jueves, 28 de junio de 2018

DMR cierra por vacaciones 2018

Verdad esta a medias. ¿Por qué? Porque hasta que no finalicemos nuestra labor como medio acreditado para informar de los conciertos de “Noches Del Botánico” a los que nos acrediten u otros conciertos como uno de los de Love Of Lesbian de este sábado en Madrid, no nos vamos de vacaciones del todo.

Lo que sí cesa es la actividad semanal, es decir, aquella en la que suele haber una revisión de un disco tema a tema (cosa que se alterna con programa de radio cuando estamos en vigencia en las ondas).

La actividad ordinaria volverá en septiembre. De momento no nos pierdan de vista del todo, que nos queda publicar material muy interesante a clasificar en el apartado de “Crónicas De Eventos”. Les dejo esta bonita imagen del pueblo de La Guardia, de mi viaje vacacional del pasado verano por las Rías Bajas.
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DMR cumple 10 años

Increíble. ¡Cómo pasa el tiempo! Ya son 10 años de andadura bloguera. Ahí es nada. Cierto es que quizás debería de haber realizado algunos fastos consecuencia de tan señalada fecha, pero por motivos personales no estoy en mucha disponibilidad de salirme de unos parámetros.

Sin embargo, era obligado hacer esta pequeña reseña, que por otro lado es habitual cada año cuando cumplimos otros 12 meses de actividad. Fue un 28 de junio de 2008 cuando publicamos nuestra primera revisión sobre “Seventeen Seconds” de The Cure y poco después nuestra primera crónica de conciertos sobre aquel “Rock In Rio” de Arganda donde vimos a The Police como principal reclamo personal.

Agradezco especialmente a Mariano González y Alfredo Morales su tarea como redactores dentro del blog, ya que sin su importantísima actividad y labor esto no sería lo mismo y resultaría mucho más difícil de llevar.

Esperamos cumplir otros 10 años más y que ustedes los vean y nos lean.
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miércoles, 27 de junio de 2018

DMR cubrirá el concierto en “Noches Del Botánico” de Simple Minds (30-06-2018)

Ya lo advertimos en el programa que puso punto y final a nuestra 9ª temporada de radio que dedicamos en exclusiva al festival “Noches Del Botánico”. El sábado 30 de junio y la cita con Simple Minds es uno de los eventos que más poderosamente nos llamaba la atención. Será Víctor Prats quien irá en representación de “DMR” para dar cuenta de lo que Jim Kerr y los suyos den de sí sobre las tablas del exclusivo recinto del Jardín Botánico de la Universidad Complutense.

Antes del plato fuerte de la noche, a las 19.30h se podrá disfrutar en la Zona Club Alhambra del set dj de Juan Pablo Jiménez y a las 21.00h ya sobre el escenario principal actuarán Gimnástica. Simple Minds empezarán su show a las 22.00h.

Todavía quedan entradas, no muchas, para esta incomparable ocasión de poder disfrutar del directo de una de las bandas con más carisma que surgieron al calor de la nueva ola y que son sin duda unos clásicos del pop-rock internacional de buena calidad. No se despisten y acudan lo antes posible a la web del festival para coger los últimos tickets.

A posteriori nosotros contaremos puntualmente lo que se viva la tarde de este sábado. Agradecemos a la organización de “Noches Del Botánico” y en especial a Pilar González de G-News sus gestiones para que “DMR” pueda acercarles la información de tan señalada ocasión.
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viernes, 22 de junio de 2018

HIM - Greatest Lovesongs Vol. 666 (1997)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
HIM consiguió crear algo que no todos pueden: una fórmula propia. Acaso una fórmula cuyos elementos son evidentes, conocidos y ya asimilados, pero mezclados en una justeza y proporción tan definida como para poder hablar de un estilo personal. Tal estilo se dio en llamar “Love Metal”,e incluía potentes descargas guitarreras (entre Black Sabbath y el metal ochentero), rock gótico, y una peculiarísima amalgama de oscuridad y dulzura.

En la lírica, por su parte, y también en la estética, abundan las referencias al binomio amor-muerte, al esoterismo y a alguna simbología de carácter diabólico (HIM es el acróstico de “His Infernal Majesty). Esto último, acorde con sus declaraciones, son elementos más de forma que de fondo; detalles ornamentales de los que se sirven para elaborar un compendio estilístico. No es extraño en el mundo de la música; la simbología religiosa, independientemente del convencimiento metafísico de cada uno, resulta a veces poderosa. A modo de ejemplo recuerden a Depeche Mode en algunas épocas u otros tantos grupos provenientes del gótico.

El tal “Love Metal” tiene la ventaja (puede que algunos lo vean como lo contrario) de ser bastante melódico y asimilable a los gustos del oyente medio no acostumbrado a los sonidos fuertes. Es decir, no cabe esperar que HIM suenen tan extremos como Paradise Lost, Moonspell o Craddle of Filth . No obstante esta permeabilidad les hace poroso a públicos más amplios sin sacrificar ninguna declaración de principios o postulado de pureza artística.

De todos modos, este “Greatest Lovesongs Vol. 666” es su disco más afilado e impetuoso y está lleno de melodías frescas y entusiastas; tal y como corresponde a un buen álbum debut. Uno de los pilares básicos es la voz grave y cavernosa de su carismático cantante, Ville Valo; vampírica en los momentos más decadentes y melodiosa en los momentos más suaves. Algo así como un crooner salvaje.

Tampoco hay que obviar el más que solvente soporte instrumental de los finlandeses, donde hay dos componente que son auténticos clásicos: el buen guitarrista Mikko “Linde” Lindström y el bajista Mikko “Migge” Paananen. Los puestos de teclista y batería bailaron hasta su tercer disco, “Deep Shadows And Brilliant Highlights” (2001), siendo ocupados en este debut por Antto Melasniemi y Juhana Rantala.

Tal como decíamos, este debut es quizá su referencia más agreste, lleno riffs de guitarra desgarrados, teclados decadentes y un sombrío romanticismo directamente absorbido del gótico. Si bien me inicié en HIM con otro disco, hoy en día este “Greatest Lovesongs Vol. 666” quizá sea mi favorito de la banda, aunque solo sea por el empaque de sus composiciones (además de dos excelentes versiones) y el punzante ambiente tétrico, “ma non troppo”, de su tracklist.

Como tal, el disco ya tuvo un cierto eco en la Finlandia natal de HIM y en algunos países de Europa (Alemania por ejemplo) y algunas de sus canciones son auténtica marca de la casa con el justo rango de clásicos. Más adelante vendría su particular explosión, cuya onda expansiva llegaría mucho más lejos. Pero HIM empezaron aquí. Y de qué forma.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Your sweet 666”: El hard rock toma por asalto el inicio de “Greatest Lovesongs Vol. 666” con uno de los riffs más potentes de todo el disco; un riff que tiene algo de Black Sabbath, sin duda una referencia sustancial para el grupo. Canción áspera y desaforada pero no exenta de un apasionado gusto por la melodía. La voz de Ville es contundente pero muy lejos del estilo gutural de otros grupos más extremos. Buen subrayado de los teclados, que aumentan el sentimiento de decadencia. La numeración satánica no hay que tomarla al pie de la letra; líricamente habla de la espera, de la impaciencia ante una relación que no acaba de cuajar. Fue el segundo single del disco. En algunas ediciones de su segundo trabajo, “Razorblade Romance” (2000), existe una versión levemente distinta.

