domingo, 16 de febrero de 2020

Programa El Último De La Fila “Astronomía Razonable” (Temporada 11/ Programa 6)

Aunque no logramos entrevistar a ninguno de los 2 miembros del grupo, había que dedicar ya un programa por nuestra parte a un disco tan válido como el que a la postre fuera el penúltimo editado por El Último De La Fila. De ahí que el día 18 de enero de 2020 estrenásemos este ítem de nuestra 11ª temporada a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

No obstante, el programa fue grabado y emitido de incógnito (sin anuncio o promo previa) el pasado sábado 23 de noviembre de 2019 a las 14.00h en el mismo dial. No se preocupen, que si no escucharon el programa en su estreno o en su emisión no anunciada, les dejamos aquí el reproductor con el podcast y el link a Ivoox para su audición: https://www.ivoox.com/dmr-11-6-audios-mp3_rf_47785972_1.html

Fuimos nuevamente Mariano González y Víctor Prats los únicos colaboradores que nos citamos aquella tarde para debatir sobre esta obra, sus canciones y sus autores. Espero que el programa sea de su interés y les guste.
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viernes, 14 de febrero de 2020

Temporada 11/ Programa 7: Editors y “In This Light And On This Evening” (2009)

Editors es una banda que siempre nos ha llamado la atención. Desde su debut con “The Back Room”, esos sonidos oscuros con la potente voz de Tom Smith, nos evocaban a Joy Division y siempre va a ser un factor positivo en nuestras percepciones. Para el programa que podrán escuchar este próximo sábado hemos escogido el que fue el 3er. disco de estudio del grupo.

Con este álbum, la banda viraba hacia una electrónica igual de potente, y a la postre fue el último lp con el guitarrista original Chris Urbanowicz. Les esperamos a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Creemos que será un programa sumamente de su interés.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1814245268709846/
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
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viernes, 7 de febrero de 2020

Dua Lipa - Dua Lipa (2017)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
La conocí creo que durante 2017. La primera vez que vi su videoclip de “New rules”, llamativo sin duda, fue a mediados de año y lo volví a ver ya en el mes de noviembre y por fin me anoté su nombre.

De ahí en adelante Dua Lipa me ha terminado captando y acompañando desde entonces, gustándome cada vez más sus canciones, voz y melodías. Además, a su disco de debut completo accedí por primera vez en el viaje de ida a Japón en junio de este año (estaba entre las opciones que KLM te daba para escuchar en las 10 horas desde Amsterdam a Tokio), del cual me ha quedado muy buen recuerdo en general por diversos motivos, con lo que este lp que hoy nos ocupa siempre tendrá un punto emotivo positivo para mí.

Comentarles que esta chica, nacida en Londres, pero de origen kosovar, ha sido un ejemplo de personalidad resuelta y decidida. Emancipada con apenas 15 años, se marchó a vivir a su Londres natal (tras retornar su familia a Kosovo tras un tiempo como refugiados en la capital británica) a buscarse la vida como modelo, cantante y camarera. Finalmente, Dua se ha terminado de hacer un hueco con merecimiento en el mundo de la música; no sé qué nos deparará su trayectoria, pero al menos por su disco de debut siempre podrá decir que ha dado origen a un lp más que aprovechable.

Hasta que su disco de título homónimo vio la luz, Dua fue editando sus singles y videoclips, logrando mucho éxito con “Be the one” (curiosamente una de las que no compuso ella). Con la que dio el golpe definitivo fue con “New rules”, canción de sonido exótico y, ya advertido, notable videoclip, donde podemos ver además la belleza física de esta chica.

En tonos vocales puede recordarnos en algunos momentos a Sia incluso. El disco en sí es generoso en listado de canciones y de él han salido varios singles. Tiene mucho potencial melódico y afronta distintos estilos o perfiles de canciones que de paso no lo hacen monotemático, ya que hay lugar para el baile, para electrónica suave, para baladas e incluso algún tema semiacústico. Hay mucha tela que cortar, por lo que comencemos.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Genesis”: La canción que abre el disco “Genesis”, es una pieza muy definitoria del estilo peculiar del pop de Dua. La percusión y los ritmos dan pista de otros capítulos que veremos dentro de la obra. El estribillo es claro y directo, si bien las estrofas no son tan accesibles de inicio. Canción luminosa y buena forma de abrir el disco, con un perfil ni alto ni bajo.

2. “Lost in your light (feat. Miguel)”: Llega el turno de un dueto, en este caso con el cantante californiano Miguel. “Lost in your light” la conocí en directo, viendo conciertos de la gira en Youtube. Canción vagamente hipnótica y oscilante en su melodía, con cierto aire de ensoñación y una electrónica bastante elegante. La voz de Miguel casa a la perfección con la de Dua. El videoclip, grabado en un callejón de ambiente industrial y en los tejados de naves, es sencillo, pero efectivo, con Dua Lipa levitando, perdida en la luz que protagoniza la canción. Para mi gusto uno de los capítulos más reseñables del disco (y no es porque esté carente de ellos). Un single de justicia, si bien muy eclipsado por el siguiente que fue “New rules”.

3. “Hotter than hell”: Más singles, en este caso una canción más de músculo y de perfil elevado como es “Hotter than hell”. Es un tema muy animado, sobre todo en el estribillo, con esos gritos y coros que aderezan la pista, que busca lograr cierta épica. Efectiva y directa y de las muy queridas por los fans de la artista dentro de este disco de debut.

4. “Be the one”: Si bien Dua se compone casi todas sus canciones, es curioso que 2 de las más llamativas no hayan sido obra suya. Es el caso de “Be the one”, una canción de pop ligeramente oscuro o de menor relumbrón, pero que es sin embargo bastante pegadiza por lo sencillo de su estribillo. No escatima en sonidos exóticos y notas fuera de la producción random internacional del pop de los últimos años, lo cual da identidad a este disco. Fue quizás el single de mayor éxito de Lipa hasta “New rules”; no en vano, dispone de 2 videoclips oficiales.

