viernes, 15 de febrero de 2019

Temporada 10/ Programa 8: The Clash y “Sandinista!” (1980)

Con la consecuente complicación que puede suponer el análisis de un disco doble CD de 36 canciones (no en vano, hasta la fecha, es el único desdoblado en 2 post en nuestro blog), este sábado 16 de febrero de 2019 abordamos la tarea de tributar a The Clash, concediendo el protagonismo a su 4º disco de estudio.

Si sintonizan el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) las 16.00h, podrán escucharnos a Mariano González y Víctor Prats defender la valía del extenso “Sandinista!”. Aparte de nuestras razones, seleccionaremos algunas de las canciones del disco para su reproducción (algunas -4- en primer plano e íntegras, y otras en 2º plano y también lo que duren).

Creemos que resultará un programa interesante para cualquiera (bien sean fans o no del grupo en su día liderado por Joe Strummer). Les esperamos como siempre. No nos fallen.

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
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viernes, 8 de febrero de 2019

Marillion - Clutching At Straws (1987)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Con Marillion tenía pendiente ahondar a conciencia en su discografía de su “Era Fish” (por no mencionar que de la actual y más longeva “Era Hogart o H” no he escuchado nada; no por ser reacio, sino por vaguería inexplicable). Cierto es que “Misplaced Childhood” es un lp que me lleva acompañando desde hace muchos años, pero más allá de una escucha superficial de “Script For A Jester’s Tear”, de “Fugazi” y del lp que nos ocupa, no había entrado a fondo en ellos (quizás había escuchado algo más “Fugazi”).

Y estas navidades, mirando en mi fondo de armario discográfico, para darle alegría y compañía a las siempre penosas tareas caseras de acondicionamiento de la morada, aleatoriamente decidí, tras darme de lleno con los discos de Marillion, tomar la determinación de dar el paso decidido por fin.

Y fue “Clutching At Straws”, el último disco que el grupo facturó con Fish a las voces el escogido. Oigan, por cierto, inciso: el caso de que de forma también aleatoria e individual nuestro colaborador Luis Felipe Novalvos también se metiera con la etapa Fish de Marillion en las mismas fechas, no deja de ser una sorprendente coincidencia.

Pensaba que sería difícil que cualquiera de las obras de Marillion pudiera gustarme más o igual que “Misplaced Childhood”, pero a veces la vida te demuestra lo equivocado que puedes estar. El resultado es que a la presente fecha “Clutching At Straws” se me ha desvelado como un disco muy bueno y capaz de pelear con su predecesor el puesto de mi disco favorito del grupo.

Fue un trabajo que sin embargo en su día no tuvo tanto éxito o aceptación como “Misplaced Childhood”, pero que no funcionó mal. Sus singles, sobre todo “Incommunicado”, lograron buenas posiciones en los charts, pero ninguno llegó al nº 2 como en su día logró “Kayleigh”.

Sin embargo, con el paso del tiempo, la crítica ha terminado aceptando a este disco como quizás la mejor obra del grupo y de hecho el propio Dereck Dick “Fish” ha afirmado en alguna ocasión que considera a “Clutching At Straws” el mejor disco que selló con la banda.

La formación, además de con Fish como vocalista, seguía con su línea habitual, con Mark Kelly en los teclados, Pete Trewavas en el bajo, Ian Mosley en la batería y las inestimables guitarras épicas del sensacional Steve Rothery. Nos espera un disco fabuloso para comentar, vamos con sus temazos.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Hotel hobbies”: El disco empieza sigiloso con “Hotel hobbies”, siendo una canción que va de menos a más. El tema alcanza puntos álgidos brutales con los acordes de Rothery acompañando a un Fish muy acertado en su interpretación vocal. La parte en la que Fish acusa en la letra con ese “lloras en momentos felices” es quizás lo que más permanece de un más que brillante comienzo de lp.

2. “Warm wet circles”: Nos encontramos con una pieza rockera y de entrega con “Warm wet circles” en la que, como no puede ser de otra manera en Marillion, hay lugar para interesantísimos giros en los sentires que transmite. Sirve para afianzar una apertura de disco de nota muy alta.

3. “That time of night (the short straw)”: Hay que ver qué bien arranca “That time of night (the short straw)”, con un sonido misterioso apoyado en las melodías de teclados de Kelly y las lejanas guitarras de Rothery. Sin embargo, ese poso se abandona casi al llegar los 2 minutos, para ganar la canción bastante potencia y asemejándose algo en la pegada e la previa “Warm wet circles” (no en vano, con ella forma una especie de suite, al volver en el tramo final a la misma). Sin lugar a dudas nos encontramos ante una composición que resulta muy interesante en cualquiera de sus sectores.

4. “Going under”: Fabulosa también resulta “Going under”, originalmente no incluida en el lp. El sonido más acústico de las cuerdas, con un sentido Fish a las voces, le concede un halo como de pieza gélida, invernal, que para fechas o sectores del año como en el que nos encontramos, resulta muy adecuada (ayudan las leves atmósferas de Kelly). La canción no evoluciona, siendo de las más lineales en su estructura del disco, pero a pesar de eso, no precisa de más alardes para dejar un buen sabor de boca y poder convertirse en un pasaje favorito de cualquiera que acceda al disco.

