domingo, 21 de diciembre de 2014

Discos, música y reflexiones cierra por vacaciones de Navidad 2014

Primero nos tomamos vacaciones por verano, luego también por Semana Santa y este año también paramos por navidades. Tras tantos años en esto, creo que para la actividad 2.0 es preciso desconectar y en estas próximas semanas no estaremos para nada relacionado con internet. Con el post recién publicado con el programa entrevista a Bauer, damos por estacionada nuestra actividad habitual durante unos días. Si acaso, algo publicaremos o comentaremos en nuestros perfiles en las redes sociales de Twitter y Facebook.

Retornaremos con fuerza el 17 de enero, día en el que habrá nuevo programa en directo de nuestra 6ª temporada. El 16 de enero, viernes, publicaremos post informando de qué irá el programa, aunque unos días antes ya habremos creado su correspondiente evento en Facebook.

Mientras tanto, además de nuestra ocasional y relajada actividad en Twitter y Facebook, pueden escuchar las repeticiones generosas que habrá sobre el programa de Lady Gaga y su último disco de estudio en la sintonía de RUAH, todos los miércoles a las 23.00h y los sábados a las 16.00h. ¿Qué mejor forma de cenar en familia el miércoles 24 o despedir el año el miércoles 31 que en nuestra compañía? De esa forma se tomarán el turrón o las uvas con “Applause”.

Les dejamos con esta bonita fotografía de la calle Serrano iluminada para estas fechas unos años atrás. Que ustedes tengan unas felices fiestas y que 2015 les traiga buenos momentos. Nos veremos por entonces. Hasta entonces, sean buenos (en estas fechas se ve que socialmente se está obligado) y disfruten de la música.
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Programa Bauer “Azul Eléctrico” (Temporada 6/ Programa 5)

Con la participación de Gabriel Bauer, estrenamos definitivamente el capítulo de programas-entrevista de nuestra 6ª temporada tras el adelanto de lujo que supuso la breve charla con Owen Ashworth de Casiotone For The Painfully Alone en el programa dedicado a “Etiquette”.

Gabriel, cantante y guitarra del grupo al que da nombre su apellido, nos acompañó durante la hora de duración de nuestro programa. Nos ayudó a diseccionar a fondo su ópera prima discográfica “Azul Eléctrico” y también respondió a otro tipo de preguntas que nos acercaron a la banda que lidera junto a su hermano Lucas.

El programa se grabó el mismo día 6 de diciembre de 2014 entre las 13.30 y 14.30h aproximadamente. Su estreno en emisión fue en esa fecha a las 16.00h en nuestro horario habitual de emisión en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Hubo posteriores redifusiones los miércoles 10 y 17 de diciembre de 2014 a las 23.00h y el sábado 13 de diciembre de 2014 a las 16.00h en el mismo dial.

La foto corresponde al momento de edición del programa tras haber realizado la entrevista (de fondo, el pc de Radio Universitaria de Alcalá de Henares RUAH, donde trabajamos). Les dejamos insertado el audio a continuación y también les dejamos el link a Ivoox donde está alojado el audio para que se lo descarguen si así lo desean: http://www.ivoox.com/dmr-6-5-audios-mp3_rf_3858731_1.html
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viernes, 19 de diciembre de 2014

Temporada 6/ Programa 6: Lady Gaga y “Artpop” (2013)

Retornamos a la figura de Lady Gaga para analizar el momento actual de esta excesiva diva de nuestros días que tanto defendemos en “Discos, música y reflexiones”. Tomamos como protagonista a su “Artpop”, último trabajo de estudio en solitario hasta la fecha, el cual tiene muchos puntos de controversia.

Comentaremos en el programa el contenido del disco, cómo ha repercutido en la trayectoria de la artista hasta el momento (algunos hablan de batacazo y posible comienzo de un declive; yo por mi parte les adelanto que no estoy de acuerdo con ese pronóstico) y podremos escuchar 4 de sus temas, que a buen seguro les gustarán.

La cita será este sábado 20 de diciembre a las 16.00h en riguroso directo en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Sobre el papel estaremos más de dos tertulianos en antena, con lo que el coloquio promete. No se lo pierdan, les esperamos.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/759076594162511
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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sábado, 13 de diciembre de 2014

Spandau Ballet - Parade (1984)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Es un tremendo gusto volver a abordar una de mis bandas preferidas (con certeza en mi top 10, aunque no en el podium reservado a The Cure, Depeche Mode y The Smiths) de todos los tiempos. Y además, ahora que se rumorea por ahí que Spandau Ballet iban a sacar un disco nuevo tras mucho tiempo (si bien lo que parecer ser al final es que es un “Grandes Éxitos” con 3 temas nuevos), creo que la ocasión la pintan calva.

Celebro que haya actividad nueva alrededor del quinteto compuesto por los hermanos Gary y Martin Kemp, Tony Hadley (uno de los mejores cantantes del pop de todos los tiempos), Steve Norman y John Keeble. Cuando comencé a interesarme por el grupo en el año 2000 o 2001 jamás pensé que en 2009 se irían a reunir tras tantos malos rollos para poder verles en inigualable conciertazo en marzo de 2010. Y más cariacontecido me veo cuando veo que el grupo está en labores compositivas y temas como “This is the love” no suenan nada mal.

No obstante, viajamos atrás a los 80, a sus días de máxima gloria, para analizar un disco que este año está cumpliendo su trigésimo aniversario. “Parade” fue un disco que tomó el relevo del masivo “True”. Una obra en la que el quinteto depuró o pulió el diamante más aún, dando lugar a una continuación de “True”, pero mucho más perfecta o refinada en sus formas.

Podríamos decir que “Parade” sea el disco más elegante de todos los editados por Spandau Ballet. Es un trabajo conciso, de 8 temas y 40 minutos de duración, que va al grano y que ofrece pocos puntos débiles. Veamos sus 8 canciones paso a paso y luego, en las conclusiones o reflexiones finales, hoy me extenderé un poco más de lo que viene siendo habitual últimamente.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Only when you leave”: Comenzamos el disco con quizás la 3ª canción en discordia del grupo de su historia en lo que a grandeza se refiere. Y de hecho “Only when you leave” llegó al nº 3 (“Gold” al 2 y “True” al 1) en los singles charts de UK. Es una canción donde solamente chirrían algunos tecladitos desafinados, pero donde los riffs cálidos y directos de las guitarras son una maravilla. La batería acompasada y firme de John también funciona bien, al igual que otro maravilloso solo de saxo de Steve. Hadley se muestra galante al micrófono, con toda la fuerza de su vozarrón, brillando intensamente en su irresistible y delicioso estribillo. El videoclip, grabado en un plató con poca escenografía, destaca sobre todo por la elegancia de Tony Hadley, en las tomas con traje de raya diplomática negro, con el pelo algo más largo de lo que tenía en el disco anterior. Por ahí aparece una mujer, la conquista de Tony, a la que le dan vahídos a la par que desprecia los obsequios que le mandan los admiradores. Gran canción, que trata de la brevedad del amor y el no aprovechar los momentos, echándose en cara no haber aprovechado los mismos cuando tocaba, donde Spandau Ballet demostraban el momento de inspiración que atravesaban por entonces. Soul blanco del muy bueno.

2. “Highly strung”: Fue single también, pero de menor relumbrón. Y es que “Highly strung”, aún conservando las delicadas y refinadas formas del disco, recuerda en sus líneas de guitarra eléctrica momentos más nuevaoleros del grupo de su primer disco. Con menos saxo y más teclados, todo a cargo de Steve, se hubiera colado sin problema en el “Journeys To Glory”. Intensa y a ratos malencarada, con momentos de buena entrega en las voces de Tony.