2. “Wicked game”: Uno de los clásicos de HIM y, como habrán podido deducir, una versión del éxito de Chris Isaak. Los finlandeses consiguen estar a la altura, consiguiendo una cover repleta de brío y personalidad. La hipnótica línea de guitarra de la original es sustituida por unos afilados y trotones acordes que llenan de carácter y energía la canción. Mención aparte para el más que estimable punteo intermedio y la apasionada interpretación de Ville Valo. Buen comienzo de disco, con una dupla de rock gótico potente y accesible. Fue tercer single. Por cierto, hace poco “DMR” fuimos a un concierto del nuevo proyecto de nuestro amigo Javie Crow (VAM) y versionaron “Wicked Game”, siendo su ejecución mucho más cercana a HIM que a Chris Isaak.

3. “The heartless”: Las cosas se tornan más tranquilas con una canción pop-rock bastante elegante y melódica, donde la voz de Ville Valo se adorna con unos sugerentes coros en falsete. La canción, eso sí, no es particularmente alegre; tiene algo de pesadumbre, de lamento. En un momento de relativo reposo irrumpe reciamente un poderosísimo riff metalero que rompe brevemente el tono reflexivo. Como poco, curiosa.

4. “Our diabolikal rapture”: Uno de los momentos más oscuros del disco. La canción la conduce un distorsionado y decadente riff de guitarra y un tempo desolador y decadente. La ejecución vocal se afana por ser doliente y trasmitir tristeza y desasosiego interno. De fondo, un lecho de teclados añaden un toque aún más tétrico. Una canción más disfrutable, sobre todo, para los oídos góticos. Poniéndonos “nerudianos”, es una canción desesperada que usa el binomio amor-muerte en su letra.

5. “It´s all tears (drown in this love)”: Abandonamos el ritmo arrastrado de la canción precedente para saltar a una mucho más ágil. Es un hard rock directo que contrasta la voz de Ville Valo con una réplica en forma de coro de voz monstruosa, deformada, tratada en estudio para que parezca intencionadamente bestial. HIM combaten la desazón que sobrevuela este tema haciendo que todo fluya al galope, poniendo una marcha accesible y potente. Salvo por esos asaltos de voz de peli de monstruos, es fácil que el oyente la considere una joya oculta.
6. “When love and death embrace”: Podríamos asignarle el atributo de “balada” o de himno mortuorio; según se mire. Quizá exagere, pero ciertamente es una canción de amor, de tempo lento y, a su modo, sentimental, que además se canta con nocturnidad y decadencia. Ciertamente sí que es una balada, pero una balada que transita por el lado oscuro. Nick Cave podría estar orgulloso de ella. Tampoco se me asusten, es una oscuridad que también se esfuerza por seducir al oyente; no hay nada sórdido en esta melancolía neblinosa. Fue primer single.

7. “The beginning of the end”: En las estrofas vuelven las guitarras rasposas y distorsionadas de “Our diabolikal rapture” (un poco stoner, quizá) pero a diferencia de ésta desemboca en uno de los estribillos más memorables del disco. Ese contraste entre aspereza y melodía da una dualidad completamente disfrutable a “The beginning of the end”. Además contiene uno de esos fragmentos que se acaban recordando fácilmente ya tras las primeras escuchas. Y además es un ejemplo de la lírica de HIM: “Ahorra la felicidad para mañana y hoy nos ahogaremos en tus lágrimas/una gota de tu sangre sabe a vino hoy”.

8. “Don’t fear the reaper”: La segunda versión del disco. En este caso de la canción “Don’t fear the reaper” del grupo de hard rock setentero Blue Öyster Cult. Líricamente es una canción perfecta para HIM, dado que la temática aúna el amor y el miedo a la muerte (algunos la malinterpretan como una historia de suicidio por amor), con lo que la dupla amoroso-mortuoria continua siendo el tema principal del disco. Respecto a la original, se añade una voz femenina que interactúa, bien coordinada, con la de Valo y se sustituye el punteo de guitarra por unos fantasmales teclados tremendamente propicios para dar una atmósfera de romanticismo más bien umbrío. También podríamos hablar de balada, pero claro, envuelta en tinieblas. No obstante la versión es decente y, a su modo, bonita.

9. “For you”: Him nos dan el gusto de rematar “Greatest Lovesongs Vol. 666” con un magnífico colofón, pleno de las mejores características de los finlandeses. Se trata de una canción reptante, oscilatoria, que va desarrollándose con paciencia sin olvidar adornarse con electricidad. La voz de Ville Valo es seductora y cavernosa a un tiempo y, junto con los leves coros femeninos, otorga a la canción esa particular oscuridad misteriosa de este debut. Como pasa en otras canciones, hay un momento de insurgencia sonora construida a base de un repentino ataque de furia. Buen medio tiempo y buen sabor de boca. La letra une ambos extremos metafísicos para hablar sobre el amor: “Te amo de 666 maneras y mi cielo está dondequiera que tú estés (en otra estrofa meten un 777; por simbología que no sea)”.

10. “Track oculto”: Es tan irrelevante que solo merece la pena señalarlo como curiosidad. Si tras acabar “For you” dejamos pasar el tiempo veremos que las pistas de la 10 a la 65 son completamente silentes. Nada se oye. No obstante, al llegar a la 66 (un poco pesaditos con la numeración sí que son) podemos escuchar un breve instrumental, suave y a volumen más bien bajito; incluso con algún aire oriental. Intrascendente, pero ahí está.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
HIM fueron a principios de siglo una de mis escuchas de referencia y todavía hoy en día paladeo con muchísimo gusto sus canciones. Me parecen una banda talentosa e idiosincrática; sin duda es una lástima su disolución del año pasado.

Precisamente los primeros año fueron los más exitosos y fructíferos para HIM. En el año 2000 llegaría “Razorblade Romance”, su gran ascenso a cotas más comerciales con la que es su canción más conocida: “Join Me” (incluida en la banda sonora de la interesante película de ciencia ficción “Nivel 13”). Otro paso a la comercialidad fue “Deep Shadows And Brilliant Highlights” (2001) que, en cuanto a factores externos, contó con una repercusión publicitaría y promocional ya relevante y que en lo referente a lo musical suavizaba sus formas y pulía sus aristas con un sonido más amable. Aun así, menudeaban buenas canciones como, por ejemplo, “Pretending”.

El grupo debió de sentirse muy seguro de sí mismo para poner el nombre de su “formula” (esto es, “Love Metal”) a su siguiente disco, lanzado en 2003. Está vez rompieron la tendencia suavizadora y sacaron a relucir, en varias canciones, las guitarras más poderosas desde su debut. Como muestra la vorágine de “Buried alive by love”. Fue en la gira de este disco donde tuve la ocasión de disfrutar de su directo; en concreto en La Riviera, en Febrero de 2004. Fue un recital enérgico, aunque recuerdo que Valo estuvo relativamente comedido; como si fuera un maestro de ceremonias elegante y parsimonioso. Eso sí, monologó bastante entre canción y canción. Creo, como curiosidad, que mi amigo Víctor Prats fue a verlos a una gira anterior donde los teloneros eran, nada más y nada menos, que Sôber.

Desde una perspectiva estrictamente personal la época aurea de HIM acabaría con “Dark Light” (2005), disco muy correcto melódicamente; a partir de entonces reconozco que mi contacto con HIM va siendo cada más ligero y negligente. Me pongo como tarea personal profundizar más en los últimos discos de los finlandeses, pues las catas y probaturas de “Venus Doom” (2007), “Screamworks: Love In Theory And Practice, Chapters 1-13” (2010) y “Tears On Tape” (2013) han resultado sumamente satisfactorias. Particularmente me agrada el rabioso “Venus Doom”. Dejo fuera de mención los recopilatorios y discos con versiones alternativas.

