viernes, 13 de enero de 2017

Soft Cell - Non-Stop Erotic Cabaret (1981)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Marc Almond y Dave Ball se conocieron en el Politécnico de Leed hace más de 35 años. Ninguno de los dos pensó que ese encuentro iba a generar uno de los grupos más interesantes de principios de los 80, hasta el punto de ser mucho tiempo más tarde muy recordados y valorados. Sobre todo porque pusieron el punto distinto, extravagante y, si se me permite, canalla a un género dominado por chicos buenos, que cualquier madre querría como yernos. Está claro que ni Ball ni mucho menos Almond estaban en esa categoría.

También merecen la consideración de ser el grupo que implantó claramente lo que conocemos como dúo technopop. Es cierto que antes existían OMD, pero este grupo a pesar de ser un dúo, se solían presentar como cuarteto. Sin embargo, Almond y Ball eran ellos dos solos y un reebox con la musica pregrabada; son el antecedente más claro de grupos como Yazoo, Erasure o Pet Shop Boys: la fórmula de cantante pasional y exagerado escudado por un teclista robótico es marca de Soft Cell.

El grupo debutó en 1980 con un ep autofinanciado titulado “Mutant Moments”, después publicarían el single “Memorabilia”, que si bien no fue un éxito, sí se convertiría con el tiempo en un tema precursor de acid house.

Hoy daremos un repaso a su primer álbum, un disco publicado en 1981 en plena fiebre technopop, en el que el grupo supo diferenciarse y muy bien de sus coetaneos. “Non-Stop Erotic Cabaret” es un disco muy especial. Quizás no sea el mejor del dúo, pero si es el que mejor refleja su formula de hacer pasar por comercial las miserias humanas dándoles un barniz pop para hacerlas aptas al consumo de todo el mundo. Discos posteriores no serían tan sutiles al endurecer su sonido. “Non-Stop Erotic Cabaret” tuvo tanto exito que sería acompañado por un video titulado “Non-Stop Exotic Video Show”, en el que la mayoría de los temas del álbum tienen su correspondiente videoclip dirigido por Tim Pope, comentaremos algunos de ellos.

ANALISIS DEL DISCO.
1. “Frustration”: El álbum empieza con Marc Almond lanzando un grito desesperado mientras unos sintetizados poco amables nos ponen a tono para terminar en una melodía un tanto cirsence que relata la historia de una persona que lleva una vida ordinaria (trabajo, mujer, hijos) que termina por volverle medio loco y donde el protagonista empieza a cuestionarse todo. La parte final es un auténtico sin dios con Almond desatado hasta que la pieza acaba de forma brusca. Sin duda uno de los temas más logrados del disco, “Frustration” es angustiosa, delirante, surrealista, comica y burlona, elegir un tema así para abrir un disco es sin duda de valientes. El video del tema no se queda corto: sin duda uno de los mejores del dúo con Ball en el papel de persona ordinaria y Almond en plan Pepito grillo siniestro. Jardines, cementerios, la muerte de Ball y su entierro en vida.

2. “Tainted Love”: ¿Qué se puede decir ya de esta canción a estas alturas? Poco, la verdad. Su bink bink es tan reconocible que todo el mundo la atribuye a Soft Cell Cuando en realidad se trata de una versión de Nothern Soul publicada originalmente por Gloria Jones en 1964. Almond y Ball la hicieron completamente suya; en algo más de dos minutos el grupo toca la perfección pop hablando de una relación que claramente se acaba y de paso conectando con toda una generación que se sintió identificada con la canción y su sonido sintético y bailable. Es sin duda uno de esos hits inmortales que marcan generaciones. “Tainted love” fue un número uno mundial y a punto estuvo de acabar con la salud mental del grupo que se vio encuadrado como una banda de un solo éxito. Mientras otras bandas de pop electrónico habian tardado lo suyo en conseguir un numero uno, Soft Cell lo conseguían con su segundo single. Pronto demostrarían que tenían mucho más que ofrecer que esta canción a la cual el mismo grupo llegó a odiar. De hecho Marc Almond espero diez años para volverla a recuperar en sus shows en solitario. A pesar del enorme éxito del single, éste no les reportaría tantos beneficios económicos como se pudiera pensar. La historia es curiosa: al tratarse de una versión Almond y Ball no cobraban derechos de autor y como nadie pensó que fuera un éxito pusieron en la “cara b” otra versión. Se trato de “Where did our love go” de las Supremes que en la “cara a” del maxi iba unida en plan medley a la propia “Tainted love”. En definitiva, el single vendió millones y el grupo no vio un duro en derechos de autor. Una de las meteduras de pata más míticas de la historia del pop. “Tainted love” contó con un video en el que vemos a Almond vestido de emperador romano bastante malhumorado intentando fastidiar a los que le rodean, niños incluidos.

3. “Seedy films”: Nuevamente un tema que no tiene nada que ver con el precedente. Aquí el grupo nos sumerge en las calles del Soho londinense con sus luces de neón, sus cines porno, sus sex-shops y toda esa fauna de personajes que pululaba por allí a principios de los 80. Un lugar poco recomendable, que el grupo hace apetecible gracias a melodías sensuales y un estribillo que resalta con fuerza sobre el resto de la canción. El saxo vuelve a hacer su entrada, pero esta vez es para reforzar el caracter sensual de la canción.

4. “Youth”: Corta, pasional, intensa y sobre todo destacable por hablar de forma tan precisa sobre el paso del tiempo y la perdida de la juventud. Lo más curioso es que Almond y Ball estaban a penas en la veintena cuando escribieron esta canción; no es raro que Almond la haya seguido recuperando para sus shows hasta el día de hoy. El video para este tema es muy simple, se trata de la cara de Almond en plano fijo mientras van pasando imágenes de suponemos su juventud. No tiene gran cosa, pero sin duda funciona en la que es una de las grandes canciones de Soft Cell.