3. “I’ll fly for you”: El disco comienza arrollador, ya que sus 3 primeros capítulos son singles. Con “I’ll fly for you” el grupo remonta el vuelo (nunca mejor dicho). Es quizás el 2º single por estatus dentro de “Parade”. Es una balada bonita y lenta, con momentos de mucha intensidad sentimental en el estribillo. Se muestra sinuosa en sus estrofas iniciales y me da por pensar que esta canción es una evolución de la estructura o idea que el grupo plasmaron en la maravillosa “Code of love” de “True”, canción que no fue single y que es una de esas joyas ocultas que nosotros siempre advertimos. Buena canción, con buen desarrollo, de menos a más, con la que se sigue destilando un disco de elegancia absoluta en la producción y formas; Steve Norman y su trabajo al saxo tiene mucho que ver en ello.

4. “Nature of the beast”: El final de la cara “a”, no podemos dejar de lado que este disco principalmente se concibió como un lp de vinilo, viene de la mano de “Nature of the beast”. Muy estratégicamente se deja un tema “no single” para cerrar esta cara. Estamos ante una pieza que nuevamente nos puede recordar el deje nuevaolero de la banda. Hay muchos más teclados, un menor protagonismo del saxo y una melodía que se acelera por momentos tras una intro latente. Buena canción que ofrece una buena dosis de intensidad, pero todo ello dentro de la producción elegante que impregna a “Parade”. 
5. “Revenge for love”: La cara “b” empieza con fuerza, ya que “Revenge for love” destaca por ser muy directa. Curiosamente en el estribillo es donde se relaja más la melodía. Es en las estrofas donde se aprecia su mayor intensidad, con buena economía de medios, con las notas justas de guitarras y una batería de mucho aplomo de parte de John Keeble. Es una de las joyas ocultas de este disco, una canción que más allá de los singles ennoblece a “Parade”.

6. “Always on the back of my mind”: “Always on the back of my mind” quizás sea la canción menos buena del disco, principalmente por su estribillo consistente en el título de la canción, donde claramente pierde gancho. En el resto de su duración hay una melodía algo saltarina, tipo “Communication”, que no funciona mal, pero que pierde su fuelle en el estribillo plano. De hecho, tras la escucha del disco, no se sabe bien por qué maniobra psicológica, te queda la sensación de que es una canción lenta, probablemente por la falta de pegada del estribillo. No desentona dentro de “Parade”, pero está lejos de los momentos álgidos de la obra que hoy nos ocupa.

7. “With the pride”: Remonta no, lo siguiente Spandau Ballet con “With the pride”. Por ahí leí una vez una entrevista a Gary Kemp que hablaba de esta canción como su favorita de todas las que ha compuesto. Y razón no le falta. Probablemente, de primeras escuchas, piensen que tanto su autor como yo estamos locos, pero con el paso de las escuchas verán que no. En directo, desde la gira del siguiente disco, la suelen hacer en acústico. Les queda igualmente bien, pero gusta de cuando en cuando escuchar la versión de estudio. Es un medio tiempo en formato balada, con Tony Hadley nuevamente en sus mejores momentos vocales del disco. No falla nada, ni en lo instrumental, con los golpes de batería y arreones melódicos cuando tocan y con perfección tanto en estribillo como en estrofas. Canción sublime, joya oculta dentro de “Parade” y una de las mejores pistas de Spandau Ballet. Como ven, estoy muy de acuerdo con Gary Kemp y su valoración sobre esta composición suya.

8. “Round and round”: Una de las cosas que me parecen reprochables a “Parade” es un listado ordenado del track list. Yo hubiera permutado “Round and round” por “With the pride” y tendríamos un disco de 10. El que se termine con este single menor, muy emotivo y cuco, hace que le restemos solemnidad a este disco fenomenal. La canción brilló en el concierto de 2010 en Madrid por la proyección de un video de imágenes antiguas de los componentes del grupo. Es un buen single y que además es representativo del sonido global de “Parade”. No obstante, más allá de ello, creo que no le pega el papel de última canción.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Con “Parade”, disco cuya portada representa más una manifestación que un desfile (traducción literal del título), Spandau Ballet mantuvo el nivel de exigencia de “True”. De hecho, el disco formalmente es mejor en conjunto que “True”. Es un disco de producción tremendamente cuidada y elegante. La obra más perfumada y refinada de una banda que ya de por sí siempre lo es. Una crítica poco amable del disco por ahí que leí decía que es un disco de banda sonora de anuncios de perfumes. De acuerdo, pero me parece un trabajo muy acertado, con buenos singles y buenos capítulos desconocidos que regalan más de una joya oculta.

De hecho, una pregunta, tras escucharlo de principio a fin, cuando están escuchando “Round and round”, ¿se acuerdan de la gloriosa “Only when you leave”? Yo no. Eso es sinónimo de que el disco está lejos de cojear y no echa mucho de menos a su gran estandarte.

Después vendría el más rockero y menos cuidado (como si no estuviera cuidado) “Through The Barricades”, otro disco más que acertado y que es muy apropiado para las fechas navideñas que se acercan; “Parade” no me evoca tanto a esta época del año, pero me apetecía volver hoy a hablar de Spandau Ballet. Hace ya unos años sí que hablé de “Through The Barricades” por estas fechas con mucha intención.

El grupo vivía sus mejores momentos, que se extenderían hasta la gira de “Through The Barricades”, de la que años más tarde editarían el acertado disco en directo “Live From The NEC”. Después vendría el decaimiento con el correcto “Heart Like A Sky”, la travesía por el desierto de muchos años y la reconciliación y reunión de los 5 componentes para giras y de momentos recopilatorios con algunos temas nuevos por ahí. Solamente nos queda comentar por aquí, a nivel de discos de estudio, los 2 primeros trabajos del grupo. Esperemos que editen un nuevo lp nuevo de cabo a rabo. No tardaríamos en comentárselo por estas tierras.

De nuestro programa de radio, estamos en semana de repetición del programa-entrevista con Bauer. Podrán escucharlo este miércoles a las 23.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) si es que no lo hacen en breves minutos en la tarde de hoy en la misma sintonía a las 16.00h. La próxima semana, nuevo coloquio en directo el sábado 20 de diciembre a las 16.00h. Les iremos informando esta próxima semana.
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lunes, 8 de diciembre de 2014

Programa Morrissey “World Peace Is None Of Your Business” (Temporada 6/ Programa 4)

A la 4ª fue la vencida y por fin tuvimos un coloquio con varias voces invitadas aparte de la de Mariano González y servidor de ustedes Víctor Prats. Morrissey tiene poder de convocatoria y ayudó a que Alfredo Morales y Luis F. Novalvos debutaran en nuestra 6ª temporada. Continuamos en la senda de los “cutremontajes” fotográficos mientras que sigamos teniendo la mala suerte de no poder contar con Mariano González en los estudios y su partida sea exclusivamente vía telefónica.

El programa, confesamos, no lo llevamos a cabo en directo el día de su 1ª emisión en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), que fue el 22 de noviembre a las 16.00h (hubo posteriores redifusiones los miércoles 26 de noviembre y 3 de diciembre a las 23.00h y el sábado 29 de noviembre a las 16.00h en la misma sintonía), sino que lo grabamos el día anterior 21 de noviembre de 2014 en torno a las 16.30h en los estudios de RUAH.

Por lo general estuvimos muy satisfechos con lo nuevo de Mozz. Seleccionamos varias canciones de su notable “World Peace Is None Of Your Business” e incluso una de ellas la pusimos en versión pirata en directo capturada en su concierto de Madrid de un par de meses atrás. Yo, por inmejorable recuerdo del concierto de Madrid, acudí al programa con la misma camisa de franela de cuadros negra y roja (poco común en mi repertorio de looks) con la que fui al Palacio de los Deportes en tan señalada e inolvidable cita.

A continuación les dejamos el reproductor insertado para que escuchen el programa aquí directamente (sin necesidad de moverse a otro lado) y el link a Ivoox donde está realmente alojado por si se lo quisieran descargar: http://www.ivoox.com/dmr-6-4-audios-mp3_rf_3830177_1.html
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sábado, 6 de diciembre de 2014

Temporada 6/ Programa 5: Bauer y “Azul Eléctrico” (2014)

En nuestro 4º programa de esta 6ª temporada inauguramos el capítulo de programas-entrevista íntegros (recuerden la breve entrevista a Owen Ashworth insertada en el programa que dedicamos a Casiotone For The Painfully Alone y su “Etiquette” hace unas semanas).