5. “Just for the record”: Cambiamos el tercio melódicamente y de forma radical, ya que pasamos del misterio y lejanía de “Going under” a la cierta amabilidad y facilidad de “Just for the record”, con un sonido muy apto para cualquiera. Un pasaje de cierta alegría y luminosidad para ir llegando al ecuador del disco.

6. “White russian”: Canción cáustica y contundente en sus formas, “White russian” suena incluso levemente amenazante en sus formas. Las notas muy marcadas de su melodía ayudan a esta sensación. Una composición de nervio y cierta rabia, con algún leve cambio de ritmo o pasaje de ensoñación que quizás en las primeras escuchas no llama la atención, pero que termina por convertirse en un clásico cuando el disco va haciéndose familiar. Quizás lo que más me llame la atención es su viraje a la épica gloriosa de los Marillion de aquellos días en sus 2 últimos minutos (nuevamente perfecta síntesis entre Rothery y sus cuerdas con la interpretación vocal de Fish); presten buena atención a ese tramo final, ya que puede ser uno de los mejores pasajes del disco en general.
7. “Incommunicado”: Cierto es que esta pieza sea la que menos (o de las que menos) tenga que ver con el conjunto de la obra, pero también es muy común que este ejemplo de canción sea la escogida como single y que además consiga un buen resultado (nº 6 en los charts). “Incommunicado” es una pieza alegre y acelerada, con un videoclip bastante excesivo y gracioso que le vino como anillo al dedo. Claramente es un tema muy pegadizo, que tras no muchas escuchas se termina grabando a fuego en tu mente y permanece como una pieza agradable. Siempre viene bien además un tema de este perfil en un disco donde lo baladí no abunda; de alguna forma nos da un respiro para afrontar la 2ª parte de la obra, donde Marillion continúan con su sesuda y más profunda labor compositiva. Sería como de alguna forma meter en una coctelera el “Jump” de los Van Halen con el “Invisible touch” de Genesis y subirle por 2 la velocidad. El lucimiento se lo adjudica en esta ocasión Mark Kelly y sus endiabladas melodías de teclado.

8. “Torch song”: Tras el locurón de “Incommunicado”, “Torch song” (canción dedicada al protagonista de la temática conceptual del disco -la historia de un hombre de difícil situación social, laboral, familiar, etc.-), viene a reportarnos la calma, gracias a un medio tiempo de transición que nos permite relajarnos, pero sin escatimar a la hora de regalarnos algunos momentos realmente disfrutables instrumentalmente.

9. “Slainte mhath”: “Slainte mhath” regresa al sonido más épico, destacando mucho esos sostenidos vocales de Fish en algunos momentos. No obstante, a pesar de su entrega y ciertos puntos de intensidad, no es personalmente el capítulo que más me llame la atención del lp. Es un capítulo de transición que, de alguna forma, nos prepara para el sector final donde nos encontramos con 2 piezas de mayor alcance, siendo las 2 de muy distinto sentir. Creo que fue la canción elegida para el inicio de los conciertos del tour, con lo que también tiene su importancia.

10. “Sugar mice”: He aquí otro de los singles del disco y quizás una de sus piezas más bonitas. Quizás a ratos sea mi favorita del conjunto e irremediablemente ha sido mi canción personal de las pasadas navidades, ya que, si bien la había escuchado alguna vez de pasada en una primera escucha superficial del disco hace una década, ha sido ahora cuando he profundizado en mi relación con ella. Es una pieza en forma de balada melancólica y reflexiva, con Fish excelente en el micrófono.

11. “The last straw”: El disco termina con “The last straw”, una canción que abandona el sentir melancólico de “Sugar mice” y permite terminar con un sonido más poderoso y luminoso. Con mejor rollo. De alguna forma deja un regusto algo parecido al del anterior disco, aunque creo que no llega a tan alta nota. Fish en el tramo final cuenta con coros que le apoyan, afianzando el título de la obra, esa expresión hecha que viene a significar algo así como “agarrarse a un clavo ardiendo”. Final poderoso, potente y no exento de épica (nuevamente gracias a la impagable labor de Steve Rothery a las cuerdas -lo sé, me estoy repitiendo mucho en esto, pero es que es muy necesario-); de alguna forma transmite (con su sonido), que no hay que rendirse y sacar fuerzas para revolverse ante esas situaciones difíciles que la vida nos puede plantear, con lo que con estas sensaciones que personalmente me transmite, creo que es un buen mensaje para acabar un disco muy rico y variado en matices. El añadido de “Happy ending” no deja de ser solamente una risas que se escuchan por ahí, que ahora mismo no sabría decir a quién pertenecen (¿al propio Fish?).

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Ya he apuntado en la intro que el disco no superó en resultado comercial a “Misplaced Childhood”, pero que tampoco fue mal del todo en las listas (llegó al 2º lugar en el Reino Unido). De alguna forma, en el calado social supondría como un disco bueno que continuaba el éxito del previo; de afianzamiento de banda.

Lo que pocos supondrían en su momento es que Fish se marcharía del grupo en verano de 1988. Los motivos por lo visto estribaron en que Fish no soportaba el ritmo de grabación de disco y gira continuo sin paradas al que estaba sometida la formación. El grupo no decayó y, como por ejemplo hicieron Genesis en los 70 (y en los 90, con menos éxito), cambiaron de vocalista incorporando a Steve Hogarth. Como ya he reconocido, aún no me he metido en la era de “H” al frente. Prometo que lo haré, ya que no tengo nada en contra.

