseña el devenir de Cyndi con su figurado novio y las locuras varias que hace, como ese imposible cambio de look ante el cual su chico no se muestra muy emocionado. Bonita canción y que aporta un cambio respecto a tanto teclado, sintetizador y guitarras bailonas que hemos catado hasta el momento. Pero, vuelta la burra al trigo con “She bop”. Otro descabellado y acelerado tema pop con una base rítmica dura, que vagamente me recuerda a “To cut a long story short” de Spandau Ballet en ciertas notas. Cyndi adopta un estilo más hedonista en su forma de cantar, pero sin dejar de lado esa actitud desgarbada y radical que nos lleva aportando en casi todo el disco. Algo repetitiva y quizás tras las 4 canciones de inicio, se aprecia una leve bajada en la calidad del tema.
“All through the night” muestra a una Cyndi más sentimental y frágil, ayudada sobre todo por los sintetizadores cristalinos del inicio. Luego curiosamente la canción evoluciona con una melodía más rimbombante. Una sentida baladita, que abunda en la variedad de registros con los que atenta el disco, aunque a cada uno de los mismos se les haga desembocar en el sonido pop. Por ejemplo “Witness” puede tener su origen en una especie de ska/reggae raro, que hasta podrían haber firmado Madness o sobre todo The Specials. Ritmos cálidos y una pieza exótica de las que a veces se valdrá Lauper como la futura revisión de “Girl just”, reconvertida en “Hey now!...” o “Iko Iko”. Otro momento bailable notable, aunque esta vez alegre en global, ya que no podemos ignorar que tanto “Money changes everything” o “When you were mine”, por muy poperas que sean, no dejan de tener un fuerte regusto triste y melancólico, tanto en sus melodías de teclados como en sus letras. “I’ll kiss you” quizás es el rival más débil en la lista de 10 canciones que conforman el núcleo de estudio del álbum. Repetitivo, algo tosco y un intento de sonar como los Talking Heads precisamente de ese año con su “Speaking In Tongues”; es decir, un ejercicio de funky descarado fallido. No hablemos más de él pues. El corte que da en parte título al disco, con la simple variación del género del pronombre personal, “He’s so unusual”, es una pieza curiosa de corta duración, de carácter clásico y cabaretero en la que se acoge un tamiz de sonido de gramófono o radio antigua. Tampoco tiene mucho más que comentar. El final viene de la mano de la alocada “Yeah yeah”. Es otro tema que circunda los territorios en los que malamente se movía “I’ll kiss you”, aunque esta vez con algo más de acierto. La histriónica interpretación de Cyndi con su diálogo con esos graves coros masculinos es la principal característica que conforma el tema. En lo musical destaca ese saxofón desaforado que aparece al principio y luego mediada la canción. No está mal para terminar, pero este es uno de los discos en los que me da por pensar que un orden alternativo de las canciones probablemente hubiera conseguido un mejor resultado final. Quizás demasiada carne en el asador en la primera parte, más acusado aún en su época en la cara “a” del vinilo de turno. En las últimas ediciones se incluye un añadido en directo con las versiones en vivo de “Money changes everything”, “She bop” y “All through the night”. Todas ellas suenan bastante bien, aunque lo que mas gracioso resulta es la aguda voz de Lauper dirigiéndose al público entre canción y canción.La irrupción de Cyndi Lauper en el mundo de la música fue un terremoto en toda regla. “She’s So Unusual” fue un tremendo bombazo comercial y un clarísimo éxito a nivel mundial para la cantante. El disco destaca igualmente por la curiosa portada que tiene. Ese escorzo o postura imposible de Cyndi en mitad de la calle y esa vestimenta tan paradigmática de la década de los 80, lo convierte en un icono de aquellos años y un símbolo pop sin posibilidad de discusión alguna. Ya he hecho referencia a la importancia del video de “Girls just…” y su brutal difusión en televisión. Fue uno de los hechos que hizo que el disco triunfara a nivel comercial. Una promoción muy insistente y quizás algo excesiva, pero resultona.
