domingo, 28 de junio de 2015

DMR cumple 7 años

7 años señores. Ahí es nada. Y ya tocaba cambiar de cara esto, que desde el 2º aniversario (días aquellos gloriosos para la selección española de fútbol), no virábamos en la imagen de “DMR”. Hemos apostado por los fondos blancos (dejando en el olvido el amarillo verdoso que ha presidido el blog durante un lustro) y por unos tonos azules y verdes que en parte hacen que el cambio no sea radical del todo. Apostamos por la simplicidad en el título pasando a ser “DMR” en la cabecera. La foto que preside este artículo conmemorativo inmortaliza el look de “Discos, música y reflexiones” de los últimos 5 años.

Intentaremos conseguir en el html de la plantilla de blogger incluir lo de las entradas comprimidas (el famoso “leer más”) y el cambio estará completado. Lo más reseñable en este año ha sido incluir en nómina oficial a Mariano González y Alfredo Morales. Ahora somos 3 redactores, que nos alternamos en las revisiones de disco de cada fin de semana en el que no tenemos estreno radiofónico (cuando hay nuevo programa el artículo de la semana busca la promoción de lo que hagamos en la radio) y también en las crónicas de conciertos.

A ratos cuesta mantener el ritmo, teniendo en cuenta que seguimos también con nuestra vertiente radiofónica, y gracias a que ahora somos más, la cosa se aligera para mí, lo cual es un alivio. Tengo poco más que decir, la verdad. Celebremos los 7 años con este cambio de look. En breve tomaremos vacaciones y retornaremos en septiembre a mediados con mucha fuerza y ganas. ¡Larga vida a “DMR”!
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viernes, 26 de junio de 2015

Los Ganglios - Lubricante (2014)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Vamos con un grupo que está dando mucho que hablar en los últimos años. Ellos ya han pasado por este blog en varias ocasiones con motivo de sus exitosos conciertos, pero ha llegado la hora de que pasen también a nivel discográfico. Es por eso que se me ocurrió que la mejor forma de hacerlo era a través de su último álbum “Lubricante”, publicado el pasado año 2014.

Llegué a Los Ganglios gracias al videoclip de “LOL” que descubrí por casualidad en internet. A partir de ahí fui tirando del hilo y descubriendo un grupo que aunque le gusta tirar hacia la electrónica, no le hace ningún asco al punk, la cumbia o el rockabilly.

Discográficamente el grupo solo posee tres referencias en el mercado: “Cataclismo Electoral”, “La Guapa Y Los Ninjas” y este último “Lubricante”. Ellos parecen no darle mucha importancia a estar sacando discos constantemente y parecen mucho más preocupados en actuar en directo (ya han pasado tres veces por Madrid presentando su último álbum y las tres de manera exitosa) y en publicar nuevas canciones acompañadas por sus respectivos videoclips. Hay que decir que Los Ganglios es un proyecto totalmente audiovisual, hasta el punto de que hay canciones que sin su video no se llegan a comprender totalmente (caso de “LOL”).

“Lubricante”, al igual que “La Guapa Y Los Ninjas”, recopila canciones que ya circulaban en muchos casos por internet desde hace años, unidas con unas pocas nuevas. Adentrémonos en el mundo particular de Leli Loro, Xoxé Tetano y Rafael Filete. Un mundo de canciones surrealistas, que en el fondo nos están contando nuestra propia vida.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Yayo Umberto”: El álbum comienza con un tema que empieza con la frase “un buen día moriremos ...”, una manera muy feliz de empezar un disco. Al final no es para tanto, se trata de un tema pop electrónico con un cierto toque de dubstep donde se nos expone la inconsistencia de la vida. Dentro de 200 años alguien puede que pregunte por nosotros pero a nadie le importara, seremos como mucho un vaguísimo recuerdo en la memoria de algún descendiente. “Yayo Umberto” llevaba bastante tiempo circulando por internet (unos tres años), aunque en una versión primitiva que ha sido muy mejorada para ser editada como parte de “Lubricante”. El tema está muy bien elegido para abrir el disco; es una buena canción muy disfrutable de manera individual, pero que a la vez pone las bases para el trallazo que la sigue.

2. “LOL”: Quizás su canción más conocida hasta el momento, era prácticamente obligado que la rescataran para el álbum. El mundo de internet y la perdida de la riqueza del lenguaje en su canción sin duda mas Kraftwerk, tanto que parece casi un homenaje a los alemanes: ruidos electrónicos propios de “Pocket calculator” y una estrofa que se repite una y otra vez. No habremos alcanzado el futuro robótico que Kraftwerk anunciaron a finales de los 70 pero que narices, tenemos a los LOL Cats que están muy bien.

3. “Al final”: Aquí realizan un ejercicio curioso y es el hacer no la segunda parte, si no la primera parte de la canción “Amelie Poulain”, que aunque nunca ha sido publicada oficialmente, es bien conocida por los fans del grupo y forma parte de prácticamente todos sus conciertos. “Al final” cuenta de una manera menos punk cómo es la relación de la pareja antes de que llegue el fatídico comento en el que el chico ve el poster de “Amelie”. Para esta canción se hacen acompañar de Lorena Alvarez a la voz y de unos toques de sintetizador saltarines acompañados de algún que otro guitarrazo de Rafael Filete. Esperemos que por fin para el próximo álbum se decidan a publicar “Amelie Poulain”.

4. “Gafas de aluminio”: esta es una canción muy antigua sobre un hombre antiguo que no es moderno aun siendo de hoy. Quizás muchos no podrán tragar con una pieza tan surrealista, pero a mí me atraen esas voces roboticas y ese fondo musical tan denso. Existe una versión reciente de esta canción donde tiran más por el dance y que finalmente no ha formado parte del álbum, decantándose por la versión antigua.

5. “Babieca hiede”: Podemos considerarlo el single de presentación del álbum y sin duda uno de los muchos temazos que incluye. Un tema trance, a partes hipnótico donde se nos cuenta la historia del caballo del cid, un caballo que no olía muy bien. El single incluye un sampler de “Los cuentos de Canterbury” con esos gritos desquiciados que sorprendentemente encajan en la canción a la perfección.

6. “Viejo sátiro hipertenso”: O la triste realidad del amor y el sexo en la tercera edad. La canción ya llevaba varios años en el repertorio del grupo. Les ha costado bastante llegar a una versión definitiva. Existía una versión bastante simple a piano y voz que no estaba nada mal. Al final les ha quedado un medio tiempo de canción ligera electrónica que le va muy bien a esa letra sobre el amor platónico entre un octogenario y una enfermera con coletitas.
7. “VHS”: Una canción antigua que circulaba por internet con su correspondiente video donde podíamos ver a Los Ganglios hacer visitas al cementerio intercaladas con imágenes típicas de los años 80, época dorada del VHS. La canción empieza con un ritmo clásico de aquellos teclados Casio baratos, tan característicos en los hogares españoles de los 80, para continuar con una melodía irresistible que no te la puedes quitar de la cabeza al estilo de esos estribillos melódicos que tan bien hacían los primeros OMD. Los Ganglios consiguen que sintamos nostalgia por algo tan aberrante e incómodo como eran las cintas VHS y eso es todo un logro.