HIM tienen encanto, una iconografía peculiar y una voz familiar pero propia. Siento cierto atracción por la música que destila un “goticismo” suave (o no tan suave, según) y que tiene ciertas trazas decadentes sin dejar de avistar la melodía. Mucho de eso hay en HIM. Quizá los paladares más extremados puedan aducir que lo que hacen HIM es metal gótico para todos los públicos; pero afortunadamente este cruce de idiosincrasias es lo que a mí me atrae. Y “Greatest Lovesongs Vol. 666” tiene además el entusiasmo y la osadía de los principiantes. A escucharlo.
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martes, 19 de junio de 2018

DMR cubrirá el concierto en Madrid de Love Of Lesbian (30-06-2018 16:00h)

Hace ya un tiempo que en “DMR” perdimos la pista a Love Of Lesbian en directo. Realmente no hace tanto, pero ya han pasado 2 años desde que acudimos a la sala La Riviera a verles presentando su “El Poeta Halley”. Desde entonces, el grupo ha protagonizado gestas en Madrid como atreverse en solitario con el Palacio de los Deportes.

En esta ocasión, el grupo propone repetir en el Teatro Circo Price, y además, se da la curiosidad que 2 de las 3 actuaciones serán en el mismo día, el sábado 30 de junio. Nosotros acudiremos al “pase de tarde”, que arrancará a las 16.00h, pero el grupo luego repetirá por la noche, al margen de lo que ya haya propuesto sobre el mismo escenario el día anterior.

Advertirles que quedan pocas entradas, si es que no han volado ya del todo, por lo que no sean remolones si no se quieren perder esta ocasión de ver a una de las bandas referentes de la música independiente de nuestro panorama.

Será Mariano González quien narre las aventuras de los chicos de Love Of Lesbian en esta ocasión. Su crónica, generosa en extensión (como suele ser habitual en nuestros dominios), se publicará en días sucesivos. Agradecemos a Carme Tasias de Music Bus que deposite su confianza nuevamente en “DMR”.
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viernes, 15 de junio de 2018

Chvrches - The Bones Of What You Believe (2013)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Tenía pensado dedicar mi último artículo previo al parón veraniego de actividad habitual semanal de “DMR” al nada desdeñable “Everything Now” de Arcade Fire, pero el hecho de que me topase con Chvrches accidentalmente hace unos días buscando información posterior al concierto de Roger Waters que vivimos el pasado 25 de mayo en el Palacio de los Deportes, ha hecho que vire en mi elección de revisión; en todo caso, ya retomaré a Win Butler y demás allá cuando el otoño nos llegue. 

Y es que este trío escocés de electropop lo tenía en la reserva desde hace 2 años cuando ahondé en su existencia. Los descubrí (más allá de que su nombre ya me sonara de verlo en carteles de festivales y otros sitios) al escuchar su actuación en directo a través de Radio 3 en el SOS 4.8 de 2016 tras el concierto de los Manic Street Preachers. Fue algo parecido a lo que me sucedió con Second en 2009, cuando pretendía escuchar a los Keane y me topé con los de Sean Frutos.

El caso es que escuché las primeras canciones del repertorio que estos chicos dispusieron para su actuación y me escuché el show de pe a pa, con una animosa retransmisión por parte de muchas locutoras de Radio 3, que estaban muy implicadas en el show de Chvrches (audio que pueden buscar en el historial de “A La Carta” de la web de RNE por si les causa curiosidad).

De ahí que comenzara a buscar información sobre el grupo, ver vídeos, y en primeros contactos quedarme atrapado por la canción “The mother we share”, que es quizás una de las puertas de acceso lógicas al universo de Chvrches. Sin embargo, la cosa quedó latente hasta hace un par de semanas, en la que visitando la web de nuestro amigo Julián Ruiz de “Plásticos Y Decibelios”, vi que la pizpireta Lauren Mayberry, había respondido a través de redes sociales de una forma algo destemplada a una crítica negativa sobre el último disco del grupo “Love Is Dead”, editado hace apenas 3 semanas.

Dirá alguno que qué arrestos tenemos al hablar del disco de debut de la banda cuando es actualidad su nuevo LP… En “DMR” somos así, y más que tratar de un disco que aún no he interiorizado como se debe, creo conveniente dar paso a Chvrches a través de su debut y así que ya se abran camino en nuestro blog de alguna forma, sin perjuicio de que “Love Is Dead” desfile por aquí cuando ya tenga un juicio asentado sobre el mismo.

Chvrches son un trío compuesto por la cantante Lauren Mayberry, chica que más allá de su aspecto menudito y frágil, por el contrario tiene un fuerte temperamento, y los músicos Martin Doherty e Iain Cook. Es curiosa la diferencia de años que se sacan entre unos y otros, ya que Lauren apenas tiene 30, Martin ya ha pasado la mitad de la treintena e Iain está en los 40 pasados. Todos venían de bandas previas y experiencias musicales que no terminaron de romper, y fue la unión primero de Iain con Martin y luego la suma de Lauren lo que dio lugar a Chvrches y la llave del éxito para los 3.

El grupo se basa en sus primeros pasos en un techno pop muy sencillito, con fuertes influencias ochenteras y con un potente gancho en sus melodías. Lauren se hace cargo de la parte principal vocal, si bien de cuando en cuando Martin Doherty se anota algún tema de interpretación al micrófono, lo cual supone un fuerte contraste entre la voz íntima y compungida de Martin y el registro alto y agudo de Mayberry.

“The Bones Of What You Believe” es el 1er. LP de la banda y en el mismo se pone de manifiesto el sonido standard de la banda. Se confecciona a base de canciones que todas podrían ser hits por sí solas, lo cual hace que la sensación sea muy buena en general. Es generoso en metraje y listado. Veamos qué ofrecen Chvrches en él.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “The mother we share”: He aquí el primer éxito rotundo del grupo. Lo que, como gusta de decir nuestro colaborador Mariano González, su “patada en la puerta”. “The mother we share” abre el disco y ya por eso mismo el álbum demuestra ambición. Si tuviera que calificar con 2 palabras esta canción, utilizaría la expresión “melancolía trascendental”; lo de trascendental por el aplomo de las notas y lo de la melancolía por el resto de la melodía. Dispone de un estribillo fabuloso, que de hecho en los directos del grupo abre la interpretación con Lauren entonándolo a capella. Es la canción perfecta para abrirse a Chvrches y empezar una sana interrelación con ellos a modo de seguidor. Del videoclip, sinceramente, y miren que lo he visto muchas veces, no sé de qué va la historia ad hoc; lo que más me queda son los primeros planos frontales de Lauren, que canta con tanto sentimiento que es imposible reparar en otra cosa.

2. “We sink”: 2013 fue un año en el que curiosamente 2 de los grupos actuales que más me pueden llamar la atención (los aquí presentes y Of Monsters And Men) editaron sus discos de debut (OMAM a nivel internacional, hay que apuntar), y curiosamente los islandeses en su 2º disco pusieron como cierre del track list principal una canción así titulada fabulosa. No tienen nada que ver, esto es una reflexión al margen que hago. “We sink” es una canción oscilante, de perfil menos ambicioso en relación tanto con su predecesora como su sucesora. No obstante, está muy bien. Tiene un buen ritmo, sólido, que ofrece un estribillo que es de fácil memoria.