La marca de imagen de Cyndi con sus ropas desaliñadas, con esos vestidos imposibles y coloridos y por otro lado, sus cortes de pelo con tonos rojos/naraja mezclados con amarillo y sus rapados laterales, son la consecuencia de mezclar la imagen punk con la estética pulcra de los artistas pop. El resultado que da es simplemente Cyndi. No hago valoraciones, cada cual que piense lo que quiera. Lo que no podemos negar es que gracias a ello, Lauper siempre será recordada además de por sus canciones por su look. Sin ir más lejos, a ello hacía referencia Joaquín Reyes en su homenaje en Muchachada Nui a la cantante, ejemplo del carisma que desprende a día de hoy aún esta celebridad pop.
Podría decirles que con “She’s So Unusual” comenzaba el reinado de Cyndi Lauper dentro del mundo de la música y en especial del pop. Pues no fue así por una sencilla razón: Madonna. Al poco tiempo de la aparición en escena de Cyndi, apareció en escena la cantante italoamericana con su disco de debut y sus “Lucky star”, “Holiday” y “Borderline”. De esa forma consiguió contrarrestar el debut de Cyndi. Ya en 1985 Madonna adelantó a Lauper quitándole las pegatinas, como se diría en términos de F1, con su rotundo lp “Like A Virgin” y todas las canciones brillantes que incluía. Sin embargo, “True Colors”, la 2ª obra de Lauper, no llegó a alcanzar las cotas de éxito que tuvo el 2º trabajo de la Cicconne.
A pesar de eso, Lauper podría decirse que fue la cantante que más cara plantó a la reina definitiva del pop, por mucho que se hagan referencias actuales a Britney Spears. No olvidemos que en los 80, Cyndi fue un símbolo de la juventud al aparecer en “Los Goonies” y protagonizar esa canción tan insanamente divertida. El final de la década vio como la trayectoria de Lauper iba en línea descendente, mientras que la de su rival iba al alza. “A Night To Remember” pasó desapercibido en comparativa con “Like A Prayer”. Más evidente fue que de ese año se recuerda mucho más esa conjunción perfecta de música y videoclip que suponía la canción título del disco de Madonna, que la versión de “I drove all night” y el perdulario video que hizo Cyndi.
Quizás uno de sus últimos momentos cumbres, fue su aparición como alumna rebelde en el concierto de Roger Waters en Berlín, en el que se enfrentaba al profesor encarnado por Thomas Dolby; esos profesores, que por lo visto, y según recientes noticias bastante sórdidas sobre sentencias, al menos en Irlanda, eran mucho más horribles que los que denunciaban los Pink Floyd en su “The Wall”. De los tiempos actuales, comentarles que hace unos meses se rumoreaba o incluso en algún medio se anunciaba un concierto de Cyndi Lauper en Madrid en la sala Arena. Parece ser que finalmente fue un bulo y dicho concierto no tuvo lugar. Espero que esta reina frustrada del pop aparezca todavía alguna vez por Madrid y tenga ocasión de verla en directo.
En parte, revisando antes un disco de Cyndi Lauper que una de Madonna (evidentemente en este blog no daremos la espalda a esta diva y ya le llegará su turno de análisis a alguno de sus discos), he querido reivindicar y homenajear en parte a la artista, ya que me da que pensar que algo de resentimiento con la irrupción de Madonna y su lucha baldía contra ella le habrá quedado; y si no, ¿quién me explica esa canción titulada “Madonna whore” en su ep de 2003 titulado “Shine”? Supongo que aparte de la indiscutible calidad de las entregas de Madonna hasta 1997, el hecho de que Lauper no sea tan agraciada físicamente le supondría alguna desventaja en comparativa con Madonna. En efecto resulta muy curioso que últimamente Cyndi esté mucho más guapa que 20 años atrás, y si no echen un ojo a la portada de su disco “At Last”. Consideraciones aparte sobre la belleza/imagen de la cantante, simplemente déjense llevar por el excelente disco pop que hoy les propongo. Eso es lo verdaderamente importante y lo que desde aquí defendemos.