5. “IDGAF”: Más singles y más variedad. Aquí estamos ante un ejemplo de logro semiacústico. Esta canción de reafirmación personal ante una ruptura sentimental y un intento de retorno del que abandona, es una composición que nuevamente acierta en la melodía. El videoclip es curioso, con Dua Lipa repetida en vestido azul y pelo recogido y en vestido rojo y pelo mojado peinado hacia atrás (lo mismo que el resto del cuerpo de baile que la acompaña). Con apenas unos sencillos, pero atinados acordes de guitarra, la canción fluye a base de eso y la siempre atractiva voz de Dua. Claramente otra de mis favoritas. Por si alguno no lo sabe, las iniciales de “IDGAF” son de “I don’t give a fuck” (traducido “Me importa un...”) y en algunas actuaciones Dua, por temas de censura, se ha visto obligada a omitir el “fuck”, lo cual queda curioso (por ej. en la actuación previa a la final de la Champions League de 2018).

6. “Blow your mind (mwah)”: Más bien advertiré de lo que no son singles a partir de ahora, ya que esta también lo fue. “Blow your mind (mwah)” es de textura bullanguera y saltarina y algo machacona. Incluye incluso en su título la onomatopeya del beso, que era un signo de identidad de Dua Lipa cuando con 15 años subía vídeos en Youtube de sus covers de otros artistas. La veo en parte como a “Hotter than hell”, siendo canción de estructura parecida y semejante en sensaciones que transmite.

7. “Garden”: Pues miren, la atormentada “Garden” no fue single. Estamos ante una balada dolida, con Dua Lipa cantando con tremendo sentimiento. La pista va ganando potencia instrumental, llegando a ser bastante épica en su estribillo central. Sube la montaña y luego baja, ya que termina en formato acústico tal como arrancó. Hay algunos coros que distorsionados acompañan a Dua Lipa en el estribillo, para darle un toque de cierto desasosiego.

8. “No goodbyes”: Es curioso que “No goodbyes” es una canción tranquila en estrofas, pero que alcanza mucha intensidad en su sencillo estribillo. No fue single, pero creo que aquí las canciones que no lo fueron en ningún caso resultan un mero relleno para formar el lp. Creo que esta pieza es nuevamente otro momento muy a tener en cuenta.

9. “Thinking’ bout you”: Con “Thinking’ bout you” Dua Lipa nos ofrece otro estilo distinto a lo escuchado hasta ahora, ya que si “Garden” también es una balada, “Thinking’ bout you” suena amable y no dolida como la antecesora. Canción de formato acústica, sencilla y sin alardes. Fue single también.

10. “New rules”: Claramente la canción vamos a decir totem del disco. “New rules” es exótica y llamativa en esa peculiar electrónica en la que se basa. Dua se mueve bien en los registros vocales, jugando a ratos con el hedonismo en algunas estrofas. No es una canción de estructura fácil, pero sí es llamativa y por eso enganchó. El videoclip ya comentado, es bastante acertado y ajustado a los tiempos actuales. Una gran canción, que curiosamente es la otra excepción a la composición de la intérprete.

11. “Begging”: Con tanto single, considero una injusticia que este temazo no lo fuera. “Begging” es épica, brutal, de los mejores capítulos del disco. Tiene potencia a raudales, sentimiento, melodía y acierto en todo momento; incluso en directo, el final que ofrecían jugando con los efectos sintéticos de las notas era sublime. Junto a otra que vendrá a continuación, para mí es definitoria de mi viaje a Japón de este pasado 2019. De mis favoritas absolutas.

12. “Homesick”: Lenta balada después del frenesí pop de “Begging”. En esta pieza Dua se acompaña de Chris Martin de Coldplay. “Homesick” es una canción lenta, delicada y muy desnuda, en la que solamente hay una melodía de piano clásico sobre la cual Dua canta de forma cálida, con el acompañamiento de Chris cuando toca.

13. “Dreams”: Otra pieza exótica, muy definitoria del disco es “Dreams”. Tampoco fue single, y me llamó la atención al igual que con “Lost in your light” al ver conciertos en Youtube (no en vano las 2 formaban parte del mismo sector del show). Esta la tengo asociada al viaje de ida a Japón aquel glorioso 14 de junio de 2019, en el que muchos de mis sueños se me habían hecho realidad, por lo que no podía ser más adecuada. Además, es que su carácter es tremendamente luminoso y radiante. Canción muy positiva, enfocada a la temática del amor, pero que pueden readaptar a lo que quieran, como yo hice. Otra de mis predilectas sin duda alguna.

14. “Room for 2”: Creo que “Room for 2” es de las piezas más raras del disco. Ya choca con encontrarse con Dua cantando en su inicio (y volviendo a lo largo del tema) en un registro tan grave e incluso lúgubre. Es una semibalada que no sé por qué se me antoja que también podría haber firmado en su día Lady Gaga; no en vano, hay algunos momentos de Dua en registros altos dentro de esta pista que me evocan a esa otra diva que tanto me gusta y respeto.

15. “New love”: No hay un cambio radical al pasar a “New love”. Es una canción de sensaciones parecidas. Tiene un leve aroma dolido, como algo que nos hace percibir esta canción con un vago regusto triste; no sé explicarlo muy bien, pero me causa esas sensaciones. Tema amable de transición a un combo de canciones para el final de disco que nos van a permitir abandonar en lo más alto.

16. “Bad together”: El disco va a cerrar con un 2 temas con cierta épica que le dan un broche de oro. Primero llegamos a “Bad together” donde Dua Lipa sigue demostrando su tremendo acierto melódico y ofreciendo otra pieza donde la épica pop está muy presente. Muy bueno sobre todo el puente al estribillo. Canción potente y decidida, que nos sube las pulsaciones después de 2 capítulos más introspectivos y relajados.

17. “Last dance”: Terminamos con otro single. “Last dance” resulta tremendamente frenética en su melodía y sonido. Es una canción muy sencilla en su estribillo, pero que funciona y llega sin dificultad a cualquiera. Es un final del disco más que acertado. Tengan en cuenta que lo que he analizado es el cd 1 de la “Complete Edition”. Luego hay un cd 2 donde están las otras colaboraciones de Dua Lipa en esta época (“One kiss”, masivo hit con Calvin Harris, “No lie” con Sean Paul, “Scared to be lonely” con Martin Garrix o “Electricity” con Silk City) y otras piezas llamativas como “Want to” (esta muy buena). Lamentablemente el temazo para “Alita: Battle Angel”, la canción “Swan song”, no llegó a tiempo de incluirse en ese cd extra.