3. “Gun”: El disco empieza a toda mecha, gastando 2 de sus principales balas (muy a cuenta esta metáfora) en los 3 primeros capítulos. Y es que “Gun” para mí es el otro trallazo absoluto de la obra. En contrapunto a la sentida “The mother we share”, “Gun” es potente y agresiva, dentro de su envoltura pop. Sobre todo en la letra; quizás, sabiendo del activismo feminista y del carácter duro de Lauren, creo que quizás sería la canción más adecuada para servir de advertencia de que nos encontramos ante una mujer de armas (otra vez a cuento) tomar. Merece la pena reparar en la letra, al menos en su estribillo: “escóndete, he quemado tus puentes, seré una pistola y tú eres mi objetivo”. Melódicamente brilla desde sus inicios y tiene interesantísimos cambios de ritmo, tanto en los sintes como en las estrofas y puentes vocales. Incluso el final, en fade out, es fabuloso con ese “no irás lejos”. El videoclip, muy psicodélico e hipnótico, muestra al grupo tocando en estudio, con luces deslumbrantes y repeticiones y desdoblamientos digitales de los fotogramas.

4. “Tether”: Cambio de tercio. Del brío de “Gun”, pasamos a la cierta oscuridad y recogimiento de “Tether”, que se apoya primeramente en acordes de guitarra. No se preocupen, los sintetizadores no tardarán. Emotividad sobria la que destila esta canción, que demuestra la variedad de sonido de la que son capaces de hacer gala Chvrches. La canción tiene un sector final de mayor intensidad y potencia a base de teclados algo obsesivos que es fabuloso. Una pequeña joya oculta, muy oculta quizás por los hits de relumbrón que hay en el disco del que forma parte.

5. “Lies”: “Lies” entra apabullante, rotunda en sus formas. Es uno de los temas más rigurosos en su melodía. De semblante serio, incluso en su estribillo, es una canción de garra y que también es otro de los temas que fácilmente se recuerdan tras apenas un par de pasadas al disco. Creo que el disco sigue sin palidecer, y asumiendo distintos cambios de sentir en lo que llevamos. Y el siguiente paso, si cabe, arriesgará un poquito más por un detalle relevante.

6. “Under the tide”: En el sentido parecido a “Tether”, llega “Under the tide”, pero con un cambio notable. Y ese cambio es que Martin Doherty se encarga de la voz. De acuerdo, Martin de alguna forma no es un virtuoso vocal, y más en directo se notan sus carencias con muchos desafines aún dentro de su registro apagado (me imagino casi a Zinedine Zidane cantando), pero sin embargo su textura funciona muy bien para las canciones que se anota. En este caso, “Under the tide” es otra de las canciones de fuerza emotiva del disco, muy sentida y a Martin hay que verle en directo, ya que interpreta en sus gestos con mucho sentimiento, lo cual suma a su favor.
7. “Recover”: Es curiosa “Recover” por una cosa principal, que a mi juicio es que mezcla parte pop y ciertamente alegre en sus estrofas, con un estribillo que gira a lo melancólico. De alguna forma, es una especie de síntesis en una sola canción de los estados distintos de ánimo que Chvrches han ido e irán lanzando en el listado de temas.

8. “Night sky”: He aquí otra joya oculta del disco. Y lo digo porque “Night sky” por ejemplo es una de las canciones que ya Chvrches descartaron en su gira de “Every Open Eye”, tour del que en Youtube hay un porrón de buenos conciertos completos para ver. Por eso, cuando accedí por fin al contenido completo de “The Bones Of What You Believe” me di de frente con esta canción que se muestra sinuosa y misteriosa en sus primeros pasos y que tiene nuevamente un estribillo fabuloso y potente. Martin apoya bien en los coros a Lauren, que se ofrece nuevamente con tremendo poderío en el ya citado estribillo. Solamente tiene un “pero”, que termina de forma un poco chunga y rara.

9. “Science/visions”: Ahora Chvrches parece que se meten en el trance con “Science/visions”. De alguna forma, forma un combo de temas que nos mete en un sector oscuro y de menor relumbrón popero que resulta realmente interesante dentro del álbum. Martin ofrece unos coros dolidos a modo de contrapunto, en una canción donde la percusión y la solemnidad hacen acto de presencia. Es quizás la canción menos directa, pero merece la pena escucharla con detenimiento y reparar en sus matices y su cierto malditismo. Salvando las distancias, me evoca en algunos pasajes a la canción “Waking the witch” de Kate Bush.

10. “Lungs”: Dejamos lo trascendental para volver al pop más sencillito. Ahora se propone “Lungs” que no es nada recargada y quizás sea la pieza más naif de la obra. La verdad es que a Lauren Mayberry y su tono agudo le vienen muy bien estas piezas tan cucas y amistosas como un osito amoroso.

11. “By the throat”: Pasamos de lo facilito a una canción que si bien instrumentalmente en sus primeros segundos parece que también va a ser intrascendente, lo cierto es que “By the throat” es una de las canciones que nuevamente aciertan de pleno en su estructura. En el estribillo añade elementos y creo que acierta en su propuesta de voz, aunque sin ofrecer un ejemplo facilón, lo cual demuestra su mérito. Quizás en la 2ª mitad del disco no haya tanto hit directo, pero creo que Chvrches ofrecen capítulos que en su enfoque pueden ser igual de interesantes que los iconos efectivos del inicio.

12. “You caught the light”: “You caught the light” podría buscar de alguna forma en sus primeras notas evocar, dentro del estilo de Chvrches, las atmósferas de The Cure en los tiempos de “Disintegration”. Es otra de las piezas que canta Martin, el cual tarda bastante en entrar y cuando lo hace gran parte de los instrumentos desaparecen en un primer instante. Canción atmosférica y reflexiva para final de la obra. Por cierto, aquí Martin Doherty, me recuerda mucho en voz a algunos momentos de Chris Martin de Coldplay. Curioso que la banda se despida con un tema no cantado por Lauren, que por otro lado es cierto que si tienen alguna edición extendida hay algún extra interesante como “Strong hard”.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Con su debut Chvrches se hicieron un buen hueco en el panorama indie internacional. Comenzaron a ser ítem imprescindible en los carteles de los festivales, lo cual demuestra la pegada de “The Bones Of What You Believe”. El disco además puso de acuerdo a la crítica y al público. Parecía que por fin Iain, Martin y Lauren conseguían su triunfo musical internacional tras diversas aventuras previas que no terminaban de alcanzar el objetivo.

El grupo basa su directo principalmente en el carisma de la inquieta Lauren Mayberry, que no para de moverse por el escenario y que a día de hoy se ha anotado como marca de la casa los maquillajes tan particulares que se dispone rodeando a sus ojos, lo cual comenzó ya a mover tímidamente en los días de promoción de este primer disco que hoy nos ocupa.

A los 2 años, en 2015, vería la luz “Every Open Eye”, 2ª entrega de larga duración del grupo, que consolidó las expectativas generadas por el primer disco. Gracias a singles como “Leave a trace” o “Clearest blue”, el grupo siguió creciendo cada vez más y fue en esa gira cuando di con ellos como ya he comentado en la introducción del artículo. Lo último ha llegado hace unos días en la forma de “Love Is Dead”, que, a falta de darle más escuchas, no suena mal, pero quizás pierde la frescura del trabajo que hoy hemos comentado.