Nuestros protagonistas son Bauer y su disco “Azul Eléctrico”. En compañía de su vocalista y guitarra Gabriel Bauer, compartimos nuestro programa de cabo a rabo hablando sobre su disco de debut y otras muchas cosas que rodean al grupo.

La cita es, como siempre, el sábado a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Habrá redifusiones los siguientes miércoles 10 y 17 de diciembre a las 23.00h y el sábado 13 de diciembre a las 16.00h en la misma sintonía.

Este 6 de diciembre, por tanto, no se pierdan nuestro programa. Les esperamos.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/835553059829909
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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Discos, música y reflexiones entrevistó a Bauer

Tras la breve entrevista que realizamos a Owen Ashworth en inglés en el programa que dedicamos al disco “Etiquette” de su anterior proyecto musical Casiotone For The Painfully Alone, ahora sí que estrenamos realmente el apartado de programas-entrevista de nuestra 6ª temporada.

Y lo haremos de la mano de Bauer, grupo del que ya hemos dado información a través de este blog, bien sea de su concierto en Madrid hace unos meses en la sala Costello o bien analizando su disco “Azul Eléctrico” tema a tema como disco de la semana hace no mucho.

Entrevistamos a Gabriel, su vocalista y cantante. Con él compartimos la hora de programa hablando sobre “Azul Eléctrico”, Bauer en general y otros aspectos generales del mundo de la música. La cita este sábado 6 de diciembre de 2014 en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).
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viernes, 28 de noviembre de 2014

Phoenix - Wolfgang Amadeus Phoenix (2009)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Del grupo que nos ocupa hoy, históricamente hablando, estoy a años luz de ser un erudito. Phoenix son una banda francesa (creo que en todo este tiempo es el primer artista francés que pasa por aquí), que llevan desde finales del pasado siglo en activo y que son considerados un referente dentro del sector indie internacional. Por cierto, cantan en inglés, o al menos en lo que conozco de ellos hasta el momento.

Recuerdo que cuando estuve metiéndome en el estupendo disco “Delapso” de los Cyan, en una crítica en Mondosonoro de ese disco comparaban a los de Barcelona con estos Phoenix en algún tema de su tercer disco; creo que era con “Philippe Petit” y decía literalmente algo así: “… también juegan a ser Phoenix en canciones como “Sindrome de Paris” o “Philippe Petit”, con un resultado más que digno.”. Cuanto menos curioso. En aquel momento no conocía casi nada de Phoenix y a día de hoy, bueno, de alguna manera podría verse de la forma que se apuntaba por parte de Marcos Martín en Mondosonoro. 

Me surgió mucho la curiosidad definitiva por Phoenix gracias a la difusión en Kiss Tv, ese reducto televisivo maravilloso que nos queda a los aficionados a la música, de los videoclips de sus temas “Entertainment” y “Trying to be cool”. Ahí veíamos a la banda en el 2º de los citados a la banda liderada por el vocalista Thomas Mars (que por aspecto bien podría ser un hijo no reconocido de Mark Hollis de Talk Talk) y al resto de sus componentes donde destaca mucho el aspecto del guitarrista Christian Mazzalai, con su boca tan característica y la mueca perenne que le conlleva en el rostro.

El caso es que la mano derecha radiofónica de “DMR”, Mariano González, tenía material de Phoenix para pasarme y ya poder meterme decididamente. Lo que pasa es que se dio el caso de que el disco que tenía en su poder era el anterior al que toman parte las citadas canciones que conocía, que es hasta la fecha el último de Phoenix de título “Bankrupt!”. El trabajo es de 2009, de gracioso, pretencioso, ambicioso y curioso nombre “Wolfgang Amadeus Phoenix” y según he leído por ahí supuso un regreso glorioso del grupo tras su trabajo de 2006 y de alguna forma su consagración definitiva a nivel de crítica y público. Poco más puedo decirles, por lo que prescindo de paja prosaica absurda y pasamos al análisis tema a tema.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Lisztomania”: “Wolfgang Amadeus Phoenix” empieza con uno de sus mejores momentos o incluso quizás el mejor. “Lisztomania” fue single del disco, con videoclip muy promocional del disco con el grupo llevando un minidirigible con el nombre del disco (motivo de la portada del trabajo) entre otras imágenes. Es una canción de ritmo inquieto y con un estribillo luminoso y con cierto tinte emocional. Está muy bien llevada en su carácter cíclico de estructura. En esta canción se aprecia ese cierto aire sibarita y cool que desprende la música de Phoenix en general y que les hace tan irresistibles. Todo está en perfecta sintonía, incluso los teclados de afilador que se meten en el tramo final.

2. “1901”: Con el 2º tema de mantiene fácilmente el interés. Se pierde algo de brillo o luminosidad, metiendo un cariz más oscuro, pero “1901” afianza una buena apertura de obra. Los teclados entran aquí más decididos con un mayor protagonismo concedido por la producción. Tiene un giro para nada fácil de estrofas a estribillo, con un puente inquietante. En su estribillo, con el papel protagonismo de los teclados para afianzar la repetición vocal de Thomas Mars es donde se alcanza el punto más álgido y luminoso de un tema que no palidece tras tomar el relevo de la gran “Lisztomania”. También fue single, de hecho antes que “Lisztomania”, y es que me dirán ustedes que no tiene carácter de ello.

3. “Fences”: Ahora sí que nos metemos en otro terreno, tras el cierto giro que ya habíamos apreciado en “1901”. Estamos ante una canción muy válida desde el medio tiempo o el perfil bajo. Es un tema latente, con cierta intimidad, donde Mars hace mucho uso de su registro más agudo de incluso falsete. Es otro tema donde se palpa de primera mano la inmejorable labor de arquitectura instrumental de Phoenix. “Fences” por tanto en su 3ª posición de set list juega un doble papel: el de ofrecer variedad sonora a la obra de forma clara y el de apuntalar un disco hasta este minuto de escucha sin la más leve mácula.

4. “Love like a sunset (part 1)”: Y ahora los Phoenix se atreven con una suite. “Love like a sunset” en su 1ª parte destaca por una intro misteriosa y algo oscura que termina concretándose en un largo sector instrumental que progresa de una forma llamativa. Termina poniéndose en su sector final mucho más rítmica e incluso diría que obsesiva, con unos sonidos rudos de adorno que impregnan al disco en estos minutos de una sensación de incógnita ante el comienzo fácil de asimilar que habíamos tenido, en cuyo terceto de apertura “Fences” suponía lo “menos accesible”.

5. “Love like a sunset (part 2)”: En la 2ª parte de “Love like a sunset” entra Mark Hollis… ¡Ejem! Quería decir Thomas Mars, para traer algo de calma a este fin de suite tan cortito, en el que musicalmente parece amanecer tras la tormenta nocturna o sonido de pesadilla de la 1ª parte (que nadie tome estas palabras como algo negativo, cuidado).
6. “Lasso”: “Lasso” abre la cara “b” de lo que sería el vinilo. Y se ve claramente esa estructura, ya que es un tema de gran calado, donde “Phoenix” recuperan el brío y ritmo del inicio de “Wolfgang Amadeus Phoenix”. Fue single, nuevamente con acierto e intención. Tiene un estribillo muy directo (quizás el que más del disco), muy acelerado, en el que la maquinaria sonora brilla, sobre todo en los riffs de guitarras. “Lasso” alterna momentos más intensos con otros más rítmicos o ligeros con tremenda solvencia.

7. “Rome”: Ahora es turno de dejar tanto ritmo y baile para meternos en un tema de cierto medio tiempo. “Rome” también es hasta el momento el pasaje más melancólico en su melodía y sentir que transmite del álbum hasta el momento, quizás solamente discutido en este apartado por la 2ª parte de “Love like a sunset”. En su estructura tiene un sector más íntimo instrumental que divide en 2 mitades al tema.