Bonus tracks.
18. “Want to”: Tengan en cuenta que lo que he analizado es el cd 1 de la “Complete Edition”. Luego hay un cd 2 donde están las otras colaboraciones de Dua Lipa en esta época y un par de bonus tracks. De hecho, el cd 2 arranca con sus temas propios. El más acertado es el que abre, “Want to”. Es una canción que en parte continúa las sensaciones de la canción de cierre “Last dance”, pero con menos revoluciones. En sus sonidos es de factura algo desquiciante y busca desasosiego. No tardó mucho en entrarme. Fue también single para promocionar la reedición “Complete” del disco que estamos analizando.

19. “Running”: Quizás con “Running” se dé uno de los casos que menos me han calado del disco hasta ahora. Quizás su estribillo está lejos de la exigencia mostrada en tantos y tantos episodios del disco. No es una canción mala, pero brilla mucho menos que el 80% del contenido hasta ahora expuesto. No obstante, cualquier propina se agradece.

20. “Kiss and make up”: Y llegamos ya a las colaboraciones. “Kiss and make up” es con total seguridad la de menor relumbrón. Aquí Dua colabora con el grupo Blackpink y da lugar a una pieza quizás demasiado vacía, que busca el hit inmediato de forma muy descarada. No me llega especialmente. Por fortuna, el resto de colaboraciones que llegan son infinitamente mejores.

21. “One kiss”: Masivo hit con Calvin Harris. Fue una de las canciones del verano de 2018 a nivel internacional. En parte evoca las formas y maneras melódicas de “New rules”, con un toque si cabe más cálido. El videoclip, no sé si hecho de tal modo que transmita la sensación de ser un producto low cost, abusa del croma, dejando en evidencia sus limitaciones y nos muestra a un Jan Oblak, digo, Calvin Harris, de smoking hierático y a Dua con su nuevo look, con su melena morena recortada a la mitad en longitud y en tonos malva y otros vestidos llamativos. Es gracioso ver esos bichos marionetas con los operarios que los mueven viéndose por detrás sin disimulo alguno. Una canción pegadiza y que muestra gran parte de las pautas sonoras de Lipa en su debut.

22. “Electricity”: Siguió el éxito de “One kiss” “Electricity” con Silk City. Canción tremendamente dance, con Dua Lipa en su videoclip tonteando por 1ª vez con un cambio de look más radical (pasándose al rubio, el cual creo que no le pega nada). Saltarina, rítmica, levanta ánimos, positiva... En fin, un cóctel perfecto para lograr un masivo hit internacional.

23. “Scared to be lonely”: Se nota cada colaboración temporalmente de qué momento es y está claro que “Scared to be lonely” es de las primeras que hizo Dua, ya que está muy en consonancia con los sonidos centrales del disco. Aquí el colaborador de lujo es Martin Garrix. Canción dolida, de reproches sentimentales, y sonidos sintéticos en el estribillo que se muestran con cierto punto agreste.

24. “No lie”: El turno ahora es de “No lie”, que más bien es una canción de Sean Paul donde Dua Lipa se encarga del estribillo. Creación realmente rítmica, cálida y muy bailable. No soy muy amigo del hip hop o el rap, pero hay capítulos como este que siempre son bienvenidos. Es un tema de potencial y en su tramo de gira final del disco Dua lo incluía insertado a modo medley por su estribillo en un combo muy acertado que situaba en el primer sector del show.

25. “New rules (live)”: Hay que citarla, pero esta toma en directo de “New rules” no nos supone más novedad que ver el buen hacer de Dua en el directo. En la pista se aprecia como Lipa arenga al público y lo anima a corear las nuevas reglas que propone la canción y muestra lo que ha sido el final de sus conciertos de su gira de presentación, ya que los conciertos terminaban con “New rules”, como así hace esta “Complete Edition”. Lamentablemente el temazo para “Alita: Battle Angel”, la canción “Swan song”, no llegó a tiempo de incluirse en este cd extra, ya que vio la luz en enero de 2019.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Dua Lipa con su disco de debut ha sido una de las nuevas divas del pop en incorporarse últimamente al mainstream mundial. Su irrupción definitiva en 2017 de la mano de “New rules” y el lanzamiento de este notable lp, demuestra su tino y su tirón. El disco ha sido muy exitoso, pero sin alardes excesivos (me refiero a que en los 2 países de referencia no llegó al 1; en Reino Unido fue top 3 y el Estados Unidos top 27).

Sin embargo, todas las colaboraciones llevadas a cabo por Dua y su participación en la ya mencionada ceremonia previa de la final de la Champions League de Kiev en 2018, demuestran la repercusión lograda por la artista en los últimos tiempos. He de comentar que la portada del disco es un poco extraña, ya que muestra a Dua Lipa en un look que no profesa mucho, con el pelo no sé si mojado o engominado, peinado como hacia atrás, con chupa de cuero, de tal forma que parece el disco que sacaría la hija de la cantante italiana Sabrina Salerno; no es la foto que más partido podría haber sacado de Dua, o al menos eso pienso.

Después de acceder al disco en esos vuelos de ida y vuelta al país del sol naciente, tenía clarísimo que me lo quería comprar. Y después de vagar por tiendas logré esta edición a un precio más que aceptable de 11,99 euros (tengan en cuenta que son 2 cds con 17 y 8 canciones). Es una de las adquisiciones que más orgulloso estoy de haber comprado en los últimos tiempos, ya que su contenido es altamente satisfactorio.

En estos días estamos esperando lo que será “Future Nostalgia” el 2º disco de Dua Lipa. De momento hemos conocido “Don’t start now”, buena canción de sonido dance y funky algo retro y la menos evidente y algo enrevesada (con Lipa mostrando su gusto por el rap o hip hop) en las estrofas canción título del futuro lp. Lo mejor es que el 26 de abril podremos verla actuar en el Palacio de los Deportes de Madrid. José Antonio Sánchez, colaborador de nuestro programa, y yo estaremos en el graderío muy atentos de lo que nos ofrecerá Dua esa noche. La noche previa también estaré por el mismo recinto viendo a Nick Cave And The Bad Seeds; no me dirán ustedes que el contraste no será notable entre una actuación y la otra.
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viernes, 31 de enero de 2020

La tumba de Falco (Turismo DMR #1)

Inauguramos una sección nueva. Con esta sección en la cual, de forma muy humilde, nos hacemos “youtubers”, lo que haremos será completar huecos de cuando en cuando en los que no podamos mantener nuestro ritmo habitual de programa de radio o artículo de revisión de disco tema a tema (que no se crean que los artículos que hacemos no llevan su tiempo).

