sábado, 28 de abril de 2012

Franco Battiato - Mondi Lontanissimi (1985)

Dentro de las fronteras italianas, allá por el año 1985, Franco Battiato era un artista consagrado y de claro renombre. Para que terminara de abrirse paso en España, aún faltarían un par de años, con la edición de “Nómadas”, un recopilatorio de sus grandes éxitos adaptados al español. Sin embargo, en Italia este músico siciliano ya había alcanzado la madurez y el claro respeto por parte de todos.

En estos días, Battiato se movía dentro del pop ligero, con matices electrónicos, que siempre inquietaron al músico, pero los días del experimentalismo de discos como “Foetus” quedaban lejos. Más quedaba, al menos sobre todo en el ítem que hoy hemos escogido para volver a su figura, tras el análisis que hicimos en 2010 de su disco “L’Arca Di Noè”, de los movimientos que Franco Battiato hizo dentro de la música clásica, visto sobre todo en los arreglos clásicos que impregnan algunas de las canciones, que se encargaba de organizar el que por aquellos días era mano derecha de Battiato, el maestro Giusto Pio.

El anterior trabajo de Franco, “Orizzonti Perduti”, reportó un éxito en forma de balada electroacústica con “La stagione dell’amore”. Uno de los grandes éxitos del artista, que siguió reforzando el buen éxito que “Voglio vederti danzare” y “Centro di gravità permanente” de sus 2 anteriores discos (en España, “Yo quiero verte danzar” y “Centro de gravedad permanente” para los amigos y para que no se me pierdan). El papel principal en el disco que hoy nos ocupa correspondería a esa canción que a partes iguales mezcla los solemnes arreglos orquestales a cargo de Pio con notas inquietantes electrónicas que es la canción “No time no space”, en la que Battiato alterna en la letra partes en italiano con un estribillo en inglés que sin duda era signo de búsqueda de proyección internacional.

A nivel personal, apuntar que junto a “Mask” de Bauhaus y el “In This Light And On This Evening” de Editors, es uno de los discos que ha estado perenne en mi reproductor mp4 (en este caso el más longevo, ya que creo que más allá que desde comienzos de año, lleva más de 12 meses ahí plantado) y completa la revisión de discos que más he podido escuchar en los trayectos muertos en transporte público en los últimos tiempos. A ver si renuevo su contenido en breve.

El primer capítulo de “Mondi Lontanissimi” lo supone “Via Lattea”, que en parte nos puede recordar en sus formas sonoras a “Radio Varsavia”, que abría de manera inmejorable el “L’Arca Di Noè”, ya que es una composición suave, con cierto misterio y que también ofrece una vaga solemnidad con arreglos de viento de orquesta. Una canción muy animada y que no sé si por su melodía o por la inclusión del concepto de la primavera en su título y letra, resulta muy radiante y luminosa, es “Risveglio di primavera”. Las melodías de teclado repiquetean en esta composición donde los adornos clásicos siguen presentes, una constante a lo largo de todo “Mondi Lontanissimi”. El single que más ha perdurado de la obra es “No time no space”, en el que la electrónica se muestra por momentos inquietante y muy movida, pero que destaca sobre todo por la solemnidad que ofrece en lo musical en ese estribillo cantando en inglés. Los cambios de ritmo son otra nota característica relevante de este trabajo de Battiato y “No time, no space” es quizás la pieza que más claramente demuestra esa montaña rusa de melodías y sensaciones. En parte, y como siempre se ha dicho y hemos reafirmado sobre Tino Casal, Battiato también es un visionario y “Personal computer” y todo lo que plantea en su letra, podía ser algo poco común a mitad de los 80. Estamos ante otra pieza muy vital en los teclados y sintetizadores, que se acelera mucho en la parte final instrumental, en sus últimos segundos. Una joya oculta de la obra es “Temporary road”, sobre todo por su ritmo vibrante y el buen ánimo que transmite. Ésta es una composición ligera y trepidante a ratos, en la que Battiato sigue introduciendo matices en inglés en la canción como ese “Nena, te necesito. Entra en mi vida”.
Menos me gusta el carácter de “Il re del mondo”. Es evidentemente el momento menos inmediato del disco, con un sonido que nos puede recordar al Battiato de “L’Era Del Cinghiale Bianco”, pero que si se molestan en traducir la letra como cuando dice eso de que “… si tiene solitario el corazón”, es quizás de los momentos más válidos del disco; curioso. “Cha-son egocentrique” busca llamar la atención y quizás peca de excesiva reiteración. Una pieza pop, que suma al carácter abierto y válido para todos los públicos de este Mondi Lontanissimi. A “I treni di Tozeur” se le tarda en coger el punto. Estamos frente a una balada con una clara presencia clásica en sus notas, que realmente tiene un estribillo en un registro muy alto y emocionante que con justicia hizo muy buen papel cuando llevó a Battiato a interpretarla a Eurovisión junto a la cantante Alize. “L’animale” es un epílogo de sentir demasiado melancólico, que no concuerda con una obra, que como habrán podido escuchar, si acaso abundaría en lo solemne, pero por lo general también en lo animado. No está mal, pero da la impresión incluso de que formara parte de la propia “I treni di Tozeur”, suponiendo un giro radical a cargo del maestro Battiato.

Quizás sea el último disco masivo de Battiato a nivel internacional, ya que estimo que los siguientes “Fisiognomica” y “Giubbe Rosse” no es tan bueno y luego Battiato ha proseguido su investigación musical con volúmenes de discos de poemas y tal. Es curioso que aún en estos días no había dado el salto definitivo a nuestro país, el cual se produciría poco después con la edición de aquel disco “Nómadas” con varios de los clásicos del artista adaptados a nuestra lengua, lo cual le reportó mucho éxito, sobre todo en la nueva puesta en valía de “Yo quiero verte danzar”.

Este “Mondi Lontanissimi”, en cuya portada, además de la silueta de Battiato se aprecian referencias a las inquietudes del cosmos que invaden los temas de ciertas composiciones, como habrán podido escuchar y ya les he ido comentando, fusiona la electrónica con los arreglos orquestales como si nada. Y la verdad es que el resultado es bueno. Quizás las jóvenes generaciones son las que menos podrían entender este disco y a pesar de su cierto riesgo, es el sector de una cierta edad quien puede valorar lo que hizo Battiato con “Mondi Lontanissimi”.

La obra incluye 3 grandes temas del universo de Franco Battiato, como son “Via Lattea”, “I treni di Tozeur” y sobre todo “No time no space”. Solamente porque en su interior guarda estas grandes canciones, valdría la pena, pero es que también merecen atención otras piezas a priori ocultas como son “Temporary road”. Prueba de que no hay que quedarse solamente en el “Yo quiero verte danzar”, o como yendo ya muy muy lejos con “Centro de gravedad permanente”, con Battiato, es este disco que hoy les he traído. Este artista italiano es un grande, más allá de sus 2 grandísimos éxitos internacionales mencionados, y sobre todo de 1979 a 1985 firmó unos lps realmente admirables y sensacionales. Al menos a mi me gustan mucho; ustedes, ya me dirán.

