domingo, 28 de abril de 2013

Concierto La Broma Negra. Alcalá de Henares (20-04-2013)

 
Después de un tiempo sin ir a ningún concierto, había ganas de mover un poco tibia y el peroné disfrutando de buena música. El concierto de La Broma Negra ayer en Alcalá de Henares parecía la excusa perfecta para conseguir este objetivo y en ese sentido fue todo un acierto. Conocí a este dúo formado por Carlos Caballero y Álex Gómez, en un estupendo coloquio sobre el disco “Construction Time Again” del grupo Depeche Mode. Tras el coloquio, Álex tuvo a bien obsequiarnos con una copia de su último álbum “Desilusiones De Grandeza” (cuyo título yo creía que estaba sacado de una cara b de Pet Shop Boys y por lo visto no fue así).  
El disco estuvo varios días aparcado, lo reconozco, tengo bastante prejuicio con el pop español, de hecho me gustan muy pocas cosas, de hecho si siguen los coloquios radiofónicos de “Discos, música y reflexiones”, cosa que deberían hacer, se habrán dado cuenta que mi presencia en esos coloquios es prácticamente inexistente cuando se trata de música española. Sin embargo soy un gato muy curioso (como no podía ser de otra forma), y sabía que tarde o temprano esa curiosidad haría que me pusiera el álbum de La Broma Negra.
Así fue y desde luego que la curiosidad puede conducir a grandes momentos. Lo primero que me impactó fueron esas letras en general bastante melodramáticas, de corte literario; eso desde luego es un gran punto a su favor y les diferencia de tantos otros. Por otro lado, la voz me recuerda a un cruce entre Joan Manuel Serrat y Alberto Comesaña pero al mismo tiempo tiene mucha personalidad y lo más importante, es inconfundible. Musicalmente su pop electrónico, aunque no invente nada (¿quién lo hace a estas alturas en este género?), tiene el aliciente de combinar buenas melodías con el plus que es esa guitarra de Álex, que una vez más les da un toque diferente y es que siempre he pensado que tiene que haber siempre algo, aunque sea mínimo, que te diferencie de los demás; “dicen que la felicidad consiste en ser como los demás” cantaba Carlos Caballero y es verdad que eso dicen, pero yo creo que siempre es más divertido lo diferente.
En fin que dirigimos nuestros pasos hacia la sala Tic-Tac que se encontraba bastante lejos de la estación de tren de Alcalá, aunque mi infalible sentido de la orientación gatuno nos llevaría en no demasiado tiempo a las puertas de este sitio, que no era más que un bar (sí, un bar con un pequeño escenario pero un bar). Vimos en el cartel que próximamente actuaría el mítico grupo heavy Barón Rojo, lo cual me extrañó enormemente que un grupo tan veterano y con una supuesta gran hinchada de fans tocase allí; me dije: “pues para acabar así casi que se pueden tirar del trampolín como el Fortu de Obus”. Finalmente se trataba de un tributo; menos mal, ya estaba pensando en avisar a varios amigos heavys que tengo. Cuando llegamos el grupo estaba probando sonido, tocaron “El caballero de la mano en el pecho” y eso sonó muy bien, así que la noche prometía.
Aunque el concierto se suponía que empezaba a las 22.30 la cosa se retrasó bastante, supongo que para que la gente consuma, que es de lo que se trata ya que el concierto en sí era gratuito, así que: ¡a consumir se ha dicho que hay que levantar España! Así que la Mahou empezó a correr. Es un hecho destacable que este bar trabajase con Mahou. Si de mi dependiese España sería la dictadura de Mahon, con prohibición expresa de servir otra cerveza, bajo pena de 3000 latigazos y 30 años de cárcel. Bueno después de esta publicidad gratuita sigamos con el relato.
Estuvimos hablando con Carlos y Álex antes de que empezase el concierto y nos confesaron que finalmente no habría canciones nuevas esta noche; no habían tenido tiempo de ensayar, así que se basarían más o menos en los dos últimos álbumes del grupo con algún rescate de temas más antiguos. Tras debatir sobre todas las novedades que estaban saliendo este año tan jodido difícil económicamente hablando y darle unas cuantas hostias al “Delta Machine” de Depeche Mode, la hora de subirse al escenario llegó.
Comenzaron con ese hit potencial que es “Su decisión, mi capitán” que es sin duda de mis favoritas de su último álbum, con esos vientos sintéticos que recuerdan a algunas de las mejores canciones de Pet Shop Boys. ¿He dicho hit? Pues sí, porque una escucha al material del grupo deja entrever el enorme potencial comercial de algunas de sus canciones y en el concierto nos cayeron algunos de esos hits como “Protege tus secretos” o ese manual de autoayuda para cantantes vergonzosos que dice “canta sin miedo” y es que es verdad que “Hay más de una manera de provocar un incendio”. Aunque ayer la actitud del público no era nada caliente. Salvo cuatro monos que realmente se notaba que lo estábamos disfrutándolo, el resto estaba a otra cosa, lo que daba una sensación rara; parecía como ese capítulo de “El Equipo A” donde va Boy George a tocar a un bareto de vaqueros tejanos muy machotes y, claro, como que no hay conexión, pues en el concierto de La Broma Negra paso un poco eso. El punto positivo es que el grupo en ningún momento bajó la guardia e hicieron su repertorio sin escatimar una sola gota de pasión. La verdad que da gusto ver gente que se cree su historia. Además las canciones son perfectas para una interpretación cuanto más sentida mejor, algunas de ellas con otra instrumentación podrían incluso ser de Raphael.
Carlos Caballero, vestido en plan vaquero, sombrero incluido, iba ideal para un concierto como el que vivimos, en plan cowboy rodeado de cowboys alcalaínos; eso sí, falto una pelea a botellazos tan típica del oeste. El cantante llevaba una curiosa camiseta de Leonard Cohen con el título de su álbum “Songs Of Love And Hate”; la camiseta estaba chula, aunque hay que decir que no tanto como la que llevaba yo esa noche. Una botella de vino acompañó al dúo durante todo el concierto y de vez en cuando Carlos le metía un buen trago, realmente justificado, porque para aguantar un ambiente tan frío y dar la talla, yo no le hubiese dado unos tragos: ¡yo me bebo tres botellas!
Álex por su parte ponía la parte mas rockera al concierto con su superguitarra en forma de flecha de fuego, que era una autentica maravilla. Además Álex consiguió que su guitarra estuviese mucho más presente de lo que lo está en los discos, lo cual fue muy de agradecer, pues si algo se le puede reprochar al último álbum del grupo es que el sonido de la guitarra es tan tenue que casi no se nota, y al fin y al cabo es de esas cosas que le da al grupo un sonido diferente.
El concierto seria generoso en canciones, de su último álbum sonaron varias como “Una mujer enamorada es otra forma de terrorismo”, que es la pura y simple realidad (vamos, que una mujer enamorada es peor que Al Quaeda, puedo constatarlo) o la canción que tocaron en el ensayo “El caballero de la mano en el pecho”, que había sonado tan bien en el ensayo que mi cerebro ya la había ubicado dentro del concierto, por eso cuando realmente la tocaron pensé que se les había ido la olla con el vino y habían repetido una canción, menos mal que Mariano me saco de mi error; al final al que se le fue la olla fue a mí.
No faltaron canciones más  antiguas como la elegante y emotiva “Nieto de maestro de escuela”, “Duelo a primera sangre” o “Cuidado con lo que matas”, que incluye una de esas frases lapidarias que muchos tenemos en mente “estoy en contra de la pena de muerte, pero hay gente que merecería morir”; una frase que me hizo pensar por un momento en Margaret Thatcher. Ahí no se quedarían las frases lapidarias y en “Nunca se quiera demasiado a alguien” tenemos ese “… y el que te diga lo contrario es un miserable”. También sonarían algunas canciones que no conocía y que supongo deben ser de su primera etapa como banda. Lo digo porque sonaron mucho más guitarreras empleándose Álex a fondo.
Después de más de hora y media, el concierto terminó igual que empezó: con la indiferencia del público del bareto y el disfrute de los que fuimos encantados y salimos totalmente convencidos. Realmente recomiendo ir a ver a La Broma Negra en directo. Se crecen de una manera más que remarcable y si pudieron hacer un muy buen concierto en unas condiciones tan adversas como las de ayer, puedo imaginar que en lugares más propicios, con un público más receptivo, el espectáculo puede ganar muchos enteros.
Al finalizar estuvimos de nuevo charlando con el dúo y Álex nos dijo en exclusiva que en su próximo álbum tendrán más peso las guitarras, una manera de llevar al estudio el sonido que ya muestran en directo. Estaremos atentos. Carlos nos comentaba que era uno de los conciertos más raros que habían dado nunca, pues más bien parecía que su actuación ejercía de música de fondo del local, ya que la gente estaba a su bola totalmente. No le faltaba razón y realmente le honra tanto a él como a Álex el haber dado tan bien la talla en esas circunstancias. En realidad el grupo tenía más canciones programadas, pues sus conciertos son generosos en minutaje, pero estaba claro que en un ambiente así ya habían más que cumplido.
El regreso desde la infame ciudad de Alcala de Henares a Madrid fue duro, lo cierto es que conocíamos muy poco de esta repugnante población del este y estábamos más perdidos que un cura en una whiskería. Poco a poco nos fuimos adentrando en el durísimo mundo de la noche alcalaína intentando encontrar la maldita parada de bus nocturno. Finalmente unas alegres y simpáticas “Jessis” (o “chonis”, como prefieran), nos guiaron de forma más o menos eficiente, aunque dado nuestro lamentable estado, después de haber ingerido varias cervezas Mahou durante el concierto, nos pasamos la parada y fuimos nuevamente indicados por una pareja de adolescentes, volviendo nuevamente sobre nuestros pasos y por fin llegando a nuestro destino, con tan mala suerte que perdimos el bus y tuvimos que esperar casi una hora a que llegara el siguiente. A pesar del frío que hacía, el bastardo que conducía, señor conductor, no tuvo a bien dejarnos pasar hasta que llego la hora en punto. A pesar de todas estas penurias a la vuelta, hay que decir que sin duda valió la pena este viaje, así que desde aquí animo a todas esas personas que se pasan los fines de semana en el sillón tocándose los huevos mientras ven el “Sálvame Deluxe”, que se acerquen a ver a La broma negra a alguno de sus conciertos que pueden consultar en http://www.labromanegra.com.
En definitiva si lo vuestro son las buenas canciones, este grupo tiene muchas de esas. A mí me recuerdan a grupos como Ladytron, Abba o Erasure, no porque La Broma Negra se parezca musicalmente a estos grupos (de hecho más bien se parece entre poco o nada), sino porque su música está basada en las buenas melodías y canciones y aunque se les pueda acusar de ser algo repetitivos, nadie suena así. Así que alguien tendrá que hacerlo y ¿quién mejor que ellos que han dado a luz la criatura? No se los pierdan.