5. “Sex dwarf”: Aquí el ritmo se acelera y Soft Cell nos ofrece un tema que fue todo un escándalo. Podríamos calificarlos sin problemas de technopunk. Tenemos sintetizadores que no nos dejan descansar ni un segundo, látigos, cuero, gritos, sirenas y a Marc Almond que medio canta medio recita la letra en un tono siniestro. Una letra que nos vuelve a llevar a los cines porno del Soho y a ese ambiente decadente, vicioso y a la vez atrayente, a esa cara oscura de la vida, de la sociedad que el grupo consiguió retratar tan certeramente en este álbum. El video de este tema era una especie de parodia de una orgía con gente semidesnuda, enanos en tanga y carne por todas partes. No hace falta decir que fue inmediatamente censurado y confiscado por la policía. Ante esto se sustituyó por otro video con Marc Almond elegantemente vestido dirigiendo una orquesta.
6. “Entertain me”: La cara b se abre con esta canción que empieza con una introduccion de Almond a capella para lanzarse después a los sintetizadores saltarines de Ball, que dibujan una melodía limpia de esas que se quedan en tu cabeza y ya no se van. La canción es bastante irónica y nos habla de lo mal que se pasa cuando te toca un público difícil; casi parece relatar lo sufrido que es ser telonero de otro grupo y que todo el mundo este deseando que dejes el escenario. El video de la canción nos muestra una actuación de Soft Cell con una puesta en escena de lo más trash: niñas bailarinas con cualidades más que cuestionables, un mago bastante inútil o una mujer amiga de los reptiles.

7. “Chips on my soulder”: sin descanso “Entertain me” se une a esta “Chips on my shoulder”, que casi podríamos considerar antecedente del sonido electroclash 20 años después. Ritmos simples y repetitivos ideales para la pista de baile, que enmascaran una nueva canción sobre frustración, infelicidad e hipocresía. La canción termina de forma un tanto cortante para dar paso a uno de los más grandes temas del dúo.

8. “Bedsitter”: Ésta fue sin duda la canción que demostró que Soft Cell no era un grupo de un solo éxito. Publicado tras “Tainted love”, fue un enorme éxito y uno de los temas más reconocibles del dúo. La melodía sintetizada tan reconocible, obra de Ball, nos lleva de nuevo de forma magistral a maquillar con sutiles toques de technopop una historia sobre lo miserables que pueden ser los domingos solo en un pequeño estudio o pensión londinense cuando ya toda la fiesta paso. Pocas veces se ha retratado tan bien esa sensación de soledad y de tener que llenar el tiempo con algo.

9. “Secret life”: Una canción sin duda tragicómica sobre una persona a punto de estallar a causa del chantaje de un ex amante que amenaza con contarle todo a la supuesta esposa del protagonista. Los teclados de Ball, con esa melodía saltarina, realzan más si cabe la parte cómica de la canción.

10. “Say hello wave goodbye”: Nos encontramos ante el tercer single del álbum y otro clásico del dúo. Un precioso medio tiempo sobre una relación en la que las dos personas saben que no hay ningún futuro para ellos más que la separación, aunque también se puede interpretar como la cobardía del protagonista a hacer frente a una relación con una persona peligrosa para él. La parte vocal de Almond, aunque imperfecta, está tan llena de pasión que es difícil no emocionarse al escuchar este tema. El videoclip de la canción nos muestra a Ball y a su pareja entrando en un cabaret donde Almond es el protagonista absoluto.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
“Non-Stop Erotic Cabaret” es un disco inmortal que aun hoy suena bastante fresco, un debut impresionante que hacia bueno eso de “too much too soon”. El grupo lo iba a tener difícil para emular semejante obra. Decidieron no hacerlo y después de un año 82 muy exitoso gracias a los singles “Torch” y “What” y al álbum de remezclas “Non-Stop Ecstatic Dancing”, deciden endurecer su sonido en 1983 con “The Art Of Falling Apart”, otro excelente trabajo en el que se fueron quitando cada vez más esa mascara pop que hacia sus dramas urbanos consumibles por las masas. Finalmente entregaron en 1984 “This Last Night In Sodom” con el que endurecen y oscurecen aún más su sonido. Soft Cell habían hecho en tres años lo que Depeche Mode tardarían diez; de hecho Marc Almond ha dicho en alguna ocasión que el hueco dejado por Soft Cell fue hábilmente ocupado por los de Basildon, ya que lo hubiesen tenido más difícil para dar su giro a la oscuridad si Soft Cell hubiesen continuado.

Tras la separación del grupo Almond comenzaría una carrera en solitario con sus altos y sus bajos y que llega hasta nuestros días; de hecho en los tiempos de Soft Cell ya tenía su grupo paralelo llamado Marc And The Mambas, que llegaría a publicar dos álbumes.

En cuanto a Dave Ball a finales de los 80 formaría The Grid junto a Richard Norris, grupo con el que tendría bastante éxito en la primera mitad de los 90. The Grid colaborarían en el álbum de Almond “Tenement Symphony” de 1991 produciéndose así el reencuentro entre Almond y Ball a nivel compositivo, aunque el verdadero reencuentro sería la vuelta de Soft Cell en 2001. Una vuelta que traería un nuevo álbum, el irregular “Cruelty Without Beauty” un año después y una gira donde pudimos disfrutarlos; de nuevo volvieron a adelantarse: aún quedaba mucho para que las vueltas de los grupos de los 80 estuvieran de moda.

Ya no volverían más a juntarse, pero sus canciones siempre estarán ahí y al menos tenemos a Marc Almond para tocarlas en sus conciertos.

Texto: Alfredo Morales.
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martes, 10 de enero de 2017

DMR cubrirá el concierto en Madrid de La Broma Negra (14-01-2017)

Esta semana retornamos a la actividad habitual, con publicación el viernes de un artículo de revisión de disco a cargo de Alfredo Morales y también amplificamos el retorno al trabajo con este evento. Un año después La Broma Negra regresa al escenario de la sala Moby Dick. Aniversario casi exacto de uno de los mejores conciertos (si no el mejor) que hemos visto a la formación hasta la fecha, por aforo, repertorio, puesta en escena… Por todo.

Me da mucha rabia en lo personal perdérmelo, pero al menos “DMR” estará presente gracias a Mariano González, que sí puede asistir y se desplazará a la sala para que en días siguientes les podamos contar a través de sus palabras una vez más lo que Carlos Caballero, Álex Gómez, David Infantes y Laura Pérez ofrezcan sobre las tablas.

Siempre lo decimos: un concierto de La Broma Negra es un espectáculo digno de ver y que además resulta un ítem único dentro de la historia del grupo, ya que una actuación no tiene mucho que ver con la siguiente que ofrezca la banda. En ese sentido el plan se hace inmejorable, ya que la sala Moby Dick es un lugar que nos parece muy adecuado para conciertos (por la sala en sí y su ubicación en muy buena zona) y porque esto tiene lugar en sábado, que siempre ayuda.