8. “Countdown”: Volvemos al sentir melódico generalista del disco con “Countdown”, un tema muy del estilo de Phoenix, donde la intensidad esta vez se afianza o concentra en un ritmo no tan acelerado. Los teclados y sus notas tienen gran parte de la culpa de este peculiar resultado. Es un tema que está por estallar en cualquier momento, cosa que en hace por pocos segundos en algún momento, pero que se mantiene en esa retención sonora durante toda su duración. Un tema muy elaborado donde una vez que conoces bien el tema es muy interesante dedicarse a prestar atención a cada uno de los instrumentos y ver como conforman toda la melodía.

9. “Girlfriend”: En “Girlfriend” Phoenix alcanzan el punto medio entre los pasajes más comedidos y más rítmicos del disco. Conseguir esa síntesis general del disco es uno de los puntos a favor de “Girlfriend”, además de su correcto estribillo. Buen tema para ir poniendo punto y final al disco.

10. “Armistice”: Con “Armistice” se pone punto y final a este trabajo. Y Phoenix estiman terminar arriba, con ritmo. Ahora bien, en “Armistice” más que en ningún otro momento de la obra, se ven claramente los parones y arranques melódicos. Sin ser un tema que ofrezca la mejor melodía o estribillo de este “Wolfgang Amadeus Phoenix”, sí que es otro capítulo musical de Phoenix que con nada consiguen dejar muy buenas sensaciones. Y es que el gran sentido del ritmo y melodía de las guitarras y sección rítmica de los franceses deja pasmado a cualquiera. Opino que “Armistice” es más que un correcto final de disco.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Tengo la impresión de que “Wolfgang Amadeus Phoenix” concedió a Phoenix el estatus de tanto respeto que tienen a día de hoy. Y con mucha justicia. Este disco es un trabajo directo. Estamos ante un trabajo rápido y directo. 10 temas, que no hace falta más para conseguir un gran disco. Ofrece sus matices sonoros, con capítulos más o menos bailables, e incluso algún momento progresivo o conceptual con la suite de “Love like a sunset” y sus 2 partes.

Este trabajo dispuso de 3 singles como 3 trallazos, donde sobre todo destaca “Lisztomania”, o al menos para mi gusto personal. No obstante, no hay que quedarse ahí, ya que capítulos como “Fences” o “Rome” nos añaden la variedad de texturas necesarias para llevar la cosa con la calma suficiente y para que lo rítmico brille cuando sea necesario y llegue su momento.

Después vino “Bankrupt!”, donde se encuentran canciones tan cojonudas como “Entertainment” o la soberbia “Trying to be cool” (de videoclip más que imprescindible). Ese disco se ve claramente como un trabajo de consolidación. De banda grande y respetada. Yo personalmente seguiré indagando en la discografía de Phoenix y me meteré en primer lugar de forma decidida con “Bankrupt!”. De alguna manera, hoy he estado con ustedes en este post con poco manejo de la obra del artista. Espero que les haya ayudado a los que conozcan tan poco (o incluso menos) como yo de estos franceses a generárseles interés por descubrir más de estos chicos.

De nuestro programa de radio, esta semana estamos en semana de redifusión del programa sobre Morrissey y su último disco hasta el momento. Sábado a las 16.00h y miércoles a las 23.00h en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) podrán escucharlo. El próximo sábado, aunque es festivo, Día de la Constitución, habrá programa. Dentro de poco, a mitad de semana, les diremos de qué irá.
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martes, 25 de noviembre de 2014

Concierto Eladio Y Los Seres Queridos. Madrid (19-11-2014)

La tarde para acudir al concierto de Eladio Y Los Seres Queridos en Madrid la tomamos cómo se merece. Nos escuchamos su último disco “Orden Invisible” 2 veces para ir bien dotados de ganas. Intuíamos en esas 2 escuchas un buen traslado al directo. Luego, sorteando y haciendo malabares con el servicio pésimo que ofrece Alsa y sus buses en el Corredor del Henares desde que se tragó a la extinta Continental-Auto, llegamos al centro y a la sala El Sol con buena puntualidad. Antes nos metimos algo de comida rápida para el cuerpo.
Ya dentro saludamos a Pablo Pichurra, que se encargaba de amenizar el ambiente pre-concierto con su selección de temas, donde no faltó el “The boy with the thorn in his side”; y es que Pichurra y yo tuvimos un corto debate sobre el último concierto de Morrissey en Madrid, del que yo quedé encantado y él no tanto por ser de la opinión de muchos en tanto a criticar el set list que el bueno de Mozz seleccionó para la ocasión y este comienzo de su gira en general. También saludamos a Pablo Camuñas, a quien agradecemos que contara con nosotros para este trabajo, quien nos informó que Eladio Y Los Seres Queridos saldrían a escena a las 22.45h.
Y así fue. Con mucha puntualidad Eladio Y Los Seres Queridos salieron al escenario de la sala El Sol, el cual tenía un telón de fondo personalizado con motivos de la portada del último disco del grupo. Fue un concierto conceptual del último disco en el sentido de que abrió y cerró el show el grupo con el tema de apertura y el de cierre respectivamente. Pero el concierto en su interior también ofreció otros capitulos distintos a los que forman el último disco del grupo.
Por tanto, el grupo abrió con la contenida pero acertada “Seremos santos inocentes”. Un tema que sonó muy bien, como el resto del show, ya que si algo hay que destacar es nuevamente el impecable sonido que se consigue a nada que se hagan bien las cosas en la sala El Sol. En esta ocasión no hubo fallos técnicos y en ese sentido Eladio Y Los Seres Queridos tuvieron un concierto tranquilo. Siguieron con el orden del disco y luego llegaría “Niño salvaje”. El repaso de “Orden Invisible” no fue para nada parco y muchos de sus capítulos fueron de los momentos más brillantes de la noche. Muy bueno por ejemplo fue el que protagonizó “La misa”, la cual jugó un papel muy importante en el sector inicial de concierto.
El concierto fue de menos a más, con sus falsos llanos si utilizamos un término ciclista. Canciones como la romántica “Eternamente” por ejemplo regalaron en el tramo inicial del concierto uno de los momentos más bonitos del concierto en el apartado más relajado. El cuarteto estuvo muy bien ensamblado, con una notable tarea de los teclados. Eladio se quedó en un momento en solitario e incluso asumió el riesgo de intentar lograr (cosa que consiguió) enmudecer a la sala al completo para un tema en formato acústico. En esos instantes se podía incluso oír el circuito de ventilación de la sala. Y es que el público fue también de menos a más. Se fue poco a poco implicando más en el concierto a medida que entre canción y canción Eladio se anotaba buenas interacciones hacia la audiencia.
Dentro de Eladio Y Los Seres Queridos, claramente es Eladio Santos quien lleva la voz cantante mucho más allá del sentido estricto de la expresión en lo que se refiere a que él es quien canta los temas. Quiero decir que él es quien llevó el peso de la interacción con el público, la cual la gestionó bastante bien, dosificando correctamente las interacciones más largas con otras más cortas y mostrándose simpático y cercano. Me llamó personalmente mucho la introducción que hizo de “Miss Europa” y de su propuesta para ser tema eurovisivo y también el comentario que hizo de “Highway to heaven”.
Si les parece, ahora les dejo una fotografía a continuación del set list que figuraba al pié del mástil del micro que tenía Eladio. Una foto que saqué una vez finalizó el show y que creo no ofreció variación (que a veces sí que sucede) con respecto a lo que definitivamente terminaron ofreciendo Eladio Y Los Seres Queridos en la sala El Sol.
Se bordeó la hora y 15 minutos de concierto, con un repaso amplio de “Orden Invisible” y logrando confirmarnos que su traslado al directo es más que positivo. Los temas adquieren un cuerpo y potencia en directo que desprende fuerza en su justa medida. Se terminó con el también notable cierre de disco “Junto a los seres queridos”, donde se culminó el desmelene que se venía ya notando desde unos cuantos temas atrás del set list. Puso fin al bis de 3 temas y al concierto en definitiva.
Eladio Y Los Seres Queridos no llenaron la sala El Sol, pero consiguieron los 3 cuartos de entrada, lo cual no es moco de pavo teniendo en cuenta que estábamos hablando de un concierto en miércoles. Nosotros, lo reconocemos, sentimos no haber estado más frescos y haber estado bastante mermados por cansancio físico acumulado, lo cual nos impidió vivir más intensamente un concierto que notábamos que estaba siendo muy bueno y que se nos estaba escapando de las manos vivirlo como se merece. “Orden Invisible” es un disco agradable, de pop cuidado, sentido y elegante, cuya extrapolación al directo funciona. En la sala El Sol pudimos constatarlo y todo ello sin estar a pleno rendimiento, lo cual ya de por sí amplifica nuestra afirmación.
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lunes, 24 de noviembre de 2014

Programa Casiotone For The Painfully Alone “Etiquette” (Temporada 6/ Programa 3)

En el 3er. Programa de nuestra 6ª temporada iniciamos (casi sin proponérnoslo muy en serio los días anteriores) el capítulo de entrevistas de la temporada en curso. Fue una entrevista muy especial, llevada a cabo mediante conferencia con Estados Unidos con Owen Ashworth el hombre detrás de Casiotone For The Painfully Alone, con el que comentamos su disco quizás más relevante, el “Etiquette” de 2006.