Texto: Alfredo Morales.
Fotografías: Mariano González.
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sábado, 27 de abril de 2013

Franz Ferdinand - Franz Ferdinand (2004)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Creo que a estas alturas, pasado este tiempo desde entonces, ya podemos hablar de 2004 como un año de excelentes discos de debut, que marcan el inicio de la trayectoria de las bandas que mueven más pasiones a día de hoy. Por aquí ya comentamos en su día el “Hot Fuss” de The Killers y también le llegará el turno a “Funeral” de Arcade Fire, ya que para hablar de los canadienses escogimos el último hasta la fecha “The Suburbs”.

Otra banda que podemos constatar que pone todo patas arriba allí donde van son los escoceses Franz Ferdinand. Cuarteto formado por Alex Kapranos como guitarrista y principalmente como cantante, Nick McCarthy a la guitarra, Bob Hardy al bajo y Paul Thomson a la batería. Ya analizamos el controvertido “Tonight: Franz Ferdinand”, 3er. disco del grupo, obra que personalmente me encanta, pero que a muchos fans decepcionó en su día cuando vio la luz. Lo que no cabe duda es en poner en valía en mayor o menor medida a su debut editado en el citado 2004.

El disco homónimo del grupo es un compendio de canciones enérgicas, vibrantes, movidas y ejemplo del mejor rock del nuevo siglo. Aunque por mis gustos personales me quedo con la mayor complejidad de “Tonight: Franz Ferdinand”, también valoro el primer disco del grupo y por ello hoy me voy a atrever a hablarles de esta obra tan relevante de hace unos años.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Jacqueline”: Una de las piezas queridas por casi todos del primer disco de estos escoceses fue “Jacqueline”. Comienza susurrante, leve, acústica, imperceptible, pero a los 40 segundos la canción se encabrona a base de los zurriagazos de la batería y los acordes de las guitarras y se pone pertinaz con Kapranos remarcando en el estribillo lo de “es mucho mejor en vacaciones”. Es curioso, no es de las que más me llame, pero para nada me parece un fallo (estaría tonto); hay otros ejemplos posteriores del grupo que sí que no me entran, pero “Jacqueline” es innegablemente uno de los muchos grandes temas que contiene el disco, siendo objetivo y dejando de lado las percepciones auditivas personales.

2. “Tell her tonight”: La siguiente canción ofrece unos acordes que llaman la atención de primeras. En “Tell her tonight” resultan graciosos los ciertos agudos que se marca Alex Kapranos en las estrofas al micrófono. El estribillo es algo arrastrado, pero esta pieza de factura algo exótica en su línea melódica, es una composición que aporta mucha frescura a la obra. Me alegró en su día que no faltara en el concierto que viví del grupo hace 4 años en el Palacio de los Deportes. Incluso en ciertos momentos podemos ver algunas gotas de glam. Con tantos otros singles que fueron hits rotundos, podemos tildar a “Tell her tonight” de joya oculta dentro de este álbum.

3. “Take me out”: Ahora llega la hora de un gran momento. Lo que más destaca de “Take me out”, quizás el gran clásico del disco (si es que nos metemos en la chunga tarea de escoger una del conjunto) es el notable cambio de ritmo que hay de las primeras estrofas al estribillo, cuya melodía acaparará, con su ritmo marcial de batería de Paul Thomson y la guitarra rítmica, la personalidad global de la pieza. Las primeras estrofas son vibrantes y aceleradas. El videoclip, con imágenes antiguas alternadas con otras del grupo tocando, es correcto, pero inferior a lo que podríamos esperar de una pieza de este calibre.

4. “The dark of the matinee”: Claramente juguetona en su estribillo y con unos notables redobles muy seriotes de la batería de Thomson, “The dark of the matinee” fue otro de los singles escogidos con lógica del disco y se apoyó en un divertido videoclip. El sonido es más desenfadado y los juegos de palabras vertiginosos toman el timón en el estribillo. Sin duda es de los temas más inmediatos y accesibles desde la primera escucha que se le da. Una joyita de pop rock en toda regla. De mis favoritas.

5. “Auf achse”: Tras un cuarteto de apertura tan bueno, irremediablemente nos parecerá menos brillante “Auf achse”, de factura menos animosa, a pesar de una línea saltarina de guitarra muy buena. La sensación que transmite es incluso algo melancólica en las estrofas, aunque en el estribillo (con un notable giro melódico, quizás lo mejor que tiene) el grupo saca las fuerzas necesarias para meterle la suficiente garra y fuerza. Es compleja en su estructura y de ahí su menor inmediatez. Buena y digna, pero no al nivel de las 4 primeras.

6. “Cheating on you”: Muy rockera, incisiva y rotunda en toda su instrumentación, después del descanso relativo que nos ha proporcionado “Auf achse”, llega “Cheating on you”. Es bullanguera al cantarse coreada. Una canción algo plana, quizás la que más del disco, y la que menos personalidad ofrece. Nada remarcable y el único ejemplo de relleno dentro del disco. 
7. “This fire”: Me parece que sobre todo en su estribillo, a pesar de su celeridad, es algo trascendental en su sentir “This fire”. Es otro de los temas que funcionan muy bien en el directo y con un estribillo memorable y directo, que habla por sí solo: “Este fuego está fuera de control, voy a quemar esta ciudad”. Genuina canción del estilo más claro y que mejor define las pautas sonoras generales de lo que mejor pueden hacer Franz Ferdinand. ¿Recuerda alguien que la utilizamos de música de fondo en nuestro programa de radio?

8. “Darts of pleasure”: De formas parecidas a “Jacqueline”, más allá de los primeros segundos de la canción de apertura, llega otro single. “Darts of pleasure” tiene energía, ritmo a raudales y las marcas sonoras más claras del sonido del primer disco de Franz Ferdinand. Los cambios de ritmo en esta canción son imperceptibles y geniales. El grupo prescinde de un estribillo claro y la jugada les sale bien. Si se dan cuenta, a ratos el ritmo es trepidante, dentro de esos giros melódicos que tiene.