Eso es evolución, lo cual ya se notaba en cierta manera en “Every Open Eye”. “The Bones Of What You Believe” es un disco fresco y a ratos ingenuo que desprende encanto. El grupo va creciendo y en este último disco han contado con un productor que siempre hará que el resultado sonoro sea distinto. “The Bones Of What You Believe” es un disco muy disfrutable, que quizás creo hubiera resultado mejor si se hubiera cribado algo más y se hubiera cerrado con un par de temas menos; ¿cuáles considero que habría que eliminar? Pues tampoco estoy seguro. Empieza con mucha fuerza y directo a captar la atención, para luego adentrarse en una cara “b” mucho más llena de matices y que tarda más en entrar.

Chvrches es una de las bandas referentes y efervescentes del panorama pop internacional. De actualidad con su último nuevo disco, estarán girando a tope durante todo lo que queda de año y a buen seguro se irán ganando un mayor calado internacional. Hoy les hemos acercado su primer disco (de portada geométrica, al uso de algunas propias de OMD, que junto a poses de Iain en directo con el bajo al estilo McCluskey evocan más allá del mismo estilo musical de ambas bandas), con el cual demostraban potencial, pero que en su día podría haber dado lugar a elucubraciones que apuntaran en una obra amistosa puntual que se quedara ahí. Parece ser que quien vaticinara eso se equivocó de lleno.
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martes, 12 de junio de 2018

DMR finalizó su 9ª temporada de radio

Que nuestra 9ª temporada haya sido la menos pródiga en cantidad no implica que necesariamente sea la peor. Ni mucho menos. Creo, humildemente, que hemos tratado discos y artistas realmente interesantes que ennoblecen el trabajo que hemos realizado durante los 12 capítulos que hemos ejecutado.

Cierto es que las entrevistas a grupos han brillado por su ausencia, lo cual se basa en una justificación personal que no les puedo desvelar (volverán en un futuro), pero al menos en nuestro último programa pudimos contar ni más ni menos que con el directo artístico de “Noches Del Botánico”; Julio Martí nos atendió amablemente para comentarnos varios aspectos interesantes del festival del que es parte importante en su confección.

Como curiosidad, recuerdo el programa sobre “The Seeds Of Love”, el cual tuvimos que abortar consecuencia del temporal y del mal estado de las carreteras en su primera fecha fijada. Sin embargo, aquel aplazamiento jugó a nuestro favor, ya que el programa sobre Tears For Fears contó finalmente con 4 tertulianos: Óscar Cañas, Luis Felipe Novalvos, Mariano González y Víctor Prats, servidor. Aprovecho estas líneas para agradecer a los 3 su participación en mayor o menor medida en la 9ª temporada, ya que sin ellos “DMR” en su vertiente radiofónica perdería mucho.

Aquí les dejamos el listado de programas y el enlace Ivoox por si desean escuchar alguno de los capítulos. La intención es continuar y si Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) resiste, nosotros nos mantendremos también en pie dentro de su parrilla: http://www.ivoox.com/escuchar-audios-abacab_al_7681_1.html

Dmr 9-1: The Jam - Sound Affects (1980).
Dmr 9-2: Of Monsters And Men - Beneath The Skin (2015).
Dmr 9-3: Coldplay - A Rush Of Blood To The Head (2002).
Dmr 9-4: Billy Joel - Storm Front (1989).
Dmr 9-5: Franz Ferdinand - Tonight: Franz Ferdinand (2009).
Dmr 9-6: The Smashing Pumpkins - Adore (1998).
Dmr 9-7: Franco Battiato - L’Arca Di Noè (1982).
Dmr 9-8: U2 - Achtung Baby (1991).
Dmr 9-9: Tears For Fears - The Seeds Of Love (1989).
Dmr 9-10: ABC - “How To Be A… Zillionaire! (1985).
Dmr 9-11: Oasis - “Be Here Now” (1997).
Dmr 9-12: “Noches Del Botánico” (2018) (incluye entrevista a Julio Martí).
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viernes, 8 de junio de 2018

Röyksopp - Junior (2009)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Röyksopp, dúo noruego formado por Svein Berge (el moreno) y Torbjørn Brundtland (el rubio) se formaron en la ciudad de Tromso en 1998. Ambos, muy interesados por la música electrónica, pronto se sumergen en la escena techno noruega y empiezan a experimentar con diferentes tipos de música electrónica, desde el ambient hasta el techno pasando por el house.

Su álbum de debut en 2001 “Melody A.M.” fue todo un acontecimiento a nivel internacional. Era la época en que grupos como Air o Daft Punk (ambos franceses) o el americano Moby llevaban la etiqueta de innovadores en cuanto a producción de música electrónica. Pronto se les unirían estos noruegos con un álbum que nadie hubiese pensado que iba a vender la friolera de un millón de copias en todo el mundo ya que se trata de un disco poco comercial, con pocos pasajes pop y de un detallismo en las melodías de una gran riqueza.

Sin embargo, el disco funcionó y temas como “Poor Leno”, “So easy”, “Remind me” o “Eple” empezaron a sonar bastante, a esto el grupo añadía un aspecto visual donde preferían contar historias animadas en sus videos como si se tratase de un comic japonés a mostrarse ellos mismo.

Noruega finalmente había producido su segundo grupo exportable después de A-Ha. Parte del éxito de un álbum tan poco convencional como este fue que, como en el caso del “Play” de Moby, muchas de sus canciones se colaron en anuncios de televisión, series e incluso videojuegos lo que daría un gran impulso al álbum, el mundo de la música estaba cambiando, el nuevo siglo había comenzado y la radio ya no era tan importante.

Darle continuidad a un álbum tan exitoso como su debut no iba a ser nada fácil pero “The Understanding” (2005) es sin duda otra gran obra donde alternar pasajes instrumentales repetitivos y sinuosos con otros más contundentes. Temas como “Only this moment” o “Beautiful day without you” son de lo mejor que ha producido el dúo. Además el grupo abre sus composiciones a otros artistas para que las interpreten e incluso participen en su composición, como Chelonis R. Jones en “49 percent” o el caso de la canción más célebre de este álbum “What else is here?” que fue co-escrita y contaría con la inconfundible voz de Karin Dreijer Anderson de The Knife, la cual incluso participaría en el lúgubre video clip, uno de los mejores del dúo. Esto pasaría mucho antes de que la popularidad de The Knife se disparada.

En “The Understanding”, aunque siguen experimentando con texturas ambient y samplers, hay una intención de hacer algunas de sus canciones más bailables y está claro que ponen un ojo en el electro pop que se estaba haciendo en la vecina Suecia en esos momentos, esto se iba a desarrollar totalmente en el tercer álbum del dúo.

Con su segundo álbum Röyksopp demuestran que tienen todavía mucha creatividad que mostrar y que sus limitaciones vocales pueden ser perfectamente suplidas por artistas invitados, vocoders o samplers, no importa, todo está al servicio de la buena música, electrónica en este caso.

Aunque este segundo álbum funcionaría muy bien, con gira incluida donde el dúo no se cortaba en vestir los trajes más ridículos posibles, las ventas no alcanzarían a su debut, lo cual era de por sí muy complicado, también habían pasado cuatro años desde la publicación del mismo y es que Röyksopp no se iban a destacar por ser muy prolíficos. Con todo, sin duda estaban en un buen momento a la hora de lanzar el que sería el tercer álbum del dúo y el objeto de este artículo, se trata de “Junior” un álbum con el que volverían a sorprender, pasamos a su análisis.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Happy up here”: el álbum comienza de manera luminosa con un tema que supone un acercamiento al pop más desenfadado y jovial, con esa melodía juguetona y simpática directamente sampleada del tema “Do that stuff” del grupo de funki Parliament, un tema muy festivo publicado en 1976 y que sirve a Röyksopp para hacer prácticamente lo mismo pero con un enfoque más minimalista, resultando una especie de funki pasado por el pop electrónico, una pequeña delicia para ir abriendo boca. Este tema sería el primer adelanto del álbum y contó con un curioso video donde una moderna ciudad permanecía tranquila hasta que unas luminosas naves espaciales empiezan a liarla y a lanzar proyectiles con el propósito de destruirlo todo, es un video muy retro que se inspira claramente en los videojuegos ochenteros de marcianos y que resulta muy simpático.