Fue una entrevista de unos pocos minutos, lo que duró un bloque de nuestro programa, llevada a cabo en inglés y con traducción breve al término por mi parte haciendo un resumen de lo principal comentado por Owen. No obstante, el resto del programa fue un nuevo coloquio musical entre Mariano González (en espíritu nuevamente en el cutremontaje de rigor, pero esta vez acompañado por el propio Owen), el cual no sabía de la sorpresa que supondría a muchos contar con Owen Ashworth en antena.

Agradecemos mucho a Owen Ashworth que participara en nuestro programa, el cual no le hemos difundido como en otras ocasiones que hemos entrevistado a un artista, por lo breve de su intervención y lo excepcional de ser en lengua inglesa. Pusimos varias de las canciones que formaron este gran disco de hace ya 8 años.

Les dejamos aquí abajo insertado el audio y también el link a Ivoox donde está alojado por si desean descargárselo. Si así lo deciden, nosotros encantados: http://www.ivoox.com/dmr-6-3-audios-mp3_rf_3774974_1.html
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viernes, 21 de noviembre de 2014

Temporada 6/ Programa 4: Morrissey y “World Peace Is None Of Your Business” (2014)

Simplemente por haber venido a Madrid hace poco más de un mes y por ofrecernos el conciertazo que dio (por mucho que varios critiquen su set list), le debemos más y más a Morrissey en “DMR”. Y si además ha editado un disco tan bueno como es su último “World Peace Is None Of Your Business”, la deuda aún es mayor.

Ya comentamos su concierto en Madrid e hicimos el correspondiente artículo escrito sobre el disco para el blog. Ahora le llega al turno sin más demora a nuestro debate musical.

Este sábado 22 de noviembre a las 16.00h en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) sonará nuestro programa debate, que por primera vez en la temporada, creemos, contará con más de un colaborador, aunque esto último está por confirmar.

Les reservamos alguna pequeña sorpresa para este programa, por lo que les recomendamos que no se lo pierdan en esta ocasión. El disco es realmente bueno, por lo que la selección de 4 temas que intercalarán nuestras opiniones hará que el programa brille por sí solo. Como siempre, contamos con su presencia y se la agradecemos de antemano.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1559109650992010
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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lunes, 17 de noviembre de 2014

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Eladio Y Los Seres Queridos (19-11-2014)

Este miércoles a las 22.00h, muy puntuales, estaremos en la sala El Sol para asistir al concierto de presentación del último disco de Eladio Y Los Seres Queridos en Madrid. “Orden Invisible” es el título del nuevo trabajo de la formación, el 3º de su trayectoria.

Por delante tienen una notable gira por toda la geografía nacional que les llevará por Albacete, Murcia, Santiago de Compostela o Barcelona entre otras ciudades. No obstante, esas citas serán posteriores, siendo Madrid uno de los primeros sitios donde se podrá medir el contenido de lo nuevo de Eladio Y Los Seres Queridos.

Aunque coincide con el horario de redifusión de nuestro programa de radio en RadioUniversitaria de Alcalá de Henares (RUAH) (ya saben, los miércoles a las 23.00h), recomendamos este concierto.

Les contaremos a posteriori lo vivido como siempre hacemos. Agradecemos a Pablo Camuñas de Promociones Sin Fronteras que nos tenga en cuenta una vez más para dar parte mediático de estos eventos.
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viernes, 14 de noviembre de 2014

Bauer - Azul Eléctrico (2014)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Prestamos atención hoy al disco de debut de la formación Bauer. Grupo malagueño del que nos llegaron noticias a través de Pablo Pichurra hace unos meses. Fuimos a ver al grupo en directo a la sala Costello y nos dejaron buen sabor de boca. Nos metimos hace un tiempo a escuchar su disco “Azul Eléctrico” a fondo y hemos estimado hoy hablarles de las 10 canciones que forman el debut de la banda.

Bauer se fundamenta en un quinteto liderado por los hermanos Lucas y Gabriel Bauer, ambos encargados de la guitarra y por un lado de teclados y voz principal respectivamente cada uno; por tanto, el nombre del grupo ya saben de dónde viene. Se acompañan de J Abel Asensio también a la guitarra, Fernando Gallardo a la batería y Andrés Gabarrón como bajista.

“Azul Eléctrico”, cuyo título se lo concede una de las mejores pistas de la obra, destila un tono que se mueve entre lo intenso y lo melancólico. Curiosa dicotomía de sensaciones por tanto en un disco muy bien medido y producido por Pablo Cebrián, a quien ya conocemos de otros artistas como Tom’s Cabin (no en vano vimos a gente de los Bauer viendo el 2º concierto que vimos de Tom’s Cabin en Madrid hace unos meses). Creemos que es un disco más que válido para esta época otoñal del año. Por ello lo hemos escogido y nos metemos ya de lleno en sus 10 temas.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Folks”: Nos llamó mucho la atención la canción de apertura “Folks” cuando vimos a Bauer en directo. Comenzamos el disco con intensidad. Es un tema de fuerte arrojo y mucha rabia en su más que atinado estribillo. En ese giro al estribillo demuestra un gran gancho sonoro. Desde las primeras escuchas se aprecia su potencial y valía y es más que acertada como tema de bienvenida al disco.

2. “Azul eléctrico”: Con las 2 primeras canciones ya hemos apreciado ese sentido de 2 caras que ofrece el álbum. Ahora llega la canción título, con una melodía muy sentida y melancólica, que se acrecienta sobre todo en el estribillo y en gran parte por el papel vocal que desempeña Gabriel en el mismo. Es con claridad otro de los temas más válidos del disco que titula y de esta forma, con este combo de apertura, Bauer consiguen un inicio más que poderoso de obra.

3. “Enciendes estrellas”: Ha sido 2º single tras “Azul eléctrico”. Y es que “Enciendes estrellas” es de los temas más accesibles del disco que hoy nos ocupa. Bauer nos ofrecen un tema muy directo en el que predomina la potencia y el ritmo, si bien se puede atisbar cierta melancolía de poso en el estribillo. Buen tema que prosigue ennobleciendo el arranque de la obra.

4. “No hay refugio”: Volvemos a darle a la rueda de la fuerza y potencia. Ahora bien, en “No hay refugio” hay interesantes cambios de ritmo melódico, con paradas y arranques que se salen de lo vulgar y predecible. Nuevamente en el estribillo los Bauer meten caña, acuciada con la repetición de ese “solo con tu voz”, recordando en parte a “Folks”.

5. “Enmarañado”: En “Enmarañado” se comienza la pista con un cierto misterio y perfil sonoro bajo que resulta muy llamativo. Instrumentalmente ofrece unas líneas de guitarra más que acertadas. Nos ofrece cierto misterio, pero conjugado con una leve melancolía e incluso tono derrotista que la hace encantadora.
6. “Lejos”: “Lejos” se mueve por lo general en el medio tiempo. No hay lugar para cambios fuertes de ritmo. De estribillo claro y bien construido. Transmite un sentir melódico agridulce, ya que aunque las guitarras y cuerdas buscan de alguna manera transmitir cierta luminosidad, algo de forma subliminal no permite al tema situarse en el sentido positivo.