Es decir, que a diferencia de los artículos de conciertos, que se publican cuando sean, estos artículos se publicarán los viernes o sábados, dentro de nuestra actividad semanal, siempre que no estemos en alguno de nuestros parones vacacionales (de hecho, en los parones vacacionales ya muchos sabrán que los artículos de conciertos sí que ven la luz de forma excepcional).

Esta idea de hacer vídeos sobre los lugares musicales que visito en mis viajes, me venía rondando hace tiempo. Me hubiera gustado hacer 1 en la localización de los vídeos de The Cure de “The hanging garden” y “The caterpillar” en Londres, o en las puertas de la mítica sala Le Zenith de París (quizás en un futuro, cuando revisite esas ciudades).

En mi viaje a Viena del 6 al 10 de enero, una visita ineludible, por ser muy fan de él, era visitar la tumba de Falco en el Zentralfriedhof (cementerio central, como supondrán en traducción) y presentarle mis respetos. Aquí les inserto el vídeo al respecto y a ver qué les parece; como esto es una entrada que informa de un videoblog, no me extiendo más, ya que lo que procede es ver y escuchar el vídeo. Veremos cuándo tiene lugar nuestro próximo vídeo de “Turismo DMR”. Si por mí fuera, serían muy frecuentes, pero como supondrán, tanto el tiempo libre como el dinero disponible no nos permiten todo lo que desearíamos.
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viernes, 24 de enero de 2020

Fischerspooner - Sir (2018)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Si en mi anterior articulo hablé del, a mi juicio, grupo más importante que salió del movimiento electroclash, en esta ocasión cruzamos el atlántico y de las Islas Británicas nos vamos a Nueva York para encontrarnos con el otro gran grupo de este movimiento. La unión del compositor Warren Fischer con el letrista, cantante y actor, Casey Spooner daría bastante que hablar en los primeros años de la década de los 2000, además de un grupo musical eran todo un colectivo artístico que incluía bailarines, actores y vocalistas. El objetivo del grupo era romper las barreras entre las diferentes formas de arte, una performance donde la música está a la misma altura que la estética.

Reivindicando el movimiento queer, el grupo se hizo un hueco en el seno de la comunidad gay con sus actuaciones en las que no faltaba la provocación y la desinhibición, creándose una fama de absolutos entertainments. El cantante Casey Spooner nunca ocultó su condición gay y siempre fue muy abierto con el tema.

Su primer álbum, titulado simplemente “#1” (2001) fue todo un acontecimiento gracias a ese hit que fue “emerge” y que ha quedado como uno de los temas electroclash mas importantes, hasta el punto de que, desgraciadamente, para muchos Fischerspooner son simplemente el grupo de “Emerge”.

Con su segundo largo “Odyssey” (2005), dan un giro algo más pop y realizan el que quizás sea su mejor álbum. Era un disco que gracias a singles como “Never win” o “Just let go” tenía todos los atractivos para convertirse en el álbum que llevase al grupo al éxito masivo. Sin embargo, esto no ocurrió y a pesar de una exitosa gira en la que fueron cabeza de cartel en muchos festivales, el fracaso de “Odyssey” llevaría al grupo a una situación difícil.

Su tercer y último álbum hasta el momento fue “Entertainment” (2009), diez canciones bastante diversas donde el grupo demuestra el buen momento compositivo en el que se encontraban con temas claramente pop dance como “Supply and demand” o “We are electric” junto con otros más experimentales como “Amuse bouche” o “Danse en France”. El álbum sin duda hace honor a su nombre y fue una lástima la poca repercusión que tuvo.

Fischerspooner estuvo girando hasta 2011 con este material y después se desvaneció. Parecía que la actividad se había parado de forma radical y el grupo se había quedado en el aire o se daba por acabado después de tres álbumes, en los que no se habían alcanzado los resultados esperados.

Sin embargo, a mediados de 2017 llega la noticia de un nuevo álbum del dúo con el adelanto del single “Have fun tonight”, un tema abiertamente gay que va determinar el concepto del álbum: un álbum oscuro y muy sexual hecho desde una perspectiva abiertamente homosexual contando además con un colaborador de lujo en producción y composición, nada menos que Michael Stipe de R.E.M..

Finalmente a principios de 2018, 9 años después de “Entertainment” se publica éste nuevo álbum “Sir”, el cual valoraremos para considerar si esta larga espera ha valido la pena.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Stranger strange”: el álbum se abre con un tema que va a dejar claro que nos encontramos ante el disco más oscuro del dúo, con unos sintetizadores que dibujan una atmosfera misteriosa a partir de un ritmo lento, estático y algo pesado. Casey Spooner se adentra en un mundo polisexual, emocionante e inquietante plagado de encuentros con extraños sin nombre, la frase “yes Sir. Can I call you Sir?” de donde sale el título de este álbum, es muy ilustrativa a este respecto.

2. “TopBrazil”: Es uno de los singles más claros y eso a pesar de ser un medio tiempo un tanto oscuro en una especie de cruce entre los últimos Depeche Mode y Fever Ray, donde Spooner nos hace participes de su juego sexual sobre un fondo electrónico que logra crear una atmosfera realmente sórdida gracias a una retorcida línea de sintetizador que contrasta con lo accesible del estribillo. Fischerspooner logran, sin duda, uno de sus singles más efectivos. El tema conto con un video donde Spooner está en una especie de sauna con un montón de tíos en porretas; sin duda un video muy sexual que para algunos fue escandaloso, pero que como bien dijo Spooner: si el video lo hubiese hecho Nicki Minaj nadie se habría escandalizado.

3. “Togetherness”: Es uno de los temas estrella del álbum. Destaca la colaboración de Caroline Polachek, ex-componente del grupo Chairlift, que pone un toque algo dramático en una intervención donde su voz, si bien reconocible, es deformada en estudio para hacerla aún más exagerada. El resultado es un tema elegante y sutil con un cierto grado de experimentación.