Si pueden, no se lo pierdan. Lo recomendamos vehementemente y muy convencidos de que La Broma Negra ofrece uno de los espectáculos musicales más personales y distintos de ver en el panorama musical español. El precio de la entrada, con consumición incluida, es irrisorio y más teniendo en cuenta lo que podrán ver sobre el escenario a cambio. Agradecemos al grupo que nuevamente cuente con nosotros para poder informar de sus andanzas en directo.
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viernes, 23 de diciembre de 2016

Mejor Single Nacional 2016 DMR: “Bajo el volcán” de Love Of Lesbian

Aquí tiene lugar la excepción a la pausa vacacional navideña que tradicionalmente nos estamos tomando en “DMR”. En nuestro 8º año de existencia, hemos creado un título a nivel particular, que si bien no es a día de hoy un premio económico, ni una estatuilla conmemorativa, es un título que al menos a nosotros nos hace ilusión conceder; si por ejemplo a “DMR” nos consideran en algún lugar “mejor programa de radio musical” o “mejor blog musical” de un año, el título ya en sí nos agrada y nos llena de orgullo y satisfacción, que no todo tiene que ser económico (si bien, en futuro, quién sabe…).

Por ello, hemos decidido escoger el mejor single editado a nivel nacional en este 2016 que afronta sus últimos días. Preseleccionamos 3 canciones: “Bajo el volcán” de Love Of Lesbian, “Nivel inexperto” de Second y “El baile” de Izal, bandas a las que precisamente hemos podido ver en esplendoroso directo en la primera mitad del año.

El sistema de votación, a propuesta de Mariano González, ha sido conceder 1, 2 o 3 puntos, según orden ascendente de preferencia, a cada candidata por parte de los 6 miembros que a la presente fecha conforman el equipo fijo de colaboradores radiofónicos de “Discos, música y reflexiones”. Por ello, en esta elección hemos participado el propio Mariano González, Óscar Cañas, Alfredo Morales, José Antonio Sánchez, Luis Felipe Novalvos y servidor de ustedes Víctor Prats.

Tras la emisión de los votos (meditada durante la pasada semana por cada uno de los componentes, que ayer jueves 22 de diciembre cada uno individualmente emitió su veredicto), el resultado ha sido tremendamente nivelado: Izal 13 puntos, Love Of Lesbian 13 puntos y Second 10 puntos. Descartados nuestros buenos amigos de Murcia, había un empate técnico entre los madrileños y los catalanes que se ha resuelto por el “goal average”, traducido esto en que ha resultado ganadora la canción que más veces ha sido elegida por los colaboradores en su primer lugar por 3 a 2.

Y el ganador ha sido, como han podido leer en el título, “Bajo el volcán” de Love Of Lesbian, rutilante primer single de su último lp de estudio “El Poeta Halley”, el cual ya revisamos hace unos meses por estas tierras. Felicitamos muy sinceramente a Julián, Joanra, Jordi, Oriol y Santi por este título. Les dejamos insertado el videoclip del single y confiamos en que el quinteto de Sant Vicenç Dels Horts se sientan contentos al enterarse de resultar vencedores de este galardón, que es más bien honorífico que otra cosa como ya hemos explicado.

Por nuestro lado, continuamos de vacaciones hasta la semana del sábado 14 de enero en la que retomaremos la habitual actividad de “DMR”; nos ha gustado llevar a cabo esta excepción. Disfruten de “Bajo el volcán” de Love Of Lesbian (y también de las otras 2 finalistas) y nos vemos pasadas las fiestas. Felices navidades y les deseamos que el próximo año 2017 sea bueno con ustedes.
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viernes, 16 de diciembre de 2016

DMR cierra por vacaciones de Navidad 2016

Llámennos vagos. De acuerdo, pero ya saben que consideramos que la actividad 2.0 es un asunto que hay que llevarlo con calma y es preciso también desconectar de su ritmo de trabajo (si es que uno se lo autoestablece, como es nuestro caso).

Por ello, desde hoy paramos hasta la semana del sábado 14 de enero, en la que retornaremos a la actividad habitual. Ese día a las 16.00h reiniciaremos la actividad de “DMR” en la radio; durante esa semana crearemos su correspondiente evento en Facebook, lo difundiremos también vía Twitter y el viernes habrá un artículo informando de qué conversaremos en las ondas, lo cual ya lo tenemos prácticamente decidido.

En estas semanas de asueto y relajo, no obstante, sí que haremos algunos comentarios en nuestros perfiles de las redes sociales, con lo que la actividad principal cesa, pero la secundaria seguirá latente. Y al respecto, hay una novedad en este año (con ánimo de que siga en años posteriores) que les comentamos a continuación.

Consideramos MUY IMPORTANTE (al menos para nosotros), la deliberación de elegir el mejor single nacional de 2016 entre los 3 finalistas que hemos seleccionado. A saber: “Bajo el volcán” de Love Of Lesbian, “Nivel inexperto” de Second y “El baile” de Izal. El resultado se publicará el próximo viernes 23 y un post al respecto en el blog lo rubricará. Tendremos en cuenta sus retweets y compartidos en redes sociales para decidir.

Avisamos que se trata de un título meramente honorífico y simbólico, pero, ¿qué quieren que les diga? Si a “DMR” nos consideran Mejor Programa De Radio Musical o Mejor Blog Musical en alguna web, sin estatuillas o premios económicos, nos sentiríamos felices a más no poder.

Por ello, ahora aprovechen las fiestas para descansar y atender sus compromisos personales, que suponemos serán varios. La foto que encabeza el post corresponde a la pirámide luminosa que el Ayuntamiento de Torrejón de Ardoz ha colocado en su plaza mayor, cuya estructura parece más propia del Real de la Feria de Abril de Sevilla o de la Feria de Málaga.
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domingo, 11 de diciembre de 2016

Programa The Cure “Wish” (Temporada 8/ Programa 4)

Todavía emocionados por la vivencia de un nuevo concierto de The Cure el domingo anterior, el pasado sábado 26 de noviembre a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), llevamos a cabo un programa que intentamos dedicar a partes iguales a “Wish” de 1992 y a comentar el concierto de unos días antes.