7. “En el borde del mundo”: Muy directa es “En el borde del mundo”. Prueba de ello es que es uno de los pasajes del disco que más fácilmente se quedan en la memoria del oyente desde las primeras escuchas. Es otro arreón de intensidad notable y que en concierto queda más que bien.

8. “Vendaval”: Tras el ajetreo y movimiento que nos ha supuesto “En el borde del mundo”, llega un medio tiempo de regusto sonoro amargo. “Vendaval” no entra en recovecos excesivos, salvo algún giro puntual donde se sube la intensidad. Quizás sea de los puntos menos fuertes de “Azul Eléctrico”, pero su situación en el tramo final de la obra no hace nada de daño al conjunto del disco.

9. “Siento tu dolor”: El título de “Siento tu dolor” no engaña. Estamos ante un tema sentido y dolido, que suma al sector melancólico de “Azul Eléctrico”. Aquí el trabajo de los teclados en lo instrumental es lo que más relevante. Gabriel se mueve en las voces con tremendo sentimiento al micrófono, haciendo muy efectista el resultado vocal. Buen papel dentro de este sector final y además un notable crescendo instrumental en el tramo final, con incluso algún deje virtuosista y experimental que redondea el resultado de la canción.

10. “El final”: Final conceptual de alguna manera con el título de la última canción “El final”. Ayuda inestimablemente a sumar al sector melancólico y sentido de la obra. Es uno de los capítulos más bonitos del disco. Puede que una de sus mejores canciones. Muchas veces es un acierto finalizar un disco con un gran tema y Bauer es lo que ofrecen en esta ocasión, con este cierre crepuscular muy acertado hasta sus últimas notas.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Hablar de resultado aún para Bauer es pronto. Es un debut prometedor, eso sí, y el grupo tiene un buen directo. “Azul Eléctrico” es un disco que por lo general es enérgico y potente, pero también ofrece un sector más íntimo, sentido y melancólico que le confiere una envoltura de resultado final muy personal.

En su interior encontramos temas con potente gancho como son los singles escogidos y otros temas que aunque aún no haya sido recompensados como singles, son igual de válidos como son la estupenda canción que abre el disco “Folks”, la simpar en la obra “Enmarañado” o el latigazo que es “En el borde del mundo”. Terminamos resumiendo que “Azul Eléctrico”, de oscura, abstracta y misteriosa portada, supone un correcto debut y que nos puede hacer pensar en un buen futuro para Bauer, siempre y cuando partiendo de esta base consigan una buena evolución en su sonido. Hay buenas formas. El resto, como en todo (y sobre todo en el mundo de la música), mucho trabajo y perseverar.

Nos despedimos por hoy informando que esta semana en nuestro programa de radio es de repetición del programa que dedicamos a “Etiquette” de Casiotone For The Painfully Alone la pasada semana, en el cual contamos con el propio Owen Ashworth, al que le hicimos una breve entrevista. Esto podrán escuchar el sábado a las 16.00h y el miércoles a las 23.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). El sábado siguiente habrá un nuevo programa y creemos que en esta ocasión habrá más colaboradores que nos den replica a Mariano González y servidor. En próximos días desvelamos el contenido del mismo. Estén atentos.
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jueves, 13 de noviembre de 2014

Programa Arcade Fire “Reflektor” (Temporada 6/ Programa 2)

Prestamos atención en nuestro 2º programa de la 6ª temporada al último disco editado por los canadienses Arcade Fire. El programa se llevó a cabo en directo el pasado 25 de octubre de 2014 a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), con posteriores redifusiones los miércoles 29 de octubre y 5 de noviembre a las 23.00h y el sábado 1 de noviembre a las 16.00h en la misma sintonía.

Tomamos parte del programa Mariano González por teléfono (nuevamente “in memoriam” en el cutre-montaje fotográfico de rigor) y servidor de ustedes, Víctor Prats, que estuvo solito en los estudios de RUAH. Estuvimos de acuerdo en prácticamente todo, incluso en no saber atisbar qué posible futuro paso darán estos chicos comandados por el matrimonio Butler-Chassagne.

Les insertamos el reproductor a continuación para que escuchen aquí mismo el audio y también les dejamos el link directo a donde está subido en Ivoox por si desean descargárselo: http://www.ivoox.com/dmr-6-2-audios-mp3_rf_3719479_1.html
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lunes, 10 de noviembre de 2014

Concierto Deniro. Madrid (07-11-2014)