De la canción más lenta y cristalina tanto en lo lírico como en sus tecladitos, se pasa a la mayor experimentación que incluye el lp. “Southern” es una pista instrumental con algunos sampleados de voces (al estilo de lo que hizo David Byrne y Brian Eno en “My Life In The Bush Of Ghosts”). No obstante, este retazo es un vestigio aislado de los experimentos que OMD hacía unos años atrás. Aún así, la melodía es bastante evidente y se aleja mucho de ejemplos anteriores como “ABC auto-industry”, constituyendo el elemento más arriesgado los sampleados mencionados. “Flame of hope” vuelve a los caminos habituales por los que se mueve “The Pacific Age”. Se trata de una canción muy sencilla, pero que con un estribillo bastante esquelético y una intencionada melodía de teclado, conforma una composición ligera (menos de 3 minutos) a la par que notable. Nuevamente se transmite una sensación de lejanía y cierta tristeza. “Goddess of love” abre un combo de 2 canciones de cierto tono alegre y que irá en sentido creciente, ya que “We love you”, rutilante single del álbum, la supera en intensidad y sonido alegre. Tras un listado de temas que nos han reportado tanta carga emotiva y melancólica, ahora es turno de disfrutar un poco y para ello OMD se ponen manos a la obra de forma más que acertada. Quizás “Goddess of love” y “We love you” son algo repetitivas, pero en mi caso, “We love you” actualmente es una de mis canciones preferidas del grupo de todos los tiempos. Con un videoclip al estilo de los de Queen, con una fingida actuación en directo, la canción es una celebración en toda regla. Desprende alegría desde el primer segundo. Un exacerbado optimismo y vitalidad y en parte, me da por pensar, un agradecimiento a sus seguidores. Supongo que McCluskey al cantar el tema en directo reportaría una agradable sensación a los seguidores al escuchar “Os amamos, moriríamos por vosotros, os necesitamos todos los días”. Y qué verdad, porque sin los fans los grupos no son nada. Sin duda, se trata de una de las canciones pop en el sentido más estricto que compuso Orchestral Manoeuvres In The Dark en toda su historia. Sobresaliente composición, a pesar de su repetición vocal. En el posterior recopilatorio se incluyó un remix de 12 pulgadas en lugar del “single edit” al uso. “Watch us fall” supone el cierre de disco. Contrasta los teclados petarderos que destacan en lo instrumental con la calma, fuera de lo que en él es habitual, de Andy en la voz, máxime tras el frenesí de “We love you”. En parte puede suponer como un análisis de la historia del grupo en partes como “vamos para arriba y nos venimos abajo otra vez…”. El caso es que la trayectoria de OMD, para bien o para mal, era descendente en nivel comparativo. A continuación les hablaré de ello para que me entiendan. Creo que nuevamente está bien escogido el tema para echar el telón, ya que tiene un cierto toque electro-acústico y no se trata de una pista agitada que te deje convulso, sino de un medio tiempo que como siempre te permite quedarte pensando en qué has descubierto tras la escucha seguida de todos los temas.