Este disco, con personajes culturales históricos añadidos en su portada y contraportada al ambiente de pub que se plasma junto a los componentes del grupo, pasa por ser un gran álbum. Yo he estado muchos años embelesado por el fenomenal “Misplaced Childhood”, teniendo la escucha de “Clutching At Straws” detenida en la cola de espera y me alegro muchísimo de por fin haberme salido de la zona de confort y profundizar en este trabajo. Espero que si alguien lee esto en la misma situación previa a la mía, se atreva a escuchar detalladamente este disco y lo pase igual de bien que lo he pasado yo.

Termino recomendándoles que, si puede ser, consigan al menos la edición de 2 cds. Básicamente porque en el cd2 hay algunas tomas muy interesantes de canciones del listado principal del disco, y además hay lugar para incluirse joyas de la talla de “Voice on the crowd” o “Exile on Princess Street”, esta última una pieza merecedora de estar en el conjunto principal (si bien, al ser un disco conceptual, quizás no tuviera una cabida muy lógica). Hay, creo, una edición más mastodóntica (de 4 cds, según me comentó Luis Felipe Novalvos), pero esa ya personalmente no la controlo. Lo dicho, sea como fuere, accedan a él. No se lo pierdan.
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domingo, 3 de febrero de 2019

Programa Blondie “Eat To The Beat” (Temporada 10/ Programa 6)

En una feliz tarde que fue la del pasado 19 de enero de 2019, en los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), a las 16.00h, llevamos a cabo un programa coloquio en directo sobre el siempre remarcable “Eat To The Beat” de Blondie. Quizás este disco esté algo a la sombra de otros del grupo liderado por Debbie Harry, pero a nosotros nos gusta especialmente y así lo dejamos demostrado en este programa.

Es una cierta curiosidad que por primera vez desde que hacemos coloquios-tertulias, hubo hueco para que cupieran 5 canciones completas del disco. Y no fue porque nos faltara material y asuntos que comentar.

Tomamos parte del programa Luis Felipe Novalvos, Mariano González y Víctor Prats. Por si no pudieron escucharlo en su día, aquí les dejamos insertado el reproductor para su escucha y el enlace a Ivoox donde está alojado por si se lo desean descargar: https://www.ivoox.com/dmr-10-6-audios-mp3_rf_32180094_1.html
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viernes, 1 de febrero de 2019

Temporada 10/ Programa 7: Texas y “White On Blonde” (1997)

El año 1997 estuvo plagado de discos interesantísimos: Blur y su “Blur”, Depeche Mode y su “Ultra”, U2 y su “Pop”, Oasis y su “Be Here Now”, etc. Y entre ellos destacó con fuerza (cosa que no era fácil) el “White On Blonde” de Sharleen Spiteri y sus acólitos.

Escudado en singles fabulosos, de los cuales llevó la bandera y estandarte con firmeza el “Say what you want”, el disco no solamente se basa en ello, sino que su conjunto de canciones “no single” son en muchos casos igual de válidas que los que fueron editados por libre para las correspondientes labores promocionales.

Al regresar de los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) tras la última sesión que nos deparó el programa en directo sobre “Eat To The Beat” de Blondie, Mariano González reparó en este disco ya comentado en nuestro blog hace mucho tiempo y me pareció una excelente idea.

Acompáñennos este sábado 2 de febrero de 2019 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) para disfrutar de una buena hora de música de la mano de estos escoceses y de nuestras humildes y discutibles opiniones al respecto.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/567271293685330
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
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martes, 29 de enero de 2019

Concierto Second. Madrid (26-01-2019)