Bien dispuestos nos marchamos a la sala We Rock este pasado viernes a ver cómo Deniro presentaban en directo su nuevo disco “Sueño Que Arde”. Era la primera vez que acudimos a esta sala, la cual nos causó muy buena impresión, y a medida que subíamos desde la calle Arenal nos chocó que estuviera tan arriba, pensándonos mirando antes el callejero que no había que tirar tanto hacia Santo Domingo. En la puerta nos encontramos con nuestros queridos Pablos (Camuñas de Promociones Sin Fronteras y Arribas, alias Pichurra, que era quien nos había solicitado participar de este evento como medio y quien se había encargado por tanto de nuestra acreditación).
Tras ponernos al día unos con otros, decidimos ya meternos en la sala y situarnos bien para ver desde el inicio a Paña Radiostation, que eran los artistas invitados a tocar con Deniro en este concierto. Tardaron algo más de lo previsto en el programa en salir a escena, pero cuando salieron  lo hicieron con ganas desbordadas. Paña Radiostation cumplen con los cánones correctos del hard metal español, tanto en sonido, como en aspecto. También en sus proclamas, metiendo caña desde el comienzo a la familia real, se ajustaban a lo que hay que ser si te mueves en este género musical. Dispusieron de algo más de 45 minutos para desgranar su repertorio, repleto de intensidad. A ello ayuda mucho su vocalista, pequeñito pero matón. Paña, cantante que concede el nombre al grupo (nombre real Alejandro Martín del Campo), malencarado y con mala leche desde el inicio, descargó su energía tanto en las líneas de su bajo como en el micrófono. Se sirvió de un par de colaboraciones (como se ve en la foto de abajo de este párrafo) en el tramo final de la actuación, las cuales a duras penas le hicieron sombra a este vocalista que en parte nos recordó algo en aspecto a Miguel de Lucas de Dr. Sapo, pero con unas rastas que le caían por toda su espalda. 
A favor de Paña Radiostation hay que apuntar que no son una banda metalera cuyo muro de sonido no ofrezca matices. Les presté buena atención a su devenir y hubo muchos momentos instrumentales donde se apreciaba al oído una conjunción y coordinación de todos los instrumentos que denota buena elaboración. Su actuación estuvo siempre en niveles altos, sin concesiones a medios tiempos ni nada por el estilo. Sirvieron como espuela al ánimo de la gente que ya desde el comienzo de su actuación llenaba la sala, como ha de ser. 
Deniro se presentaron en las tablas de la We Rock a eso de las 23h y pocos minutos más. Comenzaron con un tema instrumental, para que al siguiente paso saliera el actual vocalista del grupo Dave Gomez a darlo todo con un tema tan apropiado para abrir el concierto como es “El luchador”, pero que paradójicamente es el que pone el punto y final al disco “Sueño Que Arde”. 
El comienzo de la actuación de Deniro se apoyó en buenas composiciones, casi todas de su último disco, y cerraron el tramo final de actuación con un tema de tan potente gancho melódico como es “Haima de cristal”. Deniro se mostraban con mucha confianza, eso se notaba desde el principio y más aún con detalles de set list como éste, ya que no precisaron guardarse este as en la manga para más adelante en el concierto repuntar la actuación. El público, muy metido en el concierto, coreó sin dudarlo las partes que así lo precisan de este gran tema que forma parte del último disco del grupo. 
Está claro que Deniro no llegan al nivel de rotundidad de Paña Radiostation, y dentro de sus composiciones hay lugar para temas más melódicos y menos enrabietados como éste gran hit que acabamos de comentar. No obstante, cuando se ponen cañeros lo consiguen con solvencia y mucha intensidad, cosa que consiguieron con “Éxodo” y “Pregunta indiscreta” tras el momento de cierto rock-pop más relajado que ofreció “Haima de cristal”. Y como la cosa estaba de dureza en este tramo de concierto, Deniro invitaron a Paña a colaborar en otro de los momentos destacables del último álbum del grupo: “Entre tú y yo”. Hubo buena química sin duda en escena en esta colaboración y quizás supuso uno de los grandes momentos de la actuación de Deniro. No obstante, habría lugar para alguna sorpresa más que unas líneas más alante comentaremos. 
Pablo Arribas nos facilitó en la entrada a la sala el set list del concierto, al igual que a otros medios que acudieron a informar. Cabe destacar que hubo una permuta, ya que “Secta”, prevista como final de actuación en el bis, se intercambió el papel con la canción que da el título al disco. En el tramo final de la actuación Deniro se acompañaron en el escenario de su anterior cantante William Miller; he aquí la citada sorpresa. Al final de su colaboración, deseó al grupo lo mejor de ahí en adelante. Abajo nuevamente William liderando a los Deniro junto a su sustituto Dave.
Tras la participación citada, hubo un capítulo instrumental (como ya hizo el grupo al inicio de la actuación), donde Dave Gómez agarró un tambor y se puso a atizarlo en mitad del sonido de las generosas cuerdas que Deniro tiene en su entramado sonoro. En el final del núcleo principal del set list y en los bises no hubo sitio para demasiada relajación, al margen del comentado pasaje instrumental. Deniro buscaron terminar su concierto bien arriba y damos fe de que lo consiguieron gracias a temas como “Arde” o “Tengo tu nombre”, que jugaron bien su papel para ir poniendo el cierre al concierto. Deniro estuvieron durante una hora y 15 minutos y ofrecieron 17 o 18 temas, con un repaso bastante amplio a su nueva obra discográfica. 
Estuvieron bien conjuntados, con un capitaneo notable por parte de Dave Gómez como cantante, y el resto de músicos se movieron bastante bien en escena. Es curioso el look tan variado y ecléctico que ofrecen entre sí el quinteto que forma Deniro en la actualidad, con algunos componentes de corte más punk o metalero y otros que se mueven más en looks más sobrios e incluso elegantes. Al final de la actuación nos despedimos de Pablo Arribas, el cual muy amablemente nos facilitó un ejemplar de “Sueño Que Arde” y nos presentó al guitarrista de Deniro Nano Ruiz, quien también muy amablemente nos regaló el disco de Paña Radiostation, el cual nos comentó fue editado bajo su sello. 
El concierto fue en sí un éxito, tanto por el resultado musical como por la afluencia de gente y el aforo logrado en la We Rock. Además, no solo hay que destacar el casi lleno total del recinto, sino la implicación del público, sobre todo en las 6 primeras filas, al cual se le veía de lleno metido en el concierto. Ahora a Deniro le tocará seguir trabajando y peleando por el resto del territorio nacional para defender su “Sueño Que Arde”, pero de momento ya pueden decir que en Madrid y en la presentación oficial del disco no han sufrido ningún pinchazo. Ni mucho menos. Termino agradeciendo a Pablo Arribas, Pichurra, que contara con nosotros para poder informarles de este concierto.
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viernes, 7 de noviembre de 2014

Temporada 6/ Programa 3: Casiotone For The Painfully Alone y “Etiquette” (2006)

Quizás en esta ocasión es la vez que más "hipsters" nos vayamos a poner en "Discos, música y reflexiones" en nuestro programa de radio. Y es que Casiotone For The Painfully Alone, el proyecto que hasta hace 4 años dirigió el músico Owen Ashworth, a nivel español es muy minoritario.

Y es una pena en gran medida, ya que por no ser mediático algo, puede perderse su validez en el limbo. Por eso nosotros vamos a reivindicar quizás el mejor de los discos que bajo este nombre editó el sr. Ashworth hace ya 8 años.

"Etiquette" es un disco que mostraba un crecimiento de CFTPA (permítanme abreviar el nombre del grupo). A pesar de que en "Twinkle Echo" ya había detalles muy buenos, en este nuevo disco se veía una gran elaboración, una cuidada producción y el apoyo de voces femeninas que vinieron como anillo al dedo para completar la hierática y cáustica interpretación vocal de Owen Ashworth.

Más que nunca les solicitamos que nos acompañen este sábado a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Estoy seguro que se llevarán más de una agradable sorpresa en formato musical.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/307813562739222
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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jueves, 6 de noviembre de 2014

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Deniro (07-11-2014)

Recibimos por parte del señor Pablo Arribas, alias Pichurra, propuesta de informarles sobre el grupo Deniro. Y nosotros, amablemente, aceptamos. De momento, asistiremos mañana 7 de noviembre de 2014 a la sala We Rock a ver como la banda presenta su disco "Sueño Que Arde" el cual precisamente hoy ha salido a la venta.

Deniro se acompañarán de Paña Radiostation los cuales comenzarán a las 21.30h a abrir la velada musical. Deniro saldrán a escena a las 22.30h. Estaremos allí puntualmente para posteriormente narrarles por estas tierras lo que acontezca en la sala. No obstante, les recomendamos que por el precio de 10 euros, se animen a vivirlo de primera mano. Además, la sala es céntrica y pilla muy a mano estando situada en el nº 20 de la calle Costanilla de los Ángeles, cerca del metro de Ópera.

Agradecemos a nuestro amigo Pichurra que nos considere tan valioso medio de difusión como para encargarnos la responsable tarea de informarles de estos interesantes eventos. Esperamos no decepcionar.
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sábado, 1 de noviembre de 2014

Bryan Adams - Reckless (1984)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Caso curioso el del sr. Bryan Adams. Pasó en una época de rockero con gancho a músico por el que babeaban las adolescentes en poco tiempo. Eso siempre conllevaba algo negativo para su percepción en general. Dejando de lado esas consideraciones y su intento de reinvención desde finales de los 90 hasta nuestros días, participando en algunos proyectos electrónicos incluso, nos meteremos en uno de sus trabajos que conforman su mito.

El disco “Reckless” puede ser su más exitoso. Y es que solamente por tener en su listado de canciones 3 hitazos como “Run to you”, “Summer of 69” o “Heaven”, cualquier músico mataría por ello. Es un disco conciso, de esos que no aburren y que lo forman 10 temas, es decir, su concepción de lp de vinilo bien clarita con sus 5 temas para cara “a” y “b”.

En este trabajo que hoy analizamos también se incluye otra dosis de éxito para el éxito (valga esta redundancia) al contar con una participación o colaboración de lujo como es la de Tina Turner, que allá por aquel 1984 vivía quizás uno de los mejores momentos de su historia. En conjunto “Reckless” es a partir iguales vitalista y emotivo. Destila mucha fuerza, la cual se apreciaba desde ver al propio Adams en los videoclips promocionales de los singles. Veamos qué nos ofrece, paso a paso.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “One night love affair”: Muchas veces la grandeza de un disco se intuye desde el comienzo. Con “Reckless” sucede en cierta manera, ya que “One night love affair” es un tema más que correcto. De alguna manera podríamos decir que es la hermana pequeña de “Summer of 69”. Estamos ante una canción potente, emocionante y con un estribillo que funciona a las mil maravillas. Sin lugar a dudas una buena invitación a escuchar la obra en su totalidad.

2. “She’s only happy when she’s dancin’”: La primera canción ha sido muy buena. “She’s only happy when she’s dancin’” palidece frente la misma y también con su sucesora. Es una especie de rock medio, buscando aportar frescura y desenfado, cosa que consigue en ciertos momentos, pero que por otro lado resulta de los momentos más fácilmente prescindibles del disco.