9. “Michael”: Seguimos con ritmo y notables guitarras eléctricas y notando muy bien el trabajo cáustico de Thomson en la percusión. “Michael” tiene un cierto sonido obsesivo, principalmente derivado del frenesí que transmite Alex Kapranos en su interpretación vocal. No está mal, pero hay momentos mucho mejores que este en el disco, ¿no?

10. “Come on home”: Se presenta en penúltimo lugar “Come on home”. De los momentos más pausados y calmados del disco son los que se producen en ciertos instantes de su estribillo. La base rítmica es nerviosa por lo general. La conjunción entre los 4 músicos es sencillamente perfecta. Más que por las bondades de su melodía, en la que destacan algunos teclados, “Come on home” llama la atención por lo bien que está construida, demostrando que el rock independiente (porque, sí, Franz Ferdinand venían de ahí, por mucho que terminaran vendiendo miles de discos y triunfando en todo el mundo), no tiene por qué ser desorganizado.

11. “40 ft.”: La melodía del cierre que ofrece “40 ft.” es de lo más decadente en sonido del disco. En esta canción Franz Ferdinand se dejan llevar y ofrece el carácter perfecto como final de un disco repleto de intensidad y canciones aceleradas y trepidantes. Kapranos, valiéndose de tarareos disolutos, suma al sentir de este capítulo final de un debut de alta nota.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Con su 1er. disco, de portada muy sencilla, pero icónica, con el nombre del grupo sobre fondo oscuro,  Franz Ferdinand anotaron su nombre en el de las grandes promesas del rock de comienzos de milenio. Fueron The Strokes desde el otro lado del charco quienes abrieron fuego, pero el indie británico postulaba bandas notables como Artic Monkeys, Kaiser Chiefs y Kapranos, McCarthy, Thomson y Hardy con su banda se mostraban a la vanguardia de esta generación.

No tardaron mucho en editar el siguiente disco, al cual siempre he tildado de título sincero “You Could Have It So Much Better”. Y es que aparte de “The fallen” y “Outsiders”, curiosamente apertura y cierre del disco, me parece la obra más coja del grupo. El rutilante “Do you want to” siempre me ha generado una sensación rara, no terminándome de hacerme tilín. Esto fue en 2005. Dejando de lado mis sensaciones opuestas, el caso es que se siguió la estela del éxito y Franz Ferdinand se confirmaron como una de las bandas-sensación de aquellos días.

Esto motiva medir más los pasos. Y la medición, para muchos (no para nosotros) fue mal calibrada, ya que, como ya hemos dicho antes, el 3er. disco del grupo desagradó a un amplio sector de devotos de los Franz de siempre. Eso fue 2009. Estamos en 2013 y seguimos esperando el siguiente paso discográfico de este cuarteto. Veremos qué ofrecen y cómo se recibe. Lo que está claro es que con esta leve discografía, al estilo de lo que otras bandas hicieron en otras épocas, Franz Ferdinand se han ganado el derecho a pasar a la historia de la música. Quizás no sería mala opción editar un último disco y finiquitar el grupo. Con un digno 4º disco, Franz Ferdinand sería otro ejemplo de trayectoria breve pero concisa. El tiempo resolverá la incógnita.

En nuestro programa de radio, tanto hoy sábado como el miércoles en nuestros horarios de emisión, podrán escuchar por última vez el programa sobre Faith No More y su “King For A Day…”. Ya subimos el programa sobre The Police y su 2º álbum a Ivoox. El próximo sábado a las 16.00h en RUAH, salvo imprevisto personal (que no descarten se produzca…), habrá nuevo programa de radio. Veremos sobre quién…
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sábado, 20 de abril de 2013

La Unión - Tentación (1990)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Me he dado cuenta que solamente hemos hablado de un disco de La Unión hasta la fecha y teniendo en cuenta lo que me gusta el grupo compuesto en la actualidad por Rafa Sánchez como cantante, Luís Bolín al bajo y Mario Martínez a la guitarra, es demasiado poco. Si además le sumamos el hecho de que hemos podido contar con Rafa Sánchez en nuestro programa de radio, al igual que con el manager y biógrafo oficial Javier Adradós, el agravio es mayor. Ya comentamos “Mil Siluetas”, pero de su discografía quizás el otro disco que más me guste sea “Tentación” de 1990. Con él me he quedado para esta semana.

En aquellos comienzos de los 90, La Unión ya eran un trío. Superado con éxito el abandono de Iñigo Zabala con la edición de “Vivir Al Este Del Edén”, “Tentación” sería la confirmación de la buena marcha del grupo en formato de a 3. El disco anterior funcionó más que bien. Aparte de incluir un puñado de clásicos del repertorio del grupo, destacó que “Más y más” fuera incluso sintonía de La Vuelta Ciclista A España de aquel año, con el caché que ello supone, sobre todo en aquellos días más que en la actualidad.

Tentación es un disco intenso, ecléctico en su sonido, pero donde se aprecia una mayor energía que en las obras anteriores de la banda. También a ratos su textura es más rockera, pero sin olvidar matices electrónicos, cosa que el grupo siempre utilizó para hacer más complejas y ricas sus composiciones. Prácticamente no tiene desperdicio. Pasemos a comentar sus canciones una a una.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Tentación”: Comenzamos con la escucha de la canción título. Sensual, con leves toques de funk en sus matices, con esta composición se nos presenta Rafa ante el micrófono, demostrando haber alcanzado la plenitud como vocalista. Los coros femeninos le añaden más insinuación a esta canción, cuya letra también tiene su aquel.

2. “Fueron los celos”: Canción taciturna, nocturna, con aire de malditismo y lamentación. Así podríamos definir a otro de los pasajes memorables de “Tentación” que es “Fueron los celos”. Se nota mucho la labor de los acordes de la guitarra de Mario Martínez, que aportan el carácter exacto y muy medido que exige una letra tan dolida como ésta. Rafa está muy bien en su interpretación vocal para entonar este ejercicio de reflexión y meditación ante el descontrol sentimental que pueden provocar ciertas situaciones.

3. “Ella es un volcán”: Sin posibilidad de discusión, “Ella es un volcán” es la canción que más ha quedado para el recuerdo de “Tentación”. Creo, según me pareció leer de pasada en la biografía de Adradós, que la inspiración era la periodista Cristina Tárrega, con la que Rafa tuvo una relación por entonces. El caso es que “Ella es un volcán” es una canción rockera, muy enérgica, con unas estrofas inquietantes, donde destaca la contundencia brutal del bajo de Luís Bolín, con mil y un arreglos de producción electrónica, que rompe en un estribillo guitarrero que incluye unos acordes de guitarra eléctrica inconexos a cargo de Mario Martínez justo después de que Rafa diga “Sabes que no me convienes”, que son de los mejores aportes que el guitarrista de La Unión ha hecho a la largo de la historia de la banda; muchas veces no hace falta un solo de guitarra épico para demostrar la genialidad de un guitarrista y Mario aquí lo deja patente. El videoclip, con imágenes superpuestas de mujeres descocadas, volcanes en erupción, y el grupo tocando y bailando, sufriendo un frenético movimiento de cámara, aunque no es muy atemporal, sin duda es acertado y gusta de verse una y otra vez. Canción que en definitiva es una oda a una amante que te deja sin aliento. A ratos es mi favorita de toda la discografía del grupo. Vale su peso en oro y ya por sí valdría por todo el disco, pero por fortuna está muy bien rodeada por sus compañeras de obra.

4. “Si tú quisieras”: Brutal cambio de tercio. Pasamos de lo carnal a lo sentimental. La melodía de piano preside la 4ª pista de “Tentación”. Quizás la canción más bonita de todo el disco sea esta “Si tú quisieras”. Recuerdo que yo la descubrí en directo viendo a La Unión a finales de septiembre, comienzos de octubre de 2004 en las fiestas patronales de Torrejón de Ardoz. De primeras escuchas ya me cautivó. Una canción con una letra romántica, sentida y preciosa. ¿Ñoña? No sé, si ustedes la quieren calificar así, verán; yo en todo caso creo que es fabulosa y una de las mejores baladas del repertorio de siempre del grupo. Elegante en su sonido, sobre todo por el piano y lo bien aderezados que están el resto de instrumentos (Mario Martínez tiene un buen solo de guitarra en el tramo final), y brillantísimo Rafa en la voz. Imprescindible, al menos para mí. Canción de amor, o mejor dicho de desamor y abandono, que siempre quedan tan bien. “Hoy no habría corazones rotos si tú quisieras”, si lo dice Rafa Sánchez, así sea.