8. “Calvario”: Otro de los temas estrella del disco que fue estrenado poco antes de su salida. Se trata de un medio tiempo que se acelera un poco en el estribillo (con unos ritmos que hacen que te imagines en una playa de la Republica Dominicana) donde nos cuenta la historia de unas reuniones nostálgicas donde señores entrados en años relatan sus batallitas que en realidad eran “hazañas birriosas porque en el fondo eran todos unos cagones”. El tema de la alopecia hace su aparición con ese original estribillo “no eran fachas ni eran rojos, eran calvos ...” y es que cuando se te cae el pelo da igual que seas de derechas o de izquierdas: ante todo y sobre todo eres calvo, el resto es totalmente secundario.

9. “En Noruega”: Otra canción antigua atribuida al Maese Testarossa que supongo que viene de la época donde Xoxé Tétano estaba muy influenciado por Manu Chao. Como he comentado alguna vez, ciertas canciones de Los Ganglios, a pesar de estar disfrazadas de ese surrealismo tan suyo, esconden historias chungas; ésta es una de ellas donde nos cuentan que en el paraíso noruego también hay drogadictos como en todas partes. La canción incluye unos curiosos extractos de programas de hípica; ¿son tan retorcidos Los Ganglios o fue simple casualidad?

10. “Infocreación”: Seguimos con la parte chunga del álbum. “Infocreación” es una canción donde la electrónica fría se contrapone con unos coros femeninos que no impiden un ambiente ciertamente siniestro y decadente. No es para menos, se trata de la historia de una persona que se pasa todo el día pegado al ordenador teniendo como actividad coger fotos de famosos o famosetes, ponerlas en el photoshop y añadirles bigote, cuernos, etc. Vamos que es la típica historia de alguien que lleva una vida deprimente y un día sale en el periódico que se le han cruzado los cables y ha matado a todos sus vecinos porque decidieron en junta poner un ascensor con la consiguiente derrama que le impedirá seguir pagando el internet.

11. “El Quijote P”: junto con “Babieca hiede” el tema más bailable del álbum. Si “El Quijote P” no te hace mover los pies, simplemente es que estas muerto. Leí no sé dónde que Fangoria mataría por tener un tema así en su repertorio y la verdad es que musicalmente “El Quijote P” es un tema muy Fangoria: pop, house, melodías claras y estribillo que engancha. Otra cosa es la letra, aquí nos topamos con el lado más gamberro del trío y nos cuentan la historia de alguien que se encuentra una cinta VHS con una versión de dibujos animados que resulta ser porno. Lo mejor es que esa versión del Quijote porno existió en realidad; desde luego como dice la canción “no hay respeto por las obras maestras”.

12. “El canario”: El disco acaba con este breve tema sobre las casualidades y ese amigo canario que siempre es el mismo. Forma parte de ese tipo de mini canciones que han ido colgando por internet como “El papa negro “o “Paella valenciana” que espero algún día ver publicadas.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
“Lubricante” es un disco que no tiene ningún desperdicio. Eso sí, no intentes estudiarlo concienzudamente. Es mucho mejor simplemente disfrutarlo siempre y cuando te guste el humor surrealista y los ritmos electrónicos.

A pesar de recopilar muchas canciones antiguas, “Lubricante” tiene menos carácter de recopilación que “La Guapa Y Los Ninjas”, ya que incluye algunas canciones nuevas y se ha buscado un sonido que unificada un poco el disco.

Sin duda, “Lubricante” es el disco que necesitaban Los Ganglios para aumentar más si cabe su larga base de seguidores. Sin embargo ellos van poco a poco y sin demasiada ambición. Es muy difícil que el grupo se convierta en un auténtico superventas pero con la cantidad de gente que consigue arrastrar en sus conciertos bien podrían pasar a tocar en salas mucho más grandes de las que nos tienen acostumbrados.

Los Ganglios es el grupo que necesitábamos en estos tiempos de crisis permanente, tan surrealistas y a la vez crudos a la hora de contar la cotidianidad. Que duren muchos años.

Texto: Alfredo Morales.
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jueves, 25 de junio de 2015

Concierto Deniro. Madrid (19-06-2015)

Deniro ponían punto y final a la gira de su tercer disco “Sueño Que Arde” por todo lo alto con una nueva cita en la sala El Sol, recinto en el que no tocaban por primera vez. El grupo venía a refrendar el buen trabajo y resultado que han obtenido con este “Sueño Que Arde” y damos fe de que lo lograron. La cita era un viernes (en eso el grupo ha tenido ojo tanto en la presentación en el mes de noviembre como en esta nueva ocasión que comentamos) y el lugar inmejorable.
Los chicos de Deniro vinieron a acompañarse de Amnesia. Un grupo del que desconocíamos trayectoria, obra y milagros y que nos gustaron. Con un cantante de barba frondosa y gafas de sol al frente, el grupo destacaba también por su teclista, de enérgica actitud y vestimenta algo rapera que contrastaba mucho con el resto de la banda; de hecho, que él saliera el primero nos hizo pensar en otro tipo de propuesta musical.
Finalmente Amnesia se nos mostraron como un grupo de pop rock que de primeras escuchas nos parecieron de buen acierto melódico en sus temas. Tuvieron un generoso espacio de tiempo para ofrecernos su música, superando la media hora de rigor que suele concederse a los artistas invitados y salieron más que airosos. Su cantante dispuso de un nutrido grupo de gruppies que poblaban las primeras filas, a cual más guapa (aunque la más guapa era una pelirroja que estaba apoyada en la columna que hace de vértice en la sala) y que enloquecían ante las poses del solista, que en un tema incluso se arrodilló en el suelo como si le diera un ataque a lo Ian Curtis. Lo dicho, Amnesia brillaron, incluso en un momento en el que el teclista y otro de los músicos se quedaron solos en plan instrumental (la melodía de ese fragmento nos encantó). Fueron algo más que un buen aperitivo para el plato fuerte de la noche.
El quinteto de Deniro no tardó mucho en salir tras la finalización de la actuación de Amnesia. Nano, Dave, Niño, Johnny y Óscar salieron una vez más a comerse el escenario y así lo hicieron. De “Sueño Que Arde” creo que no se dejaron nada y lo celebramos. En esta ocasión “El luchador” no abrió el show, sino que ocupó casi el mismo lugar que en el disco, es decir, para cerrar la fiesta junto a “Arde” que fue en sí el tema de cierre de la actuación. No muy lejos de los primeros compases el grupo disparó “Entre tú y yo”, el que creemos si no el mejor tema del discos uno de los mejores y que en un panorama musical nacional justo debería haber sido una de las sensaciones de esta temporada. Con acierto el grupo decidió grabar profesionalmente la toma de esta cita de este temazo. Nosotros, con mucha vergüenza, les insertamos el video cutre que grabamos; háganse un favor y busquen en el canal oficial de Deniro en Youtube cuando esté subida la toma buena.
Otro de los temas pilares, “Haima de cristal”, sonó en el tramo final del concierto. Vimos a Dave sentir mucho esta canción y es que Nano ya nos comentó en el programa que compartimos no hace mucho con él el significado de esta canción para el tremendo vocalista que es Dave Gómez. Apuntalando el inicio del show estuvieron la canción de “Sueño Que Arde” “Cruce de caminos”; el listado de temas del último disco fue distribuyéndose de forma muy espaciada. Un comienzo de concierto que abrió con “Agua” de su primer lp “El Extraño Disfrazado De Normal”.
Aunque “Sueño Que Arde” nos encandila y nos parece un tremendo trabajo discográfico, Deniro no han nacido con este disco y en su discografía hay lugar para muchos temas que funcionan de manera brutal en directo. Quizás el tótem de las canciones históricas de Deniro es “Secta”. Tuvo sus apropiados galones de estar situada en el tramo final del concierto y la sala El Sol la recogió como se merecía la ocasión: enloqueciendo y moviéndose sin parar al ritmo de las cuerdas tan afiladas de los muchachos de Deniro.
No hubo casi lugar para levantar el pie del acelerador. Niño Sánchez, que fue quizás el más enrollado y bromista entre canción y canción, en algún momento hizo ironía al respecto de la potencia de Deniro en directo. Los momentos calmados los supusieron sobre todo “Mi canción”, un pasaje muy bonito y sentimental de la hora y 25 minutos de actuación y también “Haima de cristal”, que sonó, curiosamente, menos intensa que en su versión de estudio.
Deniro lograron más de 3 cuartos de entrada en la sala El Sol y estuvieron acertados en su hora y 25 minutos de actuación. Creemos que Dave Gómez, arriba de este párrafo en primer plano, cada día que pasa está más seguro al frente de Deniro como cantante y nosotros hemos apreciado un avance notable desde el concierto de noviembre a éste de fin de gira. Nano retornó a su inconfundible look de cresta y laterales rapados y escenificó la imagen del disco con la cruz de la portada del disco marcada en su camisa; apuntar que Nano por su parte roció entre canción y canción muchas veces al ambiente con polvos de purpurina, para dar un toque algo místico al envoltorio. Notables son también los momentos en los que Nano gira sobre su eje sin parar mientras que toca su eléctrica, sin perder el ritmo ni el equilibrio; algo muy visual y que es marca de la casa de Deniro en directo.
Johnny Sánchez, en la imagen de arriba en el centro, es el músculo de Deniro en su bajo y así lo demostró, siendo rotundo y contundente a las líneas de base. Niño Sánchez, con sus inseparables lentes de sol, demostró su valía como guitarra solista. Su conjunción con el ritmo que provenía de las cuerdas de Nano se entendieron a la perfección. Óscar quedó sepultado en imagen debido a la muralla que suponía el cuarteto Nano-Dave-Johnny-Niño en primera línea, pero los zurriagazos a su batería se notaban bien en el sonido.