Este miércoles a las 23.00h en RUAH y una hora más tarde en &radio, podrán escuchar el Especial Bosé que hicimos sobre “Velvetina” y que tanto éxito tuvo en su día, en su premiere en directo. Recuerden que a las 16.00h los sábados, es decir, hoy, pueden escuchar la repetición del programa emitido el miércoles en la sintonía de RUAH y en &radio a la misma hora pueden escuchar anteriores coloquios; creo que hoy toca la 1ª parte de aquel Especial OMD En Directo que hicimos un calurosísimo día de agosto del año pasado, rememorando el concierto que el grupo dio en Madrid un par de meses antes. Mañana domingo, a las 16.00h, en la misma &radio es cuando podrán escuchar la redifusión del programa de la semana emitido el miércoles, que les recuerdo fue sobre Pretenders y su “Last Of The Independents”. Hoy a las 16.00h ustedes deciden: o Pretenders en RUAH o coloquio sobre OMD en &radio.
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jueves, 26 de abril de 2012

Concierto Anni B Sweet. Madrid (24-04-2012)

Cuando me pasé por la nueva Fnac Castellana hace un par de semanas a hacerme con el ítem que tenía pendiente de adquirir, el “Todo Casal” de mi querido Tino Casal, que estaba a precio de ganga (19,99 eur. por 8 cd’s y 1 dvd), me enteré que Anni B Sweet iba a presentar su nuevo disco el día 24. Ya andaba al quite de que la malagueña iba a sacar nuevo material en breve y no deja de ser una curiosidad de que a día de hoy haya pasado 2 veces por el blog en plan “crónica de evento” (recuerden aquel post sobre el Festival Be Open de hace un par de años en el que Anni fue una de las principales atracciones) y tenga pendiente aún hablarles de un ítem discográfico. Todavía no les he revisado el “Star, Restart, Undo” y ahora se me acumula el trabajo con este “Oh, Monsters!”, que el martes salió a la venta.
Hubo un llenazo y un altísimo poder de convocatoria para poder escuchar a Anni cantar como unos 5 temas de su nuevo disco y un par de clásicos de su anterior trabajo. No cabía un alfiler en esa especie de medio-fórum Fnac, medio-cafetería, que es el espacio que tienen reservado para estos eventos en la sede de Castellana. Según llegamos poco antes de las 19h, vimos que Anni estaba siendo entrevistada en un pasillo del mismo piso, entre las estanterías de libros. Conseguimos situarnos bien para no perder buena nota de lo nuevo de Anni, la cual salió poco más tarde de las 19.30h, hora fijada para el comienzo, para quedarse en parte sorprendida de la de gente que había abarrotado la estancia.
Da la impresión de que el nuevo disco de Anni tiene un enfoque más oscuro y menos luminoso que el que nos ofrecía “Start, Restart, Undo”. Cierto es que el martes pudimos escuchar las canciones en su formato acústico y según lo que se podía comprobar en algún adelante que se puso por parte de Subterfuge en Youtube, con “At home” se aprecia también un cambio en el matiz musical de la artista, el cual al ser en formato desnudo este martes no se pudo apreciar en el plano instrumental.
Esta maravillosa “At home”, que además abre “Oh, Monsters!” en sí, no faltó entre las elegidas que Anni dispuso para ofrecerlas al público de Fnac, siendo la 2ª o 3ª de las que sonaron, y la pude registrar con mi cámara; ya saben que el audio no es ninguna maravilla con mi cacharro digital, con lo que es un motivo añadido para que se hagan con el disco, aparte de para que puedan escuchar los interesantísimos arreglos electrónicos sutiles que incluye Anni en su versión en estudio. En todo caso, aquí les dejo mi estropicio audiovisual para que se hagan una mínima idea.
Entre el público me pareció ver a un viejo amigo de nuestro programa de radio, Manuel Cabezalí, músico reconocido por Havalina y en nuestro caso portavoz de otra de las bandas de las que forma parte muy activa como son The Cabriolets, ya que él fue quien compartió aquel programa que dedicamos al grupo liderado por Bimba Bosé y su disco “Close”. Y no estaba equivocado, ya que de hecho su presencia allí no era accidental, ya que Manuel colabora también con Anni y ella le requirió para que le tocara la guitarra en “Hole in my room”, una canción realmente maldita y llena de rabia, en la que Manuel demostró un gran virtuosismo con la guitarra acústica, creando una montaña rusa de cambios de ritmo (tomando como impostada la expresión que uno de nuestros oyentes, Javi de Figueres, aportó en su intervención por teléfono en el Especial The Cure del pasado sábado) que fue una maravilla de escuchar y de ver cómo ejecutaba. Abajo Manuel Cabezalí adueñándose de la guitarra y la banqueta, para acompañar a Anni.
Anni no ha perdido su sencillez, modestia y en parte timidez. Se la vio y reconoció ella misma estar abrumada o algo cortada ante tanto público, pero con naturalidad y humildad salió airosa y encantadoramente del paso. No obstante, me da la impresión de que en su música se nota un cambio o evolución respecto a su debut. Esta dama del folk patrio se la nota con un carácter distinto en sus nuevas composiciones, o al menos en las que pudimos escuchar en directo en pasado martes en la Fnac de Castellana. Habrá que acceder al disco en sí para poder experimentarlas en su formato original, ya que en acústico la cosa puede tener un enfoque muy distinto (de hecho “At home” suena realmente distinta) o si no acudir en breve a la Joy Eslava, donde Anni B Sweet estará con toda su banda tocando el día 25 de mayo (lástima que ese día coincide con Second en el Círculo de Bellas Artes presentando su nuevo disco “15”).
Como propina Anni nos regaló el recuerdo de 2 de los ya clásicos dentro de su repertorio que incluye “Start, Restart, Undo”, que fueron en primer lugar “A sarcastic hello”, apertura de la ópera prima de Anni B Sweet y luego su éxito más reconocido, la llevadera y siempre cuca y resultona “Motorway”, la cual se la pedí mientras que Anni preguntaba a los que allí estábamos cuál queríamos que tocara de su trabajo anterior. Se habrán percatado ya, pero no me resistí a grabar “Motorway” en mi cámara y así se la he dejado insertada arriba de este párrafo.
Siempre está bien acudir a estas presentaciones o mini conciertos que organiza Fnac. Recuerdo uno que fui el día que mi 2º equipo futbolero tras mi Atlético de Madrid, el R.C.D. Espanyol perdiera la final de la Uefa contra el Sevilla F.C. en Fnac Callao donde vi a Aviador Dro presentando su disco “Candidato Futurista”. Terminando con el post, podemos informar que lo nuevo de Anni B Sweet suena interesante, al menos por lo que nos enseñó el otro día en formato acústico. No la perderemos la pista y a ver si no a mucho tardar les reviso por aquí o “Start, Restart, Undo” o el nuevo “Oh, Monsters!”; según me dé.
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sábado, 21 de abril de 2012

Editors - In This Light And On This Evening (2009)

Algunos discos, muchos de hecho, son como el buen vino; es decir, que hay que dejarles que reposen un tiempo para saber apreciar su calado. El que fuera el 3er. disco de Tom Smith, Chris Urbanowicz y cia. es uno de esos casos. He de reconocer que de primeras, salvo su primer single “Papillon”, y el que a la postre iba a ser el 2º, pero que al final no fue, “Bricks and mortar”, no me llamó en exceso la atención. Pero, ya desde esos primeros saboreos, algo dentro de mi me hacía intuir que pasado un tiempo lo valoraría más y lo apreciaría en su justa medida, como al final ha sido. Decidí recuperarlo hace cosa de mes y medio para mis escuchas de reproductor mp3 en mis idas y venidas del trabajo y, aunque ese ámbito no es el mejor para escuchar y disfrutar de una obra, la cosa ha terminado por resultar.