Ya habían pasado casi 3 años desde la última vez que vimos a Second en directo presentando en Madrid su “Viaje Iniciático”. Fue en un multitudinario concierto en La Riviera, cuando aún el grupo era el quinteto clásico. El final del pasado año 2018 vio la edición del nuevo trabajo “Anillos Y Raíces” y entre otras cosas -de ellas, esta que les comentamos, sin duda, la menos importante- les permitió hacerse con el distintivo de “Mejor Single Nacional 2018 DMR” con el tema “Mira a la gente”.
Para entonces, el grupo ya había mermado a cuarteto. Y es que Javi Vox, guitarrista y teclista del grupo, decidió abandonar la aventura tras una vida completa en Second; si bien Javi siempre nos había dado la impresión de ser el verso suelto de Second (cosa que tenemos los del Atleti), nos supuso bastante tristeza su partida, ya que creemos que su grano de arena aportaba en gran medida al grupo y ese se hacía notar (luego lo explicaremos).
Haciendo de magnánimo Rey Mago, regalé a mi pareja las entradas para el concierto (menuda maniobra maestra, ¿verdad?). Cogimos localidades del lateral derecho en zona superior del Teatro Circo Price y tras darnos un paseo por la zona de Embajadores (una zona que no me ha gustado demasiado nunca y en la que tengo enquistada alguna experiencia traumática, la cual confío en exorcizar en breve...), llegamos con la suficiente antelación para el comienzo a las 20:30h.
Tras hacernos unas fotos en el photocall con instrumentos musicales incluidos, llegamos a nuestros asientos. Lo bueno del Price es que desde cualquier punto ves bien el escenario y se escucha a la perfección (la acústica es inmejorable).
No había artista invitado y los Second se demoraron algo menos de 5 minutos sobre la hora acordada para saltar a las tablas. Apoyados en su cantante, sin duda uno de los puntos distintivos de los de Murcia (siempre lo hemos dicho: Sean Frutos es, con distancia, la mejor voz del indie nacional), y acompañados por 3 músicos más (el trabajo de Javi Vox se desdobló en un guitarrista y un teclista), arrancaron con brío un show de algo más de 2 horas.
Second plantearon un concierto muy bien ordenado en lo que a set list se refiere, con la guía de base de tratarse del concierto de presentación del nuevo disco “Anillos Y Raíces” (por si alguno se llevó a extraños, que revise la entrada del evento, que lo ponía bien clarito). El grupo tocó no sé si todos los temas del último lp (fui al concierto sin haberlo escuchado aún, para ver cómo funcionaba de primeras en directo, por lo que no sé si hubo algún tema descartado) e intercaló de cuando en cuando los hits o singles más reconocibles desde “Fracciones De Un Segundo” hasta el previo “Viaje Iniciático”; de “Invisible” para atrás no hubo hueco para ningún tema.
Y arrancaron a todo meter, ya que, al margen de los temas nuevos, en lo que sería el primer cuarto de show introdujeron “Rodamos” (que nos hizo sentir ambiente de bis apenas 5 minutos transcurridos de concierto) y “2502”, de la que nos gustó mucho que en las 6 pantallas planas de fondo pusieran varios pasajes de la película “La Fuga De Logan”, en la cual se inspira el videoclip de la canción (incluyendo entre los vídeos reproducidos ese pasaje horrible y macabro de la “ceremonia del carrusel”).
Para más info. sobre esta película, les recomiendo visiten el post en “Películas Y Reflexiones” que Mariano González escribió hace no mucho (el hecho de que justo ese día, de forma totalmente independiente y sin saberlo, viera yo la película por primera vez -cosa que tenía pendiente “por culpa” de Second y su vídeo de “2502” desde hacía tiempo-, no deja de ser una casualidad cultural de coincidencias que me llega incluso a asustar...).
De las canciones nuevas, sinceramente, poco puedo comentarles. De primeras escuchas me dieron la impresión de que, salvo la directa y efectiva “Mira a la gente”, se tratan de unas composiciones de matices intrincados y menor gancho directo melódico. De esas que precisan varias escuchas para sacarles el jugo. Ya en su día, cuando acceda tranquilamente al disco y le dé suficientes escuchas, emitiré un juicio al respecto con su artículo de revisión tema a tema en este blog, pero de momento diré que sí que había secciones tanto líricas como instrumentales interesantes en varias de ellas.
Ahora bien, y aquí viene lo de que intuimos sobre Javi Vox: no hay hueco a temas demasiado movidos o con guiños electrónicos del tipo “Autodestructivos”, “Antiyo” o “Las serpientes”, que, no sé por qué, pero creemos que son temas en los que este músico tenía bastante peso en la aportación de elementos al resultado; quizás nos equivoquemos, pero que también hubiera criba de este sector de canciones en el set list del concierto, nos dio algo que pensar; cosas nuestras, que siempre estamos buscando 3 pies al gato.
De los hits seleccionados, no faltaron “Más suerte”, en el sector más emotivo del concierto (al comienzo del primer bis, y con arranque a solas de Sean junto a Jorge Guirao), “N.A.D.A.”, en una toma algo distinta, con una parte de percusión modificada por Fran Guirao, la sentida “Nivel inexperto” (momento muy destacado de la actuación) o “Muérdeme”. “Primera vez” tampoco faltó a la cita en la parte inicial del show (apuntalando el ya comentado arranque tan potente de concierto).
No hubo lugar para sorpresas mayúsculas tipo de temas como “Horas de humo”, “Different levels”, “Fortune day”, “Nuevos secretos”, “En pequeñas cosas”, etc.; suponemos que esos pasajes se los guardarán los Second para próximas citas menos formales o ceñidas a una presentación de disco. En este sector de temas menos evidentes, sí que supuso una agradable sorpresa “Conocerte”, la cual interpretó Sean sentado al borde del escenario con un par de chavalines muy majetes y con mucho desparpajo (sobre todo uno de ellos, que ya nos invitó a un bolo suyo de guitarra en Torre del Campo para comienzos de febrero); fue un pasaje muy familiar y que consiguió que el Circo Price pareciera el salón de la casa de los Second y nosotros sus invitados.
Por si alguno estuviera disidente de lo que el grupo, con muy buena actitud, entrega e ilusión, estaban ofreciendo, en el último bis llegó esa panacea, esa purga de Benito, ese remedio para cualquier mal, que es “Rincón exquisito”. Se podrá escuchar 100 millones de veces, ver su videoclip tan apañado otras tantas repeticiones, pero siempre supone una emoción desbordada escuchar un tema que está sin duda en el olimpo de los canciones de la música española del presente siglo. Como siempre, fabulosa.
Pero ahí no terminaría el concierto, nos quedaba, claramente, “Mira a la gente”, que se ganó los galones de cierre de show, demostrando ser una pieza que funciona perfectamente en ese papel (si bien la imaginábamos a priori como incluso apertura del concierto); en este sentido, los Second se mostraron muy originales.
Los 4 componentes que se mantienen siguen bien avenidos, o esa impresión nos transmitieron. En esta ocasión fue Sean el único en que en varias ocasiones se dirigió al público con mucha naturalidad y cercanía (recordamos que alguna vez Nando Robles también se dirigía a la audiencia en el tramo final). Jorge Guirao estuvo pletórico a las guitarras, con varias partes de lucimiento y su hermano Fran, como siempre tremendamente aplicado en la batería. Nando estuvo bien, pero no hubo cabida para algunos temas donde su línea de bajo tiene un papel más importante y notable.
Pasadas las 22:30h el grupo ponía el punto y final a un concierto de sonido impecable y actitud intachable. Salimos contentos de ver que este grupo, al que tanto defendemos y admiramos desde que les conocimos hace casi justo una década, está en esta situación tan buena de acogida y repercusión. Second juegan en la liga de los Love Of Lesbian, Izal, Lori Meyers, Vetusta Morla, etc. Y lo hacen con total justicia y merecimiento, apoyados en una obra discográfica con álbumes cercanos a la matrícula de honor y en todo caso discos elegantes y de muy buen gusto. Y como además son buenos chicos (alguna vez hemos tratado con ellos -en programas-entrevista o en post-conciertos-, si bien ya hace tiempo de la última vez que conversamos con ellos), pues más merecido si cabe aún.
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viernes, 25 de enero de 2019