Tras este bombazo comercial de los chicos, se sitúa una de las joyitas del disco, "Blue". Una de las piezas más alegres, pero en cambio con un título y letra agridulce y que vuelve a suponer otro momento de soul y pop a partes iguales en el sonido. De ritmo más pausado que "Johnny come home", igualmente puede incitarte a bailar, aunque no de forma frenética. Para moverse animosamente está mejor la siguiente pista, cosa que se ve hasta en su título "Move to work". Si en la previa "Blue", los Cannibals no dejaban de afrontar de forma velada alguna crítica social como se apreciaba en frases como "mi ciudad se viene abajo y me estoy volviendo loco de pensarlo…", aquí se aborda el problema del trabajo, tan de rabiosa actualidad en nuestro país en la actualidad. El cambiar de ciudad para trabajar está presente en toda la letra. "No me pidas sacrificio, me tengo que marchar para trabajar" dice Gift al igual que "Todo lo que quiero es estar contigo, pero tengo que marcharme para trabajar". Nuevamente, aunque de forma más movida, los Fine Young Cannibals mezclan una melodía juguetona con una letra agria, creando una extraña sensación. Instrumentalmente quizás estemos ante la mejor composición del disco. El grueso formado por el saltarín bajo y la guitarra que le da empaque, se acompaña a lo largo del todo el metraje de diversos teclados, partes de instrumentos de viento y alguna que otra guitarra arrimando el hombro. Excelente creación, que además incluye una de las letras más válidas del disco. "On a promise" se apoya principalmente en la marcada melodía de guitarra rítmica que la sustenta. Viene a confirmar la partida del rumbo del disco de su primera cara que se movía por sonidos más lentos y baladísticos. Ahora se buscan ejercicios bailables y animados para que el personal se mueva. "Time isn’t kind" muestra nuevamente esa tendencia hacia el mayor ritmo y movimiento. A estas alturas ya queda consagrada como una perfecta máquina de creación de ritmo el combo que forman Cox y Steele a sus respectivos instrumentos. "Like a stranger" echa el telón de una forma frenética y acelerada con una forma de tocar el bajo y la guitarra, que a ratos nos hace pensar que la mano se les vaya a desencajar a Cox y a Steele. Por otro lado, un Roland Gift bastante exagerado en lo vocal, hace que el corte pueda acercarse al género gospel, aunque de forma bastante anfetamínica; digo esto básicamente por los coros que secundan a Gift en la parte final de la canción. Podrán comprobar que con esta pista, terminamos el disco casi sin aliento y con la lengua fuera, porque desde "Funny how love is" no se nos ha concedido respiro prácticamente.
"The racing rats", como tercer sencillo, prosigue el distanciamiento respecto a esa supuesta partida que mostraba "Smokers outside...". Un muro de sonido nuevamente sin fisuras y una intensidad descomunal de guitarras sobre todo en la parte del estribillo. "Put your head towards the air" es como la segunda parte de "The weight of the world" en lo que al sonido se refiere. Algo de calma entre tanta intensidad y energía, que hasta la fecha son los principales raíles por los que discurre la locomotora sonora de Editors. "Escape the nest" es un paso intermedio entre la melancolía y la intensidad, ya que tiene partes diferenciadas en las que se alternan ambos estilos. A medida que nos acercamos al final se dispone quizás el tema más emotivo y sentido del disco, sin necesidad de entrar en exageraciones. Me refiero a "Spiders", la canción adopta una estructura de crecimiento de intensidad desde su incipiente inicio con Tom al piano y la entrada de los instrumentos para conformar un final de canción que pone el vello de punta. En estructura y sonido recuerda mucho a "When anger shows", y quizás con esta nueva pareja de temas parecidos, se puede apreciar que el disco se compone de dúos de canciones similares salteados entre sí. La canción que queda "soltera" y sin comparativa posible con el resto de sus compañeras de cd es "Well worn hands". Un corte basado principalmente en la melodía de piano, sobre la que de forma sentida avanza la voz de Tom Smith. Simplemente se apoya en alguna programación para dar algo más de empaque, pero de forma muy sutil. Una punzante canción de amor, en la que se dicen cosas como "no quiero volver a salir sólo nunca más, no puedo afrontar la noche como solía hacer". Quizás un tema excesivamente triste para finalizar un disco que tanta emoción, pero desde la energía, desprende. No obstante, estos temas donde mejor quedan es al final de los álbumes y su sonido alejado de los ritmos del lp hacen que tenga un carácter a modo de epílogo y propicia que tras su última escucha te quedes embobado meditando lo que has escuchado.
Nada más llegar entrar a la sala, la marca de cervezas patrocinadora del evento, nos regaló un vale por una cerveza por toda la cara, con lo cual ya empezamos bien la noche. Los teloneros fueron How I Became The Bomb y The Boxer Rebellion. La primera de las bandas me gustó especialmente y The Boxer Rebellion (últimamente apadrinados por Julián Ruiz desde "Plásticos y Decibelios") también sonaron bastante bien. 