Mariano González volvió a estar de forma presencial en los estudios, cosa que me alegró y durante unos minutos abrimos las líneas telefónicas, las cuales fueron aprovechadas por Carlos Caballero, cantante de La Broma Negra y buen amigo de “DMR” para comentarnos sus impresiones.

El programa contó satisfactoriamente con todas sus correspondientes redifusiones los miércoles 30 de noviembre y 7 de diciembre a las 23.00h y el sábado 3 a las 16.00h en el dial de RUAH. Por si se perdieron nuestras impresiones sobre el gran disco que tomó el relevo a “Disintegration” a título de trabajo inédito de estudio y nuestras reflexiones sobre el show del Palacio de los Deportes, aquí abajo les dejamos insertado el reproductor para su escucha y enlace a Ivoox por si desean descargarse el podcast: http://www.ivoox.com/dmr-8-4-audios-mp3_rf_14854165_1.html
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viernes, 9 de diciembre de 2016

Temporada 8/ Programa 5: Dardem y “La Brecha” (2016)

Este sábado se estrena el 3er. capítulo de entrevistas de la 8ª temporada; creo que es la 1ª vez que llegamos al parón navideño con superioridad de las entrevistas con respecto a los coloquios de discos. Dardem y su último lp “La Brecha” son los protagonistas del programa que podrán escuchar en estreno este sábado 10 de diciembre a las 16.00h en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Como ya hemos informado en post anterior, el programa lo ejecutamos el pasado 26 de noviembre de 2016 tras el directo dedicado a The Cure, “Wish” y su último concierto en Madrid. Con Raúl Pacheco, 4 canciones seleccionadas de “La Brecha” y las preguntas que Mariano González y yo elaboramos, dimos forma a este programa que esperamos sea de su interés.

Consideramos que será una buena forma de pasar la sobremesa del sábado. Dardem les reportará musicalmente (en los temas seleccionados) a partes iguales intensidad rockera y otros medios tiempos más reflexivos igualmente maravillosos. Y, como no, las impresiones de primera mano de uno de sus componentes, en este caso su guitarrista Raúl Pacheco, resultan bastante interesantes para comprender el funcionamiento de Dardem y la creación de “La Brecha”.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1171439489592215
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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martes, 6 de diciembre de 2016

DMR entrevistó a Dardem

Tras realizar nuestro programa en directo sobre “Wish” de The Cure y de paso hablar del concierto del grupo liderado por Robert Smith en Madrid el pasado 20 de noviembre, contactamos telefónicamente con Raúl Pacheco, guitarrista de Dardem. El motivo era llevar a cabo una entrevista en profundidad sobre el último trabajo de Dardem “La Brecha”, al margen de comentar otros aspectos relacionados con el grupo.

Fuimos Mariano González y servidor de ustedes quienes a dúo sometimos a nuestro particular y amable tercer grado a Raúl, el cual nos atendió muy amablemente durante 40 minutos para poder hablar de todo lo que queríamos hablar.

Esto fue ejecutado como decimos el pasado 26 de noviembre a eso de las 17:30h, pero será este sábado 10 de diciembre de 2016 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) cuando lo estrenemos. No se lo pierdan.

Agradecemos al propio Raúl Pacheco, en representación de su grupo, y a Pablo Camuñas de Promociones Sin Fronteras sus roles para que hayamos podido dar forma a este interesante programa de nuestra 8ª temporada de radio.
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sábado, 3 de diciembre de 2016

Nudozurdo - Sintética (2008)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Me apetecía desde hace tiempo comentar un disco de Nudozurdo, no en vano es una de mis bandas favoritas del indie español y los considero lo suficientemente talentosos como para ser tenidos en cuenta. A la hora de elegir el disco a revisar me decidí por el que supuso su revelación ante un público más amplio, “Sintética”. Los motivos musicales son más que suficientes para ponerse manos a la obra, pero mentiría si dijera que no hubo otras consideraciones de índole más personal. Verán. La música de “Sintética”, por diversas circunstancias, fue parte de la banda sonora de una relación mantenida por servidor de ustedes. Se podrá aducir que tampoco es una música propensa al romanticismo, pero las explicaciones al respecto son lo de menos. El caso es que cuando la relación se fue concienzudamente a freír espárragos, “Sintética” llevaba aparejado una carga de dolor que aparecía como un acto reflejo al apretar el play. Lo cual no deja de ser una sandez sentimental, pero supongo que hasta cierto punto inevitable. El caso es que pasado el tiempo, la cabeza fría volvió a regir mi criterio y pude volver a disfrutar de un disco magnífico. Y tenía pendiente desfacer un entuerto. A modo de revisión, por ejemplo. Y a eso vamos. De todos modos ya decía Rick Blaine en “Casablanca” que los problemas de dos personas poco importan en este loco mundo, de modo que sensatamente circunvalaremos toda está morralla nostálgica.

Desde hace un tiempo en nuestra escena musical independiente están apareciendo una serie de grupo de sonidos oscuros y evocaciones cercanas al territorio post punk. Ahí tenemos, entre otros, (cada uno con su toque) a León Benavente, Ornamento & Delito, Catpeople (un tanto desaparecidos) y por supuesto a Nudozurdo. Cuando escuché “Sintética”, por cierto, creía (como más de uno supongo) que se trataba del debut de la banda pero en realidad ya había grabado un disco tras ganar un concurso (Popzuelo) en 2002. Lastimosamente esa primera grabación contó con una deficientísima distribución que hizo que prácticamente se conociera solamente a partir del impulso de “Sintética”. De hecho el propio “Sintética” contó con una gestación dificultosa, retrasándose su lanzamiento bastante tiempo. Tampoco en estos primeros años de la banda la formación es totalmente estable. En los tiempos en que “Sintética” fue lanzado, la formación estaría compuesta por Leopoldo Mateos (líder y espíritu del grupo, el único que ha estado siempre) en voces y guitarra, Jorge Fuentes a la batería, Meta en el bajo y César de Monteyrín en guitarras. Posteriormente en discos sucesivos Jorge Fuentes fue sustituido por Josechu Gómez.