Poniéndonos en antecedentes, Editors venían de 2 primeros discos con los que habían llamado mucho la atención, al mostrar oscurantismo, ritmo y vitalidad a partes iguales, con regustos a Joy Division, que no se encargaban de tirar por tierra como sí que hacían compañeros de género como los neoyorkinos Interpol. La potente voz de su cantante, guitarrista y teclista Tom Smith es uno de los principales símbolos de la formación y tras un prometedor debut, el grupo siguió el buen camino con el espectacular “An End Has A Start”, segundo trabajo de la banda, que no hace ya un tiempo revisamos por aquí.

En 2007 pudimos verles en su arrolladora actuación de la sala Joy Eslava, dentro de aquel Wintercase y el grupo ha estado casi siempre de gira desde entonces, ya que prácticamente no habrían terminado con la presentación de su anterior disco y sacaron su 3er. trabajo que hoy nos ocupa y se pusieron de nuevo en la carretera. Es una disco directo, que en muchos momentos se vale de un mayor apoyo electrónico en sus composiciones y que busca ser conciso: 9 canciones; personalmente, ya se lo he dicho muchas veces, prefiero un disco con 9 canciones que uno con 16. Tanto track list invita a la dispersión y lo que está claro es que en este post a Editors no les acusaremos de ello. Pasemos a analizar someramente esos 9 temas.

La apertura del disco, con la canción que otorga el título al mismo, con esa latente melodía y Tom Smith cantando en unos registros que se mueven entre sus registros más graves y el susurro, parece hacernos intuir que terminará en un estallido, que efectivamente se produce, pero solamente en lo instrumental, con una batería muy potente. Londres se ha convertido en la cosa más bonita que he visto dice Tom al final de las estrofas que estructuran este prometedor comienzo. Más reconocible dentro del estilo de Editors, pero con ese apunte electrónico mayor que hay en esta obra, el cual les acerca en muchos momentos a Depeche Mode, es “Bricks and mortar”, que además es de las piezas más válidas del conjunto. En lo vocal estamos ante un tema que alcanza una fuerte intensidad por parte de Smith y en el apartado de lo meramente instrumental, destacan esas notas sintéticas tan marcadas, que rompen con la melodía de continuidad. Una joya oculta, puesto que no fue elegida como single, aunque todo apuntaba en su día a que lo sería. La que sí fue single, y de hecho el adelanto de la obra fue la rotunda y electrónica “Papillon”. Una clara melodía de teclados y una fuerte base rítmica sientan las bases para que Tom Smith se muestre bastante enérgico en las voces. El estribillo alcanza unos niveles muy altos de intensidad y en definitiva estamos ante un tema que sin duda será un éxito en las giras del grupo cuando le llegue su momento en los conciertos. El videoclip, impersonal, ya que no aparece el grupo (a no ser que sean algunos de los que salen por ahí corriendo), refleja por un lado el carácter nocturno que siempre ha tenido el grupo y la dosis de adrenalina y catarsis, con esa carrera de noche desaforada por las calles de una ciudad desierta. Sí fue single “You don’t know love”, que es curiosa, ya que estimo que esta composición flojea en su estribillo, pero se le termina cogiendo el punto en ciertos momentos prosaicos o estrofas que hay intercaladas en su duración. En el videoclip sí que aparece en algún momento el grupo, pero se centra en un ejercicio de baile que genera algo de tensión. Uno de los momentos más rockeros del disco llega con “The big exit” con esas distorsiones de primera mano, la clara línea marcada por la batería y las notas eléctricas de la guitarra. Los teclados quedan en un 2º plano, como un acompañamiento o más bien creando atmósfera. Tom se lamenta en la letra con ese reiterativo “cogieron lo que una vez fue nuestro”. Un poco de intensidad rockera no viene mal.
Contrasta mucho “The big exit” con la siguiente canción “The boxer”, muy melancólica, sentida, sellando un medio tiempo de esos en los que Editors se suelen mover muy bien. Tom Smith está particularmente bien a la voz y en parte no deja de ser curioso esas notas sintéticas inocentes que permanecen durante toda la canción, mientras que son otros instrumentos los que le dan en ciertos momentos una fuerte solemnidad al tema. “The boxer” es en definitiva uno de esos temas que no son para nada inmediatos, pero que si le dejan tiempo al disco y lo escuchan con paciencia terminarán de reconocer como uno de sus pasajes más válidos y elaborados; vamos, una joya oculta como suelo decir. No obstante, la verdadera joya oculta es “Like treasure”. Resulta más movida que la lánguida “The boxer”. En “Like treasure”, dentro de un cierto tono vagamente épico, Editors se muestran con gancho en uno de las piezas que con el paso del tiempo le dan valor al 3er. disco de los británicos. Las notas de teclado no se meten a troche y moche buscando el ritmo pegadizo simple, sino que llegan en los momentos adecuados y dejan el camino libre a las guitarras, batería, bajo y sobre todo a Smith cuando se precisa. Un temazo en toda regla, al menos para mi gusto personal, y quizás a día de hoy mi canción favorita del disco. Peor, mucho peor que “Like treasure” me resulta la ya bizarra en título “Eat raw deal = blood drool”. Curiosamente fue escogida como single y aunque es un momento exótico y claramente diferenciable dentro del conjunto de 9 canciones de “In This Light And On This Evening”, no me termina de convencer con el ritmo contumaz y repiqueteante que ofrece; no obstante, para gustos los colores y está claro que en la discográfica del grupo o en el seno interno de la formación, esta “Eat raw deal = blood Drool” gusta, ya que de lo contrario no hubiera sido editada como sencillo. Mucho mejor resulta el majestuoso, casi sacro o derivado lejanamente de una balada gospel “Walk the fleet road”. Esta última canción pone el broche de oro al disco, con un Tom Smith sirviéndose de sus momentos más graves en las voces y con una orquestación realmente bella. Sin duda alguna esta composición es un tremendo acierto y es un bonito lazo para sellar el paquete. Pocas veces la electrónica suena tan orquestal y ambiciosa como lo hace en los últimos segundos del disco de esta semana.

Sí, de acuerdo, “In This Light And On This Evening” fue nº 1 en la lista de álbumes más vendidos del Reino Unido, pero estimo que el éxito del disco ha sido relativo y el grupo ha perdido la oportunidad de dar un salto cualitativo mayor, que consolidara el ascenso que mostraban con “An End Has AStart”. Y es que el disco es notable, está muy bien, pero se le tarda en coger el punto y eso, aunque el tiempo termine por ponerle en su lugar, puede ser jodido para la proyección de un grupo.

Para colmo, y nuevamente sin saber de ello, ya que antes de enterarme había dispuesto que iba a escribir sobre este disco, el lunes se anunció la marcha del grupo de Chris Urbanowicz por diferencias irreconciliables en el terreno de lo musical y la idea que tenía el guitarrista del grupo para el futuro del mismo. Veremos cuál es el siguiente paso que dan Editors, con esta baja que resquebraja su formación hasta ahora a prueba de bombas y cómo les va en su siguiente entrega.