No dejó de ser interesante o curioso la casualidad que hizo que solo hubiera 8 días entre el concierto de Editors e Interpol. Alumnos reconocidos o no de Joy Division, coincidían en espacio y tiempo en la capital para mostrar su directo y presentar su 2º y 3er. trabajo respectivamente. De Interpol ya les hablé, con lo que les comentaré parte del show de Editors. El grupo ofreció un repertorio completísimo (evidente al contar con 2 discos) y gran parte de su atractivo recae sobre el líder Tom Smith, que es pura adrenalina y espectáculo, subiéndose al piano guitarra en mano y dando saltos imposibles. La conclusión que sacamos uno de mis acompañantes habituales en estos acontecimientos y yo, fue que Editors en directo son atronadores y apabullantes. Quedamos impresionados de la intensidad del show que habíamos vivido. 
La banda actualmente se encuentra grabando y perfilando lo que será su 3er. lanzamiento. Ya he referido en varias ocasiones el punto crítico, o mejor dicho "la prueba del algodón" que supone el 3er. álbum en los grupos actuales. Incluso en el pre-concierto de Franz Ferdinand, con la gente que conocí, llegamos a referirnos a dicho aspecto. Alguno de los contertulios apuntó que los grupos de ahora parece que tienen acumuladas muy buenas ideas de inicio, las cuales exponen en sus 2 primeros discos, pero después parece que se les acabe la inspiración.
Pasemos al detalle de los mejores momentos musicales del show. Como es habitual, iré introduciendo fotos que hice de la actuación para que tengan una recreación más completa de lo que vivimos los que allí nos congregamos. Ahí arriba les he dejado la primera, aparte de la que siempre pongo como cabecera de crónica de concierto. Como ya sabrán por los últimos artículos, le concedo especial importancia a la forma en que un grupo/artista comienza sus conciertos. Creo que una selección errónea de los temas en los primeros compases, puede lacrar, o al menos hacer que un concierto reporte una experiencia menos satisfactoria de lo que pudiera haber sido (pregúntenselo a The Killers). Sin embargo, Byrne eligió 2 temas estupendos para abrir. En primer lugar, y representando a su último disco “Everything That Happens Will Happen Today” (el cuál iré comentando a medida que repasemos el concierto como hice con “Day & Age” de The Killers), tocó “Strange overtones”. Quizás la mejor canción del nuevo disco de David. En parte se nos puede recordar a los Talking Heads de comienzos de los 80, sobre todo en la forma de cantar del propio Byrne. No podemos evidentemente dejar aislado el hecho de la presencia de Brian Eno como la otra parte contratante del nuevo álbum. Ahí la explicación. Si a este acierto al empezar con el tema más brillante de su último disco (que no olvidemos que no es un disco mainstream como el de The Killers por ejemplo, y que dicha canción no está sobreexpuesta en los medios), le sumamos el hecho de colocar en 2º lugar a la dadaísta y alocada “I zimbra”, el resultado de la ecuación es sencillo: Byrne había conseguido meterse en el bolsillo y que a la vez se metieran en el concierto la totalidad de las personas, que por muy pocos asientos no abarrotaron el Teatro Lope de Vega.
Extasiado por este comienzo, descubrí que el hecho de estar sentado no es impedimento para poder moverse y “bailar” desde tu propio asiento, sin necesidad de que ésta sea contenida. Aunque en mi ubicación natural, había conseguido abrir conversación con una pareja y otro solitario espectador como yo, el poder ver que había algún que otro sitio libre 2 filas más abajo, me hizo moverme a dichas posiciones, y desde la misma pude observar que en la 3ª fila de mi anfiteatro había 3 asientos libres. Corriendo bajé en mitad de “Help me somebody” para situarme en dicha zona. Teniendo en cuenta que estaba en la fila 14 y que pude bajar 11 filas, la mejora visual fue considerable (más cercanía y sobre todo menos altura). Ya de ese asiento no me movería en todo el concierto, mejor dicho no me desplacé, ya que moverme sí que me moví y mucho.
Abriendo el apartado de sorpresas, al que siempre aludo en la revisión de mis conciertos, la citada canción perteneciente al primer disco en solitario hecho mano a mano con Brian Eno fue un absoluto alucine. Ya David aludió antes de empezar a tocarla que en su día había sido compuesta a base de samplers de voces y no dejó de ser muy curioso poder ver su interpretación vocal por David y el trío de coristas que le acompañaban.
