1986 The Smiths - The Queen Is Dead

Con el artículo de esta semana completamos el podio de mis grupos preferidos. Quizás The Cure ocupen el primer lugar de una forma más clara, pero el 2 y 3er puesto se disputa entre Depeche Mode y el grupo que grabó el álbum que hoy revisamos: The Smiths. Sobre la banda de Morrissey (también llamado Mozz, Mozzer, Mozzo, Mozza o Mo para los amigos, pero nunca Steven Patrick… ¡cuidado!), Johnny Marr, Mike Joyce y Andy Rourke, siempre hay una eterna discusión sobre qué disco es mejor, si el “Meat Is Murder” de 1985, o el que hoy analizamos: “The Queen Is Dead”. Yo, evidentemente, me decanto por el 2º, ya que es el escogido para esta entrega, aunque esto no quiere decir que el otro disco no me parezca una maravilla.

En 1986 The Smiths estaban en lo más alto de su carrera. Con una corta historia y una línea ascendente y meteórica, el grupo se había colocado en una posición más que privilegiada, considerándoles los salvadores de la música entre tanto grupo comercial que pululaban por los años 80. Como ya hemos comentado, unos meses antes nos habían deleitado sacando un disco soberbio de cabo a rabo, con un más que significativo título: “La carne es asesinato”, por lo que las expectativas por escuchar el nuevo material de la banda y su nuevo disco de estudio eran más que elevadas. La banda como adelanto del disco lanzó “The boy with the thorn in his side”, una canción alegre instrumentalmente, pero con la melancolía habitual que destilaban las letras del sr. Morrissey, muy al estilo de la predecesora “Heaven knows I’m miserable now”, y hecho que otorgó una personalidad bien definida a gran parte de las canciones de la banda. La concreción de los trabajos de la banda dio forma a un disco que podemos decir que sea una de las verdaderas joyas de la historia de la música moderna. 10 canciones que dan como resultado un disco perfecto al 95% de su totalidad. En lo que a la portada se refiere, la misma es el resultado de insertar un fotograma de una película en el que aparece Alain Delon sobre un fondo verde oscuro, demostrando una vez más la pasión de Mozzer por el cine y sin desentonar respecto a lo que venía siendo habitual en la presentación frontal de las entregas de la banda.