Conclusiones: Deniro están en uno de sus mejores momentos. Es una pena que ahora pare el grupo, ya que se les ve en perfecto estado para meterse en más actuaciones y da rabia pensar lo bien que funcionarían en muchos festivales en los que desgraciadamente no van a estar en sus carteles en el próximo verano. “Sueño Que Arde” supone una partida de Deniro. Una apuesta que sin dejar de lado la contundencia y fuerza rock del grupo, abunda en mayores matices que puede permitir al grupo ganar más adeptos. Por lo bien que funciona el quinteto en escena y por lo bueno que es su último disco, creemos que Deniro deberían haber conseguido un mayor botín en repercusión y extensión de su influjo. El mundo de la música no es fácil y muchas veces el don de la ubicuidad es la varita mágica para crecer.

Con canciones como “Haima de cristal” o “Entre tú y yo” es cuestión de tiempo que Deniro den un paso más adelante. De momento nosotros les hemos podido ver en el plazo de apenas medio año buenos resultados en la sala We Rock y en la sala El Sol. Lo que pasa es que humildemente creemos que el grupo debería llegar a más gente. Con esta crónica, con la del concierto del pasado noviembre, con la revisión del disco “Sueño Que Arde” y con el programa que dedicamos al grupo en el que entrevistamos a Nano Ruiz confiamos en haber puesto nuestro humilde grano de arena para que Deniro ganen repercusión. Se lo merecen. Seguiremos atentos a sus pasos futuros desde “DMR”. Agradecemos al propio Nano Ruiz y al señor Pablo Arribas “Pichurra” que contaran con nosotros para informar de tan estupendo concierto que disfrutamos a más no poder.
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martes, 23 de junio de 2015

Programa La Broma Negra “Déjanos La Luz Encendida” (Temporada 6/ Programa 16)

Con el programa-coloquio-entrevista que tuvimos con La Broma Negra sobre su disco “Déjanos La Luz Encendida” terminamos nuestra 6ª temporada de radio. Queríamos innovar para finalizar la temporada, aunando entrevista y coloquio, haciendo entrevista en directo (sin la red imaginaria que tanta tranquilidad otorga el “grabado”) y creo que salimos airosos.

Hubo algún fallo técnico que pudimos solventar, pero el programa salió adelante. Álex Gómez, Carlos Caballero y David Infantes, componentes actuales de La Broma Negra se desplazaron hasta los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), al igual que nuestro tertuliano Alfredo Morales para llevar a cabo el programa, cosa que agradezco sobremanera.

Mariano González no pudo venir y completó la 6ª temporada inédito en los estudios debido por desgracia a su limitación motriz temporal. Participó por teléfono y de ahí el nuevo cutre-montaje humorístico que ponemos para sobrellevar este asunto con filosofía e intentando quitarle hierro.

Pudimos debatir y preguntar a La Broma Negra sobre muchos aspectos del disco. Seleccionamos varios de los temas notables de “Déjanos La Luz Encendida” para su escucha en directo y nos ajustamos prácticamente a la perfección a nuestra hora de contenido. El programa lo llevamos a cabo en directo el pasado sábado 6 de junio de 2015 a las 16.00h. Hubo posteriores redifusiones los miércoles 10 y 17 de junio a las 23.00h y el sábado 13 de junio de 2015 a las 16.00h en el dial de RUAH.

Aquí insertamos el reproductor para que escuchen el programa y también les dejamos el link a donde está alojado el audio en Ivoox por si desean descargárselo. Agradezco a los componentes del grupo su asistencia presencial a nuestros estudios (más teniendo en cuenta que vinieron en transporte público, ojo) y también a mis compañeros Alfredo Morales y Mariano González que asumieron el reto de realizar esta entrevista: http://www.ivoox.com/dmr-6-16-audios-mp3_rf_4673886_1.html
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lunes, 22 de junio de 2015

Concierto Spandau Ballet. Madrid (18-06-2015)