Aprovecho para hacer un inciso y hablar del staff que acompañó a Byrne. Por un lado la distribución del escenario era sospechosamente parecida a la que Talking Heads dispuso (una vez finalizado el “proceso de montaje”) en el concierto “Stop Making Sense” que curiosamente también se grabó en un teatro, en este caso el “Les Pantages” de Los Ángeles. Es decir, sobre tarimas negras y cuadradas se dispuso la batería, la sección de percusión y los teclados. David también se acompañó de un bajista y otro guitarrista para completar la sección instrumental. Por otro lado destacaban 2 tríos; por un lado el citado de coristas y por otro uno de danza, formado por 2 bailarinas y un bailarín que deleitaron al público con estrambóticas coreografías y representaciones que conformaron un espectáculo de danza a la par que el propio concierto, que casaban perfectamente con las canciones que se tocaron de Talking Heads y del propio Byrne en solitario.
Aclarada la disposición de la línea de personal sobre el escenario que diseñó Byrne, continúo con el apartado de sorpresas. En término global, me dejó sin palabras que de “Remain In Light”, obra maestra de Talking Heads, Byrne decidiera tocar más de la mitad de canciones que componen el álbum. La primera que se presentó fue la saltarina “Houses in motion”, una de mis preferidas del disco sin lugar a dudas. “Crosseyed and painless”, desató la histeria general, lo único que a mi no es especialmente uno de mis temas favoritos del disco. La situación inversa se dio cuando los misteriosos ritmos de “Born under punches”, a modo de los de la versión del disco en directo “The Name Of This Band Is Talking Heads”, empezaron a abrir el camino a esta disparatada crítica social de Byrne. David estuvo tremendamente histriónico y exagerado cantando este tema y para entonces, ya avanzada la mitad del espectáculo, un servidor de ustedes terminó de enloquecer. Quedará indeleble en mi mente la forma en la que David cantó esas frases: “No soy un hombre ahogándose, no soy un edificio en llamas. Soy un revolucionario. El ahogarse no puede herir a un hombre, ahogarse no puede herir a un hombre, no al menos a un miembro del gobierno”. “Once in a lifetime” en la parte final terminó de poner patas arribas el teatro. A destacar el estupendo ambiente que se respiraba. Las personas más jóvenes tendrían 25 años a lo poco y en la mayoría el público se movía en los 30-40 años, incluso más edad. La gente estuvo entregada, ovacionando tema tras tema a Byrne y tras la citada “Once in a lifetime” los aplausos duraron casi un minuto (cosa rara en un concierto de rock). En los bises no dejó de sorprender que el lugar que tendrían reservado “This must be the place (naive melody)” o “Road to nowhere”, se lo adueñara la acelerada “The great curve” que también estuvo entre las elegidas.
De lo que el nuevo disco se refiere, David fue salteando las entregas poco a poco, haciendo de esta forma que el show resultara variado y entretenido. Tras el acertado inicio con “Strange overtones”, destacó “Life is long” con David y todo el personal sobre el escenario sentados en sillas de ruedas de oficina girando sobre sí mismos. Ahí les dejo una de las fotos para que lo comprueben.
Por otro lado, y también asociado a la representación y espectáculo de danza y en esta ocasión también de luces, la enigmática “I feel my stuff”, también tuvo un momento destacado al disponerse tanto los coristas como el trío de danza en formación realizando frenéticos movimientos de baile. No podemos ignorar el hecho de que este corte es el momento más experimental y enrevesado de la última entrega de Byrne y Eno. Completando lo que fue la presentación de su nuevo disco, se incluyeron la suave “My big nurse” mediado el concierto, en la parte inicial “One fine day” con su delicadeza, y la canción título como cierre definitivo en lo que fue… ¡el tercer bis! Parece ser que eso de parar y salir a tocar 4-5 canciones es propio de las nuevas generaciones y los viejos rockeros siguen con lo que solía ser habitual. A nivel del atrezzo, nos dejó a cuadros ver a Byrne en una de las propinas salir a escena con un tutú por encima del pantalón. Delirante.