5. “Dámelo ya”: En “Dámelo ya” podemos encontrar un tema de factura muy “La Unión”, podríamos decir. Es de esas composiciones ligeras de pop rock, en este caso con elementos de viento añadidos, que han facturado tradicionalmente estos madrileños y que de alguna manera podría definir muy bien su estilo. Rafa está juguetón al micrófono, demostrando saber ajustarse a las necesidades de cada uno de los temas de “Tentación”, disco que podemos estar escuchando realmente variado. Ahora toca relajarse y narrar todas esas historias que desembocan en esa expresión que da el título a esta composición.

6. “Llámame”: Más contenido explícito en “Llámame”, tema recurrente en la discografía de La Unión, sobre todo en sus primeros discos. Podemos recordar fácilmente “Amor fugaz” (que se volvería a poner de moda con “Tren De Largo Recorrido”; recuerdo una versión personal de Miqui Molina en la serie “Lleno Por Favor” que era de traca) y “Llámame” podría ser una hermana menor. El sonido de esta pista es ciertamente funk y movidito, con un estribillo casi sigiloso “Si te encuentras perdido como yo, no conoces a nadie nena, tú podrás encontrarme en esta dirección”. Ahí queda la invitación de Rafa; más de alguna en aquellos días hubiera matado por ello.
7. “Revolución”: Vuelven los sonidos de viento para completar a “Revolución”, un tema vigoroso y potente, de buena factura rock. Tiene acertados pasajes de real intensidad, sobre todo en ciertos puentes entre estrofa y estribillos. El viento acapara el protagonismo, pero también podrán apreciar una buena labor de Mario Martínez a la guitarra eléctrica que apuntala el carácter rockero.

8. “Más dura será la caída”: Recordándome a una de las últimas películas de Bogart (de hecho creo que la última que hizo), “Más dura será la caída”, se nutre de unas notas de guitarra eléctrica y teclados contundentes y muy marcados, que dan lugar a otra pieza de factura claramente rock. Buenos giros, llenos de intención, en la melodía al afrontar el estribillo. Quizás de primera no llega, pero con el paso del tiempo se recuerda muy bien a esta canción dentro del conjunto, con la complicación que eso supone al estar acompañada de ejemplos como “Ella es un volcán” o “Fueron los celos”.

9. “Nana”: Con “Nana” La Unión ofrece, más allá de la obviedad que puedan suponer por su título, un pasaje ensoñador, onírico, ilusorio, lleno de sensualidad y relajo. Los arreglos electrónicos en la producción juegan a su favor además de la sutil y sugerente línea de saxofón. Es una rara avis dentro de “Tentación” y que supone una parada entre los 2 temas tan rockeros y contundentes previos y la vivacidad de la que tomará el relevo. Muy agradable de escuchar, sobre todo si están dándole un repaso a esta obra bien tumbaditos o sentados en un sillón de su casa.

10. “Santa María”: “Santa María” es quizás la canción más vitalista y animada de “Tentación”. Es un tema de rock luminoso, enérgico, lleno de buenas vibraciones. No está nada mal y en otros discos de La Unión sería de los mejores capítulos, pero lo que pasa es que dentro de “Tentación” el nivel es muy alto y por eso quizás sea de los pasajes que se les pueden olvidar como se me descuiden.

11. “Berlín”: Tengo sensaciones encontradas con “Berlín”. Es un cierre de obra excepcional, si intentamos ser objetivos. Es una canción fuertemente melancólica, quizás la que más del disco, y su intensidad es descomunal. Sin embargo, a ratos me parece demasiado subida de vueltas en sus sensaciones. ¿Saben qué es lo que me ha hecho oírla con mejores oídos?: la versión en directo de “Tren De Largo Recorrido”. Además de dedicársela muy sentidamente a Iñigo Zabala por parte de Rafa, los coros del tramo final que dicen “Sobre los dos”, quedan muy bien en la mezcla del directo, mucho más logrados de lo que resultan en esta versión de estudio. Es bonita, sin duda, pero es tan sumamente melancólica que te deja quizás algo raro para finalizar el disco. No sé, serán cosas mías, pero así lo siento. De ahí que a ratos me guste y a ratos algo menos. El estribillo es sencillo, pero logrado “Llueve, llueve. Llueve en Berlín, mi amor”; Rafa se encarga de que suene muy bien, moviéndose en un registro vocal, roto en sentimiento, muy logrado.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
¿Qué resultado tuvo “Tentación” para La Unión? Pues simple y llanamente que fueron uno de los grupos de más éxito y aceptación de la primera mitad de los 90 y que prácticamente hasta comienzos de los dosmiles estuvieron en un primer plano del panorama. Fueron la banda que mejor pasó quizás el corte de los años 90 proviniendo de los 80.

Con el disco “Tren De Largo Recorrido”, en directo de la gira de “Tentación”, el grupo terminó de dar el golpe. Anexo hay que decir que Rafa era igualmente uno de los símbolos sexuales de deseo más claro para las jovencitas de aquellos días, y eso, como saben, siempre ayuda, al margen de que la música también fuera cojonuda.

De aquí en adelante, el grupo seguiría editando discos que seguirían anotando al menos un clásico reconocible por todos en cada uno de ellos. Véase “Hermana tierra” de “Psychofunkster Au Lait”, “Negrita” de “Hiperespacio”, “Humo” de “Fluye”, “Mala vida” del disco homónimo de 1999 o “Vuelve el amor” de “El Mar De La Fertilidad”. Una década de éxitos que se extendió desde este punto álgido que supuso “Tentación” y los 3 primeros años de los 90, aunque el éxito le venía de antes al grupo.

Este disco, de portada con elegante foto en blanco y negro del grupo, supone un conjunto variado, equilibrado y de muy alta exigencia de canciones en casi todos sus capítulos. Como álbum exitoso dentro de comienzos de los años 90 también tiene su importancia y para explicar en parte el fenómeno musical que supuso La Unión en esos días.

De nuestro programa de radio, decir que tenemos pendiente subir el programa-entrevista a The Crow Project, lo cual haremos casi de inmediato (probablemente hoy) y el programa sobre “Reggatta De Blanc” de The Police (lo cual haremos en esta semana). Dispondrán de ellos en Ivoox en breve. Esta tarde haremos programa en directo a las 16.00h en RUAH sobre “Casting Shadows” de Wolfsheim. Los 2 próximos miércoles y al sábado siguiente lo que podrán escuchar será el programa sobre “King For A Day, Fool For A Lifetime” de Faith No More. Los horarios de emisión los pueden ver en la parte superior del blog (creo que está bien clarito) y para escucharlo llegada la hora, pinchen sobre el mismo cuadradito y serán llevados a la emisión on-line de las emisoras donde sonamos.
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viernes, 19 de abril de 2013

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Alcalá de Henares de La Broma Negra (20-04-2013)

Saben ustedes de nuestra amistad y admiración, primero vino lo segundo y segundo lo primero, con el grupo formado en la actualidad por Carlos Caballero y Álex Gómez, es decir, La Broma Negra. Bien, pues este sábado visitan la ciudad a cuya radio universitaria pertenecemos como programa en las ondas y no podía ser menos que acudir al evento e informarles de lo que allí acontecerá.

En esta actuación, el grupo presentará a buen seguro temas nuevos de su inminente nuevo disco que saldrá este año, de título “Déjanos La Luz Encendida”. El concierto será en la sala Tic Tac, situada en el paseo de las moreras nº 16 de la ciudad complutense y la hora de comienzo las 22.30h. El precio de la entrada… Es gratuito. Así que no tienen excusa y les recomendamos que visiten el local a la hora indicada para poder disfrutar del siempre interesante directo de La Broma Negra.

En la crónica a posteriori que publicaremos aquí, habrá una particularidad. Esa no es otra que servidor de ustedes, por motivos personales, no podrá acudir. Serán nuestros valiosos colaboradores del programa de radio Mariano González y Alfredo Morales quienes irán en representación y elaborarán el artículo informativo del evento que publicaremos en “Discos, música y reflexiones”.