The Communards - Red (1987)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Si mi último artículo del año pasado estaba dedicado a un álbum actual, en este 2019 que comienza me he decidido por remontarme más de 30 años atrás, concretamente al año 1987, año de publicación del disco que nos ocupa “Red” del grupo The Communards. Un grupo cuanto menos peculiar: tuvieron una corta existencia pero cosecharon un enorme éxito en los tres escasos años que estuvieron activos.

Para hablar de The Communards tenemos que referirnos necesariamente al primer grupo de su cantante Jimmy Somerville; me estoy refiriendo al trio de pop electronico Bronski Beat, trio que completaban los instrumentistas Larry Steinbachek y Steve Bronski. Bronski Beat se caracterizaban por la unión de techno pop, crítica social en sus letras y sobre todo el increíble falsete de su cantante, capaz de una serie de registros agudos que lo hacían inconfundible. También es remarcable que fuera el primer grupo abiertamente gay del panorama pop de los 80; no es que hasta la llegada de ellos no hubiese artistas gays, pero éstos enmascaraban su condición en ambigüedades. Bronski Beat fue el primer grupo cuyos miembros se declaraban homosexuales sin ningún tipo de metáfora, exentos de glamour, dando una imagen de absoluta normalidad y quizás eso jugase a su favor a la hora de ser aceptados por el gran público. Recordemos que la sociedad en esa época era infinitamente más homófoba que en nuestros días.

El primer álbum del trío publicado en 1984 y titulado “The Age Of Consent”, una clara referencia a la edad en que la homosexualidad era legal en diferentes países, fue un enorme éxito gracias a singles como “Smalltown boy” y “Why?” que demostraban el gran potencial de la voz de Somerville arropada por efectivas melodías de sintetizador que dejaban claro la influencia de la música disco. De hecho el álbum incluía una versión de “I feel love” de Donna Summer que lanzaron como single ya en 1985 acompañados por Marc Almond y cosechando otro gran éxito.

Sin embargo, el éxito masivo e inmediato del grupo no sería muy bien asumido por Somerville que sentía cierto aburguesamiento por parte de sus compañeros, mientras él buscaba un enfoque más político y comprometido en su música. Finalmente Somerville toma la decisión de abandonar el grupo para poco después crear junto a Richard Coles el dúo The Communards.

Bronski Beat intentarían iniciar una nueva etapa fichando al cantante John Foster, pero el proyecto no terminaría de funcionar y todos los focos se pusieron en el nuevo grupo de Jimmy Somerville. La nueva apuesta de Somerville junto al pianista y saxofonista Richard Coles era arriesgada ya que se diferenciaría claramente de Bronski Beat al adoptar un sonido mucho más orgánico que combinaba de forma original el pop con influencias disco tan propio de Somerville con un enfoque más clásico cortesía de Coles.

Richard Coles no tenía experiencia en cuanto a música pop y se había dedicado a poner su buen hacer musical al servicio de algunas obras de teatro. El encuentro con Jimmy Somerville sería participando en el documental del año 1983 “Framed Youth: The Revenge Of The Teenage Perverts” donde jóvenes gays entrevistaban a heterosexuales acerca de su opinión sobre la homosexualidad y que sería el germen de Bronski Beat.

A partir de ahí se empieza a forjar una amistad que llevaría a Coles a colaborar esporádicamente con Bronski Beat como saxofonista en alguna presentación del trio en directo. El cambio de Bronski Beat a The Communards supondría para Somerville un paso más en cuanto a profundizar en el activismo político de izquierdas y los derechos del colectivo homosexual. De hecho el nombre “Communards” tiene un origen muy político ya que es el nombre de un movimiento de izquierda radical que participaría en el levantamiento de la famosa Comuna de Paris en 1871.