El título del disco volvía a ser polémico, superando en este apartado claramente a su anterior (cuyo mensaje no era más que una proclama personal de la mayoría de los miembros de la banda sobre su condición de vegetarianos). A estos chicos de Manchester se les ocurrió titularlo “The Queen Is Dead” y para abrir el disco pusieron la propia canción título. A día de hoy hace 10 años que tuve la ocasión de escuchar este disco por 1ª vez. La forma en que conseguí escucharlo fue a través de un hermano de un amigo mío de toda la vida, igualmente gran amigo, que me pasó una cinta de un grupo llamado “The Smiths”. El grupo ya me sonaba por el nombre y cuando me entregó la cassette me dijo: “son parecidos a The Cure, pero a mi no me han gustado tanto”. Era la época en la que estábamos inmersos en descubrir la ingente discografía de la banda de Robert Smith y de rebote nos había llegado una cinta de cassette de 90 minutos que en la cara A incluía el disco que hoy analizamos y en la cara B el disco de debut de la banda (homónimo del nombre del grupo). A lo que voy, al introducir la cinta en la pletina me di de lleno con un sonido de una canción tradicional inglesa que poco a poco se iba desvanecido para dar paso a un sonido que desembocaba en una atronadora batería a cargo de Mike Joyce y un muro de guitarras de gran intensidad tejido a la perfección por el sr. Marr. A los pocos segundos descubrí la voz de Morrissey y su timbre de voz sonaba de una forma muy distinta a lo que había escuchado hasta la época. Al terminar de escuchar el primer tema, “The Queen is dead”, me dio la impresión de que se trataba de una banda de sonido cercano al rock duro. Craso error. Tras este primer tema, que no deja de ser un duro discurso dirigido contra la controvertida familia real de Inglaterra, nos encontramos con una canción cuyo sonido me hizo abrir bien los ojos y darme cuenta de que nos encontrábamos ante algo más. “Frankly, Mr. Shankly” tiene un sonido tradicional y semiacústico, con una melodía más que juguetona. Mozz en este corte se nos sincera y demuestra estar más que orgulloso de “preferir ser famoso antes que correcto o santo”. Tema pegadizo, casi bailable, alegre en el sonido y lleno de encanto. Tras este comienzo con 2 cortes de sonido completamente opuesto, uno agresivo y con un muro de sonido inquebrantable y otro con sonido irónico-desenfadado y casi acústico, nos podemos esperar cualquier cosa. Los surcos del disco desembocan ahora en una canción que empieza lenta, también con sonido cercano a lo acústico, en el que Morrissey muestra su fuerte carácter depresivo. “I know it’s over” está considerada como una de las canciones más tristes de la historia de la música. Si en el tema anterior Mozz se mostraba orgulloso y convencido de sus ideas, aquí se nos desploma, abordando la soledad en vida, la incomprensión, la no correspondencia en el amor y otros problemas de carácter social que rodeaban al cantante y su difícil personalidad. La depresión de Morrissey se ve reflejada en frases como “Si eres tan divertido, ¿entonces por qué estás solo esta noche?, si eres tan listo, ¿entonces por qué estás solo esta noche?, si eres tan ameno ¿entonces por qué estás solo esta noche?, Si eres tan terriblemente guapo, ¿entonces por qué estás solo esta noche?, porque esta noche es como cualquier otra noche, por eso estás solo esta noche”. La canción poco a poco va ganando intensidad tanto en la parte instrumental como la parte vocal para que, tras alcanzar su punto álgido, poco a poco vaya desfalleciendo en volumen. En la melodía el resto del grupo roza la perfección. El ritmo lento pero seguro del bajo de Andy Rourke da un magnífico aplomo a la canción como siempre entrelazado con la batería de Mike Joyce, que en esta ocasión se muestra perfectamente contenida. Johnny Marr con sus guitarras da el perfecto acompañamiento a la letra creando un sonido tremendamente melancólico. Angustioso, pero precioso corte. Sencillamente brillante. Como curiosidad, especialmente recomendable es la versión del concierto que la banda dio en Los Angeles en agosto de 1986, en el cual, en la primeras estrofas se escucha a una fan gritando “Oh my God!, Oh my God!”, al instante Morrissey deja de cantar para que al poco le escuchemos gritar “Jesuschrist… Don’t be so stupid!!!!”, posteriormente la canción continúa avanzando por sus 5 minutos de duración para que en las últimas estrofas y lamentos vocales de Morrissey, éste se vea de nuevo interrumpido por alguien que coge el micrófono y empieza a gritar. A Morrissey ya no le volvemos a escuchar y los instrumentos poco a poco van decayendo y desapareciendo progresivamente con lenta melancolía hasta que se termina la canción. Parece ser que la historia fue que una fan invadió el escenario y la seguridad del concierto actuó con excesiva brutalidad con la joven, lo cual enardeció al cantante que les increpó de la forma descrita. Lo del final, parece ser que la seguridad, mosqueada por la reprobación de Mozzer, hizo de su capa un sayo y el escenario fue fácilmente invadido. En fin, tras esta anécdota, que espero que les haya gustado, el disco prosigue y lo hace con un medio tiempo llamado “Never had no one ever”, la canción menos atractiva del disco. En lo que a la letra se refiere no es gran cosa, Morrissey nos habla de la inseguridad que le supone andar por las calles y la histeria que ello le supone, todo ello a raíz de experiencias más que traumáticas del cantante como huir de unos hooligans borrachos y otras lindezas. La música a ratos se hace repetitiva y el comparativo es más que sonrojante con otros momentos instrumentales que Johnny Marr aporta en el disco. No obstante, como mucha gente piensa, no está de más que se nos coloque ahora un tema algo menos intenso que nos permita coger algo de aire, ya que desde ahora no vamos a tener respiro durante un buen rato. “Cemetry gates” vuelve a las melodías alegres y amables que dejamos atrás con “Franky Mr. Shankly”. Una canción que tiene un sonido radiante y llevadero en el que Marr vuelve a demostrar que es uno de los mejores guitarristas rítmicos de la historia y despeja las dudas que nos creó en la canción anterior. Morrissey vuelve a abordar, en este caso con fina ironía, otro tema recurrente en su vida, la literatura y el hecho de que te puedan acusar de plagio a la hora de componer. Igualmente supone un guiño a su idolatrado Oscar Wilde al final de la canción. El siguiente tema vuelve al sonido duro que nos encontramos al comienzo del disco. “Bigmouth strikes again” es un muro de sonido con unos riff de guitarra de sonido endurecido que cada cierto tiempo hacen acto de presencia en la historia de la banda, como ocurriera tiempo atrás en “Still ill” o el himno “How soon is now”. Morrissey canta con virulencia y energía, dentro de su contención habitual para conseguir dar la suficiente credibilidad a versos tales como “cariño, cariño, solo estaba bromeando cuando te dije que debería reventarte los dientes”. El siguiente corte es “The boy with the thorn in his side”. Como ya hemos comentado, fue el single de adelanto. El sonido vuelve a ser alegre y optimista, en la tónica de “Frankly, Mr. Shankly” y “Cemetry gates”, aunque la letra, como ya hemos comentado antes, vuelve a tener el carácter agridulce y desesperanzado característico de Morrissey en la que se vuelve a hablar del amor imposible, tema muy recurrente en las letras de Morrissey a lo largo de toda su carrera, ya sea en solitario o con los Smiths. Acto seguido nos damos de frente con el sonido rockabilly de “Vicar in a tutu”, un tema controvertido y quizás el que más chirríe respecto al sonido global del album. Tiene algo de parecido con “Never had no one ever” en que supone el hecho de dar paso a algo más grande que le sucederá en el orden del disco y que lo que viene a continuación brille con más intensidad si cabe. “There is a light that never goes out”, supone la cumbre de los Smiths, tanto en lo lírico como en lo meramente musical. La orquestación que acompaña a los componentes de la banda en el desarrollo de la canción hace que se alcancen cotas elevadísimas de perfección instrumental y en lo que a la letra se refiere, Morrissey compuso una de las más bellas canciones de amor que jamás ha compuesto y que se han compuesto. Frases como “Si un autobús de 2 pisos se choca contra nosotros, morir a tu lado es una forma celestial para morir y si un camión de diez toneladas nos mata a los 2, morir a tu lado es para mi un placer y un privilegio” suponen uno de los momentos más románticos, en el estricto sentido del adjetivo, que se pueden encontrar en la historia de la música. Esta canción ha sido versioneada en innumerables ocasiones y quizás, si los Smiths hubieran tenido un enfoque más comercial (de lo que siempre renegaron), estaríamos hablando de una canción más conocida a nivel mundial que “With or without you” de U2. El hecho de que la banda se negara a hacer videoclips, al considerarlos un engaño, hace que esta canción sea conocida para quienes vamos más allá y que mucha gente no la haya descubierto aún. Probablemente, cualquier director de videoclips de la época hubiera podido aportar ideas para un más que precioso cortometraje que acompañara a la canción. No obstante, efectivamente existe video de la canción, pero este es impersonal y viene a mostrar instantáneas e imágenes de árboles, lagos, todo ello a 2 colores. El disco cierra con la oscilante en lo instrumental, “Some girls are bigger than others”, una canción que en letra no dice gran cosa y que viene a ser un más que aceptable epílogo para esta obra de arte, ya que el capítulo final de la historia lo supone “There is a light that never goes out”.