Estoy tremendamente contento de haberme equivocado en los pronósticos que hice en las últimas líneas de la crónica de hace 5 años del concierto que Spandau Ballet ofrecieron en el Palacio Vistalegre. Suponía que aquella era una ocasión única y que no habría más oportunidades para volver a ver al quinteto neorromántico en acción. Craso error pensar eso. Desde hace varios meses el grupo anunciaba nueva gira con motivo del nuevo recopilatorio con 3 temas nuevos que han editado no hace mucho y no podían dejar de lado a su querida España. Y menos mal que este grupo, no como muchos otros artistas internacionales, tienen a bien acordarse de Madrid también.
No dudé para nada en sacarme la entrada para revivir una experiencia tan buena como la que tuve en el coso cubierto de Carabanchel en marzo de 2010. La subida del importe de la entrada ha estribado en el exagerado I.V.A. cultural que nos asola. Fuimos con tiempo al Palacio de los Deportes, dando un paseo desde donde resido y estuvimos en la cola una media hora, con unos últimos 15 minutos antes de entrar algo agobiantes debido a que por motivos de movilidad de la zona nos obligaron a ponernos al sol de la plaza de Felipe II. Más o menos había la misma congregación de gente que en 2010 a las puertas con la misma antelación. Por eso mismo conseguimos una situación muy parecida a la de 2010: en 4ª fila y muy centraditos frente al micrófono de Tony Hadley.
Los conciertos, sobre todo cuando la espera desde que abren puertas (las 19.00h) se hace larga hasta que sale el grupo y se apagan las luces (en este caso las 21.30h) se lleva mucho mejor en buena compañía y en este caso tuvimos la ocasión de conocer a unas cuantas parejas de generaciones anteriores a la nuestra con las que tuvimos unas conversaciones muy agradables e interesantes. Todo esto ayudó a que casi sin darnos cuenta llegara el momento en el que las luces se apagaron y salieran a escena los 5 más 1 (ahora Spandau Ballet llevan otro teclista en sustitución de la corista de antaño). La verdad es que hacía tiempo que no encontrábamos tan agradable compañía sin conocimiento previo para un concierto; nos hemos encontrado con gente muy maja en muchos conciertos y en esta ocasión ha sido una de las mejores. Un buen plano de Tony con Steve aquí abajo.
El set se volvió más austero que en 2010, en aquel “Reformation Tour”. Este “Soulboys Of The Western World Tour” no dispuso de telón de fondo para ver las imágenes del grupo ampliadas, ni tampoco la corista que acompañara a Tony a las voces (los coros femeninos siempre funcionan mejor que los masculinos que aportaron el resto de componentes). Peccata minuta estas cosas, ya que con lo que sonó y el grupo puso sobre las tablas durante las 2 horas clavadas de actuación sobró para que todo el mundo saliera montado en una nube del recinto de la calle Goya. Comencemos a comentar lo que propusieron musicalmente los Spandau Ballet.
Se empezó el listado de temas con la canción, tras una intro en la que se apreció un amago de “Musclebound” (con algunos de sus sonidos marcados, pero que luego olvidarían en absoluto tocar), “Soul boy”. Éste es uno de los nuevos temas del grupo, el cual desconocía y no jugó mal su papel de apertura. Si bien es cierto que tan pronto terminó esta nueva canción y empezaron los riffs endiablados de “Highly strung” de “Parade” fue cuando la gente entró en la verdadera histeria que se mantendría constante prácticamente hasta las 23.30h cuando se encendieron las luces del Palacio de los Deportes.
Me recordaron algo en la disposición de canciones los buenos de Spandau Ballet a Morrissey, en lo referido a que en esta ocasión también metieron seguidos 2 temas en los primeros compases que casi me llevan al colapso de la emoción. Si en octubre el que fuera líder de The Smiths casi me tumba con el comienzo de “The Queen is dead” y acto seguido “Speedway”, aquí fue cuando los Kemp, Hadley y cia. se pusieron con “Only when you leave” como tercera canción del show y acto seguido la brutal balada “How many lies?”. En 2010 “Only when you leave” también sonó pronto, al igual que su predecesora en esta noche “Highly strung”, con lo que hubo un poco de “dejavú” en ese sentido. No obstante, la fuerza melódica del single de mayor relumbrón de “Parade” volvió a capturarme y a experimentar unas sensaciones sonoras increíbles. Tony la interpretó de manera sublime al micrófono. A continuación les insertamos el fragmento de video que grabamos; como siempre, no esperen grandes cosas de los videos que subimos.

Y para darme el remate, según se termina esta pista comienzan a sonar los acordes de “How many lies?”, esa pedazo de balada del lp “Through The Barricades”; aquí se echó mucho de menos los coros femeninos en el tramo final, ya que la voz del teclista es menos apropiada para ello. Sin embargo, esto fue un mal menor, ya que nuevamente Tony se volvió a lucir al micrófono, adornándose lo necesario en todos los recovecos vocales que le ofrece esta fabulosa composición de Gary Kemp. Me dejaron tocado durante un buen rato y ya satisfecho de haber escuchado casi del tirón dos de mis temas predilectos del grupo. Y ahora el video (también solamente un cachito) de “How many lies?”.
Para intentar no ser demasiado lineal, que a veces puede resultar un poco aburrido, voy a desviarme del orden del set list y comentar que “Through The Barricades” como disco perdió peso en este concierto; de hecho, hasta los bises no volvió a tener protagonismo con la canción que lo titula. Es curioso, ya que hasta entonces ni había reparado en esta preciosa composición. “Through the barricades” abrió los bises y permitió que el grupo poco a poco fuera recuperando al sexteto en escena, primero saliendo Tony con Gary a la guitarra acústica. Poco a poco la canción fue ganando todo su peso para terminar en todo lo alto como bien saben ustedes. Aquí un fragmento que grabamos de esta bonita pieza, su sector final.

No hizo acto de presencia “Fight for ourselves”, ni otros temas tan válidos como “Virgin” o “Cross the line”; al menos “Virgin” ya la escuché en 2010 en Vistalegre, con lo que solamente me quedé otra vez con “Cross the line” en el tintero (¿quizás para una próxima ocasión? Ójala). Pues eso, que del álbum “Through The Barricades”, poquito, pero lo que hubo muy bueno.
Parade” y “True” tuvieron el peso correspondiente a sus 4 singles. Si bien hay que diferenciar que “True” fue el disco encargado con sus singles de agitar sobre todo el tramo final de la actuación. Con “Parade” el grupo reventó el inicio del show con las ya comentadas “Highly strung” y “Only when you leave” y poquito después la emotiva “Round and round”. Del disco de la paloma en la portada los singles “menores” “Communication” y “Lifeline” aparecieron seguidos en el tramo final del grueso del show. Y poco después vino “True” para cerrar lo principal y parar unos instantes para los bises. Nuevamente Tony no quiso hacer el sostenido del “said” del 2º puente, cosa que lamentamos, pero que puso de manifiesto (por otras maniobras vocales de quitar el hipo) que no lo hace porque no le apetece; una pena, ya que sería un momento de tremendo lucimiento para uno de los mejores cantantes de la historia del pop. Arriba del párrafo “Lifeline” prácticamente completa y aquí abajo un pequeño fragmento de “True”.