2. “The girl and the robot”: Con una base tecno poderosa y claras reminiscencias del tehnopop ochentero llega la que es en mi opinión la canción más accesible del álbum, la historia de un amor imposible entre una chica y un robot. Röyksopp ya anticipaban de alguna forma la inteligencia artificial y no sería de extrañar que una historia tan surrealista y de ciencia ficción pudiera convertirse en real de aquí a unos cuantos años. La elegida para poner la voz principal es la cantante sueca Robyn que sin ser una gran voz, tiene un tono totalmente reconocible y versátil que se adapta perfectamente a los momentos en los que la canción requiere más aplomo y a otros mucho más dulces, todo esto coronado con un final en el que la electrónica se retira para dejar paso a las orquestaciones con cierto tinte épico. Simplemente un tema brillante. Este sería el segundo single del album y contaria con un video bastaste gracioso donde Robyn fantasea con un robot como posible pareja, Royksopp hace una brevisima aparicion como los dependientes de la tienda de robots.

3. “Vision one”: Basada en el remix que hicieron para Eri Nobuchika de su tema “Sing a song”, un buen ejemplo de reciclaje musical donde para esta versión de “Junior” utilizan la voz de la cantante Anneli Drecker que tiene un tono bastante parecido al de Nobuchika. La canción comienza con una suave melodía como de cuento de hadas para pronto cambiar completamente con ritmos entrecortados y curiosos sonidos de sintetizadores capaces de dibujar melodías utilizando una especie de ruidismo que va manteniendo una extraña armonía durante todo el tema. Si a esto le unimos un pequeño y efectivo puente y algún efectismo al final de tema, tenemos otro gran tema que mantiene el álbum a un nivel muy alto y lo que nos queda aún.

4. “This must be it”: Está claro que vistos los buenos resultados de “What else is there” en su anterior álbum, Röyksopp deciden involucrar más ampliamente a Karin Dreijer Anderson de The Knife, a estas alturas el grupo sueco se había hecho muy conocido gracias al álbum “Silent Shout” (2006) y claramente su presencia en “Junior” era muy apetecible y el dúo la aprovecha en dos temas de los cuales este es el primero. Lo sorprendente es que si bien pudiéramos pensar que se intentaría recrear los ambientes oscuros de “What else is there” bastante cercanos a “Silent Shout”, aquí se opta por un potente tema dance con bastante influencias trance, de hecho debe ser el tema con más bpms de toda la discografía de Röyksopp, la voz tan personal de Karin y los efectivos coros de los propios Röyksopp crean un tema dance muy inteligente con los ganchos adecuados para acabar noqueado por sus ritmos y justas melodías, es sin lugar a dudas un verdadero misil musical. Este sería el tercer single del álbum y contaría con un video en el que ni Röyksopp ni Karin Dreijer Anderson aparecerían; en su lugar tenemos una especie de tribu moderna o más bien gente que ha formado su comuna en el bosque donde disfrutan del descubrimiento de la percusión.

5. “Röyksopp forever”: Por primera vez en el álbum, tenemos un tema pausado que se recrea en forma una bella atmosfera donde son importantísimos los arreglos de cuerda, el tema es una auténtica pieza que cuida hasta el más mínimo detalle para que el oyente no relaje su atención en ningún momento. Totalmente instrumental “Röyksopp forever” nos demuestra la gran capacidad de estos músicos para tocar diferentes palos, hacia el final de la canción utilizan vía sampleado los arreglos de cuerda del tema “Suites for my lady” del grupo Skylark que encajan perfectamente y dejan claro el abanico de influencias del dúo.

6. “Miss it so much”: Dispuesto a rodearse de las mejores voces ahora le toca a la cantante sueca Lykke lee, esta colaboración con Röyksopp se produce poco después de la publicación del primer álbum de la cantante y mucho antes de que este se haya convertido en uno de los valores seguros de Suecia a nivel internacional. El tono dulce de Lykke que por momentos parece susurrar es perfecto para este tema de pop cristalino que consigue transmitir una tranquilidad que poco a poco se va desvaneciendo a medida que llegamos al final del tema donde los sintetizadores empiezan a saturar la pieza pareciendo indicar la descarga de electricidad que viene a continuación.
7. “Tricky tricky”: Sencillamente Karin Dreijer Anderson se come la canción, casi pareciera una canción de The Knife con ese bajo tan distorsionado que parece por momentos el zumbido de un insecto. La canción es un auténtico abanico de sonidos todos muy minimalistas, uno de los recursos que vuelven a utilizar son los acordes rotos que con todas esas capas de sintetizador consiguen hasta conseguir que el tema sea bailable, los bajos llegan a un nivel de saturación que el tema podría ser perfectamente ejecutado por una banda de rock. A partir de aquí llega una segunda parte que podríamos calificar de epilogo o resaca tras un auténtico derroche de electricidad, ahora en un tono mucho más tranquilo Karin y Röyksopp ponen la nota final a otro gran tema dentro de “Junior”.

8. “You don’t have a clue”: Anneli Drecker vuelve a tener la voz protagonista realizando una soberbia interpretación que se mezcla a la perfección con unos teclados de estilo house que aparecen y desaparecen durante toda la canción. A esto hay que algún que otro toque operístico de la parte de Anneli y un final muy bien resuelto donde todas las constantes de la canción confluyen creando un efecto un tanto épico. Está claro que Röyksopp no se cansan de dejarnos grandes temas pop en este álbum.

9. “Silver cruiser”: Esta vez no hay artistas invitados y Röyksopp se marcan uno de sus instrumentales de sonido etéreo muy bien elaborado y acompañado por momentos de sonidos de cuerdas que evocan un bonito recorrido por esos parajes nórdicos plagados de cuentos y leyendas, con ese tono oscuro que llena gran parte de la canción y que aunque repetitivo no llega a cansar debido a la habilidad del dúo por ofrecer siempre algún detalle nuevo que enriquece el conjunto. Un tema que sin duda se sale del concepto del álbum pero que no por eso es menos valorable.

10. “True to life”: Última aparición de Anneli Drecker en el álbum, esta vez en una canción de estructura un tanto extraña con una base hipnótica y fría compensada por la voz dulce de Anneli, que es quien da el tono perfecto para que el estribillo, aunque discreto, sea efectivo y finalmente el tema estalle hacia la mitad derivando hacia ritmos dance y trance en un auténtico in crescendo cada vez más contundente, arrollador y ambicioso a la hora de experimentar, saliéndose finalmente de las estructuras del pop para irse a los seis minutos, que en ningún caso se hacen largos sino todo lo contrario.