Digamos que el espectáculo estuvo, en lo que a la selección de canciones se refiere, centrado en el último trabajo de Byrne, ya que a excepción de “Moonlight in glory” y “Help me somebody”, de sus discos en solitario no se rescató nada más, y por otro lado en los discos que Talking Heads editaron de 1978 a 1983. Por ejemplo del 2º disco de la banda, se rescató para los bises la adorada por Byrne versión de Al Green “Take me to the river” y nada más. De “Fear Of Music” hubo más suerte al seleccionarse en mitad del concierto, y como momento cumbre, “Heaven”, en la parte final la progresiva “Life during wartime” y como imprevisible elección “Air” en uno de los bises, aparte de la ya comentada “I zimbra”. En los citados bises, también se puso para terminar de desatar la histeria colectiva “Burning down the house” que pertenecía a “Speaking in tongues”.
En el apartado de los “debes”, podemos decir que se quedaron en el tintero clásicos imperdonables como “Road to nowhere” o “Psycho killer” y quizás la adorada por muchos (yo entre ellos) “This must be the place (naive melody)”. Por fortuna, yo tuve ocasión de disfrutar de su interpretación 5 años atrás en el primer concierto que pude ver de Byrne, con lo que la omisión de estas joyas, y máxime cuando por otro lado se incluyeron bombazos como “Air” o “Born under punches”, no me afectaron especialmente. Eso sí, no puedo dejar de decir que si hubieran sustituido a “Crosseyed and painless” y el cierre de “Everything that happens will happen today”, alguno de los citados clásicos olvidados, estaríamos hablando de un concierto de matrícula de honor. Aún así la experiencia fue mucho más que satisfactoria y la podría calificar de un 8,5 sobre 10. No obstante, es fácil entender el motivo de la selección de temas, y ese no es otro que David tiró de composiciones en las que Brian Eno estuvo presente en los momentos de grabación. Solamente hubo la citada concesión a “Burning down the house” en ese aspecto de tándem creativo Byrne-Eno en el repertorio.
Como he dicho al inicio, jugando en otra liga distinta, pero estableciendo una imposible comparativa, creo que David en su terreno me ha reportado una experiencia incluso más gratificante que las de The Killers y Franz Ferdinand. Y como bien saben por artículos anteriores, dichos espectáculos no es que fueran malos precisamente. Los Talking Heads es muy difícil que regresen a estas alturas y aunque se echa de menos ver en escena a la pizpireta Tina Weymouth con su bajo, a su cabezón marido Chris Frantz en la batería y a Jerry “Quintero” Harrison en los teclados, a nivel musical y de espectáculo tampoco creo que hubiera mucha variación respecto a lo que vimos. Los músicos que acompañaron a Byrne tocaron de forma excelente. Tan solo el cariño y lo entrañable que resultaría ver unida a la banda en el escenario sería lo único que le daría sentido.
Respecto a lo de la mayor satisfacción comparativa con mis otros recientes conciertos, todo tiene una explicación. Por un lado el público, mucho más maduro, pero no por ello menos apasionado, que crearon una atmósfera incomparable para disfrutar de un concierto. Por otro, la sorprendente adaptación al asiento y que ello no reprimiera las sensaciones que se pueden vivir de pie, eso sí, quitándote innumerables empujones, sudores, apretones, asfixias y niñatas pesadas que no levantan el 1,60 m. de estatura que se quejan de que no las dejo ver.
El disco incluye temas realmente buenos como "In chains" o "Come back", siendo esta última un clásico en potencia del repertorio de la banda. Quizás la elección de "Wrong" como single de adelanto no haya sido del todo acertada. En valoración de 1 a 10 se le puede dar un 6,5 fácilmente. Lo mejor, al igual que sucede con otras bandas de su generación como U2, es que la edición del nuevo disco supone una nueva gira mundial en la que se puede disfrutar del insultante potencial de la banda en directo, escudado principalmente en la entrega sin límites de Dave Gahan a lo largo de los shows.