No obstante, no esperen a ello y vívanlo de primera mano. El precio no será una excusa que les valga en esta ocasión.
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Concierto Cyan. Madrid (11-04-2013)

Con un nuevo y extraordinario disco bajo el brazo, “Delapso”, el cual ya les hemos comentado por aquí, se presentaban Cyan en la mítica sala El Sol de Madrid. La respuesta del público madrileño fue muy buena, ya que se completó prácticamente el aforo de este clásico local para poder comprobar la potencia de las nuevas canciones de los catalanes trasladadas al directo.
Javi Fernández y los suyos salieron a escena pocos minutos después de las 23.00h y en el primer capítulo ya se esforzaron en sorprender, puesto que si hubiera pensado en alguna canción para la apertura del concierto, ni de broma hubiera apostado por “Aquitania”, que a la vez es quizás mi canción favorita de “Delapso”. Javi, a los teclados durante casi toda la canción, se ponía en pie frente al micro para darlo todo en el intenso estribillo de esta gran composición. Es curioso, pero en esta ocasión se escucha algo mejor el audio de los videos que grabé con mi cámara, con lo que vean el que hice del primer tema del concierto.
El quinteto en directo que presenta Cyan decidió continuar con más temas del último disco y ofrecieron la más luminosa “Síndrome de París”, que puso el contrapunto al comienzo melancólico que nos reportó “Aquitania”. No obstante, el grupo miraría atrás, a canciones de discos anteriores durante un par de pasos, incluyendo una destacable interpretación de “Volando eléctrico”.
Con algunos problemas de sonido, que lacraron en parte en momentos puntuales la buena labor que el grupo estaba haciendo en las tablas, y con alguna sensación incómoda de la climatización del local, que hizo patente el cantante de Cyan entre canción y canción, el grupo se atrevió con otra de las canciones notables de “Delapso”, “Belva”, en la que Javi se subió a sus teclados en algunos instantes (lo podrán ver un par de fotos más abajo), y después con el final formal del disco “Frovocador”.
Como debe ser en ocasiones como ésta, de “Delapso”, disco a presentar, creo que Cyan no se dejaron ni una canción. Con “Philippe Petit” Javi Fernández aprovechó para contarnos quién era ese personaje al que dedicaron esa composición, cosa que me vino bien, ya que no sabía yo quién era, lo cual queda patente en el artículo que hicimos hace unos días de “Delapso”, donde a la hora de comentar la canción no hice mención a ello. 
“Enfilando tu hoguera” no faltó, y curiosamente nuestro compañero en Radio Universitaria de Alcalá de Henares, Adolfo García, co-presentador del ya mítico programa “Cualkier Día”, en cuya edición del mismo día del concierto promocionó el concierto poniendo el single “Un colectivo de raro propósito”, me comentó que quizás es la canción que menos le había llamado hasta ese momento del concierto, cosa que ya mencioné en el artículo de “Delapso”, coincidiendo por tanto en ese apartado. Abajo un primer plano de Javi tomando un breve respiro frente al micrófono.
Pesos pesados como “Ballet mental” tardaron en aparecer, pero cuando llegaron funcionaron todo lo bien que cabría esperar cuando la percibimos en su formato de estudio. Poco antes del bis fue cuando apareció “Un colectivo de raro propósito”, que con justicia y con muy poco tiempo de rodaje, es ya un clásico del repertorio de Cyan, y por ello no se situó en el tramo inicial, sino en los últimos compases a modo de tema de relumbrón. Ahí les dejo insertado el video que grabé de la interpretación de “Un colectivo de raro propósito”.
Me sorprendió, y también a nuestro compañero Adolfo García, que se incluyera una canción de Quique González. Correcta versión de “Salitre” que Cyan ofrecieron en los primeros pasos del concierto, y que los seguidores de recorrido de estos chicos no vieron como tal sorpresa. 
En los bises me di cuenta que otra de las canciones potentes de “Delapso” faltaban por salir. Y es que cuando sonaron los primeros compases de “Solo es una herida”, caí en la cuenta de ello. Es raro que no me acordara antes, quizás eso fuera motivado por el buen papel y la buena selección de set list que el grupo estaba desarrollando desde el inicio de la actuación.
Y cuando pasaba media hora más o menos de la media noche, Cyan decidieron terminar con “Te deslizas” para completar los necesarios 90 minutos de actuación, en los que principalmente presentaron el nuevo disco y escrutaron correctamente temas anteriores, para completar un concierto a la altura o exigencia de lo que “Delapso” ofrece como último trabajo de estudio.
Los 5 componentes de Cyan estuvieron realmente intensos. Javi ejerció bien como frontman, moviéndose por todo el escenario de la sala El Sol e incluso introduciéndose entre el público en un par de ocasiones. El batería se esforzó a plenitud en varios temas, secándose el sudor con una buena toalla en varias ocasiones y las cuerdas, los 2 guitarras y bajista, mostraron actitud y destreza, aunque en algunas ocasiones, no sé si la mesa de mezclas o el fallo de las fases de sonido, se empeñaran en enfangar su trabajo.
Buen concierto que augura que probablemente Cyan suba de peldaño en sus siguientes visitas a Madrid, pasando de la sala El Sol a algún local de mayor aforo donde el público madrileño pueda disfrutar de las buenas canciones de “Delapso” y del repertorio anterior de Cyan. La cosa va bien encaminada para que 2013 sea un buen año para Cyan a juzgar por este concierto del que les hemos hablado.
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sábado, 13 de abril de 2013

Magnética - Friogenia (2012)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Una banda que se ha hecho notar en los últimos tiempos son los madrileños Magnética y de la mano de su 2º disco editado en el pasado 2012 de título “Friogenia”. El grupo, basado en la espina dorsal que en su formación establecen el vocalista y guitarra Aksel Gil y el bajista Israel Leal, sella una 2ª obra de estudio con ánimo de crecer dentro del mundo de la música nacional.

Si ustedes tienen la buena y sana costumbre de ver de cuando en cuando la única cadena puramente musical que existe en la plataforma digital de televisiones en abierto, Kiss Tv, habrán podido ver a buen seguro el anuncio promocional de “Friogenia”, valiéndose de una de sus canciones más notables, “Volarlo todo”.

“Friogenia” lo componen 11 canciones marcadas por la personal interpretación vocal de Aksel Gil, en el que las atmósferas creadas, con un sentir común asociado a la inquietud de las melodías del grupo, ofrecen en cada una de ellas unos matices diferenciados muy sutiles. Pasemos pues a analizar su contenido.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “No tienes alma”: Un buen inicio de disco es básico de cara a conseguir que el oyente ponga buena cara de inicio; creo que con “No tienes alma”, Magnética lo consiguen. Creo que de hecho, el grupo ha escogido a esta canción como siguiente single o canción a la que dotar de videoclip. Sin duda un acierto darle toda la relevancia posible a esta apertura de “Friogenia”.

2. “De 1 a 2”: “De 1 a 2” tiene fuertes y aguerridas notas de guitarra en sus inicios y luego notas trepidantes en contrapunto. Carácter amargo y muy rítmico para proseguir con el disco, dotado de una cierta épica oscura en el estribillo. Interesante es la subida de intensidad del tramo final.

3. “Anagrama”: De comienzo latente, “Anagrama” es el primero de los capítulos con un sentir más amable, en contraposición con el reproche amargo de “No tienes alma” y la intensidad de la predecesora. Ofrece un estribillo notable, con una buena estructura melódica de las cuerdas del bajo y guitarra, que destaca sobre las estrofas más sombrías. Quizás de los mejores momentos que contiene “Friogenia”.

4. “No te lo diría”: Con “No te lo diría” Magnética abren el sector de canciones lentas y más íntimas. El sonido acústico acompaña a esta bonita composición, que es de los temas de texturas menos comunes dentro de “Friogenia”; no obstante, llama la atención por su delicadeza y sus bonitas formas, siendo uno de los casos que mejor recordarán en primeras escuchas.

5. “Volarlo todo”: Ya hemos citado en la introducción que por ejemplo en el anuncio televisivo se ha utilizado a “Volarlo todo” como acicate. Realmente puede ser la canción más accesible del disco. Dispone de la épica adecuada y la emoción necesaria en su estribillo. La atmósfera es realmente especial y además el tramo final, con unos coros muy efectistas, rubrica la pieza en todo lo alto. Instrumentalmente se afianza sobre una sólida base rítmica de bajo y batería, sobre la que los efectos sintéticos y las guitarras dibujan ese cierto sonido de ensoñación que tiene la canción.