11. “It’s what i want”: Röyksopp se despiden con un tema donde se atreven a poner ellos solos todas las partes vocales que en cualquier caso son muy pocas. El dúo nos dice adiós y con un buen epilogo, breve y desnudo prácticamente de artificios donde se recrean en un sonido minimalista y repetitivo para concluir de formar convincente en poco más de tres minutos su tercer álbum de estudio. Un tema simple pero en el mejor sentido de la palabra y perfectamente ubicado en el álbum para dejar un buen sabor de boca.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES. Es posible que “Junior” sea el mejor álbum de los cinco que ha lanzado hasta el momento Royksopp porque, ¿qué podemos decir de un disco en el que todos los temas son buenos y no existe ni un solo tema de relleno? Pues sin duda que estamos ante una gran obra que quedara siempre entre los mejores discos de aquel año 2009.

Röyksopp decidieron definitivamente hacer su disco pop dando un gran giro a lo realizado hasta entonces con “Melody A.M.” Y “The Understanding” corriendo así un gran riesgo, el resultado a nivel musical no pudo haber sido mejor. Ojalá el pop mainstream de esa época o el actual hubiese sonado la mitad de bien que los temas incluidos en este “Junior”, pero claro está que el que corre riesgos sabe que la apuesta puede salir bien o mal y aquí hubo un poco de todo: por un lado las ventas bajarían, claramente el público de “Melody AM” no comprendió la incursión del duo en terrenos más poperos, pero por otro lado una nueva generación de fans descubrió al grupo gracias a canciones como “The girl and the robot” o “This must be it”. Además Röyksopp reforzaría su directo con estas canciones, algunas de las cuales han terminado siendo inamovibles de sus setlist.

Tras “Junior” le llegaría el turno a “Senior” (2010) que se puede considerar en su mayoría como una colección de descartes de “Junior” en su mayoría instrumentales que no terminaban de encajar en el concepto del álbum por su carácter más oscuro. Su último disco fue el excelente “The inevitable end” de hace ya cuatro años con el que se despedían del formato álbum, una decisión que espero que reconsideren en el futuro, por muchos singles que lancen. Siempre esperaré ese sexto álbum de Röyksopp, un dúo que ha demostrado seguir a la altura.

Texto: Alfredo Morales.
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miércoles, 6 de junio de 2018

Programa “Noches Del Botánico” (Temporada 9/ Programa 12)

Pusimos fin a la temporada con un espacio especial dedicado a uno de los eventos más destacado en el plano de conciertos que se va a celebrar en Madrid durante este 2018. El festival “Noches Del Botánico” se consolida como una de las citas referentes del panorama de la capital en su 3ª edición a base de un cartel lleno de grandes artistas.

El programa se llevó a cabo este pasado sábado 2 de junio de 2018 en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Tomamos parte del mismo Luis F. Novalvos, Mariano González y Víctor Prats. Los 3 tuvimos la suerte y honor de contar con Julio Martí, director artístico del festival, que nos acompañó durante uno de los bloques del programa vía telefónica, durante el cual nos comentó varios aspectos interesantes del evento y la organización.

Si no pudieron escucharlo, aquí dejamos insertado el reproductor para su escucha directa y el enlace a Ivoox donde podrán realizar la descarga del archivo si lo prefieren. ¿Qué canciones pusimos? Pues pusimos varios cortes pertenecientes a discos en directo de las bandas que más se acercan a nuestro target que forman parte del cartel. Creemos que fue el punto y final de oro a nuestra 9ª temporada de radio.

Queremos agradecer a Julio Martí su participación en el programa y a Pilar González de G-News su labor para que pudiéramos llevar a cabo este capítulo final de nuestra 9ª temporada: http://www.ivoox.com/dmr-9-12-audios-mp3_rf_26394596_1.html
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lunes, 4 de junio de 2018

Concierto After The Rain. Madrid (02-06-2018)

After The Rain es un grupo afín a “DMR”, que ya ha pasado por el blog en forma de revisión de disco y de crónica de concierto. No es de extrañar; su querencia por el techno pop con ribetes de EBM, o industriales es una divisa estilística que nos satisface mucho escuchar. Mi contacto con ellos en el directo proviene del concierto de Midge Ure el año pasado en la Sala Heineken, donde After The Rain cumplieron muy solventemente con el papel de teloneros. También tienen el honor, por cierto, de haber compartido escenario con bandas (creo que bastante compatibles) como De/Vision o Mesh.
Le tengo simpatía a la Sala Maravillas (antiguo Nasti). Tiene una forma infrecuente, de tal modo que todo, incluido el escenario, se dispone de forma longitudinal. Así con todo, fue el primer lugar al que acudí tras una larga sequía de concierto debido a mis incombustibles problemas de movilidad. Fue en el World Goth Day de 2015 y lo pasé muy bien. Hablando de esto, es de justicia que agradezca enormemente a After The Rain y al personal de la Sala Maravillas que me dispensaran un asiento desde donde ver cómodamente el concierto. A todos ellos muchísimas gracias.
Tarde lluviosa en Madrid a eso de las 21:50 cuando, más o menos, se produjo la apertura de puertas y los asistentes al concierto nos dispusimos a introducirnos para guarecernos y entrar un poco en ambiente. Escucho, nada más entrar, que están pinchando una remezcla de “I didn’t know I was looking for love” de Everything But The Girl. La cosa marchaba bien ya de primeras.
Mientras saludo amablemente a Luis Yun por el detalle de la silla, la gente va afluyendo hasta registrar un aforo aunque no completo sí estimable. Contemos, por otra parte, con la tarde de lluvia. Además, los que estuvieron tuvieron una actitud entusiasta y participativa; mirando hacia mi alrededor la sensación siempre fue de contento general.
Vayamos presentando a la banda. A las voces estuvo José Ícaro, maestro de ceremonias divertido, comunicativo y enérgico; en las poderosas guitaras, y ocasionalmente en los teclados, Óscar Andrés; y, por supuesto, el entregado Luis Yun Díaz en los teclados. ¿Cómo empezar el concierto? Por el principio; es decir, por el principio de la trayectoria de After The Rain. Quiere decir esto que “Lost without you” sonó en primer lugar, siendo un comienzo efectivo y con nervio. Creo que esta canción es una buena carta de presentación para los que nunca han escuchado antes al grupo; ahí se encuentran buena parte de sus influencias.
En segundo lugar todo un llamamiento al baile y a la acción de la mano de “The target is you”, un buen momento de su disco “Kings Without A Crown” (2015) y que, como bien se pudo ver, añade un fenomenal sentido pop de la melodía a las poderosas bases y guitarras. El testigo fue recogido por la elegancia sintética de “A pleasure like you” que se mostró seductora y divertida; la línea de sintes de Yun le da un buen acabado. Tocó después moverse hacia una de sus últimas creaciones, de la mano de su último single “Tired hands” que además fue bien acogido. Me gusta está canción, ese soniquete metálico me evoca a los Depeche Mode de “Construction Time Again” (1983) o de “Some Great Reward” (1984); acaso un poquito a Fad Gadget también. Recomiendo que vean el vídeo musical, las partes en blanco y negro me recuerdan a algunos trabajos de Anton Corbijn.

Un momento bonito fue “Future will be fine”, un paréntesis de relax entre la furia y el afán de baile (relativamente, tampoco es que sea una balada). Un pequeño cambio de formación se produjo, al permutar Óscar la guitarra por los teclados para esta canción. Por cierto, aunque la comparación no sea muy atinada quizá, la línea de sintes me recuerda un poco a la de “Enola Gay” de O.M.D..
José Ícaro se encargó de anunciarnos que la próxima canción había sido elegida mejor tema de 2017 por la emisora israelí Orem Amram. Se trataba de “Mirrored eyes”. En ella demostraron que en After The Rain también hay lugar para la épica, de la mano de una canción doliente y emocional que también se puede bailar. Ya saben, “Dancing with tears in my eyes”.
Una de las perlas de “Kings Without A Crown”, que sonó a continuación, considero que es “Sieged”, una excelente versión de Cultur Kultür (grupo español de culto en esto de la electrónica) que respeta algunas formas originales pero transfunde espíritu y actitud propia. Los acordes de teclado se quedan grabados a fuego, potenciados incluso por los chispazos de guitarra eléctrica.