Para situar las coordenadas de “Sintética” diremos que la música se mueve en un estilo oscuro, decadente, de bajo y batería marcados y guitarras entre lo atmosférico y sucio según se requiera. Podría haber reminiscencia de varios grupos de sonoridad oscura de principios de los ochenta, entendiendo esto como una mera orientación y no como una lectura unívoca. Hay también quien habla de similitudes con Low, Mogwai… Y quizá la banda no esté de acuerdo con muchas de estas referencias. Qué importa, si suenan bien. Si la música puede llegar a ser densa, líricamente el disco no lo es menos. Las letras de Leopoldo Mateos son abundantes en figuras perturbadoras, inquietantes y frecuentemente dolorosas, pero sin renunciar a un cuidado lirismo. No son letras malrollistas sin ningún tipo de matiz, no estamos hablando de un grupillo emo. Visto que el panorama no parece ser la alegría de la huerta, bien haremos en conceder tiempo y escuchas para que vaya calando poco a poco, despaciosamente. Lo cual no significa que no tenga bazas ganadoras; en su momento cuando escuché “Mil espejos” (quizá porque era un estilo cercano a mis gustos) tuve la impresión de que había que indagar con detenimiento, y hoy no tengo dudas de que fue un acierto. Así que, a fin de cuentas, el laborioso parto de “Sintética” fue provechoso.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Mil espejos”: O cómo empezar el disco de una forma óptima. Sentimentalmente es sin duda mi canción favorita de Nudozurdo, pero la admiración siempre es secundada por buena música. La intro a base de bajo y batería, mientras por encima se van dibujando unos melancólicos acordes de guitarra, es hipnóticamente atractiva. La melodía vocal a cargo de Leopoldo Mateos suena triste y serena a un tiempo. Líricamente se nota la amargura de una relación ya pasada: “y aunque estés equivocada, y aunque tú ya no estés, en mi cuerpo hay mil espejos por donde yo… por donde yo te puedo ver”. Buen comienzo de disco y una canción carismática e indispensable de Nudozurdo.

2. “Negativo”: Canción de ritmo persistente y nervioso con notable presencia de bajo y batería; es más sencilla y con más colmillo que la canción anterior. Transmite cierta sensación de agobio, subrayado por unos leves y fantasmales coros de Leopoldo. Una canción directa, de seducción oscura: “porque las chicas van pasando y te quitan el lugar, y en su voz hay mil promesas que tú tienes que pagar”.

3. “Ganar o perder”: El concepto balada es, como poco, amplio y ésta podría ser un ejemplo de balada a lo Nudozurdo. Guitarras atmosféricas, ritmo sosegado y una sensación de tristeza y decadencia dominándolo todo. De las guitarras podríamos decir que tienen toque a lo Chameleons o incluso Interpol (más o menos). En cualquier caso todos los elementos huyen de la afectación y la tentación del melodrama. Incluso líricamente afronta el tema de la ausencia de un modo un poco cruel: “Y creo que lo que más echo de menos es discutir contigo hasta hacerte llorar, para que me perdones primero y para ponerte de nuevo contra la pared”.

4. “Kamikaze”: Y nos adentramos en terrenos cada vez más oscuros. La canción se inicia poco a poco, casi reptando, sonando cada vez más lúgubre y angustiosa. A su favor, la pertinaz base rítmica, los cambios de ritmo y un estribillo potente. La letra también se desliza hacia el lado sombrío, como si fuera una exploración de alguien inquietante, pero diseccionando sin irse muy lejos del oyente: “tú quieres que te respeten pero la gente lo que ahora tiene es miedo de ti y esta noche avanzas en tu coche blanco, recién estrenado, por la ciudad”.

5. “El hijo de Dios”: Y llegamos al gran tour de forcé del álbum. Musical y líricamente es todo un puñetazo al hígado, una composición absolutamente visceral, sin miramientos; sensación que aumenta con el tono “hablado” de la canción. Son más de siete minutos y medio sin grandes variaciones en la melodía, pero son las modulaciones en la intensidad y los pequeños, pero astutamente dispuestos, detalles los que ayudan a atrapar; como por ejemplo el sencillo pero efectivo riff. La letra es la más brutal del álbum y pasa por ser una galería demencial de personajes y situaciones extremas donde lo mismo caben imágenes violentas, suicidios o menciones a ex alcaldes de Madrid (póngase cada cosa a su nivel). Dicho así, estoy haciendo una semblanza terrorífica, pero escuchándola, está todo articulado de una manera relativamente sutil. Impacta sin horrorizar. Me recuerda un poco el estilo lírico de Fernando Alfaro en sus diversos proyectos (véase “Gente abollada” de Surfin’ Bichos).
6. “Otra vez”: Conviene bajar un poco la intensidad, no sea que bordeemos la taquicardia y nos saturemos. Este tema cumple esa función, hacer un poco de contrapeso. Las estrofas son suaves, de guitarras acogedoras y entonación mesurada. El colmillo se clava en el estribillo donde el acelerador es pisado a fondo y se gana notablemente en contundencia. La letra es una conversación de cama de una pareja desde el punto de vista de la mujer y que comienza con un taxativo: “Otra vez, fóllame otra vez”. O sea, una “pillow talk” (que dirían los finolis) más bien erótico-festiva. Aunque no, festiva no mucho. Curiosa.

7. “No hay nadie”: La canción quizá más cercana al rock de toda la vida durante toda su estructura. Guitarras marcadas, ritmo pegadizo y poderoso estribillo. Es el tema más sencillo y más estándar del disco, si bien no desagrada tampoco. La letra también deja alguna perla lírica: “Perdí tanto el tiempo, que creí que el tiempo eras tú”.

8. “Ha sido divertido”: Vuelven las curvas; ritmo más pertinaz, guitarras nerviosas y nuevos efluvios post punk. La sensación de melancolía que emana es perdurable, también ayudada por una (a su modo) emotiva interpretación vocal. Suena a derrota. Líricamente se sitúa tras una ruptura, al poner a trasluz y comparar las partes iniciales y auspiciosas de una relación con las finales y amargas. Es la desolación de que algo potencialmente bueno se vaya a la mierda. La primera parte de la letra es la positiva: “Ha sido tan divertido habernos encontrado, ha sido divertido que me hayas acogido”. La segunda es la negativa: “No ha sido divertido habernos desangrado, no ha sido divertido mil malentendidos”. Dolorosa si estás en situación.