4. “Everything is just alright”: Estamos ante lo poco de este álbum que nos puede transportar en parte a los tiempos del electroclash. Sin duda un tema repetitivo con una buena base dance y un estribillo facilón que nos trae parte de esos Fischerspooner de principios de la década pasada.

5. “Have fun tonight”: Fischerspooner tienen ganas de fiesta y nos animan a despreocuparnos de todo y simplemente dejarnos llevar sin pensar en nada más. Ciertamente es un tema un tanto extraño porque a pesar de haber una intención de crear un tema dance, no es muy generoso en bpms. Sin embargo, esos bajos tan incisivos producen que desaparezca el efecto “medio tiempo” y nos quede un buen tema para la pista de baile, bastante minimalista ya que cuenta tan solo con una leve melodía. No es extraño que se eligiera este tema para adelantar el álbum, esos potentes bajos son realmente contagiosos y por otro lado sorprende en el sentido de no parecer prácticamente a nada que el grupo hubiese hecho antes.

6. “Discreet”: Esta canción está inspirada en los chats de sexo que ofrecen las diferentes aplicaciones para móviles. Nos encontramos ante un medio tiempo bastante minimalista donde la voz de Spooner se mezcla con otras femeninas. El tema tiene una base con un buen potencial para crear un tema dance, pero Fischerspooner prefiere mantener la tensión y que el tema no termine de despegar, una pena.

7. “Strut”: Sórdido y con algún ligero toque glam, es un tema decadente donde destaca el trabajo con los sintetizadores, que por un lado crean un fondo musical inquietante y misterioso y por otro introducen sonidos bastante cortantes e incisivos que van apareciendo a lo largo de la canción. El tema llega a culmen cuando Spooner suena desesperada en la frase “this is not love”, dejando entrever una cierta confusión ante un mundo donde el sexo lo invade todo.
8. “Get it on”: Estamos ante una de las canciones más optimistas del álbum donde en una noche cualquiera el protagonista encuentra al compañero perfecto con el cual no debe fingir ser lo que no se es. Musicalmente el tema empieza con unos pesados teclados que van marcando una melodía que se irá repitiendo durante toda la canción. Lo realmente interesante y que hace a la canción funcionar muy bien son los distintos detalles se van apareciendo por momentos, realmente imaginativos y poco esperados, como esos toques de percusión al final.

9. “I need love”: En este tema Spooner se nos muestra vulnerable y agotado deseando ser querido después de una serie de excesos que no parecen acabar. Tiene una buena melodía que le añade algo de dramatismo, pero los exagerados filtrados de voz de Spooner hasta el punto de hacerla ridícula en algunos casos, echan abajo un tema con buenas ideas.

10. “Butterscoth goddam”: El álbum vuelve a subir enteros con esta canción en la que bajo un fondo minimalista. El grupo se muestra bastante sensual y parecen estar haciendo una perfecta descripción de su paraíso personal. Un tema sinuoso y oscuro bastante alejado de lo que se espera del grupo, pero que indudablemente es todo un acierto.

11. “Dark pink”: Estamos ante la curiosidad del álbum. Un tema de poco más de dos minutos, que si bien encaja con la temática sexual del disco, no lo hace en el terreno musical. Aquí la electrónica sombría que invade todo el disco deja paso a un tema luminoso donde destaca una sección de metales y hasta cierto aire country. Lo dicho, la rareza del disco.

12. “Try again”: Nuevamente Spooner se muestra vulnerable y alicaído ante nosotros en una de las canciones más personales del álbum. En ella se relata la ruptura del cantante con su pareja. La desesperación y el miedo hacen su aparición envueltos sintetizadores repetitivos y cálidos que son un fondo muy adecuado para este tema tan desgarrador.

13. “Oh rio”: El martilleo grave de los teclados crea una atmosfera densa en la que la voz amenazante de Casey nos conduce a un mundo de sexo crudo, confusión y hedonismo no exento de un enfoque algo decadente muy presente en las referencias a los inconvenientes de la edad y el cansancio. Unas risas irónicas parecen hacer mofa de nuestro protagonista y el viaje propuesto en “Sir” termina de forma misteriosa, tal como comenzó.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Podríamos considerar “Sir” una especie de “Erotica” homosexual. El sexo es el tema central del álbum y lo llena todo tocando varios palos: las relaciones esporádicas, las adicciones o las nuevas tecnologías aplicadas a la manera de conocer gente para practicar sexo. Sin duda la apuesta era fuerte. “Sir” es el álbum más arriesgado del grupo tanto en temática como también en sonido con un giro hacia un sonido muchas más oscuro y decadente que los aleja de los buenos tiempos del electroclash.

El álbum no tiene la inmediatez de sus tres discos anteriores, puesto que está lejos de las estructuras más pop de esos álbumes. Sin embargo, incluye bastantes aciertos que demostraban que, si se lo proponían, Fischerspooner aún tenían bastante que decir aparte de enriquecer su escueto catalogo con nuevas canciones. Otra cosa es que la larguísima espera haya valido la pena. Aquí debemos ser sinceros: “Sir” es un buen disco y los que hemos seguido a la banda lo disfrutaremos, pero esperábamos algo más después de 9 años nada menos.

Tras la salida del álbum, el grupo realizaría algunos conciertos y festivales que tampoco serían muchos dados los modestos resultados de “Sir”. El pasado mes de octubre el grupo anunciaba su disolución. Una pena, pues era de los pocos supervivientes del electroclash que habían conseguido un sonido muy característico. Curiosamente su último concierto lo dieron en el Low Festival de Benidorm. Tenía sentido, pues sus conciertos siempre fueron muy exitosos en nuestro país; ¿qué mejor lugar para acabar una carrera tan extraña como interesante?

Texto: Alfredo Morales.
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domingo, 19 de enero de 2020

Programa Travis “The Man Who” (Temporada 11/ Programa 5)

Aunque su estreno oficial fue el sábado 7 de diciembre de 2019 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), su grabación y 1ª emisión no oficial (digamos pre-estreno) en el mismo dial fue el sábado 9 de noviembre de 2019 a las 14.10h.

En este ítem de la presente 11ª temporada de nuestra andadura en las ondas, prestamos atención a un exitoso disco de final de década, siglo y milenio. Era el momento en el que parecía que los británicos Travis iban a poder dominar el panorama musical. Y puede que lo hicieran en aquel 1999, pero en el futuro de no dejar de ser una banda relevante, pero no líder.