En la parte central de la actuación hubo varios combos de canciones. Hubo una especie de hadley, digo medley (esta coña o broma la tengo desde hace muchos años pensada; discúlpenme la chorrada) donde Spandau Ballet tocaron del tirón y prácticamente completas “Reformation”, “Mandolin”, “Confused” y “The freeze”. Muy bonito fue que tras terminar el sector más nuevaolero de la noche, Tony dedicara el mismo al malogrado Steve Strange (recordamos que junto a Boy Gheorge, los Spandau fueron costaleros del ataúd de Strange en su multitudinario entierro de hace unos meses). La parte de la newwave tuvo su continuación con “To cut a long story short”, que sonó con todos los honores individualmente y antes con “Chant nº1 (I don’t need this pressure on)”, que también estuvo independiente en su interpretación antes del combo de temas menos emblemáticos. Abajo Gary a los sintes en la fase de las canciones de la nueva ola.
Otro combo que supuso una parte diferenciada del show fue cuando el grupo tocó de seguido la bonita canción de pop soul (muy del estilo de la banda) “This is the love” y “Steal”, que Tony interpretó de forma muy crooner. No faltó, pero situada por ahí en medio, en tierra de nadie, “Once more”, el tema inédito que el grupo firmó en 2009 cuando se reunieron. No estuvo mal, pero supuso más bien un respiro en medio de la vorágine en la 2ª mitad de la actuación. A continuación un primer plano de Martin Kemp al bajo.
Me gustó mucho el detalle que Spandau Ballet tuvieron con el público que no puede estar cerca del escenario. Cuando Martin Kemp, Steve Norman, John Keeble y el teclista de apoyo, del que no hemos encontrado el nombre por ahí, se quedaron solos en el escenario tocando la instrumental “Glow” (más sector new wave), Tony y Gary se fueron a la parte de atrás a un mini escenario donde tocaron en acústico “Empty spaces” y un fragmento inicial de “Gold” donde Tony prácticamente cedió el micro al Palacio de los Deportes para que fuéramos nosotros quienes cantáramos la canción por excelencia de Spandau Ballet. Vean la foto con Tony y Gary en el escenario trasero para interpretar el citado pasaje acústico.
He de confesar que también me agradó bastante que se seleccionaran temas de “Heart Like A Sky” de 1989, un disco que aquí siempre hemos defendido. Además de la adecuada “Empty spaces”, que hizo las veces de “With the pride” (como ya la escuché en 2010 no me molestó para nada la permuta), también se metieron con el tema “Raw”, que fue uno de los grandes singles. Ahora toca una foto del resto del grupo en el escenario principal, pero sin Gary y Tony.
En este apartado del disco de 1989 a mí me hubiera gustado mucho que hubieran recordado la bonita “Crashed into love”. A otros que estaban cerca de mí a las espaldas les hubiera vuelto locos “Be free with your love”, pero ni una ni otra cayeron en esta ocasión. Es un tremendo detalle por parte del grupo eso de que se fueran a la otra punta a tocar. La gente de las últimas filas quedarían encantados de ello. Quizás si se hiciera esto más a menudo se acabarían las tortas por las primeras filas. O no. ¿Quién sabe?

A muchos les hizo temer que esa versioncilla en acústico de “Gold” supusiera el fin del protagonismo de esta pista en el show, pero yo sabía que no podía ser así. Primero porque no se tocó completa y 2º porque Tony no es de esos que deja el micro media canción al público. Fue un bonito juego y nada más. “Gold” retornaría en el bis para poner el punto y final de forma monumental (arriba del párrafo nuestro video). Con el público completamente rendido ante el grupo, los 6 componentes dieron todo en la última pista con la que sellaron 2 horas de actuación de nota sobresaliente.
En tanto a los componentes Tony Hadley al micrófono estuvo portentoso otra vez. Demostró que por él no pasan los años. No ha perdido ni un tono de su voz y se comentó en nuestro grupo que si cerrabas los ojos era como escuchar la voz de los discos de estudio. Verdad absoluta. En su relación con el público creo que incluso en un momento nos señaló cuando le estábamos mirando y a la vez señalándole a él y estuvo tan educado como un vendedor de unos grandes almacenes, preguntando en varias ocasiones a la audiencia si estábamos bien y vestido como un pincel, cambiando la corbata por un fular para esta ocasión. Abajo un primer plano de Tony muy centrado en el show.
Gary Kemp estuvo correcto y movidito, pero quedó algo eclipsado por un Steve Norman más multinstrumentista que nunca y que no paró de comerse el escenario con la guitarra, tocando los timbales, con coros y sobre todo con su personalísimo saxofón que concedió el toque elegante imprescindible a las canciones de Spandau Ballet. Siempre llama la atención ver en fila a los 4 Spandau libres de posición en el escenario bien juntitos como hicieron en 2010 y en esta ocasión también hubo momentos de misma instantánea como la siguiente.
John Keeble estuvo en la batería escudado por su gong trasero y haciendo ciertas apariciones de protagonismo que eran necesarias. Martin Kemp fue el más sobrio de todos, con su bajo y sus marcadas líneas (nuevamente muy destacable en “To cut a long story short” cuando se puso en uno de los bafles frontales a darle a las cuerdas) de su instrumento. El teclista funcionó bien, pero cuando hubo que desgranar las melodías sintéticas de los comienzos del grupo Gary Kemp también asumió el rol de ponerse con ello en primer plano (lo han podido ver gráficamente en una foto más arriba).
Venga, vamos con los “peros” personales al set list. Voy a dejar de lado temas que me gustan pero que ya escuché en Vistalegre en 2010, pero aún quedan pistas como “Pleasure”, “Code of love”, “Revenge for love”, “Cross the line” o “Crashed into love” que me hubieran encantado escuchar. El set list fue más arriesgado que en 2010. Spandau Ballet concedieron más espacio a su primer disco “Journeys To Glory” y también a los temas nuevos (cayeron los 4 nuevos desde 2009). En este sentido se apreció un concierto de una banda más en movimiento que lo de 2010. Aquel grandísimo concierto fue una actuación de gira de reunión que daba la impresión de gira puntual de grandes éxitos. Quizás con esta nueva gira se pueda intuir que haya más ocasiones en años venideros de ver al grupo en la carretera. O no; a ver si me voy a volver a equivocar en esta ocasión en el sentido inverso.
El sonido fue algo peor que en Vistalegre y el show fue más íntimo que en Vistalegre. El formato “Ring” del Palacio de los Deportes causa una sensación rara, con esos telones negros que tapan las gradas y crean la sensación de caja o cubo. En Vistalegre hubo gradería y la pantalla de fondo que ofreció un mayor empaque o fastuosidad. Sin embargo, el resultado musical fue igual de satisfactorio. A mí me gustó algo más el set list de 2010, pero creo que en esta ocasión hubo puntos muy buenos como el de recuperar “Empty spaces” para el formato acústico, aunque ello supusiera sacrificar a “With the pride” (que algún día podrían plantearse volver a tocarla en formato normal de estudio).
Vean en la imagen superior a Tony Hadley brindando con nosotros con whisky y cerveza. A las 23.30h terminó el concierto, pasamos por el merchandising con compra de camiseta por parte de uno de nuestros amigos como acertado recuerdo o souvenir de tan memorable noche y en las escaleras de subida a la calle nos encontramos con una de nuestras más fieles radioyentes Mercedes, a la cual nos encantó saludar y poder charlar con ella un ratito; ella fan acérrima de Miguel Bosé y también de Spandau Ballet no podía faltar en esta ocasión.
El grupo de gente que nos conocimos nos fuimos a celebrar el evento a una cervecería enfrente de los accesos de la calle Goya del recinto y he de decir que hacía tiempo que una caña con limón no me sabía tan bien (tenía una sed de aúpa). En el bar hubo momentos graciosísimos cuando otro grupo de fans que estaban en todo lo alto se pusieron a corear “Gold” a grito pelado. Yo me contagié y les hice los coros desde el fondo del local, como no podía ser de otra forma. Tras las cañas y viendo que el local cerraba ya, hicimos una intentona para rubricar la noche con la guinda de quizás conocer a algunos de los componentes. Nos dimos un paseo por las puertas de acceso a vestuarios del Palacio de los Deportes, pero lo único que vimos fue a la gente del pase VIP marcharse tras haber departido con el grupo dentro. Desistimos pasado un rato pensando que quizás se hubieran marchado los componentes por otro lado (no había furgoneta o autobús de cristales tintados en esa zona) y tiramos para casa con agradecido acercamiento a nuestra casa por parte de una de las parejas amigas que conocimos esa noche.
Imaginé una buena experiencia a priori nuevamente con Spandau Ballet, pero no tan buena como lo fue de nuevo. Quizás musicalmente o por repertorio y sonido (que a ratos en el Palacio de los Deportes fue algo regular) me quedaría con el de 2010 en Vistalegre, pero por la gente con la que compartimos la experiencia y el recinto en sí donde está situado (me encanta poder ir dando un breve paseo de 20 minutos a un concierto y eso me lo permite el Palacio de los Deportes), me quedaría con esta nueva ocasión. Quedé encantando de ver nuevamente a una de mis bandas favoritas y confío en que no sea la última ocasión y les pueda ver nuevamente en un futuro. Con este 2º concierto no se me han saciado las ganas de ver a Tony Hadley, Gary Kemp, Martin Kemp, Steve Norman y John Keeble en directo. Y esto no se crean que me pasa con todos los grupos que adoro. No voy a mencionar otras bandas en sentido opuesto, ya que no es el momento de apalear a nadie sino de ensalzar lo bien que lo hacen Spandau Ballet en directo. Nuevamente, ¡gracias Spandau Ballet!
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viernes, 19 de junio de 2015