6. “Ley universal”: En “Ley universal” la melodía frunce el ceño respecto a “Volarlo todo”. Las estrofas suenan severas y el estribillo, a pesar de su lógica subida de intensidad, no deja su carácter agrio. En lo instrumental son destacables ciertos punteos de cuerdas que hay en la 2ª estrofa.
7. “Da igual”. Siguiendo en un tono amargo, con un aumento en el sentir y el reproche, se nos presenta “Da igual”. Es una canción realmente destacable y de las que más han calado en los seguidores del grupo, ya que lo pudimos constatar cuando vimos la actuación de Magnética en la sala Contraclub hace unas semanas, cuando mucha gente la coreaba en el momento que la banda la interpretó. Tiene un estribillo directo y contundente, muy notorio, pero la totalidad de la pista está en consonancia a un buen nivel de exigencia. De nuestras preferidas, al igual que para muchos.

8. “Terapia de choque”: Con “Terapia de choque” Magnética completan uno de los pasajes más íntimos y pausados de “Friogenia”. Con la instrumentación justa, Aksel Gil se muestra reflexivo, en la narración de una historia de lejanías; “te acercas y te vas, ¿dónde irás?” dice Aksel con una melancolía comedida en el estribillo. Habrá lugar para algún tema de factura parecida en lo que queda de disco.

9. “La matriz”: Ahora es lugar de un pop rock llevadero, ni especialmente feliz, ni especialmente amargo. “La matriz” se mueve en unas sensaciones más asépticas, que transmiten la misma ligereza en su letra que en sus sonidos melódicos.

10. “Ocho pasos”: Retornamos a lo que podríamos denominar como sonido medio de “Friogenia” con la penúltima canción “Ocho pasos”. Podemos notar cierto reproche en su letra, acompañada de una notable carga sonora instrumental, con toda la maquinaria bien ensamblada. El estribillo tiene su gancho y es de fácil llegada al público con apenas un par de escuchas.

11. “Lucha de palabras”: Sin llegar a la calma y mesura de “No te lo diría” o “Terapia de choque”, se presenta el cierre que ofrece “Lucha de palabras”. En sus primeros momentos resultan muy interesantes los sonidos atmosféricos, que pueden evocar fácilmente a los Radiohead de algunos instantes de los años 90. En todo caso, “Lucha de palabras” es un final muy digno para “Friogenia”, con un estribillo nuevamente acertado “salimos de una caja de cartón buscando, por supuesto, algo mejor…”. Instrumentalmente, sin necesidad de echar intensidad al asunto, es quizás la mejor de todas las canciones de “Friogenia” en ese apartado. Los acordes de las guitarras y las ayudas sintéticas tan sutiles son muy buenos. Otra de nuestras preferidas, por lo que nos quedamos muy satisfechos siempre que terminamos de escuchar el disco de cabo a rabo.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Este “Friogenia”, con portada compuesta por imagen collage de juntar la mitad de la cara de Aksel e Israel, determina que Magnética ha dado un paso firme en su 2º trabajo de estudio. No estamos frente a una obra inmediata, y para que “Friogenia” resulte hay que darle varias escuchas. El esfuerzo merece la pena y podrán, si hacen el intento, viajar a un universo de canciones con un mensaje al que hay que prestar especial atención, rodeado de casi siempre una intensidad instrumental notable.

El grupo está trabajando duro para hacerlo llegar a la gente. No hace mucho que dieron un buen concierto en Madrid, al que orgullosamente acudimos para informarles del mismo, y ya tienen prevista otra fecha destacable en la céntrica sala Costello para el día 25 de este mes de abril.

Advertimos que no es obvio y no siempre se cumple que un disco se traslade bien al directo, o en todo caso, lo que sí es difícil es que las canciones mejoren un resultado bueno de estudio en concierto. Pues con Magnética tuvimos esa impresión. Casi todas las canciones de “Friogenia” suenan muy bien en directo. Les recomendamos por tanto que hagan la prueba más allá de escuchar el disco de forma íntima. Magnética han de estar satisfechos con “Friogenia”; estaremos atentos de sus siguientes pasos y su evolución como banda.

De nuestro programa de radio, decirles que esta semana, tanto hoy sábado a las 16.00h como el miércoles a las 23.00h en RUAH y en &radio, podrán seguir escuchando el programa sobre “Reggatta De Blanc” de The Police y el próximo sábado a las 16.00h en RUAH tendremos nuevo programa en directo. Y el programa sobre “Songs From The Big Chair” de Tears For Fears ya lo subimos a Ivoox. En breve haremos lo mismo con la entrevista a The Crow Project.
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sábado, 6 de abril de 2013

Cyan - Delapso (2013)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Cyan son una de las bandas que en los últimos tiempos han ido adquiriendo un mayor nombre y presencia dentro del panorama indie. En los pasados años, ha sido común ver a la banda codeándose en carteles de festivales junto a nombres de relumbrón, viniéndoseme a la cabeza la edición del Fnac Music Festival de Barcelona de diciembre de 2011, junto a Love Of Lesbian entre otros.

En esta buena lid, llega el turno de la edición del, en los últimos tiempos considerado como clave, tercer disco de estudio. 2013 ve la publicación de “Delapso”, el nuevo trabajo de Javi Fernández, Gorka Dresbaj, Jordi Navarro y Sebastián Limongi, es decir, el cuarteto actual de Cyan.

En críticas y revisiones del disco que podrán leer en lugares con más nombre que el presente que están visitando/leyendo, se ha venido a decir cosas como que el grupo ha descuidado las formas en pro de una mayor naturalidad, respecto a la medición perfecta de los 2 anteriores discos; podría verse así. En todo caso, “Delapso” es un disco muy destacable. Son 10 composiciones que rayan a un nivel medio bastante alto.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Ballet mental”: Quizás los primeros segundos de “Ballet mental” despisten. Parece que estamos ante una canción relajada y que se deja llevar, pero esa idea se nos quitará de en medio al primer arreón de su estribillo, donde Javi mete la intensidad vocal adecuada. Y esa es la principal característica de esta correcta apertura, es decir, compás de espera en las estrofas y un buen giro a la rueda de intensidad en los estribillos y que se desborda más si cabe en el tramo final. Para comenzar, más que válida.

2. “Un colectivo de raro propósito”: En el 2º capítulo de “Delapso” llega el turno de escuchar uno de los mejores pasajes que nos va a regalar el disco. Con “Un colectivo de raro propósito”, Cyan desbordan emoción a la par que ofrecen unos cambios de ritmo geniales en lo instrumental. Destaca mucho el papel del batería de la formación en sus labores en muchos pasajes de esta gran canción, como por ejemplo en esos redobles que mete antes de escuchar por primera vez ese estribillo tan luminoso y lleno de energía positiva. No obstante, todo está en armonía, las guitarras, teclados y la ejecución ante el micrófono de Javi son sobresalientes. Es de esas canciones que sin ser facilonas, llegan de primeras al que escucha, sin necesidad de ser devoto de los Cyan.

3. “Aquitania”: De la energía y melodías elevadas de “Un colectivo de raro propósito”, sin dejar de lado un alto nivel de satisfacción con lo que vamos a escuchar, cambiaremos radicalmente de tercio en la siguiente pista. Ahora toca melancolía, reflexión y quietud de la mano de otra de las joyas que guardan en su interior “Delapso”. “Aquitania” conforma un terceto de apertura excepcional, que además nos muestra variedad de sensaciones, sin haber ofrecido un solo momento que suene hueco o impostado; todo muy real, como podrán escuchar. Los acordes y notas son claros y marcados en las estrofas, para en el estribillo romper con un muro de sonido que pone el vello de punta. Al final, y como dice la letra, la marea termina por bajar.

4. “Sólo es una herida”: “Sólo es una herida” es una de las canciones más inmediatas del último disco de Cyan. Puede estar al nivel de lo que hemos escuchado hasta ahora perfectamente. Por sus coros, su estribillo directo y su energía, es de las canciones que más fácilmente pueden calar en el colectivo general y a buen seguro uno de los pasajes que mejor funcionen en los directos que el grupo haga de aquí en adelante.