En cualquier caso, y consideraciones de repercusión al margen, “The Man Who” es un disco muy bueno. Pudimos escuchar en 1er. o 2º plano todas sus canciones y Mariano González y Víctor Prats expusimos nuestras opiniones sobre la banda y la obra en sí que nos ocupaba.

Por si no lo escucharon en su momento, aquí les dejamos insertado el reproductor con el podcast y también el enlace a su alojamiento en Ivoox: https://www.ivoox.com/dmr-11-5-audios-mp3_rf_46695682_1.html
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viernes, 17 de enero de 2020

Temporada 11/ Programa 6: El Último De La Fila y “Astronomía Razonable” (1993)

Se acabaron las vacaciones navideñas de “DMR”; ya hasta Semana Santa y sus aledaños seguiremos con nuestro ritmo habitual semanal con artículo de revisión de disco o, como en esta ocasión, nuevo programa de radio.

Este sábado en nuestro espacio en las ondas prestaremos atención a uno de los discos nacionales de mayor éxito en la década de los 90. “Astronomía Razonable” fue el disco de la consagración como gran banda del dúo formado por Quimi Portet y Manolo García al incluir dentro de sus temas canciones inmortales como “Lapiz y tinta” o “Como un burro amarrado en la puerta del baile”.

Hemos intentado que este programa fuese un programa-entrevista o al menos contase con la leve participación de alguno de los 2 protagonistas principales de la obra, pero no nos ha sido posible. Por ello seremos Mariano Gónzalez y Víctor Prats los que daremos nuestras impresiones sobre este gran lp.

La cita será este sábado 18 de enero de 2020 a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Por cierto, les informamos ya de paso que la emisora vuelve a tener continuidad, con lo cual ya les informaremos de los días y horas en los que nuestro programa será repetido.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/2879937385428889/
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
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domingo, 22 de diciembre de 2019

Mejor Single Nacional 2019 DMR: “La isla” de Dorian

Un año más, nuevamente la elección de este humilde título honorífico que venimos otorgando en los días previos a la Navidad en los últimos años, ha estado muy reñida. Entre los 3 candidatos propuestos “Raros” de Miqui Puig & ACP, “Buen viaje” de Anni B Sweet y “La isla” de Dorian, ha habido un empate a 15 puntos entre los 2 últimos citados; en esta ocasión, Miqui Puig y su ACP, ganadores hace un par de años quedaron descolgados con 12 puntos.

El citado empate se ha tenido que definir por el hecho de que Dorian ha sido la opción favorita de 3 de nuestros 6 tertulianos del programa de radio; por el contrario, Anni fue la opción favorita de solamente uno de nuestros tertulianos, a lo que se sumó el hecho de ser la opción más “gustada-favorizada-retweeteada” en nuestros mensajes en las redes sociales.

Les damos nuestra enhorabuena simbólica a Dorian por este humilde reconocimiento (más para un grupo que ha obtenido distinciones tan importantes en su trayectoria) y les dejamos insertado el videoclip de la canción ganadora y aprovechamos una vez más para desearles unas felices fiestas y que el 2020 les traiga cosas muy buenas.
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viernes, 20 de diciembre de 2019

DMR cierra por vacaciones de Navidad 2019

Ya saben de nuestra sana tradición de desconexiones puntuales en 3 periodos al año. Y ahora llegan las navidades y por ello hasta el día 18 de enero no retornaremos con nuestra actividad habitual semanal.

En estos días de asueto 2.0, solamente romperemos nuestro letargo para anunciar nuestro mejor single nacional 2019, como viene siendo tradición en los últimos años. Hasta entonces, entreténganse con nuestro fondo de armario (artículos antiguos y programas de radio hasta la fecha -reproductor lateral-).

Les dejamos con esta imagen navideña de las luces de la calle José del Hierro del distrito de Ciudad Lineal. Feliz Navidad y que el 2020 les resulte un buen año; en lo personal, por muchos motivos, echaré mucho de menos este 2019, en el que, si bien no todo ha sido bueno, sí que ha ofrecido cosas inolvidables en el sector positivo.
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viernes, 13 de diciembre de 2019

La Broma Negra - Los Extraños Tienen Los Mejores Caramelos (2018)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
La Broma Negra son un huésped común de este blog. Bien sea a base de crónicas de conciertos o análisis de discos, cada cierto tiempo tienen una cita con nuestra escritura. En lo que a análisis de discos se refiere, hemos escrutado al milímetro, desde “Joyas De Princesas Muertas” (2010), toda su discografía. Solamente quedaba pendiente por formar parte de esta bitácora “Los Extraños Tienen Los Mejores Caramelos”. Para mí es honor llenar este hueco, en lo que de hecho es la primera ver que me encargo de desmenuzar el contenido de un disco suyo.

Sí que he tenido el gusto de redactar crónicas de varios de sus conciertos y de, por lo tanto, plasmar todo el gozo que supone un evento en directo de La Broma Negra. Por mi parte es un placer escribir sobre cualquier cosa que tenga que ver con esta banda. ¿Qué nos trae de nuevo “Los Extraños Tienen Los Mejores Caramelos”? Comencemos por la parte musical. Dentro de los sonidos del disco se suprimen casi todos los elementos electrónicos, quedando así exento del componente techno. De esto se sigue que el tono general es más orgánico. Se añaden elementos nuevos; por un lado en algunas canciones se nota incluso alguna vena folk, de otro las voces de Laura ganan bastante protagonismo.

Es un disco, además, que requiere de varias y atentas escuchas para que se produzca el efecto deseado y que la música cale. Esto no es defecto, simplemente una característica. Según vayamos aumentando nuestras escuchas, más desfrute iremos obteniendo. Esto no significa que no haya estribillos épicos o memorables. En cuanto a la música, ya hemos destacado su desconexión de la electrónica. Concretando un poco vemos que hay sombríos elementos de dark folk (“Odio al cantante pero amo la canción), pop sencillo y elegante (“Rey cuervo”), explosiones atronadoras (“Demonios en el jardín”), emotividad a raudales (“Banderas de nuestros padres”)… Sin embargo a pesar de esta razonable variedad, el disco tiene una sensación de unidad imbatible. Se hace difícil distinguir segmentos o agrupaciones de canciones; es un disco que se tiene que ver como un todo.