Nos trasladamos después a su disco “The Other Side Of The Crown” (2017) y en concreto a la excelente “Insane”; fue un placer ver en las tablas todas las múltiples facetas de la canción: su melancólico inicio, su furioso arranque y su épico acabado. Uno de los puntos fuertes de la noche.
Había varias sorpresas preparadas para la noche y una de ellas fue la presentación de una canción inédita llamada “Running to the sun” (o eso entendí) y que promete dar momentos de bastante felicidad a los amantes de la electrónica potente y melódica. La continuación, “Every Second”, la presentó José Ícaro como una canción que siempre gustan de tocar. Al público también le gustó y se dejó llevar por la rítmica melancolía de una canción de lo más efectiva. Lo que vino a continuación, fue una de las sorpresas del evento. No se trataba de una canción de After The Rain propiamente dicha, sino de una remezcla que han hecho para el grupo ITCN de su canción “Fight!”. Como la voz de José Ícaro es netamente distinta a la del vocalista de ITCN, Víctor Lebron, invitaron a éste a subirse al escenario y llevar la voz cantante. Y la verdad es que Víctor Lebron tiene un registro mucho más grave que viene como un guante a la canción. Buen y potente tema.
Como buen maestro de ceremonias José Ícaro dedicó un momento a presentar a sus dos acompañantes, antes de acometer el agradable fin de disco de “Kings Without A Crown”; “Shining Star”. Ya decíamos antes que José Ícaro es un frontman divertido que habla e interactúa con el público creando un ambiente cómplice y amigable para el buen funcionamiento del concierto. Por ejemplo, en este punto, nos anunció que se aproximaban los bises y con un puntito de sorna habló sobre la tradicional ceremonia de “me-voy-pero-pedís-otra-y-vuelvo”. La salida del grupo tras la primera parte del track list vino precedida por una canción que no se encuentra en ningún disco y que, siendo honesto, no reconocí.
Tras un pequeño descanso en el camerino se cumplieron los protocolos establecidos y After The Rain volvieron a subirse al escenario para deleitarnos con una nueva sorpresa. Ya de por sí es un placer encontrarse con la magnífica “Everything is possible”, probablemente la canción más bonita de After The Rain, pero lo que pudimos escuchar fue una agradable variación. La banda invitó a cantar esta canción a su amiga Emilia Krull, artista que desconocía y que hizo una ejecución vocal modélica; aumentando incluso la belleza primigenia de la canción. José Ícaro sabrá perdonarme, pero creo que me gustó más incluso que la original con su voz; aunque a fin de cuenta él mismo dijo que cuando compusieron la canción pensaban que estaba hecha “para una tía”.
La melancolía dejó paso al poderío casi sísmico de la excelente “Invincible (you are the one) que aumentó el embate rítmico de la versión de estudio mediante una huracanada interpretación por parte de todos los componentes de After The Rain. Sin duda un fragmento imprescindible de la actuación.
Quedaba una canción más y yo, dentro de mis particulares cábalas, tenía el pálpito de que podía ser “Heroes”, la versión del colosal clásico de David Bowie. Es una de las piedras angulares de “The Other Side Of The Crown” y una de las interpretaciones más lúcidas del recital que dieron como teloneros de Midge Ure. No me equivoqué, y no me dejó mal sabor de boca; “Heroes” pasa por ser una de mis canciones favoritas de todos los tiempos y que sea reinterpretada con respeto y personalidad es algo que me produce una enorme satisfacción.
Tal es lo que ocurrió anoche, siendo un broche inmejorable para un muy buen concierto. Si tuviera que definir y conceptualizar el concierto en una sola palabra, quizá fuese la palabra energía. El concierto fue un ejemplo de vigor y reciedumbre donde menudearon por doquier las incitaciones al baile, al cabeceo y a las palmas. El ambiente fue inmejorable (hubo hasta niños) y gran parte de este mérito recae sobre la banda, abierta e inclusiva. No se podían esperar grandes alardes de “atrezzo” en la Sala Maravillas, pero aun así en las pantallas situadas detrás de la banda pudieron verse imágenes de los vídeos musicales, fragmentos de letras o imágenes que armonizaban con la canción interpretada en ese momento. Sencillo pero efectivo.
Volví a agradecer a Yun las gestiones para colocarme una silla y le felicité sinceramente por el concierto. Estuvimos de acuerdo en una idea sustancial; los grupos y los medios pequeños tenemos que apoyarnos y esperar de esa colaboración un beneficio mutuo. De momento, el beneficio que me llevé fue el de haber asistido a un divertido y destacado concierto. Y así, satisfecho, y mientras sonaba pinchado el “Personal Jesus” de Depeche Mode, salí a la calle de San Vicente Ferrer con una buena porción de buena música en el zurrón.

Texto, fotografías y vídeos: Mariano González.
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domingo, 3 de junio de 2018

Programa Oasis “Be Here Now” (Temporada 9/ Programa 11)

Quedamos muy satisfechos Mariano González y yo del programa que realizamos el pasado sábado 19 de mayo de 2018. Lo dedicamos a un disco que no está muy valorado dentro de la discografía de los hermanos Gallagher, pero que a nosotros siempre nos ha gustado bastante.

Es su ocasión de escuchar lo que hicimos, ya que por motivos técnicos, no estuvo activa la emisión on-line en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). No obstante, decidimos llevarlo a cabo en falso directo y publicarlo llegado el momento -es decir, ahora- en formato podcast.

Lo ejecutamos una hora antes de lo previsto para el directo, es decir a las 15.00h. Aquí tiene el reproductor insertado y les dejamos enlace a Ivoox para su descarga si así lo prefieren: http://www.ivoox.com/dmr-9-11-audios-mp3_rf_26323824_1.html
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viernes, 1 de junio de 2018

Temporada 9/ Programa 12: “Noches Del Botánico” (2018)

Para el final de nuestra 9ª temporada de radio les tenemos preparado para este sábado 2 de junio de 2018 un programa muy especial. Vamos a dedicar nuestro espacio a prestar atención debida a la 3ª edición del festival madrileño “Noches Del Botánico” que se celebrará entre los meses de junio y julio en el Jardín Botánico de la Universidad Complutense.

Durante el programa, comentaremos el cartel tan llamativo que ofrece el festival en esta edición, con especial atención a los grupos que son más cercanos a nuestros gustos (de hecho, las canciones que sonarán serán temas en directo de las bandas que más nos captan, extraídas de sus discos en directo), hablaremos de la edición previa (con testimonio personal de nuestro colaborador Luis F. Novalvos que acudió a ver a The Orchestra, actual continuación de la ELO) y también podremos hablar con gente con mucho peso dentro de la organización del evento.

No se lo pierdan. Creemos que resultará un programa muy interesante y será más que apropiado para poner el punto y final a la que ha sido nuestra 9ª temporada de radio. Les esperamos en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) este sábado a las 16.00h en riguroso directo.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/260108374558734
Emisión on-line RUAH: http://www.online.ruah.es/
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