5. “Philippe Petit”: Seguimos en territorio pop-rock, con una dosis menos de épica que la antecesora “Sólo es una herida”. En “Philippe Petit” se notan más las bases electrónicas de los teclados, sobre todo en las estrofas. En el estribillo meten fuerza las guitarras, para aderezar a esos versos que incluyen una metáfora con “una bailarina rusa en quinta posición”. Resultona, pero quizás sea de lo escuchado hasta ahora el momento menos memorable de “Delapso”. Será el paso de las escuchas el que les permita ir cogiendo el punto a esta canción, que también lo tiene. 
6. “Belva”: Los primeros momentos de “Belva”, tanto por su nerviosa batería, como por sus acordes de guitarra eléctrica, llaman claramente la atención. “Belva” es otro capítulo muy notable del álbum que nos ocupa esta semana, apoyada en un estribillo equilibrado en energía y épica. Destaca que la estructura de esta canción tiene un pasaje a modo de inciso reflexivo, que permite una interesante variación para la 2ª mitad de la canción; no es por tanto una canción de estructura sencilla de estrofa-estribillo-estrofa-estribillo. Podría evocarnos fácilmente a una de las canciones que unos jóvenes U2 sellaran en alguno de sus 3 primeros discos; eso siempre es sinónimo de algo bueno, o así lo creo yo.

7. “Síndrome de París”: Es hora de un llevadero medio tiempo que Cyan nos ofrecerá con “Síndrome de París”. “Delapso” destaca por la intensidad que mete el grupo en casi todas las canciones; aquí, aunque en el estribillo también se alcanza un notable empaque instrumental álgido, se nos queda una sensación de un pasaje más relajado, muy cálido, que sirve de contrapunto al sentir general de la obra. Por cierto, el mencionado estribillo de esta “Síndrome de París” es muy bueno.

8. “Enfilando tu hoguera”: Con la voz doblada de Javi Fernández, llega “Enfilando tu hoguera”. Quizás sea la canción más agria del disco y la menos inmediata. La melodía de sus estrofas no es precisamente amable y el estribillo tampoco se muestra abierto. Su carácter es bastante rockero, y destaca sobre todo en su sección instrumental las cuerdas eléctricas más que otra cosa, a pesar del apoyo de los teclados en el estribillo. Quizás también tengan que darle más tiempo a “Enfilando tu hoguera” que a otras canciones compañeras de promoción.

9. “El puente suspendido”: Con una misteriosa intro, llega a nuestros oídos “El puente suspendido”. Retornamos al medio tiempo, en el que vemos quizás al Javi Fernández más relajado y distendido al micrófono de todo el disco. Sin ser excesivamente brillante, hay que reconocer que situada a estas alturas de la obra en el penúltimo escalón de “Delapso”, “El puente suspendido” suena verdaderamente bien.

10. “Frovocador”: Cyan no podía cerrar una obra como “Delapso” con un tema baladí. En “Frovocador”, última canción de la obra, se intuye ya desde el comienzo, por su nerviosa base rítmica de batería y bajo, que nos vamos a encontrar una composición que va a terminar por romper en una catarsis musical en el estribillo. De alguna forma, “Frovocador” es paradigma de lo que Cyan principalmente han labrado a lo largo de su 3er. disco, es decir, conformar canciones de estrofas latentes y potentes estribillos. Algo que les ha funcionado muy bien a la hora de confeccionar un disco directo y potente en muchos momentos. Con “Frovocador” se pone punto y final en un nivel alto, ya que sin ser la más destacable en su sentir del disco, sí que quizás sea el capítulo más lógico para coronar los 40 minutos de buena música que ofrece “Delapso”.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Ya hemos mencionado en la introducción que Cyan es una banda que a nuestros ojos es una de las que mejor posicionada se encontraba tras haber editado 2 discos de estudio. Quizás sea pronto para valorarlo, y para ver exactamente el resultado que “Delapso” va a reportar a Cyan habrá que esperar hasta septiembre de este 2013 o así; ahí se podrá hacer balance de cómo le ha ido durante el verano festivalero a estos chicos.

Lo que sí podemos hacer es apostar por algo, y desde “Discos, música y reflexiones” abogamos por este “Delapso” como uno de los discos más destacables y más recomendables que se van a editar dentro del mundo indie nacional en este año (habrá que esperar a ver qué sacan nuestro ojito derecho Second en los próximos meses). De esta forma, es posible que Cyan dé un salto más en su estatus como banda, y se acerque a las posiciones nobles del sector, no quizás al nivel de unos Love Of Lesbian o Vetusta Morla, pero sí un paso por detrás de estas bandas que mueven pasiones y legiones de seguidores en la actualidad.

La verdad es que “Delapso”, aparte de ser un compendio que raya a un buen nivel durante sus 10 pasajes, es irrefutable que contiene varias canciones que podrán hacer buena guerra por su lado en formato single o videoclip a difundir en youtube, que permita a Cyan multiplicar de forma exponencial su masa de seguidores.

Me retrotraigo a la introducción para finalizar y volver a mencionar que muchas críticas, como por ejemplo la que Marcos Martín Lora hizo en “Mondosonoro”, aluden a que el grupo no ha medido tan bien sus pasos y ha cedido al instinto. Reitero que es probable, pero en todo caso si Cyan siguen su instinto y no miden tanto como parece a la hora de seguir fabricando sus discos, no creo que estén en un camino equivocado. Ni mucho menos. “Delapso” es muy bueno. Martín Lora le dio un 7 en su crítica. Nosotros le subimos un punto la nota. Nos ha gustado bastante y espero que a ustedes, que seguirán nuestro consejo (estoy seguro), también.

Informamos, por si no les ha quedado claro con el post anterior y lo que hemos pregonado en las redes sociales, que en unos minutos, a las 16.00h en la sintonía de RUAH, podrán escuchar nuestro programa nº 100 que realizaremos en directo. Podrán participar, si lo desean, llamando por teléfono (verán en número en el evento en Facebook y en el chat box de la emisión on-line). Será un repaso genérico a todo lo que hemos hecho en estos 100 programas durante 2 horas. El miércoles a las 23.00h en nuestros horarios de emisión (ver banners arriba de la página), escucharán el programa sobre The Police y su “Reggatta De Blanc”. Esta tarde, tras finalizar el programa nº 100, subiremos a Ivoox el programa sobre Tears For Fears y “Songs From The Big Chair”, el cual deberíamos haber subido hace ya un tiempo. Y a lo largo de esta semana próxima intentaremos hacer lo mismo con la entrevista a The Crow Project. Nada más y a las 16.00h, sintonicen RUAH, que lo pasaremos bien.
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jueves, 4 de abril de 2013

Discos, música y reflexiones cumple 100 programas de radio

Este próximo sábado 6 de abril de 2013, "Discos, música y reflexiones" cumple 100 programas. Parecía mentira que llegáramos hasta aquí cuando comenzamos allá por octubre de 2009 con esta aventura radiofónica derivada de nuestro blog original.

En nuestro programa que, como no podía ser de otra forma, durará en esta ocasión 2 horas, repasaremos nuestra historia, sonarán canciones que formaron parte de los programas, recordaremos antiguos debates y entrevistas con importantes artistas que han pasado por nuestro espacio a lo largo de estos 100 programas.

Será, como es habitual a las 16.00h, y abriremos las líneas de teléfono para que nos puedan contactar y entrar en directo si así lo estiman. El día de la emisión dejaremos comentario con el nº de teléfono al que podrán llamar, además de decirlo en directo.