En cuanto a las labores instrumentales, que se haya prescindido de la vertiente techno no significa que David Infantes no haya aportado nada. Se pueden escuchar ráfagas de piano y arreglos sintéticos de carácter más ambiental que otra cosa. La guitarra de Alex Gómez tiene momentos en que se afila, y ahí tenemos por ejemplo a “Demonios en el jardín” para confirmarlo; normalmente usa acordes sencillos pero contundentes y suficientes para dejar un sesgo concreto. También hay arreglos de bajo y violín a cargo de músicos de estudio. La percusión, a cargo de Laura Pérez, tiene una sonoridad peculiar. Suena sencilla, pero seca y contundente. En los momentos más aquietados se mueve a medidos golpes de bombo o timbal y en los más movidos tiene un nerviosismo casi industrial. No sé si es un ejemplo particularmente adecuado, pero en el caso de esta segunda tipología de canciones casi podemos acordarnos de la atronadora percusión del “The Dreaming” (1982) de Kate Bush, aunque sin llegar a su locura y si acaso en alguna canción del final del tracklist.

Las letras de Carlos Caballero siguen siendo un ingrediente que aporta un sabor personalísimo a La Broma Negra; son oscuras, simbólicas, laberínticas, pródigas en referencias artísticas e históricas. De las mejores que se puedan escuchar en español. Las letras son cantadas, como no podía ser de otra forma, por la voz grave y enigmática del propio Carlos Caballero, otro elemento inseparable del grupo y catalizador del atractivo de las canciones.

En fechas posteriores a la publicación del disco se sucedieron una serie de acontecimiento desazonadores para los seguidores de La Broma Negra. Álex Gómez y David Infantes han dejado la banda. Especialmente crucial es la baja del primero, pues llevaba casi tres décadas de militancia. Por respeto a nuestros amigos de La Broma Negra y teniendo en cuenta que insistir o profundizar en este tema bordearía el amarillismo no desvelaremos ningún pormenor. La formación que ha dado los últimos conciertos ha variado. En el último tampoco estaba Laura Pérez, pero según parece no es una salida definitiva. Sin embargo, el proyecto continúa; no sabemos con qué formación, pero será con Carlos Caballero como cabeza pensante e ideólogo. Sea como sea nosotros, en DMR, seguiremos muy de cerca la evolución del proyecto.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Odio al cantante pero amo la canción”: El disco comienza con unos leves acordes de guitarra acústica, una percusión minimalista y una atmósfera decadente. Comenzamos a oír la voz de Laura Pérez, que no se limita a unos simples coros sino que es parte importante de la melodía vocal. Más tarde se oirá la voz cavernosa de Carlos, y es el contraste entre ambas voces uno de los alicientes de este primer tema. Se trata de una especie de dark folk, recogido y acariciante. Es arriesgado empezar un disco así, pero en última instancia el resultado es bastante bueno. La letra tiene una identidad muy clara con la música, evocando ambas un romanticismo lúgubre y misterioso.

2. “Niñera de gigantes”: Más rítmico y nervioso es este tema, cuyas estrofas son propias de un pop reflexivo y algo tétrico. El estribillo gana en energía, viendo por primera vez atisbarse el rock. La estructura es peculiar, a mitad de canción irrumpe la voz de Laura Pérez introduciendo una melodía propia. La canción parece pararse y arrancar en varios momentos. Medio tiempo de composición sinuosa que va ganando con las escuchas. La letra es francamente curiosa, introduciendo elemento culturales: se cita a Maribárbola (uno de los personajes de “Las Meninas” de Velázquez), y a la shakespereana Ofelia.

3. “Rey cuervo”: Melódico y elegante piano pop que, a ritmo de medio tiempo, aporta un momento agradable y algo melancólico. Nuevamente los coros de Laura Pérez se intercalan dando un buen efecto. Los arreglos de fondo son leves pero dan un buen toque. Sabemos que Carlos Caballero es un fan de Kate Bush, ¿cuando la letra menciona “dicen que hizo un trato con Dios”, será una referencia a la cantante británica? Por la canción Running up that hill (A deal with god)”. Solo es, conste en acta, una especulación. Es uno de los singles del disco. Cuenta con un simétrico vídeo donde los componentes de la banda aparecen vestidos con la indumentaria de la portada mientras cantan y tocan en un paraje campestre.

4. “Sirenas”: Empieza de forma meditabunda juntando el piano y la percusión. En cuanto entra la voz de Carlos la canción adquiere un tono de inquietante ensueño, muy adornada por unos atmosféricos teclados de David Infantes. La música suena a leyenda, a cuento misterioso. En un momento dado Carlos Caballero da un emotivo quiebro vocal. En la letra se inserta un fragmento de “La canción del pirata” de José de Espronceda. Tiene un vídeo muy acorde con la letra, en el que la sirena no es otra que Laura Pérez.

5. “Banderas de nuestros padres”: Una de las canciones bandera (nunca mejor dicho) del disco. Tiene buenas virtudes para destacar; las estrofas son misteriosas y el estribillo es potente y épico. Uno de los momentos con sabor más emotivo del disco. La percusión de Laura Pérez ayuda dar consistencia al estribillo. La letra podría hablar de las penalidades que hubieron de pasar nuestros padres (o abuelos) en tiempos oscuros. De lo mejor del disco. Tiene un vídeo donde se ven algunas imágenes de los pormenores de algún viaje del grupo para dar un concierto.

6. “Séptimo hijo varón”: Una canción que empieza con el lema de la Santa Compaña tiene puntos para ser bastante curiosa. El caso es que la música es intensa y emocional, con una entregada actuación vocal de Carlos y una buena musculatura instrumental. Suena apasionada y algo torturada; sin duda su mayor virtud

7. “Rimas y leyendas”: Además de tener un título “becqueriano”, tiene una fortaleza musical a prueba de bombas. Quizá sea el número más pegadizo del disco; también de los más animosos. Por un momento, al menos líricamente, la música abandona la melancolía y la oscuridad. Que encima la letra incluya elementos históricos (el rey Juan, el Rey Borbón, Los Infantes de Aragón) me parece estupendo. Y si añadimos lugares de Madrid como San Ginés o La Casa de las Siete Chimeneas, miel sobre hojuelas. En directo es infalible.
8. “¿Quién te ha dado vela en este entierro?”: Fuerte contraste con la canción anterior. El lúgubre y atmosférico comienzo da paso a una turbulenta y áspera música con una no menos áspera letra. Los fuertes redobles de batería y algunos toques de guitarra añaden una buena cantidad de intensidad. Corta en duración, es uno de los puntos más turbados, nerviosos y menos accesibles del disco.