El grupo comenzó de forma modesta en 1985 con el single “You are my world” que conseguiría entrar tímidamente en las listas británicas. Sin embargo en 1986 el fenómeno Communards estalla con su álbum de debut que sería todo un éxito a nivel internacional gracias a temas como “Dissenchanted”, “So cold the night” y sobre todo la versión de Thelma Houston “Don’t leave me this way” a dúo con la cantante Sarah Jane Morris que les dio un número uno en toda Europa. A esto hay que añadirle una más que exitosa gira de presentación de este álbum debut con diez músicos sobre el escenario incluyendo un cuarteto de cuerda.

El reto del segundo álbum se antojaba difícil teniendo en cuenta el precedente pero The Communards ya tenían una serie de canciones nuevas que habían probado en directo y que anticiparían lo que finalmente fue el álbum “Red” publicado en 1987 y el cual pasamos a analizar.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Tomorrow”: El álbum comienza con lo que sería el perfecto ejemplo del sonido Communards. Bajo una bonita melodía de teclados y una base bailable, un grupo de cuerda va introduciendo elementos clásicos consiguiendo finalmente uno de los temas más enérgicos del álbum, a lo cual ayuda el tono de reproche de la voz de Jimmy Somerville, ideal para una letra en la que el cantante parece enfrentarse a una especie de persona toxica que solo transmite negatividad. “Tomorrow” sería el single de adelanto del álbum y marcaría el camino para asegurar el éxito de “Red”. Contaría con un videoclip bastante simple donde podemos ver a Somerville y Coles interpretando la canción con algunas imágenes superpuestas.

2. “There’s more to love than boy meets girl”: Ya por su largo título se puede intuir que se trata de una clara reivindicación gay y así es, enfatizando el hecho de que el amor es independiente de los sexos. La canción se abre con un sonido de teclados muy melódico y un tanto cursi tras el cual nos encontramos un tema pop muy bien construido con gran protagonismo del bajo y la percusión electrónica. Somerville suena a ratos reivindicativo y en otros momentos más dulce, sobre todo en el estribillo. Este tema sería el cuarto y último single del álbum, también el último éxito del grupo. Contaría con un absurdo video en el que Somerville y Coles se hacen acompañar por la vocalista Caroline Buckley y la percusionista June Milies Kingston, que formaban parte de la banda en directo. El video es un despliegue de monerías y chorradas (ese Richard Coles agarrando el micrófono) bastante divertidas que para nada hacían pensar que el fin del grupo estaba tan cerca.

3. “Matter of opinion”: La canción se abre con unos sugerentes violines, que son la perfecta introducción para uno de los temas más orgánicos del álbum. Tiene un cierto regusto soul y bastante influencia de los grupos pop de chicas de los años 60 como The Supremes o The Sangri Las. El piano de Coles marca el tono en lo que es una canción que describe una ruptura sentimental pero desde un punto de vista positivo, de superación y búsqueda de un futuro mejor. El tema posee un excelente puente donde el violín es el completo protagonista dibujando una bonita melodía. También hay que destacar los metales que le dan a la canción un toque Motown.

4. “Victims”: Estamos ante el tema más electrónico del álbum, es posible que recuerde bastante a Bronski Beat, pues podría formar parte perfectamente del repertorio del trío. Somerville y Coles construyen un tema con una base bastante simple y clara vocación dance a través de la historia de Billy, un personaje, ficticio o no, que debe enfrentarse al rechazo de un entorno hostil, pero pronto se da cuenta que no está solo y que si bien muchos lo habían abandonado, otros pocos se convierten en sus aliados, creando finalmente un mensaje positivo, una visión esperanzadora que es una constante en casi todo el álbum.

5. “For a friend”: Vamos con el primer tema lento del disco, una balada en toda regla donde Coles se luce al piano. “For a friend” está dedicada a Mark Ashton, amigo de Jimmy y Richard, activista gay y miembro del partido comunista, muerto a causa del sida que en esa época hacía verdaderos estragos. Es un tema profundo, apasionado, muy emocional, con un Jimmy Somerville haciendo su mejor interpretación vocal, sentida y sincera. A pesar de no ser una canción muy comercial y aun habiendo mejores opciones, fue elegida como tercer sencillo del álbum y hasta contaría con un video clip que alternaba la interpretación de la canción con imágenes de Londres.
6. “Never can say goodbye”: Llegamos a la segunda parte del álbum que comienza con lo que sería el gran éxito del mismo. Me refiero al clásico “Never can say goodbye” original de los Jackson 5 y popularizado en los 70 por Gloria Gaynor. Somerville y Coles consiguen realizar una versión que consigue superar a las dos anteriores gracias a unas potentes bases rítmicas y a un sonido disco actualizado que unido a la entrega vocal de Somerville consiguen crear uno de los temas más reconocibles de finales de los 80 y el segundo single más vendido del dúo después de “Don’t leave me this way”. El single contaría con un hilarante video grabado en una discoteca donde podemos ver a un Richard Coles venirse arriba y realizar un baile propio de un pato encerrado en un garaje.