Massive Attack - Protection (1994)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Sería interesante empezar situando a “Protection” espacialmente. ¿Se han dado cuenta de la íntima relación que hay a veces entre una ciudad y un estilo musical? Ocurre con Manchester y su “Madchester”, con Seattle y el grunge y también con… Bristol y el trip hop. Efectivamente, a principios de los 90 en Bristol surgen: Portishead, Massive Attack y Tricky (ex colaborador de Massive Attack). El trip hop supuso una pequeña revolución en su momento y uno de los grandes momentos musicales de los 90, si bien siempre aparece un tanto eclipsado por el britpop y el grunge. Aquella mezcla de electrónica, dub, reggae, R’n’B, hip hop y otros estilos logró grandes momentos y discos. Particularmente me gusta el uso maleable de la electrónica, generalmente de tonos suaves y atmosféricos pero también oscuros y misteriosos llegado el momento. No obstante más allá de unas directrices generales, los grupos (como suele suceder) acaban teniendo cada uno sus propias características. Diremos además que en los años 80 había en Bristol un proyecto musical llamado Wild Bunch que incluía ya a los tres componentes de Massive Attack: Mushroom (Andrew Vowles), Daddy G (Grantley Marshall) y 3-d (Robert del Naja). Todo un antecedente.

No nos desviemos del tema. “Protection”, según opinión generalizada, pasa por ser el patito feo de la discografía de Massive Attack de los 90, por eso quiero aprovechar este post para reivindicarlo. Siempre queda en un segundo plano detrás de “Blue Lines” (1991), que es el disco rompedor que prácticamente inaugura el género y el potente “Mezzanine” (1998) que aporta grandes clásico como “Teardrop”. Pues bien, “Protection” tiene argumentos sobrados para ser considerados uno de los puntos fuertes de la discografía del grupo y si me apuran uno de los puntales del trip hop.

Para empezar me parece un disco de una sofisticación elevadísima en arreglos y ejecución, lo cual tiene mucho que ver con algunos colaboradores del álbum: Nelle Hooper coproductor del disco y que por ejemplo fue importantísimo en “Debut” de Björk, las programaciones de Marius de Vries (productor de dilatadísima experiencia) y el piano y exquisitos arreglos de Craig Arsmtrong. En realidad Massive Attack tiene un aire de colectivo de cierta amplitud, donde caben muchos colaboradores. A algunos de los mencionados añadiría como un fijo a Horace Andy, colaborador en prácticamente todos los discos de Massive Attack y que ya tenía una carrera de culto dentro del reggae. Tampoco olvidaría a Tricky, que tras los dos primeros discos de Massive Attack emprendería una interesante carrera en solitario. Sumemos a todo esto la inventiva propia del grupo en sí y su capacidad para las atmósferas y tenemos un disco realmente excelente en lo sonoro.

Ya estarán viendo que con Massive Attack las colaboraciones son habituales, sobre todo en el apartado vocal. Normalmente dentro del grupo solamente cantan eventualmente 3-d y Daddy G y casi exclusivamente en materia de rapeos. Para lo demás han contado a lo largo de su historia con tremendos colaboradores: Neneh Cherry, Sinead O’Connor, Damon Albarn, Elizabeth Fraser, etc. Pero para mí ocupa un lugar destacado una colaboración precisamente de este disco: Tracey Thorn y Ben Watt, o lo que es lo mismo “Everything But The Girl”. Participan en dos canciones y proporcionan la cuota de belleza y melancolía de la obra. Luego en el análisis del disco veremos en mayor detalle la colaboración de Tracey y Ben, pero una de las características de este “Protection” es ese aire entre reflexivo y ligeramente melancólico. Otros discos de Massive Attack tienen más filo, son más cortantes pero en modo algunos son más bellos. Lo calificaría como el disco “bonito” del grupo.

En “Protection” el componente de hip hop se empequeñece respecto a “Blue Lines”, viéndose reducido al tema “Karmacoma” y quizá algún retazo de “Eurochild” (los dos temas de Tricky). A cambio las atmósferas son admirables, a veces oscuras, a veces hedonistas y casi chill out y otras sofisticadas, incluso sensuales. También se incluyen segmentos más psicodélicos, en la onda evocadora, sin excesos muy lisérgicos. La estructura del disco tampoco está mal planeada, diseminando ligeros contrapesos estilísticos. Por ejemplo: a las canciones cantadas por Tracey Thorn le siguen los temas más contundentes. Si acaso se puede discutir la oportunidad de algún instrumental o bien la inserción de algún tema. Más adelante lo veremos.

En resumen, tenemos un disco que a ratos es hermoso, a ratos evocador, a ratos oscuro, a ratos sensual. El nivel compositivo es alto, la producción y el sonido magníficos. ¿Por qué este disco debería mirar con complejo de inferioridad a otros discos de Massive Attack? De hecho los Massive Attack de los 90 me parecen intachables y aunque no son particularmente prolíficos su influencia me parece importantísima. Y “Protection” forma parte de esta parcela musical.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Protection”: Y empezamos con una canción deslumbrante. La voz la pone Tracey Thorn y eso ya de por sí es un activo. Tracey podría recitar el listín telefónico y seguir sonando emotiva, imaginen lo que es capaz de hacer con una buena canción. Arropándola encontramos suaves beats, sintes muy melódicos acompañados puntalmente por pianos. La melodía es melancólica pero no lacrimógena sino más bien comedida, elegante y reflexiva. La recta final de la canción se alarga instrumentalmente, casi a modo de coda, surgiendo una hipnótica línea de piano y en última instancia un sonido de lluvia que nos sumerge en una especie de ensimismamiento. 8 minutazos que se pasan en un suspiro. Fue 2º single, pero ha quedado como el clásico del disco. Everything but the Girl recogieron, creo yo, mucha influencia de Massive Attack virando hacia un estilo más electrónico. En este mismo blog puede encontrar dos excelentes revisiones de Everything But The Girl realizadas por mi buen amigo Víctor Prats: “Amplified Heart” y “Temperamental”.