De momento les sugiero que le den tiempo a “In This Light And On This Evening”, un disco con una curiosa portada de colores vivos, pero sobre el que predomina el fondo negro (en parte una buena metáfora de que el disco aunque incluya más notas sintéticas, el carácter del grupo sigue siendo de tintes oscuros musicales). Si ya lo escucharon en su día y no les hizo mucho tilín, cójanlo nuevamente por banda y si saben de él por 1ª vez, escúchenlo, pero no se dejen llevar por las primeras impresiones que les surjan derivadas de las primeras pasadas que le den. Realmente vale mucho más la pena de lo que a priori parece.

Esta tarde a las 16.00h en &radio de Torrejón de Ardoz, no se pierdan el Especial The Cure que haremos sobre “Pornography” y que de paso sirve como particular fiesta de cumpleaños que le organizamos a Robert Smith, hoy en el día de su cumpleaños; ¡felicidades Robert! Esperamos que te guste nuestro particular regalo. El miércoles a las 23.00h en RUAH y una hora más tarde en &radio, dedicaremos nuestro espacio a desgranar el “Last Of The Independents” de Pretenders. Disco de título premonitorio, ya que puede ser el último programa de “Discos, música y reflexiones” que haga yo exclusivamente en solitario, algo así como el último que hago independiente… ¡Qué cosas!
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jueves, 19 de abril de 2012

Concierto La Broma Negra. Madrid (14-04-2012)

La presentación oficial del nuevo disco de La Broma Negra, “Desilusiones De Grandeza”, fue todo un éxito. Tal cual. El lugar escogido fue el café La Palma, sitio en el que aún no habíamos estado y que en parte nos costó encontrar, ya que lo hacíamos en el tramo de la calle que se sitúa entre las calles San Bernardo y Fuencarral, y sin embargo el mismo está al otro lado de la primera calle mencionada. El local es una sala alargada, parecida a la sala Costello donde vimos a Dr. Sapo hace unos días, pero su aforo estuvo a reventar para ver la presentación del nuevo material de Carlos Caballero y Alex Gómez, aunque el grupo ya nos hizo una premiere hace un par de meses en la sala Taboo.Aquel día, un jueves, y en una sala que invita más a la dispersión por su curiosa estructura, el sentir no se pareció en nada al ambiente más concentrado que se vivió el sábado: muchísima más gente, ya que los sábados son más amables que los jueves para que el público se anime a acudir a un concierto, y muy buen ambiente. Y si ya aquel jueves el grupo no decepcionó, sino que con su actitud sellaron una actuación muy buena, este sábado estuvieron igualmente a la altura de las circunstancias y ofrecieron un show igual de válido, pero no se equivoquen, ya que el setlist tuvo notables variaciones respecto al concierto de 2 meses atrás, tanto en el orden de las canciones, como en las que el grupo tuvo a bien ofrecer a su audiencia.Eran poco más de las 22.00h y el grupo no quiso comenzar de forma demasiado arrolladora, sino que se atrevió con las melodías de la sensual (con algún lejano toque medieval en sus notas) de “El buen amor”. “Necesitamos ese dolor, Santa María madre de Dios”, cantaba Carlos en los primeros compases del concierto, para que justo después ya se atreviera con canciones del nuevo disco “Desilusiones De Grandeza”. Del nuevo disco, el grupo, al igual que ya hicieran en la sala Taboo, no escatimaron ni una sola composición y lo presentaron de pe a pa (como debe ser, ya que estábamos ante su puesta de largo oficial). Uno de los primeros temas fue la apertura del disco, esa solemne “Señor, danos la victoria”, que Carlos se encargó que quedara bien marcada en el recuerdo de la audiencia de la sala cuando se dispuso a entonar esa frase de la letra “No tengas miedo, no tengas miedo, no tengas miedo a morir” con el puño en alto (lo verán en la siguiente imagen), lo cual quedó como una imagen muy rotunda. Carlos salió a escena con una chupa de cuero que se quitó a las pocas canciones, para quedarse con un chaleco cubriendo su torso únicamente, y llevó una de sus gorras habituales, parecida a la que trajo el día que visitó los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares para dar forma a aquel programa en el que revisamos “Joyas De Princesas Muertas”.Ya hay varias composiciones que tras algunas escuchas en su formato impreso y 2 conciertos, poco a poco van calando. Y en ese terreno “Hay más de una manera de provocar un incendio” funciona y mucho con ese marcado “Canta sin miedo” que polariza su estribillo. La Broma Negra no quiso esperar mucho a sacarla a relucir para que el café La Palma fuera animándose, si bien hay que decir que la buena disposición de los espectadores asistentes fue patente durante las 2 horas que el grupo estuvo en escena. Otra que es notable y bastante movidita y pop es “Una mujer enamorada es otra forma de terrorismo”. Esta canción se situó nuevamente en los compases finales de la actuación, incluida en el bis de 4 temas que el grupo dispuso como cierre definitivo.Hay que ir valorando en su justa medida a “Desilusiones De Grandeza”, aunque todavía tardemos unas semanas o un par de meses en hacerle el post que se merece. Ya el disco desde su formato, con ese pack en forma de vinilo, con edición cd+vinilo (que por cierto esta semana vi en Fnac disponible y que, a modo de hacer un favor al grupo, a quienes consideramos amigos del blog y programa de radio, pusimos en primer plano del estante donde se situaba), demuestra elegancia y un trabajo hecho con esmero. La portada, con ese aire de tiempos pasados, y que los aficionados futboleros sabrán apreciar, es de una belleza plástica notable y además creo que transfiere sensaciones que en parte pueden evocarte las composiciones de La Broma Negra. Pero, hoy lo que analizaremos es su conexión en el directo. El grupo poco a poco se va sintiendo a gusto con las mismas en el escenario y eso ya se notó sensiblemente desde la actuación de la sala Taboo. Las composiciones siguen la línea de trabajo de “Joyas De Princesas Muertas” y además de los temas ya citados, hay otras como “Protege tus secretos” y la increíble “Los muertos”, que además de cierre del disco, finalizó de igual forma ambas actuaciones, que muestran una media de nivel muy exigente.En el plano emocional y más sentido de las nuevas piezas del disco está “¿Quién era yo cuando era niño?”, que se situó en la parte mediada de la actuación y que junto a “Me vas a hacer llorar”, dio lugar a un sector muy intenso gracias a la buena interpretación vocal de Carlos. Y es que el vocalista del grupo nuevamente estuvo muy correcto en la actuación, aunque curiosamente volvió a patinar en esa joya ligera y deliciosa que es “Los sonetos”, aunque esta vez fue al comienzo de la canción y no en un enlace de las estrofas del estribillo. No obstante, supo salir bien del paso una vez más; se nota que Carlos tiene tablas; arriba de este párrafo una buena pose que le cogí.En las guitarras Alex Gómez acompañó inestimablemente a las programaciones sintéticas, para darle ese punto de vigor y humanidad que concede a La Broma Negra una característica muy importante de su parte meramente musical. Cuando Carlos terminó las últimas palabras de “Los muertos”, Alex se quedó solo en el escenario, afilando un solo de guitarra que se dispuso sobre las últimas notas electrónicas de esta excelsa composición.A modo de curiosidad, hay que apuntar que Alex recibió hasta en 3 ocasiones el calor directo del público de la mano de una seguidora del grupo que se atrevió a subir al escenario a plantarle 2 besos al guitarrista del grupo, lo que se refleja en la fotografía de arriba de este párrafo; toca muy bien la guitarra y es un tío muy majo, se lo tiene merecido. Además, no podemos obviar que en varias canciones aportó coros, como por ejemplo en “He tocado el cielo”, que fue donde más se le notó el refuerzo vocal o réplica que concedía a su compañero Carlos. Lo podrán comprobar en el video que hice con mi cámara de fotos, el cuál les dejo insertado a continuación.Analizando un poco más el set list y volviendo a mirar atrás, destacaremos como siempre ese gran momento que supone “Los reyes no morirán en su cama”, con dedicatoria especial a nuestro monarca a cargo de Alex Gómez, debido a los hechos ocurridos o revelados estos días y sin lugar a dudas la sorpresa vino de la mano de “Cenicienta”, la cual tomó parte del bis del concierto. En esta ocasión, La Broma Negra se sirvieron de una bailarina de nombre Laura, que bailó y bailó hasta el amanecer, tal como reza la letra de este clásico del anterior disco del grupo, mientras que Carlos, desde abajo de las tablas cantaba mientras contemplaba a su personal Cenicienta de la noche. Un instante de la interpretación de “Cenicienta” justo aquí abajo.A modo de ausencias, lógicas, ya que si no el grupo tendría que tocar 3 horas y la verdad es que a La Broma Negra generosidad no se les puede reprochar a la hora de sus conciertos, ya que menos en aquel cartel compartido con Oberón y Da Capo, siempre llegan a las 2 horas de actuación (muchos grupos internacionales eso ni se lo plantean), quizás pudo sorprender que el grupo prescindiera de “Pablo Ruiz Picasso” y “Noche en el tejado”, pero a cambio hubo lugar para la presencia de Edgar Allan Poe, con esa maravillosa “Fantasma” que estuvo situada en la parte mediada de la actuación; recordemos que a “Fantasma” le tocó la no convocatoria en el setlist en el concierto de la Taboo, así que estuvo muy bien escucharla el pasado sábado en el café La Palma. Abajo vean a Alex y su collar, que le aportó un punto de glamour en el tramo final de la actuación.Sintetizando, resumiendo y llegando a conclusiones. Primero de todo, afirmar que el nuevo disco de La Broma Negra “Desilusiones De Grandeza” es muy bueno y funciona muy bien en directo. Segundo, que el grupo pudo darse un baño de multitud con un café La Palma repleto, para compensar el aforo a medio gas de la sala Taboo, en esos siempre complicados jueves, que al estar entre semana suelen echar atrás a la gente. Y tercero, constatar que asistir a un concierto que lleven a cabo Alex y Carlos, Carlos y Alex, siempre es una apuesta segura, ya que esa puesta en escena tan elegante, con su ya clásico telón de fondo tan llamativo, por la profundidad de las letras y los ritmos oscuros, pero en muchos ratos bailables, del grupo, la experiencia va a merecer la pena.Carlos Caballero, vocalista del grupo, me advirtió antes del concierto en la puerta del local, que al no haber tocado nunca en la sala no sabía qué tal iba a quedar el sonido. Pues sonó realmente bien y además esa característica de poder ver al grupo reflejada en proyectores en una de las paredes laterales de la sala, cuanto menos creaba una sensación curiosa. Bravo por La Broma Negra y felicitaciones por su actuación, ya que en todos los aspectos creo que resultó muy satisfactoria. Igualmente agradecer al grupo que nos tuvieran en cuenta para que hayamos podido dar cuenta de su concierto, ya que siempre es un placer para nosotros.
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lunes, 16 de abril de 2012