9. “Ido”: Y cerramos con un estupendo instrumental, de los que dan buen nombre a este tipo de composiciones. Olvídense de los instrumentales que son extractos de hilos musicales, pasivos y funcionariales. En cambio, tenemos lo mínimo que puede ser exigible para una composición: es expresiva, mueve a emociones. Las guitarras saben a eco, son bellas y bien estructuradas. No sé por qué me evoca un día lluvioso. Buen final.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Una primera aproximación: el disco es conciso; nueve canciones. Lo suelo decir con relativa frecuencia, pero en general me gustan los discos tirando a breves (con sus excepciones, claro está). Es preferible la sensación de quedarse con un poquito de hambre y ganas de más, que con un empacho que a la larga mengüe las ganas de futuras escuchas.

“Sintética” es un disco que evoca y disecciona (creo que he utilizado este término más arriba), trae al presente sensaciones colindantes con la melancolía, con la nostalgia. Sin embargo, a un tiempo lo hace presentándolo desde el lado oscuro, sin escudarse en sensiblería. Más bien al contrario. No hay subterfugios, ni evitación; lo que aquí se cuenta es crudo, sórdido, epatante. En la medida en que aceptemos esta premisa podremos adentrarnos en “Sintética” o de lo contrario nos quedaríamos viendo el panorama desde el umbral. Mi recomendación es que, si no lo han hecho, lo intenten; musicalmente me parece interesantísimo y dentro del tono punzante existe equilibrio, no es un desatino depresivo.

En 2011 Nudozurdo lanza su segundo disco “Tara Motor Hembra”, un disco musicalmente expansivo en varios aspectos. Cuando es atmosférico, es más atmosférico y cuando es crudo es más crudo. O lo que es lo mismo, tenemos varias canciones largas y espaciosas y otras distorsionadas y turbias. En vista de lo cual es ajustado decir que es un disco más ambicioso, con síntomas de crecimiento y a la vez de coherencia. No me gusta tanto como “Sintética”, pero sí creo que se hizo acreedor a un mayor reconocimiento, si bien en general las críticas fueron buenas. El siguiente paso, en 2012, fue el EP “Ultrapresión”, conformado por cinco canciones grabadas durante las sesiones de “Tara Motor Hembra” y que remiten lo mismo a sonidos familiares de anteriores entregas que a territorios no hollados todavía. Más desconcertante puede parecer su “Acústico” (2013) y la reescritura de algunas de sus canciones, con arreglos de cuerdas y tal. Igualmente es disfrutable. Y llegó la hora de hacer un desdoblamiento, un spin off o simplemente de inaugurar un proyecto en solitario de Leopoldo Mateos llamado “Acuario” (2014), donde aportaba la interesante novedad de añadir el manejo de los sintetizadores permitiéndose algún deje ochentero. Este disco cobra todavía más importancia porque parte de su sustancia se traslada al siguiente trabajo de Nudozurdo, “Rojo Es Peligro” (2015) donde las programaciones son más importantes y el elemento electrónico aumenta a la par que también lo hacen los tempos de corte más tranquilo. En este caso la oscuridad es más sutil, pero a pesar de todo ello en el trasfondo se puede ver elementos primordiales de Nudozurdo. Y después… Parece ser que el grupo está trabajando de pleno en un nuevo disco, pero poco más se sabe. Visto todo con panorámica Nudozurdo es todavía un grupo joven, si bien llevan en liza desde 2002; solamente acumulan cuatro discos de larga duración y las recientes aventuras estilísticas han resultado satisfactorias. Lo cual nos lleva a concluir que el futuro es francamente auspicioso.

Y creo que antes de que se materialice ese futuro no está de más escuchar “Sintética”, no en vano es la piedra angular (creo yo) de lo que está siendo su carrera. No hace falta tener ninguna tribulación sentimental como yo, bastan los criterios musicales. Un disco que a pesar de haberlo descrito como oscuro, triste, etc, es un disco honesto, emotivo y, por cierto, bastante lúcido. Merece la pena.

Texto: Mariano González.
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viernes, 2 de diciembre de 2016

Concierto Ocean Colour Scene. Madrid (30-11-2016)

Este otoño de 2016 que comienza a agonizar, nos ha reportado una serie de experiencias en directo altamente satisfactorias, señaladas y muy emotivas. Comenzamos con el set acústico de Lloyd Cole en el Teatro Barceló de Madrid, para luego vivir el universo Kraftwerk por duplicado en Bilbao a los pocos días. Tuvimos también la ocasión de experimentar los triunfos de Dorian en La Riviera y de mis predilectos The Cure en el Palacio de los Deportes. Todo esto al margen del solvente show que Mariano González vivió de Dardem en la sala Arena.
“DMR” rematamos este 2016 con una cita de lujo de la mano de Ocean Colour Scene, una de las grandes bandas del brit pop de los años 90 y que nos ha dejado grandes momentos musicales desarrollados principalmente entre la 2ª mitad de los 90 y comienzos del milenio. Se cumplen en este año 20 desde que su emblemático “Moseley Shoals” viera la luz y el cuarteto actualmente formado por los clásicos Simon Fowler, Steve Cradock y Oscar Harrison, junto al actual bajista Raymond Meade ha tenido a bien dedicar una gira a su recuerdo, con la interpretación completa del mismo sin olvidar otros trallazos de su obra discográfica.
El miércoles llegamos a La Riviera poco más tarde de las 20:30h y el ambiente aún era tibio. La hora de comienzo estaba fijada para las 21.00h, y ésta fue una de esas ocasiones en las que el aforo se repleta en los últimos 15 minutos antes del arranque, ya que a la hora indicada para zarpar, el recinto se puso hasta los topes. Abajo la base rítmica de OCS con Oscar y Raymond.
Nos situamos en 3ª fila enfrente de la posición de Raymond, en la que intuíamos un concierto plácido, pero poco a poco se fueron acercando hasta nuestra posición una buena legión de una perfecta mezcla entre rude boys y mods, que iban bastante espirituosos (y lo que fueron añadiendo durante la actuación) y que causaban cierta inquietud por su impetuosidad hooliganera; parece que últimamente tenemos imán para que la gente más bullanguera del recinto se coloque cerca de nosotros. Por fortuna, no hubo que lamentar heridos.
Bueno, a lo que vamos, a eso de las 21.12h, con el tiempo justo de hacerse de rogar, pero sin crear cabreos por ello, y tras una buena sesión muy sesentera (con algunos retazos de mi gusto como el “Going underground” de The Jam) a cargo de nuestro buen amigo Dj Pichurra, las luces se apagaban y se presentaban ante nosotros los OCS capitaneados por ese vigoroso y potente cantante que es Simon Fowler; un tipo que nos imaginábamos a priori (ésta era la 1ª vez que veía a Ocean Colour Scene en directo) más serio y que por el contrario demostró ser muy simpático y bromista. Abajo vemos sin embargo en la imagen a Steve Cradock.
El grupo arrancó con la cover de “Day tripper” a modo de intro. Y así se quedó, como una buena intro, ya que los cánones mandaban arrancar con “Moseley Shoals” tal como fue concebido, por lo que sin descanso se presentaron los acordes de contundentes envites que conforman la imprescindible “The riverboat song”. Los acordes de la eléctrica de Steve estuvieron a la altura de efectividad que Simon desplegaba con su timbre de voz al micrófono.
En “The riverboat song” la base rítmica de Oscar (arriba del párrafo) no defraudó y destacó sin duda el papel de Raymond en un tema donde el bajo dice tanto. A favor de Raymond Meades hemos de comentar que destaca su humildad, siempre tocando en un segundo plano de posición en el escenario, no queriendo para nada quitar un ápice de protagonismo a ese dúo carismático y arrollador que forman Simon y Steve. Sin duda un momentazo que en otras giras de Ocean Colour Scene se debería situar más tarde en el setlist, pero aquí el concepto y protagonista era el que era. Les insertamos el vídeo que grabamos de “The riverboat song”; no esperen, como siempre, gran calidad de audio/imagen de nuestros vídeos.