9. “Demonios en el jardín”: Primer single del disco y, además, todo un pelotazo. Hablando en plata, quizá sea canción más cañera del tracklist. Las voces y guitarras distorsionadas y la vehemente percusión hacen que bordee casi el rock industrial. Aunque es un poco agreste, va ganando con las escuchas. La letra abunda en imaginería religiosa sacada de “El Paraíso Perdido” de John Milton. La simbiosis entre la rudeza de la música y el oscuro misticismo conforman una canción realmente potente. El vídeo tampoco es manco; en él aparecen los miembros del grupo con atavíos religiosos moviéndose en el interior y alrededores de una iglesia.

10. “Teme al hombre de un solo libro”: Los primeros treinta segundos son de una liviandad casi lírica. A continuación llega un furibundo cambio de ritmo basado en una atronadora percusión y unas potentes guitarras. A partir de ahí, salvo algún pequeño interludio, todo es ya intensidad y pasión. Conjuga bien con “Demonios en el jardín”, aunque es menos oscura. Lo que sí es cierto es que forman un binomio arrebatado y eléctrico.

11. “Yo soy solo el mensajero”: Este segmento de intensidad sigue acrecentándose. Esta canción es apocalíptica no solo por sus referencias líricas sino por los abrumadores arranques de desesperación que expresa la voz de Carlos Caballero. Da la impresión de ser un grito de dolor, una queja existencial. Densa y oscura, su situación en el disco es todo un acierto. Peculiar y rotunda.

12. “Conquistadores”: La percusión se mueve casi a ritmo militar y las guitarras acústicas dan a la canción una sonoridad antigua. Tiene sentido; la letra habla de los conquistadores españoles del S. XVI. La sensación que nos transmite es de tensa calma, como la inquietud de un grupo de hombres adentrándose en tierra incógnita. Casi me la imagino como banda sonora de la película “Oro” de Agustín Díaz Yanes.

13. “Martín pescador”: El disco se cierra de manera épica. La voz de Carlos suena trascendente y se apoya en una sólida base de percusión. Los arreglos de gaita, por su parte, dan una atmósfera enigmática acorde con la letra. Esta canción tiene hechuras de himno y se trata de la música con más producción del disco. Excelente cierre que además tiene el último vídeo que ha sacado La Broma Negra hasta el momento; sin muchos medios, aunque bien aprovechados, las imágenes tienen un sabor de leyenda medieval.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
No decepcionan La Broma Negra. Son capaces de parir discos diferentes entre sí y, sin embargo, mantener intacta su esencia. Este disco es lo más orgánico que tiene desde que se inmiscuyeron masivamente en la electrónica con “Joyas De Princesas Muertas” (2010). Se intuye también un sentido más hermético, donde hay algunos resquicios que cuestan un poco más aprehender pero que se irán haciendo nítidos con las escuchas.

La mayor parte de densidad instrumental está en su tramo final, pero incluso en los instantes reposados hay un sentimiento turbulento, algo torturado. Los fans de La Broma Negra se encontrarán encantados, y los oyentes casuales si tienen un poco de paciencia no tardarán en apreciar con agrado los atractivos de “Los Extraños Tienen Los Mejores Caramelos”.

Por nuestra parte queremos que La Broma Negra siga, bien como grupo, bien como proyecto personal de Carlos. Como a resultas del periodo de la presentación de este disco ha habido bajas importantes en la formación, lo escuchamos con un plus de melancolía. Lo que no oculta nuestro deseo de que algún día las aguas vuelven a su cauce y saboreemos un poco los viejos tiempos. En cualquier caso presiento que todavía nos esperan un buen puñado de canciones que disfrutar.

Texto: Mariano González.
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lunes, 9 de diciembre de 2019

Programa Everything But The Girl “Amplified Heart” (Temporada 11/ Programa 4)

Quedamos muy contentos de lo que hicimos en el programa anterior, el cual dedicamos a “Temperamental”. Y, como además teníamos previsto que en una de las próximas ocasiones en las que coincidiésemos con Luis Felipe Novalvos en antena, dedicar el espacio a “Amplified Heart”, no nos tembló demasiado el pulso al hacer por primera vez en nuestra historia radiofónica 2 programas consecutivos dedicados al mismo grupo.

Y es que Ben Watt y Tracey Thorn así lo merecen. Con este item dedicado a uno de sus discos de mayor aceptación, de momento nos daremos por satisfechos. Durante la hora de programa pudimos disfrutar de todas sus canciones, ya fuera en 1er. o en 2º plano y aportamos nuestras ideas y reflexiones sobre aquellos días del dúo.

Como verán en la foto, estuvimos presentes Mariano González, Luis Felipe Novalvos y Víctor Prats. Por si no nos acompañaron en el directo del pasado sábado 23 de noviembre de 2019 en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), les dejamos insertado el reproductor y enlace a su alojamiento a Ivoox: https://www.ivoox.com/dmr-11-4-audios-mp3_rf_45232885_1.html
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viernes, 6 de diciembre de 2019

Temporada 11/ Programa 5: Travis y “The Man Who” (1999)

El fin de siglo, milenio, etc., fue una época en la que ante la caída del brit pop y su auge de unos años atrás, dejó un panorama sin una banda dominadora clara del éxito internacional. En esos días fue cuando Travis explotó su éxito gracias a su disco “The Man Who”. Sin embargo, serían los Coldplay con unas formas parecidas en sus 2 primeros discos los que tomarían el poder poco después.

Travis quedaría relegado a un 2º lugar en la repercusión internacional, editando discos y singles notables. Sin embargo, tras tantos años, creo que el disco que hoy nos ocupa es si no su mejor trabajo uno de los mejores y es definitorio y banda sonora ineludible del año en el que fue editado.

Este sábado 7 de diciembre de 2019 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), debatiremos sobre este disco y su calado. 2 voces hablaremos sobre él: Mariano González y Víctor Prats. No nos falten.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/485948585681277/
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
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