3. “Run to you”: Tema rockero y de, en consecuencia, notables guitarras es “Run to you”. Es el primero de los clásicos absolutos del disco que nos encontramos en la escucha. Potente y muy directa, sobre todo en el estribillo. La voz rasgada de Adams muestra uno de sus mejores momentos de toda su discografía en esta canción. Tuvo un videoclip en el que tomó parte una actriz que no sé si era también la misma que la del, más gracioso, videoclip de “Summer of 69”. Yo les confieso que tampoco soy muy fan de esta canción, pero le reconozco su valía.

4. “Heaven”: Adams explotaría mucho la vena más sensible de su rock que se ve en “Heaven” durante buena parte de sus años inmediatos a “Reckless” y eso es lo que precisamente le ganó fama de sensiblero. Dejando de lado el macarrerío sin más, hay que reconocer que “Heaven” es una preciosa composición. Es bastante sentida, pero no entra en excesos y eso siempre ayuda. Quizás peque algo de repetitiva, cosa que también sucede en otras pistas de “Reckless”, pero es una debilidad poco perceptible. Se ha ganado el derecho a ser un clásico por méritos propios.

5. “Somebody”: Es difícil funcionar tras 2 clásicos, pero “Somebody” logra salir airosa sobre todo por su humildad. Es un medio tiempo que busca retomar el pulso tras la balada rock “Heaven”. En vinilo cierra la cara “a”, pero en formato cd tiene más lógica como interludio de disco. No es pretenciosa y es más que un agradable compás de espera para meternos de lleno con el otro gran hit del álbum.
6. “Summer of 69’”: Llegamos al 3º de los grandes momentos de “Reckless”. Con “Summer of 69” fue con la canción con la que Adams rompió definitivamente. Es una canción potente, de rock emotivo, con un ritmo incontestable y una letra basada en la nostalgia de años pasados. Y ese tema de la letra siempre funciona, siempre que se trate con elegancia y creo que Adams aquí lo consigue. Nuevamente el estribillo funciona muy bien, pero es que desde los primeros golpes de la eléctrica ya intuimos un tema que no nos va a dejar indiferentes. El videoclip tiene momentos bastante graciosetes, destacando sobre todo el final del mismo cuando la chica se queda mirando a Adams desde el coche en el que va con su novio (de brutal parecido con Dustin Hoffman en aquellos días) y se intuye el conato de una buena trifulca entre la pareja. Quizás mi tema favorito de Bryan Adams de toda su carrera.

7. “Kids wanna rock”: Dejamos de lado la emoción y le metemos buena leña al mono con “Kids wanna rock”. “Reckless” por lo general es un trabajo potente, pero esta composición creo que es la que se lleva la palma en cuanto intensidad rockera se refiere. Es directa, potente y el muro sonoro de las cuerdas suena a pleno rendimiento, al igual que Adams al micrófono, siendo uno de los momentos del disco donde más desgañitado le oímos.

8. “It’s only love (with Tina Turner)”: Buen dueto con la negra de oro, la gran Tina Turner. “It’s only love” no se basa es estribillos, sino en una melodía elaborada y el buen hacer a las voces tanto de Tina como de Bryan. Se conjugan bien al unísono y también lo dan todo por individual. Esta canción demuestra que el disco no solamente brilla en los temas con estribillo con gancho.

9. “Long gone”: “Long gone” es un tema nuevamente rock, pero que no brilla en exceso. Cierto es que posé una de las bases rítmicas más llamativas del disco, pero el estribillo es demasiado plano, lejos de los aciertos en ese terreno del resto de compañeras de obra. Sin decepcionar brutalmente, no llega al nivelazo de otros pasajes.

10. “Ain’t gonna cry”: El final del disco llega en sus primeros segundos con una buena dosis de guitarras en un ritmo endiablado. Realmente es como a la previa “Long gone” sumarle el doble de vértigo y por ese detalle el resultado es mejor. Los riffs de guitarra, con los sutiles y acertados adornos de teclados, son bastante notables. Como capítulo final del disco “Ain’t gonna cry” es correcta al transmitir una sensación de rock y brío, que es lo que en casi todos sus episodios ofrece “Reckless”.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Es algo muy claro que “Reckless” catapultó a Bryan Adams al estrellato musical internacional. La portada, con imagen seria en blanco y negro de Bryan, destila en parte la rudeza y rock que hay musicalmente en su interior. Que luego él se diera más a hacerse popular por las baladas, tirando por la senda de “Heaven”, en lugar de atreverse a mostrar más su lado potente, el sector que en el disco protagonizaría “Run to you”, y que ello le concediera un estatus de “moñas” para mucho público “durito”, es arena de otro costal.

Adams, “bicicleta Adams” (esto es una coña mía, tan tan personal, que ni me atrevo a explicársela por riesgo de que llamen a los servicios de salud mental para que me recluyan en un manicomio de por vida), se mantendría en un primer nivel de repercusión hasta mediados de los 90, donde poco a poco fue decayendo su popularidad, por mucho que colaborará con alguna de las Spice Girls del momento o que mostrara facetas más electrónicas e interesantes, que por ejemplo en su grandes éxitos se incluían como track oculto, de forma injustísima y vejatoria.

“Reckless” es uno de esos discos míticos de los 80, pero que a día de hoy están bastante olvidados en el panorama general. Es algo que me he parado a reflexionar y ciertamente me da la impresión de que el disco está muy dejado de lado y de hecho sus grandes temas que fueron single están un poquito fuera de las radiofórmulas en estos últimos años.

No obstante, estimo que “Reckless” y sus “Run to you”, “Heaven” o “Summer of 69” volverán a entrar en el círculo de las radiofórmulas añejas, o en todo caso, da igual, ya que son canciones que rayan a un buen nivel y que a día de hoy es más fácil reconocerles personalmente el gusto, ya que los tiempos en los que a lo mejor te caía una colleja por decir que te gustaba una canción de Bryan Adams ya han pasado.
De nuestro programa de radio decir que hoy sábado es día de repetición del programa de la semana pasada. Podrán volver a escuchar a las 16.00h en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) el 2º ítem de nuestra 6ª temporada que dedicamos a “Reflektor” de Arcade Fire. El miércoles a las 23.00h otra repetición (la última), también en la sintonía de RUAH y el sábado siguiente día 8 de noviembre les ofreceremos un nuevo programa en directo. Durante la próxima semana informaremos sobre quién irá.
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jueves, 30 de octubre de 2014

Programa Of Monsters And Men “My Head Is An Animal” (Temporada 6/ Programa 1)

Retornamos a las ondas, por 6 año consecutivo, de la mano de una banda prometedora a la par que muy destacable en sus primeros movimientos discográficos. Los islandeses Of Monsters And Men fueron los protagonistas de nuestra vuelta tras el descanso veraniego a la sintonía de Radio Universitariade Alcalá de Henares (RUAH).

El programa lo llevamos a cabo en riguroso directo el pasado 11 de octubre de 2014 a las 16.00h en la citada emisora; hubo redifusiones el sábado 18 de octubre a la misma hora y los miércoles 15 y 22 de octubre de 2014 a las 23.00h en la sintonía de RUAH. Una afonía notable me afectó a mis tareas vocales y solamente Mariano González, nuevamente por teléfono (como durante casi toda la temporada nº 5) fue quien me ayudó a sacar el programa adelante; en su honor, el cutremontaje de rigor, que seguirá este año sustituyendo a la foto normalizada de los 2 en estudio mientras que Mariano siga sin poder desplazarse sin que ello le suponga graves esfuerzos.

Estuvimos de acuerdo en casi todo, con poca posibilidad de debate-confrontación, como por ejemplo en apostar por un buen futuro a esta banda. Quizás nos equivoquemos, pero varias de las canciones de su “My Head Is An Animal” pusieron en evidencia la gran calidad de dicho disco durante la hora que tuvimos de programa.

Aquí les dejamos el link a Ivoox y el audio insertado para que no pongan ninguna excusa a la hora de escuchar el audio si no lo hicieron en directo o en sus 3 redifusiones posteriores: http://www.ivoox.com/dmr-6-1-audios-mp3_rf_3656022_1.html
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