7. “Lovers and Friends”: Segunda balada del disco, escrita en su totalidad por Richard Coles donde su piano lleva todo el peso acompañado por un grupo de cuerda que añade aún más ternura a una canción realmente triste sobre la pérdida de un ser querido y esos recuerdos que se suelen rememorar para acordarse de esas personas. Una canción delicada y sublime.

8. “Hold on tight”: Y después de una canción triste, nos encontramos con toda una medicina para subir los ánimos y no se trata de ningún número de música disco sino más bien de un medio tiempo donde una leve melodía de sintetizador es enriquecida por el magnífico trabajo del cuarteto de cuerda que acompaña al grupo creando una combinación original y fluida. La letra habla de superación de las dificultades y de cómo los problemas pueden ser un revulsivo para ser más fuerte y perder el miedo.

9. “If I could tell you”: Estamos ante el tema más oscuro del álbum. Jimmy Somerville pone música a un poema de W.H. Auden de 1940 que es perfecto por su melancolía para crear un ambiente algo lúgubre acentuado por esa campana que no para en toda la canción y que bien podrían llamar a un entierro. La sutil y bella melodía y un muy logrado bajo electrónico complementan el tema y enfatizan de forma austera la tristeza presente en esta canción.

10. “C. Minor”: El álbum llega a su fin con una balada donde el desamor es el tema principal con un Jimmy que se siente traicionado, pero que tiene la fuerza suficiente para superar el trance y aceptarlo. Es claramente el tema principal en este álbum “Red”: la superación de los momentos difíciles. The Communards acaban el álbum con un tema que musicalmente resume muy bien esa parte más orgánica del grupo, donde Coles lleva la rienda de la melodía con su piano y se hace acompañar por incisivos violines que crean un sonido delicado, detallista y mágico.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
“Red” fue un álbum que dejó claro que lo acontecido con su primer álbum no había sido ninguna casualidad y que la combinación inusual de las dos personalidades musicales de Jimmy y Richard funcionaba a la perfección. Se le puede reprochar al disco un sonido un tanto naif en algunas partes del mismo y el hecho de tirar un poco de fórmula. Una fórmula que se consolida totalmente con este álbum. Con todo es indudable la calidad del conjunto de canciones que configuran “Red”.

A nivel comercial “Red” mantuvo el éxito obtenido con el primer álbum del dúo y confirmó a The Communards como uno de los grandes grupos de los 80, capaces de competir con los Pet Shop Boys o Depeche Mode en ventas y en ocasiones superarlos pero les duró poco, algo completamente inesperado y surrealista iba a suceder: Richard Coles iba a sentir la llamada.

Así fue, harto de los excesos de la vida de pop star, Richard abraza el cristianismo hasta el punto de hacer los estudios correspondientes para ser sacerdote y finalmente convertirse en el Reverendo Richard Coles, uno de los personajes más mediáticos del Reino Unido: escritor, periodista, presentador de programas de radio y televisión, participante en reality shows tipo “Master Chef” o “Mira Quién Baila”. No hay más que pasarse por la página web del Reverendo para darse cuenta de su nivel de popularidad.

En cuanto a Jimmy Somerville en solitario ni de lejos conseguiría acercarse a la fama del Reverendo Coles. Cierto es que Jimmy ya en solitario se dedicó más que nunca al activismo político, teniendo una carrera discográfica bastante intermitente. Aun así conseguiría algunos éxitos sobre todo gracias a versiones como “You make me feel mighty real” de Sylvester o “To love somebody” de los Bee Gees. Su último trabajo es el álbum “Hommage” que data de 2015 y es todo un tributo a la música disco de los 70. The Communards fueron un grupo efímero que sin duda dejaron su huella en los 80, nos quedan sus canciones y álbumes como su debut homónimo y este “Red” que son ideales para revisitar a esta banda.

Texto: Alfredo Morales.
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domingo, 20 de enero de 2019

Programa Thomas Dolby “The Golden Age Of Wireless” (Temporada 10/ Programa 5)

El pasado 15 de diciembre de 2018 finalizamos la primera parte de nuestra temporada de radio analizado el debut discográfico de Thomas Dolby. El programa se emitió en directo a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Antes de nuestro parón navideño, fuimos Óscar Cañas, Mariano González y Víctor Prats los que quisimos rendir tributo a este peculiar músico. Pusimos en valía las muchas virtudes artísticas de Dolby y su versatilidad.

Si no pudieron escucharlo en su momento, les insertamos a continuación el reproductor para su escucha y también les dejamos el link a su alojamiento en Ivoox para su descarga si así lo desean: https://www.ivoox.com/dmr-10-5-audios-mp3_rf_31617757_1.html
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viernes, 18 de enero de 2019

Temporada 10/ Programa 6: Blondie y “Eat To The Beat” (1979)

Después de nuestro generoso parón navideño, retornamos a nuestra actividad y lo hacemos con un nuevo programa de nuestra 10ª temporada de radio en el que viajaremos a finales de los 70 para adentrarnos en el underground neoyorkino para analizar uno de los discos de Blondie.

Debbie Harry y sus compañeros serán los protagonistas de la mano de “Eat To The Beat”, disco que tuvo una buena acogida, siguiendo la estela del masivo “Parallel Lines”, pero que por otro lado marca el inicio de una fase de bajada para la formación.