Claro, por lógica ahora tocaba meterse con el otro gran clásico del 2º disco de estudio de OCS. No podía ser de otra forma y “The day we caught the train” provocó unos coros atronadores y llenos de emoción entonados por cada una de las almas que estaban dentro de la sala; no sería la única vez de la noche en este sentido.
Por tanto, el grupo planteó un inicio de actuación con la que ya se consiguieron el notable de calificación y prosiguieron para subir nota desplegando toda la magia y distintos capítulos que ofrece su “Moseley Shoals”. Un disco, que aún no ha pasado por aquí en nuestro clásico formato de revisión canción a canción (quizás no tarde mucho en hacerlo), que como bien saben da lugar a capítulos intensos, otros más recogidos y en definitiva una variedad con la que OCS demostraron tener buena cintura para pasar de demostrar distintos estados de ánimo de un minuto a otro. Por cierto, que se nos pasaba: a continuación insertamos el vídeo que grabamos de ese himno llamado “The day we caught the train”.

Hubo por tanto momentos para el recogimiento, como el que nos otorgó la bella y calmada “The downstream” y un rato antes “It’s my shadow”, con su buen trabajo registrado en su estribillo. Otros capítulos desgranaron mayor enfoque rockero como la efectiva “Policemen & pirates” (situada entre las 2 piezas más calmas, al igual que en el track list del disco, claro) y el tramo troncal del concierto dedicado al 2º disco de estudio de OCS se cerraría con el largo desarrollo de “Get away”, donde no faltó la armónica que ejecutó Simon, abajo en primer plano.
Pero, no todo iba a ser “Moseley Shoals”, ni mucho menos. Ocean Colour Scene completaron 1 hora y 40 minutos de actuación en la que se repasaron otros episodios muy válidos de su discografía. Yo les hablaré ahora del que para mí fue uno de los grandes momentos de la noche; venga, no me quiero quedar en medias tintas: fue mi momento favorito del concierto. Me refiero a “Better day” de su “Marchin’ Already”, sucesor de “Moseley Shoals”. Recuerdo muy bien los días en los que esta canción era puesta una y otra vez en el programa “Play Music” que presentaba Adriana Frade en Canal 7.
“Better day” es, como bien saben ustedes, una canción en forma de bonita balada melancólica y reflexiva, que en directo sonó sublime y muy sentida. Gran trabajo del señor Fowler a la voz, en este episodio tan remarcado del show que ya se dispuso tras el primer receso que la banda tomó para dejar el escenario durante unos segundos y ceder el protagonismo a Simon que no se bajó de las tablas (foto superior al párrafo) para antes afrontar “Foxy’s folk faced” también de “Marchin’ Already” con la acústica; sonó menos folkie y creo que le vino bien este enfoque más desnudo. No podía dejar de grabar (si bien no mirando a la pantalla, que las cosas hay que verlas en directo) mi debilidad de OCS que es “Better day”.

Destacó mucho “Profit in peace”, que llegó tras la soberbia “Better day”. Este tema de su “One From The Modern” de 1999 es tremendamente pegadizo y se hizo acreedor de los momentos de coros de la audiencia más destacados de la noche, superando incluso en ese apartado a “The day we caught the train”. Y en el plano de los coros, tampoco estuvo mal la respuesta del público en los últimos segundos de “Get blown away”. Vean aquí abajo a Simon coronando a “saint Steven”.
Otro capítulo que en mi terreno personal esperaba con ansias fue el pasaje “Lock And Stock” del show. “Hundred mile high city” arrolló cuando salió a la palestra. Los punteos eléctricos de la eléctrica fueron ejecutados por mr. Cradock de forma soberbia. Simon la afrontó con cierto malditismo al micro y lo más curioso de todo es que este tema supuso el final del concierto; un lugar dentro del set list que no me pega demasiado (sí que la veo más como re-arranque para iniciar el bis).