Concierto Najwa. Madrid (13-04-2012)

Teníamos muchas ganas, muchas, de escuchar el nuevo material discográfico de Najwa Nimri. Ya sabrán muchos de ustedes que uno es un devoto admirador de Najwa y su obra musical de cabo a rabo, por lo que entenderán perfectamente esa animosidad. Y realmente el nuevo trabajo de Najwa no defraudó en su puesta de largo en directo en la sala Joy Eslava el pasado viernes. Junto a Raúl Santos en escena, encargándose el mismo de todas las programaciones sintéticas, Najwa nos presentó tal cual su disco; interpretado en el mismo orden que tendrá en su edición impresa, la cual verá la luz en unas semanas, el 8 de mayo.Se trataba de un evento gratuito, de esos que genera Myspace, asociado para la ocasión con Vodafone, en los que como te descuides, te quedas fuera, ya que los aforos se completan con 2 de pipas. En esta ocasión, por fortuna, estábamos acreditados en lista como medio de comunicación (recuerdo de un evento de estos con Mando Diao y Vetusta Morla en el que nos quedamos en las puertas de la sala), pero igualmente fuimos puntuales en la apertura de puertas para situarnos bien de cara a ver correctamente a Najwa en escena. Y fue una suerte, ya que la iluminación fue tenue a más no poder y a ratos el oscurantismo impregnaba la sala. Con todo, las fotos no nos salieron mal del todo.Como todavía no he accedido al disco, lógicamente, ya que no está a la venta, los títulos de las canciones y llegar a identificarles cada una de ellas me será imposible; solamente conozco el adelanto de mismo título que el disco “Donde rugen los volcanes”, que si no recuerdo mal apareció en 2º lugar de la actuación. En esta pieza sugerente, misteriosa y latente, se pueden apreciar algunos guiños al disco “Carefully” de 2001, pero no es fácil de encontrar el paralelismo, ya que el simple hecho de que la letra es en español le da un revestimiento distinto.“El Último Primate”, anterior disco de Najwa, era más clásico en su concepción instrumental, por mucho que pudiéramos ver una versión suya parecida el enfoque de “Donde Rugen Los Volcanes” en directo en aquella actuación en el Festival Be Open de hace un par de años, donde la electrónica tomó el peso de la música y el experimentalismo era latente. Parece que “Donde Rugen Los Volcanes”, en estudio será así, y el viernes pasado ya pudimos ver su fuerza y su interesante propuesta con Raúl Santos acompañando a Najwa en escena.Dentro de las composiciones, prima la electrónica, que en algunas composiciones se acercaba a las pistas de baile más exquisitas, y a ratos se adentraba en los mayores experimentalismos posibles; recuerdo en particular un tema en el que el efecto de los coros de Najwa se interrumpía periódicamente cada segundo, creando una especie de sensación de trance y en parte de exorcismo de lo más impactante. Najwa también incluía algún efecto de rapeo vocal en alguna canción, para sumar variedad a un disco que, dentro de los terrenos sintéticos, muestra distintas caras.La actitud de Najwa nuevamente fue única. En casi toda la actuación se dejaba llevar por la música, siendo poseída por el ritmo y el baile se transmitía en su cuerpo claramente. Apareció con abrigo con capucha, prenda muy del gusto de Najwa (véanlo en la fotografía de arriba de estas líneas, en la que vemos detrás de Najwa a Raúl Santos afanado en las programaciones sintéticas que envolvieron el viernes a la Joy Eslava), para después quitársela y verla con el pelo algo más largo que el de Sinéad O’Connor; la verdad es que no le quedaba nada mal.Vestida de negro, como ya se presentó en el Universimad de 2010 y con unos biombos que servían para dar algo de colorido a la oscura puesta en escena y entre los que Najwa se ocultaba de cuando en cuando, esta personalidad se movió con soltura y espontaneidad, marca de la casa de la artista; véase cuando dejó un pitillo que se encendió a una espectadora y luego se lo reclamó al terminar la canción. La foto de arriba de este párrafo muestra a Najwa aprovechando el citado cigarrillo y la siguiente imagen refleja en el momento en que se lo entregó a una chica de la 1ª fila.En plan anecdótico, comentarles que Najwa también puso la mejor cara que pudo a un fallo de micrófono que hubo en la penúltima canción, y se animó a salir del paso con la canción utilizando 2 micros (lo cual se puede apreciar en la 2ª foto de este artículo) y también se dirigió de cuando en cuando al público con sus notas de humor, como cuando dijo algo como que en breve repetirían la actuación, pero esa vez cobrando entrada, que ya nos valía. Para esta ocasión Najwa no tuvo a bien incluir ni un solo tema de discos anteriores, siendo estrictamente una presentación de cabo a rabo del nuevo disco, sin mayor añadidura que se saliera del camino marcado. Abajo Najwa y Raúl Santos antes de empezar con la última canción.Habrá que esperar a que tengamos el disco entre las manos para ir afianzando esta primera toma de contacto con el nuevo trabajo de Najwa, pero de momento las sensaciones son positivas y prometedoras. Quizás en “Walkabout” y “El Último Primate”, Najwa había dejado en parte de lado las inquietudes electrónicas de sus 2 anteriores discos, por los cuales siempre me ha gustado referirme a ella como la gran dama de la música electrónica de nuestro país. Con este último disco, parece que Najwa quiere volver a ese terreno y nosotros estamos encantados de que así sea. Termino agradeciendo una vez más a Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras que nos acreditará para dar cuenta de este interesantísimo evento que vivimos.
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sábado, 14 de abril de 2012