Salvo imprevisto, seremos 3 voces los que debatiremos sobre este disco y Blondie en general. Les esperamos este sábado 19 de enero a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/633537940417330
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
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domingo, 23 de diciembre de 2018

Mejor Single Nacional 2018 DMR: “Mira a la gente” de Second

En nuestra tercera elección del mejor single (a nuestro juicio) del año que ya agoniza, de nuevo ha estado la cosa tremendamente nivelada. Finalmente, Second, con su tema “Mira a la gente”, que fuera primer adelanto de su nuevo lp, son quienes se han llevado el gato al agua.

En la presente edición de este título completamente simbólico, competían los de Murcia con los Dorian y su tema “Noches blancas” y con Izal y su potente “El pozo”. Fue el apoyo en las redes lo que deshizo el empate para los Frutos, Robles y Guirao frente a los chicos de Izal, ya que el apoyo popular se tiene en cuenta; los votos de los colaboradores de “DMR” había deparado un empate a 13 puntos, con Dorian situados en tercer puesto con 10.

Felicitamos a Second por este título (sin duda el menos importante que conseguirán con su último lanzamiento) y nos alegramos por ellos, ya que desde que les conocimos es una banda a la que hemos defendido y promocionado desde nuestros dominios de forma muy entusiasta y totalmente desinteresada y altruista. Aquí les insertamos el vídeoclip de la canción.

Veremos quién será el elegido en 2019... Nosotros continuamos con nuestras vacaciones navideñas. Pásenlo bien en estas fechas y que el próximo año, como ya dije al terminar el programa sobre Thomas Dolby el pasado día 15 de diciembre, les permita cumplir todos sus sueños, o al menos aquellos que lleven muchos muchos años anhelando con desbordada fuerza.
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viernes, 21 de diciembre de 2018

DMR cierra por vacaciones de Navidad 2018

Ya saben que en “DMR” nos gusta desconectar de cuando en cuando de la actividad para cargar pilas y volver con energías y ganas renovadas. Por ello, desde hoy pausamos nuestra actividad habitual hasta después del siempre señalado periodo navideño.

Cierto es que habrá un post excepcional en los próximos días en el que con mucha ilusión desvelaremos el ganador de nuestro humilde y solamente honorífico premio de Mejor Single Nacional. Todavía pueden votar por sus candidatos si lo desean.

Lo dicho, regresaremos más o menos a mediados de enero con más revisiones de discos y más programas de radio de nuestra 10ª temporada en las ondas. Pásenlo bien en estas fechas, que tenga unas felices navidades y que el 2019 les depare lo mejor. Les dejo con esta imagen tomada de una céntrica calle del barrio de Salamanca madrileño.
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lunes, 17 de diciembre de 2018

Programa Los Coyotes “Mujer Y Sentimiento” (Temporada 10/ Programa 4)

Entrevistamos con ocasión de rendir tributo a un gran disco como es “Mujer Y Sentimiento” de Los Coyotes, su primer lp, editado en 1985, a su líder Víctor Aparicio Abundancia “Coyote”.

El programa lo estrenamos a fecha 1 de diciembre de 2018 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), tras la redifusión de 15 a 16h que hicimos del programa sobre Queen y su biopic “Bohemian Rhapsody”. Sin embargo, la grabación del programa la llevamos a cabo el 17 de noviembre en torno a las 14h, previo a la realización en directo del programa sobre Queen.

Víctor Coyote optó muy amablemente por el formato largo de entrevista, aquel en el que el artista nos acompaña durante toda la hora del programa, cosa que valoramos mucho. Durante la hora Mariano Gónzalez y su tocayo servidor le preguntamos varios aspectos sobre la obra que nos ocupaba, la historia de Los Coyotes y su trayectoria profesional en general.

Resultó un programa muy interesante. Les recomendamos que lo escuchen si no lo hicieron en su día. Aquí les insertamos el reproductor y también les dejamos link a Ivoox para su descarga si lo desean. Termino agradeciendo a Víctor Coyote que aceptara nuestra invitación y a mi amigo y mano derecha Mariano González sus gestiones para que pudiéramos llevar a cabo este programa: https://www.ivoox.com/dmr-10-4-audios-mp3_rf_30839720_1.html
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viernes, 14 de diciembre de 2018

Temporada 10/ Programa 5: Thomas Dolby y “The Golden Age Of Wireless” (1982)

Arriesgamos nuevamente en “DMR” al recuperar y reivindicar la figura de un músico bastante olvidado a día de hoy, con su cierta repercusión en la música electrónica de los primeros años 80 del Reino Unido: Thomas Dolby.

La obra de Dolby no deja de ser curiosa, si bien no muy extensa. Y su figura e imagen también iban acorde a su música. Es el debut del año 1982 el disco que les proponemos para este sábado. Hablaremos de sus canciones y otras curiosidades del mundo de Dolby, para poner en valía su papel y para a los curiosos acercarles esta figura algo desconocida para muchos.

Acompáñennos este sábado 15 de diciembre de 2018, en lo que será nuestro último programa del presente año y de la 1ª mitad de nuestra 10ª temporada, la cual retomaremos tras las navidades. La cita, como siempre, en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) a las 16.00h.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/335359380528629
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/emision-online/
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