En el capítulo de ausencias, dentro de un setlist apto para los seguidores más exigentes, solamente me faltó el trallazo pop que fue single de su “Mechanical Wonder”. “Up on the downside” es un tema que me encanta y fue lo único que restaba para que la satisfacción hubiera sido de un 100%. Por lo visto (tras el concierto he estado trasteando por la red viendo setlist anteriores), Ocean Colour Scene no la tienen en consideración para sus conciertos desde el año 2007. Una pena, pero bueno. Les hemos narrado los momentos más destacados desde nuestra óptica del show, pero para que se hagan una idea más fiel, les dejo una foto del setlist que tomé de una afortunada que se lo llevó para casa.
Llegando a las conclusiones, lo primero es darnos cuenta del buen concierto que Ocean Colour Scene ofrecieron en Madrid. Demuestra varias cosas. La primera es que el grupo dispone de un repertorio de rock que no debe ser olvidado. La segunda es que con los medios justos y precisos (formación de guitarra, batería y bajo, con segundas guitarras cuando procedía por parte de Simon o algunos teclados a cargo de Steve), OCS son capaces de llenar el escenario y ofrecer un concierto de tremenda potencia rítmica, donde Oscar y Raymond tienen mucho que decir.
Antes de continuar con esta enumeración de ideas o reflexiones sobre lo experimentado, reparen en la imagen en blanco y negro que sacó Susana Hernanz y que está situada aquí arriba (a OCS le viene muy bien el blanco y negro para sus imágenes). Continuemos donde estábamos; la tercera es que la gente tiene en mente a esta gran formación, ya que la sala se terminó llenando y registró un aforo con un público completamente entregado a las canciones del grupo. Y la cuarta, si bien puede ser de perogrullo, es que Ocean Colour Scene siguen estando en activo, cosa no tan evidente cuando se aprecian actividades tan inconexas temporalmente como las que ofrecen las carreras de Pulp o Blur a día de hoy o la disolución de Oasis. Solamente Suede, de los contemporáneos de corriente o movimiento, se mantiene a buen nivel de actividad a día de hoy.
Al igual que lo suponemos de todos los asistentes, nosotros no fuimos una excepción y nos lo pasamos muy bien en el concierto de Ocean Colour Scene; al terminar, a la otra orilla del río y como hicimos el día de Dorian, nos tomamos unos pequeños bocadillos y algo de beber para celebrar lo vivido y comentarlo con la emoción todavía a flor de piel. Esta cita con OCS la imaginábamos como un gran colofón al ya comentado otoño musical en vivo tan fabuloso que hemos disfrutado (quizás solamente comparable al que gozamos en 2010) y no nos equivocamos. Agradecemos a Pablo Camuñas de Promociones Sin Fronteras sus gestiones para facilitar que “DMR” fuéramos acreditados como medio para poder informarles de esta cita tan destacada.
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domingo, 27 de noviembre de 2016

Programa Fundación Tony Manero “Superficial” (Temporada 8/ Programa 3)

Realmente este programa que compartimos telefónicamente con Lalo López, el guitarrista de Fundación Tony Manero, es el estreno de la 8ª temporada. Y es que la grabación de la entrevista la llevamos a cabo el sábado 15 de octubre de 2016, antes de que comenzáramos el programa en directo junto a La Broma Negra; para pruebas, comprobarán que la camiseta que llevo en la foto (correspondiente al momento de la edición del audio de la entrevista con Lalo) es la misma que la que nos sacamos más tarde con nuestros invitados presenciales.

El metro de Barcelona nos quiso jugar una mala pasada, pero Lalo consiguió superar las incidencias ajenas a su persona y pudimos llevar a cabo una disección razonablemente profunda sobre “Superficial” y otros aspectos que rodean a Fundación Tony Manero; la incidencia solamente se notó en que el estreno en directo de la temporada, por motivos de edición de la entrevista con Lalo, se retrasó un par de minutos.

El programa se estrenó el sábado 12 de noviembre a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) y contó con sus 3 redifusiones correspondientes los miércoles 16 y 23 de noviembre a las 23.00h y el sábado 19 de noviembre a las 16.00h en el mismo dial.

Queremos agradecer a Carme Tasias de Musicbus (si bien Fundación Tony Manero a día de hoy ya no están en colaboración con Musicbus) sus gestiones para que pudiéramos llevar a cabo este programa que teníamos en mente realizar desde ya hace un tiempo.

Por si no pudieron escuchar en las 4 ocasiones el programa y es de su interés, les insertamos abajo el reproductor para que puedan ahora desquitarse y también les dejamos el enlace a Ivoox donde se encuentra alojado para que puedan descargárselo con total libertad: http://www.ivoox.com/dmr-8-3-audios-mp3_rf_14117173_1.html
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viernes, 25 de noviembre de 2016

Temporada 8/ Programa 4: The Cure y “Wish” (1992)

Aún estamos emocionados por el tremendo concierto que vivimos el pasado domingo en el Palacio de los Deportes con Robert Smith y el resto de los The Cure actuales. Y, ¿se creerán que ya teníamos de antemano pensado que hablaríamos sobre “Wish” este próximo sábado en nuestro programa? El motivo de la pregunta estriba en que el disco del grupo de 1992 fue uno de los protagonistas principales del repertorio que la banda ofreció para la ocasión.

Será excusa su análisis para dedicar el programa a partes iguales entre diseccionar este álbum, uno de los mejores de su trayectoria y para hablar largo y tendido del concierto. Mariano González vendrá en persona, con lo que probablemente tengamos abiertas las líneas para que puedan entrar y brevemente comentarnos sus impresiones sobre el disco protagonista y el concierto.

La cita es este sábado 26 de noviembre de 2016 a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Les esperamos. No nos falten.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1834799446763773
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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jueves, 24 de noviembre de 2016

DMR cubrirá el concierto en Madrid de Ocean Colour Scene (30-11-2016)

Presumiblemente, nuestro último concierto de 2016 sea el que veremos este próximo miércoles en La Riviera, a la cual retornamos después de ver el triunfo de Dorian unas semanas atrás. Diciembre suele ser mes de pocos conciertos y sin haber en efecto alguno a la vista, despedirnos hasta 2017 de la mano de Ocean Colour Scene es una opción más que remarcable.

Los británicos, grupo paradigma de un pop-rock enérgico de buen ritmo desarrollado desde los años 90, vienen para celebrar los 20 años de su disco “Moseley Shoals”, un trabajo redondo, tal como me lo describió un amigo hace unos días cuando le comenté que el grupo actuaba en Madrid.

Estaremos presentes pues este próximo miércoles 30 de noviembre de 2016 a las 21.00h en La Riviera para narrarles lo que OCS ofrezcan derivado de rescatar en directo su disco más emblemático. No faltará un buque insignia como es “The riverboat song”, pero confiamos en que el repertorio incluirán otras canciones tan notables como “Hundred mile high city” o “Better day” del siguiente lp a “Moseley Shoals” “Marchin’ Already” y, ¿por qué no? otras canciones muy válidas como “Up on the dowside” por ejemplo.

En días siguientes les narraremos nuestras impresiones. Quedan entradas, por lo que mejor vívanlo de primera mano y luego contrastamos sensaciones. Agradecemos a Pablo Camuñas de Promociones Sin Fronteras que haya contado con nosotros una vez más para un evento tan destacado como éste.
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