Glutamato Ye-yé - Corazón Loco (1982)

Ahora sí, en “Discos, música y reflexiones” afrontamos claramente un ítem que está considerado como un ep, o maxi single, pero por su importancia dentro de la trayectoria del grupo que lo creó, y porque estamos al menos ante 4 temas, con sus 2 temas en la cara a y otros 2 en su cara b, no es una obra excesivamente menor. ¿Quizás sea que esté muy vago a la hora de escribir o desbordado de trabajo? Puede, pero en todo caso me decanto por este ítem a la hora de hablar por 1ª vez aquí de Glutamato Ye-yé.

Y es que este grupo perteneciente a las autodenominadas como “hornadas irritantes” de la movida madrileña, dentro de su discografía tiene pocos ítems considerados como lp’s y funcionaron más bien a modo de singles, maxi singles y recopilatorios triples con temas en directo y aglutinación de sus canciones sueltas o editadas en formatos menores que un lp. Esto es un Ep que vale su peso en oro y si no verán cómo resultan las 4 canciones que lo integran.

Glutamato Ye-yé se distinguieron en su día y son recordados en los presentes tiempos por la imagen de su cantante Iñaki Fernández, que iba con ese bigotito hitleriano en plan de mofa y para tocar un poco las narices. Junto a él estaban Ramón Recio como principal letrista, Patacho Recio a la guitarra, Carlos Durante como batería, Eugenio Haro Ibars como guitarra también y Jacinto Golderos al bajo en los tiempos en que se grabaría y editaría este primer trabajo, que a pesar de ser un disco menor en duración y contenido, es muy relevante por ser la primera entrega discográfica de Glutamato Ye-yé.

El disco empieza con la canción que le da el título. El tema más acelerado y también el menos subversivo y gracioso de la obra. Estamos ante una canción de enfoque rock, que tampoco estaría muy lejos de vagos sonidos del post punk británico de aquellos días, pero adaptado a la española por Iñaki, Ramón y cia. No obstante, el tema lo firman Eduardo Haro Ibars y Jaime Urrutia para más señas. La otra canción de la cara a es “Holocausto caníbal”. Una composición más alegre y saltarina que desprende buen rollo y cachondeo a partes iguales. De esta composición, han quedado para la posterioridad las mencionadas langostas, que es el motivo de representación de la canción en la portada del Ep junto al hombre y su nevera, el evidente corazón y la jeringuilla para “Narcosis”.
En la cara b, bajo mi punto de vista, están mis 2 canciones preferidas. Por un lado nos encontramos con la medio ska “Un hombre en mi nevera”, que nos cuenta esa historia delirante del hombre dentro de la nevera que se ventila todas las provisiones del pobre Iñaki que canta con un tono más agudo y liviano, que solamente se altera cuando advierte al cantar precisamente eso de “que hay un hombre en mi nevera”. No obstante, la mayor originalidad alcanzada llega de la mano de “Narcosis”. Este es el único tema en el que está incluida la firma de Iñaki Fernández en los créditos. Lo que te llama la atención es ese retorcimiento del sonido y esa distorsión buscando crear el efecto alucinógeno de los efectos de los narcóticos sobre los que divaga la canción. Eso del “Cuando estoy con una chica, tengo un síntoma muy raro, ¿será que Dios para que no peque me ha narcotizado?”, me suena a una historia de Carlitos Alcántara dentro de la serie “Cuéntame”; no en vano en esa serie ese personaje ficticio es de la quinta de los integrantes de Glutamato. También me tuvo un tiempo loco el discernir qué era lo que decía Iñaki al hablar de la narcosis en la mili, para posteriormente enterarte que no era nada de “porchino” ni cosas raras, sino “cochino” lo que decía. Una composición graciosa irreverente y que sumado sobre todo a “Holocausto caníbal” y “Un hombre en mi nevera” da lugar a un primer ítem discográfico de Glutamato Ye-yé realmente glorioso.

Esta formación madrileña, encuadrada dentro de las autodenominadas “Hornadas irritantes” de la movida madrileña, sector de grupos que surgió en contraposición a bandas que surgían del estilo de Nacha Pop (aunque por lo visto Iñaki, en la entrevista realizada por Paloma Chamorro en “La Edad De Oro”, salvaba en sí al grupo de Nacho Gª Vega y Antonio Vega; quizás el compadreo rojiblanco tuviera algo que ver).

Estos grupos, por lo general, no es que fueran demasiado exitosos, pero en todo caso, son de las formaciones más interesantes que tuvieron lugar en los años 80. Los siguientes pasos discográficos de Glutamato Ye-yé fueron igualmente interesantes, marchosos y divertidos, con ejemplos tales como “Comamos cereales” o “Zorahida” (siendo esta última una especie de “La Ramona” de Esteso, sobre todo por frases como “¡Ay Zorahida qué buena que estás!”, pero adaptada a ciertos sonidos ska, vagamente lejanos al “Night boat to Cairo” de Madness, debidos a las referencias a los conflictos de oriente medio y al Frente Polisario que hay por la letra; maravillosa).