Sintonicen llegada la hora la sintonía de RUAH: http://www.ruah.es/online.html

Les tendremos guardado un trocito de tarta y una copita de sidra para que brinden con nosotros ;)

También les dejamos el link del evento en Facebook por si se quieren unir mediante red social a la fiesta:
https://www.facebook.com/events/269669763169287/
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miércoles, 3 de abril de 2013

Concierto Franco Battiato. Madrid (21-03-2013)

Tal como lo prometimos, tras las vacaciones de Semana Santa, retornamos a la actividad publicando la crónica del concierto que Franco Battiato ofreció el pasado 21 de marzo en Madrid. Quizás éste fue uno de los últimos trenes que hayan pasado por Madrid para ver en concierto al gran Franco Battiato. Recuerdo al menos un par de ocasiones previas. Una fue en verano de 2003 en Pozuelo en El Torreón, que fueron unos días en los que mi conocimiento sobre la obra de Battiato era demasiado escaso como para asumir un desplazamiento a un sitio que me coge a contrapelo y pagar una entrada en unos días que estaba en paro. La otra fue en los Veranos de la Villa hace 2 o 3 años (2009 creo recordar), ocasión en la que anduve muy tentado de ir, pero que al final, por h o por b también terminé por declinar.
Precisamente fue en 2010 cuando me zambullí con decisión y profundidad a la obra del maestro, leyendo incluso la biografía editada en la serie musical de la editorial Cátedra, y cuando me enteré de su actuación este pasado 21 de marzo de 2013, me lo pensé más bien poco (quizás un poco debido al precio, que en pie de pista y en algunas zonas de graderío era un poco elevado, ya que recordemos que The Human League pidieron poco más de 20 euros hace un par de años en el mismo sitio). Finalmente compré una de las últimas que quedaban en la zona de 30 euros más comisiones, llevándome una sorpresa al ver lo bien situado que estaba en la sala mi asiento una vez llegué el día del evento.
En esta ocasión, no como en las 2 anteriores, Franco Battiato dejó de lado el tórrido verano para rendir visita en el comienzo de la estación de los amores, la primavera. Llegamos al Teatro Circo Price sobre las 20.20h, con el recinto medio vacío, lo cual me hacía suponer lo que al final efectivamente pasó: aglomeración de gente pocos minutos antes de las 21.00h, hora fijada de comienzo del concierto, y los acomodadores no dando de sí para colocar a la gente en su localidad. De esa forma, cuando se anunció que el comienzo del concierto era inminente, había gente aún merodeando, ya que Battiato cedió una cortesía de 8-10 minutos, lo cual ya fue bastante.
Franco Battiato es de esos artistas que desbordan carisma. Sin llegar al nivel apostólico que generan en sus fans gente como Springsteen o Morrissey, los admiradores de Battiato admiran tanto su persona como su música. Por eso, cuando se apagaron las luces y Franco salió tras el generoso personal musical que le acompaña, ya se ganó una buena ovación. No es lo mismo ver a Battiato en la actualidad, cercano a los 70 años, que a lo mejor en los años 80. Por lógica. Había una tarima elevada cubierta con una alfombra persa, con un mástil de micro a media altura enfrente, y en efecto Battiato se sentó al borde de la tarima para ofrecer su recital; ello lo podrán ver en primer plano en la foto que hemos situado arriba de este párrafo.
En los primeros compases fueron protagonistas gran parte de las composiciones del interesante “Apriti Sesamo”, último disco del italiano, cantando en un perfectísimo español, a cuyo entendimiento meridiano ayudó la adecuada acústica de la sala (y lo dice alguien que estuvo justamente en un lateral, no de frente). La mezcla de dulzura vocal y tono agudo de este siciliano, sin entrar en una sola desafinación, hicieron las delicias de todo el público mientras que sonaban unos temas con los que evidentemente no estamos tan familiarizados como con los clásicos de décadas anteriores del artista.
Fue la bella y sentida “Prospettiva Nevski” el primer gran clásico que Battiato nos regaló en el set list. Ya en sus primeros acordes muchos la identificaron, dejando llevar por la emoción, la cual se desbordó en una ovación cerradísima y clamorosa al término de la misma. Poco a poco los temas nuevos iban cediendo lugar a las canciones inolvidables de Franco. “Nómadas” tuvo una acogida igualmente notable, aunque no a la altura de la que se ganó la “Prospettiva Nevski”.
Me sorprendió mucho, muchísimo que “La estación de los amores” sonara, no por no ser un clásico de los 80 de este italiano, perteneciente a su “Orizzonti Perdutti”, sino porque creo que no era muy común de incluir en sus setlist en las últimas giras. Además, sí, Battiato la hizo en español, otorgando otro momento de suma belleza y emotividad, que quizás igualó a ”Prospettiva Nevski” en ese apartado. Fue un bonito guiño ver la silueta de Franco y de la actriz que le acompañaba en el videoclip, con esos bailes sobre el telón de fondo. Como siempre les digo, no le pidan mucho a mi cámara de fotos en tanto a la calidad de audio y sonido, pero les dejo insertado a continuación el video que grabé de la interpretación de "La estación de los amores". Grabé más videos del concierto, pero teniendo en cuenta mis problemas de conexión (los cuales me fuerzan incluso a editar a posteriori estos artículos para añadir más fotos), he declinado subir más videos a nuestro perfil en youtube.
La última media hora de actuación, tramo final troncal y bis, fue de apoteosis. Franco Battiato quiso ser efectista yendo en in-crescendo al cargar los temas nuevos en el tramo inicial, sin que ningún clásico se inmiscuyera en esos momentos, para luego a partir de mitad de actuación soltar alguna andanada como las citadas y terminar en todo lo alto. Y el detonante de la traca final fue el combo unido en continuidad, pareciendo un medley (cosa que no era) de “Bandera bianca” y mi gran anhelo de la noche “Up patriots to arms”. Me pilló de sopetón que justo tras terminar “Bandera bianca” comenzaran a sonar las notas de teclado de “Up patriots to arms”, uno de mis preferidas de Battiato; al igual que con La estación de los amores, pensaba que podría no aparecer ya que por ejemplo en la vez previa que vino a Madrid en los Veranos de la Villa, busqué crónicas del concierto a posteriori y creo que no la interpretó. La gente respondió con efusividad a este animado combo de 2 temas; no era para menos.
Por cierto, Battiato ya se había puesto en pie para este tramo final del concierto, lo cual ya pueden ver en la foto situada justo aquí arriba y en las 2 anteriores,  y así acometió también una versión más acelerada de lo normal de "L'era del cinghiale bianco". Terminó el concierto con "Voglio vederti danzare", que me sorprendió no hiciera en su versión en español, con el público cantando a pulmón abierto el inolvidable estribillo de esta gran canción.
Quedaban los bises, lugar en el que en primer lugar Battiato recuperó su era experimental progresivo-electrónica de finales de los 60, primeros 70, y afirmando que en esos días se compró un sintetizador y comenzó a hacer música electrónica terrible (discrepo con la humildad de Battiato, ya que tanto "Fetus" como "Pollution" son obras muy a tener en cuenta; puede que para alguno sean terribles, pero para mi son muy válidas); en la foto de abajo de este párrafo, podrán ver a Battiato y su sintetizador en ristre. "Cucurrucucu" llenó de alegría el Teatro Circo Price, pero el capítulo final no podía corresponder a otra que no fuera el "Centro di gravità permanente", que al igual que "Voglio vederti danzare", me sorprendió que no hiciera en español, más aún cuando en la versión en castellano se comienza con esa inolvidable frase "Una vieja de Madrid…".
Como siempre hago, ¿qué eché de menos que interpretara el maestro? Poco, la verdad, ya que con Battiato se tiene claro que "Beta" de "Pollution" por ejemplo no va a caer. E  igualmente, quizás sea algo extraño que se atreva con "Radio Varsavia" o "Via lattea". Lo más lógico que se hubiera podido incluir o añadir hubiera sido "No time no space" o "Il treni di Tozeur", aquel tema con el que tentó a Eurovisión en su día, ambos pertenecientes a "Mondi Lontanissimi". Con todo, nos los eché mucho en falta, ya que los pesos pesados ahí estuvieron y muy bien interpretados tanto por Battiato como por todos los músicos que le acompañaban.
De esta forma se cumplían con precisión y extrema exactitud la hora y 45 minutos de recitalr. Suficiente para que Battiato demostrara a sus poco menos de 70 años que sigue siendo capaz de llenar un recinto como el Teatro Circo Price y poner a los asistentes a sus pies. No precisó de efectismo y estando sentado durante casi una hora, ya sin deleitarnos con su bailes (cosa que suplió en algún momento con proyecciones antiguas suyas sobre el telón de fondo), se valió de su voz y buen proceder ante el micrófono para el concierto. En ese mismo día se daba en el Palacio Vistalegre otra cita de las llamadas grandes de este 2013, ya que Mumford & Sons congregaban allí a 9000 personas; sin embargo, Franco Battiato libró batalla al mismo tiempo desde el Teatro Circo Price, no cediendo terreno ante una de las últimas sensaciones mundiales del pop-rock-rockabilly-folk. No sé si será esta la última vez que Battiato se haya pasado por Madrid en su existencia. En todo caso, he saldado mi deuda con el maestro (cosa que se le gritó mucho desde el graderío durante la actuación). Battiato estuvo fenomenal. Un concierto de 8,5 sobre 10. Siendo Battiato, no podía ser de otra forma.
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