Algo que hace grande a “The Queen is dead” es la variedad de sus cortes. Lejos de ser un disco monolítico, el álbum incluye temas que van desde canciones rockeras de fuerte intensidad (“Bigmouth strikes again” y “The Queen is dead”) a baladas desconsoladas (“I know it’s over”) o románticas (“There is a light that never goes out”) pasando por temas de sonido alegre (“Cemetry gates”, “Frankly, Mr. Shankly) e incluyendo algún corte de sonido rockabilly, al cual de vez en cuando rendían homenaje la banda (“Vicar in a tutu”). Tanta heterogeneidad no hace que el disco sea inconsistente, sino que viene a demostrar la versatilidad de una de las más grandes bandas que nos deparó el siglo XX.

Tras este disco, la banda inició un camino “descendente” (por decirlo de alguna manera) que desencaminó en su trágica separación en la primavera de 1987. Los problemas de drogas del bajista Andy Rourke (que hicieron que fuera expulsado unos meses de la banda y fuera sustituido por el “5º” Smith, Craig Gannon), los conflictos de egos cada vez más fuertes entre cantante y guitarrista y algún que otro mal gesto, como lo fue el hecho de que Johnny Marr se marchara en la sesiones de mezclas de “Strangeways, here we come” a Nueva York a colaborar en el “Naked” de los Talking Heads, hicieron que la banda saltara por los aires.

Tras el abandono de Marr, que fue el primero que dijo “basta” a tanta tensión, ya que las audiciones para nuevo guitarrista no llegaron a ningún punto porque Mozzo (de forma muy honesta) vino a decir que los Smiths no se podían concebir sin Johnny Marr, el resto de componentes emprendieron caminos en solitario, con mayor o menor éxito. Los Smiths siempre fueron (y son) grandes y nunca envejecieron. Su abandono en pleno 1987 y la inconsistencia de su último disco (debida en gran parte al estado catatónico que sufría en esos momentos la banda) propiciaron que U2 recogiera el testigo que ellos dejaban como gran banda del momento tras ver la luz su gran obra “The Joshua Tree”. The Smiths hicieron historia y nos dejaron un legado impagable. El disco de hoy es quizás su mejor trabajo dentro de una discografía prácticamente perfecta con poquísimos altibajos. Háganse un favor y escuchen este disco que hoy les he presentado. Ah!, y si ya lo han escuchado, por favor, vuelvan a hacerlo.