El grupo aguantó de forma firme hasta poco después de la mitad de los 80, que rubricaron su actividad permanente con un directo potente en el que se incluyó esa genialidad de readaptar el himno de la legión “Soy el novio de la muerte” a “Soy un socio del Atleti”, que como entenderán a mi me encanta, y me gusta más incluso que el himno de Sabina del centenario y dependiendo del momento incluso me gusta más que el tradicional de toda la vida (sube la moral y adrenalina).

Del ítem que hemos analizado, cuya portada incluye las letras de las canciones (ahí discerní lo de “cochino”) y una leve representación de algo que identifique a las 4 canciones, indicarles que lo pueden encontrar, sí, en formato vinilo reeditado en El Corte Inglés de Preciados y a menos de 10 euros. Merece muchísimo la pena y además tendrán en su poder una joya monumental de la historia de nuestra música. Reitero que lo pasarán muy bien escuchándolo, así que tomen nota y a ver si entre unos y otros agotamos sus existencias (en breve me haré con él). ¡Ah! Y si quieren ver al grupo, que sepan que siguen en activo, y que de cuando en cuando tocan en salas madrileñas. El 27 y 28 de este mes estarán en la Clamores en un concierto muy especial sobre el Atlético de Madrid. Yo creo que me acercaré a verlos.

Poco más. Esta semana en nuestro programa de radio dedicaremos la hora a revivir el coloquio que tuvimos en enero sobre Joy Division y su disco “Unknown Pleasures”. Eso será el miércoles a las 23h en RUAH y una hora más tarde en &radio. Y no pierdan de vista el sábado 21 en el que a las 16.00h en &radio, en riguroso directo, dedicaremos el programa a The Cure y “Pornography”, celebrando el cumpleaños nº 53 de su cantante y líder Robert Smith.
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jueves, 12 de abril de 2012

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de La Broma Negra (14-04-2012)

Semana, o mejor dicho, fin de semana de conciertos el que tenemos por delante. Si mañana veremos a Najwa en Joy Eslava presentar su nuevo material, que en breve estará a la venta, al día siguiente lo que haremos será vivir la actuación de La Broma Negra en el café La Palma, donde presentarán oficialmente las canciones de su nuevo disco, ya en el mercado, “Desilusiones De Grandeza”.

Ya pudimos hacernos una idea previa del material nuevo en la actuación del grupo de hace casi 2 meses en la sala Taboo y ahora estamos escuchando el nuevo material discográfico en su formato de estudio, para darle tratamiento semanal cuando esté interiorizado en el blog y en nuestra 4ª temporada de radio dedicarle un programa especial.

De momento, y para ir afianzando el conocimiento de los nuevos temas, no habrá mejor plan que vivir nuevamente su fuerza en directo, desplegada por Carlos Caballero al micrófono y programaciones y Alex Gómez con sus guitarras, con su puesta en escena tan cuidada y elegante.

La cita, reiteramos, el sábado a las 21.30h en el café La Palma, que está en la calle del mismo nombre, cerca del metro de Noviciado. En la siguiente semana, tras la crónica de la actuación de mañana de Najwa, publicaremos la del presente evento. Agradecemos nuevamente al grupo que nos hayan tenido en cuenta para que informemos de su actuación una vez más. Siempre es un placer.
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miércoles, 11 de abril de 2012

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Najwa (13-04-2012)

Todo seguidor antiguo del blog y de nuestro programa de radio que se precie, sabrá de mi devoción y debilidad por la gran dama de la música electrónica de nuestro país, Najwa. Tras el intenso y sorprendente “El Último Primate” de 2010, Najwa vuelve con nuevo material que verá la luz en el próximo mes de mayo. El título del disco, ya promete “Donde Rugen Los Volcanes”, y las maneras del mismo nos pueden evocar a aquel magnífico “Carefully” de 2001. Eso sí, Najwa prosigue cantando en español como ya hiciera en el disco predecesor.

Parte de ese nuevo material podremos experimentarlo de la mejor forma posible, es decir, en directo, en la sala Joy Eslava este próximo viernes a las 21.00h en un evento especial que promueve Vodafone a través de Myspace. Nosotros tendremos la suerte de poder estar presentes y posteriormente contarles del evento y de ese interesante nuevo material que Najwa ha vuelto a dar forma junto a Raúl Santos, productor con el que estimo ha sellado unos trabajos de una altísima exigencia.

No sabemos si habrá cabida para canciones de discos como “Walkabout” o “Mayday”, ya que en las 2 actuaciones que vimos de Najwa en el Festival Be Open y en el Universimad de 2010, cuando estaba presentando “El Último Primate”, la artista se centró en temas de esa obra. El viernes lo podremos comprobar en la mítica Joy Eslava.

No obstante, para que puedan estar dentro de la sala, tendrán que buscarse la vida en Myspace, ya que Vodafone organiza el evento a través de esta red social musical. Apresúrense y vayan pronto a la cola, que si no se quedarán fuera. En caso de que así sea, dense un paseo por aquí la próxima semana para suplir posibles carencias.

Como siempre, agradecemos a la gente de Promociones Sin Fronteras, especialmente a Mónica Caballero, que nos tengan en cuenta a nuestro blog, programa de radio y emisoras en las que emitimos como medio de comunicación a acreditar para dar cobertura al evento.
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domingo, 8 de abril de 2012

Bauhaus - Mask (1981)

Tras regresar de viaje, llega el turno de la publicación del post de la semana, con un día de retraso. Es algo raro que para un fan de The Cure como es un servidor, le dé algo de pereza meterse como dios manda con grupos como Siouxsie And The Banshees o Bauhaus, protagonistas de esta semana, bandas con las que voy muy poco a poco y con buena letra. Quizás eso sea síntoma de que me tomo muy en serio sus discos y trato de digerirlos detenidamente. No sé. En todo caso es que creo que ya es hora de meterme a darle tratamiento a un disco de Peter Murphy y los suyos en el blog.

El rock gótico que destila Bauhaus más bien podríamos decir que es punk gótico. Esta formación, por lo general, es mucho más enérgica y corrosiva en sus maneras musicales que por ejemplo el grupo de Robert Smith, que salvo en ciertos pasajes de “Pornography” y la canción “Doubt” del anterior “Faith” (contemporáneo del disco que escogemos de Bauhaus para hoy, año 1981), enfocaban lo oscuro desde el siniestrismo y la depresión. Al escuchar un disco de Bauhaus, y en particular este “Mask”, que fue su 2º trabajo editado en 1981, la sensación principal que te queda es la de intensidad y arrojo, más allá del tono negro y oscuro de sus texturas, algo que se aprecia ya en las 2 primeras composiciones.

Aparte del carismático cantante Peter Murphy, líder y guitarrista además del grupo, junto a él estaban el guitarrista Daniel Ash, David Jay al bajo y Kevin Haskins en la batería, formación clásica y perenne del grupo siempre que estuvo en activo, ya que en su reunión de 2008 también estuvieron los 4 en el ajo. Pasemos al análisis del disco que estos 4 editaron en 1981.