2. “Karmacoma”: Giro de 180 grados en esta segunda canción. Nos encontramos ante un hip hop de tonos bastantes oscuros cantado por 3-d y Tricky (importante colaborador de los dos primero discos de Massive Attack). Bases pesadas y persistentes, la entonación es fría, casi inquietante. Me gustan mucho los teclados que siguen al estribillo, cavernosos, lúgubres a los que acompaña el sonido de la campana para un toque un tanto místico. El grupo salva con nota el primer cambio de tercio musical. Tricky cogería gran parte de la letra y algunos detalles para el single “Overcome” de su disco debut, publicado en 1995. Sin embargo para “Protection” fue el tercer single.

3. “Three”: Otro giro estilístico. Canción hedonista y agradable basada en electrónica suave. Puede recordar un poco al chill out, pero con bases un poco más notorias. También contribuye a la sensación agradable la voz de Nicolette, otra de las colaboraciones que se añaden al plantel, que es suave y de matices soul. Sumamente agradable.

4. “Weather storm”: Esta canción es de las que menos me seduce del disco. Se trata de un instrumental donde la iniciativa la lleva un piano de matices jazzísticos sobre un lecho de ligeros tintes electrónicos. Más allá de cierta pátina de sofisticación no es que aporte mucho. No es que esté mal, pero la música de ascensor está a un paso.

5. “Spying glass”: Y llega el turno de la canción con Horace Andy a las voces. Es el momento de la psicodelia, a base de teclados con eco y retumbantes, voz un tanto divagante y un final con una superposición de sintes realmente conseguida. Quizá recuerde un poco a “Three”, pero el tono psicodélico le da un tono menos convencional. Añadamos un toque reggae propio de la voz de Horace, pero conveniente modernizado desde la perspectiva del trip hop.
6. “Better things”: La otra canción cantada por Tracey Horn. En esta ocasión su compañero de Everything But The Girl, Ben Watt, participa también en la composición. Es quizá la canción del disco con un tono más minimalista, aparte de las voces apenas si se escuchan unas leves bases sintéticas acompañando a una suave guitarra. Y volvemos a surgirnos en un ánimo meditabundo (en el mejor sentido de la palabra) cargado de melancolía contenida. Una auténtica hermosura que suma puntos a la cuota melódica del disco.

7. “Eurochild”: Y vuelve Tricky, lo que significa que vuelve la parte más fibrosa y muscular del disco. No obstante, el comienzo es oscuro, contenido, hasta que en el estribillo se desata la parte más enérgica, incluyendo unos teclados sibilantes que casi se asemejan a una especie de gaita. Nuevamente las voces corren a cargo de Tricky y 3-d. Esta canción no viene nada mal pues después del relax, los toques de psicodelia y la melancolía. Un poco de “mala uva” tampoco es inadecuada. Los que gusten de los Massive Attack más hiphoperos les agradará también esta canción.

8. “Sly”: La canción más sofisticada del disco. Unos lujosos, casi lujuriosos, arreglos orquestales acompañan de nuevo a la voz de Nicolette. Voz, por cierto, con un toque muy sensual y notablemente elegante, lo cual unido a los ya mencionados arreglos dan un toque casi fílmico a la canción. Un auténtico placer sonoro, produce una sensación realmente agradable su escucha. Fue elegida como primer single, yo por mi parte y tirando de mi algo ajada memoria, creo haberla escuchado en un algún anuncio televisivo de la época.

9. “Heat miser”: Segundo instrumental del disco, que por otra parte no puede ser más distinto del anterior. Mientras el primero era más bien funcionarial, solamente correcto y un poco frío, éste último es mucho más emotivo, tiene un toque incluso opresivo generado por la reproducción en segundo plano del sonido de la respiración de una persona. No es ni mucho menos un instrumental de relleno para completar el tracklist, es una canción capaz de provocar una reacción en el oyente. Buena muestra de ello es el uso del piano, mucho mejor aprovechado aquí y bien refrendado por bases sintéticas. Una de las sorpresas positivas del disco.

10. “Light my fire (live): ¿Se puede saber qué es esto? ¿A qué viene cerrar el disco con una cutresalchichera versión de The Doors” en directo? No sé tampoco que hace tampoco el bueno de Horace Andy cantando una canción que no le pega, no entiendo los efectos de sonido de disparos (¿¿gansta rap??) o porqué se cargan todos los méritos instrumentales de la canción original. Ya puestos la calidad de sonido podría haber sido mejor. Lo único que se me ocurre es que Massive Attack en el momento de incluir esta canción en el tracklist estaban borrachos o hipnotizados por un fiero enemigo.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Un consejo, no se dejen llevar por ésta última canción ni su correspondiente comentario, utilicen su imaginación y piensen que es una cara b o algo así. Lo digo porque es una lástima que un borrón acabe estropeando lo que era un disco más que aprovechable. La recompensa que ofrece este álbum es grande, está trufado de buenas ideas y es lo suficientemente imaginativo como para dar alguna que otra sorpresa. De todos modos sean pacientes, no se trata de un conjunto de trallazos pop que entre a bocajarro desde la primera escucha; cada estilo tiene su manual de instrucciones y el trip hop debe ir calando poco a poco, sin prisas.

Piensen que éste es el disco de Massive Attack que más se basa en las sutilezas, en buena medida por no ser tan contundente como otros del grupo. Pero piensen también que ello no implica desidia o blandura, hay que buscar argumentos en las atmósferas, las hipnóticas líneas de teclados, la cuota melódica… Desde mi punto de vista personal, contiene quizá mi single favorito de grupo: “Protection”. Sin duda a la altura de “Unfinished Sympathy” o “Teardrop”.

Añadiría que este disco, aunque algo postergado, pertenece a la época de oro del grupo, cuando marcaban tendencia y cuando más presencia tuvieron. Es decir a los años 90. A posteriori siguieron editando discos (tampoco muchos, son muy poco prolíficos) de mérito, incluyendo en algunos casos canciones realmente interesantes. Sin embargo… Me da la impresión de que algo se fue quedando atrás, algo de chispa, inspiración o llámenlo como quieran. En cualquier caso nunca han publicado ningún desastre y siempre es bueno prestarles atención cuando se dejan ver.

Me despido insistiendo una vez más en la ferviente recomendación de escuchar “Protection”, seguramente lo disfrutarán. Y ya puestos busquen un buen momento, a media luz, incluso casi a oscuras, bien acomodados en un sillón y centrados en el agradable susurro de la música. Ya me contarán.

Texto: Mariano González.
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martes, 16 de junio de 2015

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Deniro (19-06-2015)

Deniro finalizan este próximo viernes su gira de presentación de su más que notable 3er. disco de estudio “Sueño Que Arde”. El grupo se presentará en la mítica sala madrileña El Sol para poner la rúbrica perfecta a un tour de un trabajo realmente estupendo. Nosotros estuvimos en la puesta de largo allá por noviembre y en esta ocasión también acudiremos para ver lo que dan de sí Dave Gómez, Nano Ruíz y compañía.