Ya con “Hair of the dog”, primera canción de “Mask”, se ve esa crudeza de las líneas de las guitarras y el carácter agrio y corrosivo de las melodías. Peter Murphy demuestra su principal y más característico registro vocal, que no es otro que en el que se presenta con sumo arrojo y cierta aceleración. Resulta muy característica esta “Hair of the dog” del disco, ya que aúna 2 de las principales marcas de estilo de Bauhaus, que son por un lado el toque punk por la energía de la melodía y por otro lado el regusto oscuro que hace que el grupo esté asociado a las vertientes góticas. Muy en la línea de la canción de apertura, pero con un halo de clásico de la discografía de Bauhaus, llega “The passion of lovers”. Directa, contundente y quizás la canción que más claramente haya quedado para el recuerdo del disco que hoy nos ocupa. Murphy sigue mostrándose contundente y voraz al micrófono en la 2ª canción del disco, pero sin embargo nos dejará un poco a cuadros en “Of lilies and remains”, 3ª composición de “Mask”. Y es que en “Of lilies and remains”, Murphy más bien recita o narra, con bastante contención, aunque en la parte final hace gala de alguna exageración vocal que resulta algo cómica dentro de este tema de melodía acústica y con notas discordantes que van marcando el paso cual segundero. En “Dancing” se vuelve a la energía rockera y al avasallamiento en ciertos momentos, para seguir echando leña a la línea dura del disco. Sin embargo, “Mask” no es un ejemplo de intensidad sin fisuras, y el tenebrismo también se consigue con otros instantes más lúgubres y nebulosos como es “Hollow hills”. Esta canción no necesita de mayores artificios para crear una atmósfera oscura y decadente, en la que los coros hacen las veces de almas en pena a Murphy y la línea del bajo tiene una importancia notable para dibujar un tema que gustará mucho a los seguidores de los The Cure precisamente contemporáneos a este disco, ya que en esos días Smith y los suyos lanzaban aquel gris disco (en todos sus aspectos, visto ya desde la portada) “Faith”, en el que “Hollow hills” no hubiera desentonado para nada junto por ejemplo a “Other voices”. Single también fue “Kick in the eye”, que más bien se sitúa en la parte más desenfadada de la obra y que basa gran parte de su gancho rítmico en la repetición del título que tiene. Con la siguiente canción el grupo va a seguir moviéndose en un sector vagamente amable.Interesante resulta “In fear of fear”, con esos saxofones y la notable línea del bajo. Aquí casi podríamos estar ante un ejemplo de pop gótico, porque la melodía, además de ser bastante bailable, tiene un toque animado, dentro de sus fantasmagóricas formas y adornos eléctricos que tiene. Atropellada resulta, sobre todo por la batería y lo inconexo de su melodía en general, “Muscle in plastic”, en la que se suman notas inquietantes de piano en ciertos momentos y en la que Peter Murphy va enloqueciendo poco a poco, de tal forma que se le va la cabeza bastante en la parte final, pareciendo que incluso mencionara el nombre del cantante de Bloc Party. En el sector intenso-gótico resulta muy acertada “The man with the x-ray eyes”. Aquí Murphy se centra mucho en las tareas vocales y la maquinaria sonora de Bauhaus suena quizás más ensamblada que nunca a lo largo del lp. El grupo, muy al estilo de lo que hacían también The Cure en sus primeros discos, termina con la canción que le da el título a la obra. “Mask”, la canción título, es una pieza asfixiante, muy siniestra, en la que la teatralidad de Murphy hace gran parte del efecto con esos quejidos y la solemnidad algo sobreactuada de su interpretación vocal. La música es distorsionada, lúgubre, afilada y, en todo caso, ajustada al sentir de este final tan intenso, que sorprende a propios y a extraños cuando en su parte final, con una producción cristalina y muy clara, irrumpen unas líneas de cuerdas acústicas para dar el cierre formal a la obra. No obstante, es propio que en las ediciones actuales se incluyan varios bonus tracks, que son algunas caras b de los singles, de las que resultan interesantes sobre todo esa suite en la que los nombres de los componentes conceden el título a la misma y que casi podríamos decir que es una especie de rock gótico-progresivo. El primero de los cortes, “In fear of dub”, no es ni más ni menos que una variación experimental de la “In fear of fear” que ya hemos escuchado en el track list principal. “Ear wax”, con ese devenir disoluto y fantasmagórico de Murphy en las voces se hace notar especialmente en los bonus. La que menos tiene que ver es “Harry”, con ese toque desnudo y alegre en su melodía, en la que no faltan ciertos guiños vocales de Murphy, que parece que en los momentos menos solemnes se le va la cabeza como ya vimos en “Of lilies and remains”, aunque he de decir que personalmente me gustan mucho esos arranques que Murphy tiene de cuando en cuando. “Satori”, la última de todas las piezas, es una instrumental de prominente base rítmica.

Con este 2º trabajo, Bauhaus se siguió postulando como uno de los grupos de rock gótico, que heredaron en parte el sentir que desprendían los Joy Division de Ian Curtis, y en cierta manera, tanto por el arrojo e intensidad de Murphy a las voces, como por sus melodías, son el grupo que más cerca de los de Ian Curtis se podrían situar.

La portada, diseñada por alguno de los componentes del grupo, según tengo entendido, muestra unos bocetos de figuras nada claros y que destilan cierto mal rollo. Y en parte podríamos decir que es bastante apropiada, ya que el desasosiego que transmite “Mask” en líneas generales podría estar ciertamente bien representado por su portada. Bauhaus no superaría la 2ª mitad de los 80, y tras un par de lps más, con interesante material en su interior, y que también regalarían su mayor clásico en forma de canción individual con “She’s in parties”, el grupo se disolvería para una puntual y extraña reunión para nuevo disco y nueva gira hace unos años atrás.

Lo que está claro es que Bauhaus sí que puede considerarse como un grupo de culto. Junto a compañeros de género musical en mayor medida como Siouxsie And The Banshees, y ya no digamos The Cure, su repercusión mediática es bastante menor. Poca gente les conoce y hay que reconocer que es un grupo al que cuesta cogerle el punto; no les diré más que a un seguidor de The Cure y admirador de sus obras más siniestras como soy yo, le costó en su día cogerle el punto a Bauhaus, ya que conocimiento del mismo tengo desde finales de los 90. No obstante, se les termina de coger el paso y merecen la pena y mucho.

El disco que hoy nos ocupa, me ha servido de compañía en muchos momentos desde comienzos de año en mis escuchas en mi reproductor mp4, básicamente porque cada vez soy más vago para renovar su contenido, pero en todo caso le ha venido muy bien a estos primeros meses de año, que normalmente suelen ser tan grises y decadentes como muchos pasajes de “Mask”. Como Bauhaus tienen otros 4 discos, tengan por seguro que volverán a pasar por aquí y les advierto que si seguimos con nuestro programa de radio, este “Mask” será objeto de análisis.

Esta semana podrán escuchar en RUAH a las 23.00h y en &radio una hora después el estreno del programa que dedicamos en nuestra 3ª temporada a Simple Minds y su disco “New Gold Dream (81/82/83/84)”. Presten buena atención, ya que será uno de los últimos programas que en individual y en solitario haré para la radio hasta nueva orden. De aquí en adelante y en posibles futuras temporadas, los coloquios musicales, con más o menos tertulianos, serán la tónica general. Estimo que son más entretenidos para ustedes, lo cual también es una muestra de que tampoco me gusta ser excesivamente protagonista y me lo paso mejor compartiendo micrófono con otras voces tan expertas como yo, o incluso más sabias en los temas que tratamos.
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