Los chicos de Deniro estarán acompañados por Amnesia que harán las veces de artista invitados. El evento comenzará a eso de las 22.15h según reza el cartel del concierto como podrán ver aquí arriba. Les recomendamos que no se lo pierdan, ya que “Sueño Que Arde” es un fabuloso álbum del que ya les hemos hablado por aquí y del que hicimos un programa entrevista con Nano Ruíz no hace mucho, poniendo siempre de manifiesto su valía.

La intensidad que Deniro pone sobre las tablas hará que las canciones suenen si cabe mejor y con mayor fuerza. El día no es para nada una excusa, ya que un viernes es un momento fabuloso para acudir a un concierto. Nosotros les contaremos a posteriori lo que suceda por aquí, pero mejor vivirlo en persona. Agradecemos a Nano Ruíz que haya contado con nosotros para poder informar de esta señalada cita de su banda.
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viernes, 12 de junio de 2015

Izal - Agujeros De Gusano (2013)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Proseguimos ahondando en el “fenómeno Izal”, quizás la gran última sensación de la música indie que con más fuerza ha golpeado a las masas desde que Vetusta Morla irrumpieran en 2008 con su primer lp. A modo de antecedentes para hablarles de Izal, como medio de comunicación musical que somos, desde hace un par de años notaba en el mailing que recibíamos una presencia incansable de Izal, que cual bola de nieve iba en aumento.

La gente de Hook Management la verdad es que han hecho un trabajazo con la promoción del grupo y en sus e-mails se veía la progresión: entradas agotadas en Joy Eslava, la gran sensación en el Sonorama, llenazo en La Riviera, concierto ante 12000 personas en el Palacio de los Deportes… El grupo igualmente cada vez tenía una mayor presencia en el programa musical de referencia que es la hora de música nacional que Kiss Tv ofrece de lunes a viernes de 17 a 18.00h. El videoclip atroz de su canción “Hambre” se emitía día sí y día también y de cuando en cuando también aparecía el video buenrollista de “Qué bien” de su anterior disco “Magia Y Efectos Especiales”.

Ya saben que con Izal hemos ido poco a poco. Primero asistimos a un concierto intensísimo en las fiestas de Móstoles en septiembre de 2014 y luego vimos al grupo en su gran momento hasta la fecha en esa ya mencionada cita en el Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid. A Mikel, tambien hay que recordarlo, le vimos colaborando en un concierto especial de Kuve, en el que Maryan Frutos ya le presentó poniendo de manifiesto el lío y actividad de no parar que Izal tenían en aquel invierno de 2013.

Tras quedar completamente encandilados con el pluscuamperfecto show del 11 de abril en Madrid, llegaba la hora de afrontar Izal a fondo, tal y como lo hacemos en “DMR”, es decir, escuchando un disco suyo en profundidad. Escogí “Agujeros De Gusano” para escucharlo de cabo a rabo y tras casi 2 meses de generosas y prolongadas escuchas, creo que estoy en condiciones de poder hablar bien a fondo de esta obra que seguramente puede ser uno de los grandes discos editados en España en los 2 últimos años.

A modo de antecedentes estrictos del grupo formado por Mikel Izal en las voces, Alberto Pérez a la guitarra, Iván Mella a los teclados, Emanuel “Gato” Pérez en el bajo y Alejandro Jordá en la batería, ya que hasta el momento les he comentado mis antecedentes personales con la banda, Izal venían de su debut de larga duración “Magia Y Efectos Especiales”. Un disco que les había posicionado bien y que ya prendió la mecha gracias a sus conciertos que evolucionaban en progresión geométrica en número de asistentes y al trabajo individual que hicieron singles acertadísimos como “Qué bien”, la acojonante canción título y el tema de cierto sonido heroico que es “Tu continente”.

“Agujeros De Gusano”, ayudado a ver la luz mediante empujón de crowdfunding, llegó en 2013 y se revela como un disco de alto nivel. Un compendio de temas variados y que normalmente coinciden en tener casi todos al menos un pasaje de mucha intensidad y fuerza y entre los cuales Izal marchan desde temas luminosos a otros más oscuros, pasando por momentos algo melancólicos e incluso atreviéndose con una suite. Solamente le veo un “pero” estructuralmente hablando, que luego les comentaré más a fondo y que ya dejaré ver al comentar la primera canción. Suficiente como intro, pasemos al análisis del disco tema a tema.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Despedida”: Venga, sin dilación: el “pero” que le veo a “Agujeros De Gusano” es empezar con “Despedida”. Quizás siendo muy obvio por su título, yo la hubiera puesto como cierre del disco. Luego extenderé esta idea personal mía; ya saben que aquí somos muy de mirar muy bien el orden del track list de los discos que analizamos. Los habituales lectores de “DMR” no se llevarán a extraños con esto. “Despedida” es un gran tema, de factura melancólica, que comienza sigilosa y se marcha igual. Tiene un desarrollo de intensidad instrumental donde hay grandes momentos líricos como esa invitación a esos vecinos a los que un día nos pusimos a criticar; y es que es muy cierto eso de “nos regalaron tantos momentos de estar completamente de acuerdo. De estar en paz”. No hay mayores momentos de feeling en las relaciones personales que el unirse para poner a parir a alguien. Buena canción que sirve como prólogo, aunque yo la hubiera servido como el real y verdadero epílogo del disco.

2. “Asuntos delicados”: Comenzamos con los singles. Con una estampida de búfalos generada por Alejandro Jordá desde su batería llega el grito de Mikel de “arrímate”. Hay un momento de reflexión con unas oscuras y preciosas cuerdas de la guitarra eléctrica de Alberto Pérez que son el puente al estribillo arrollador. “Asuntos delicados” es de los momentos más alocados e intensos del disco. Estribillo muy acertado y un tema que alborota al personal que va a los conciertos de Izal; no en vano su videoclip se generó compilando fragmentos en directo a raíz de una también cita marcada en la historia de Izal llenando La Riviera.

3. “Hambre”: No cambiamos de textura con “Hambre”. Seguimos moviéndonos en el mayor arrojo y caña del disco. Su videoclip, con imágenes algo grotescas a ratos, es efectista y se ajusta al aplomo melódico que ofrecen nuevamente ofrecen los Izal, donde el vértigo se alcanza más bien en el estribillo.

4. “Pánico práctico”: ¿Más razones para mover a “Despedida” al último lugar? Pues que si así hubiera sido concebido el disco, este arranque hubiera sido parecido al del “The Joshua Tree” de U2; es decir, con 3 singles que quitan el hipo en fila india para comenzar. Y es que “Pánico práctico” es otro de los sencillos extraídos de “Agujeros De Gusano” que ha jugado el papel de ser el single menos cañero, pero que quizás sea nuestro favorito. Su videoclip, con el grupo tirándose en paracaídas, es acertado. Es una canción donde no hay tanta intensidad instrumental, pero que aborda un bonito concepto o idea que es ajustable a cualquier situación en la que una despedida o fin de algo supone una gozada o al menos un alivio. El estribillo es fabuloso: “Adiós al pánico práctico de habernos encontrado. Adiós al vértigo de vernos coincidiendo en el espacio. ¡Adiós, adiós! Ya no volvamos a vernos nunca. ¡Nunca! ¡Nunca!”; que algo sea sencillo no es óbice de que a la par sea fabuloso. Al menos a mí así me lo parece en esta ocasión. Cada cual aplique ese “ya no volvamos a vernos nunca” y repetir el “nunca” gritando a lo que le venga bien: una ruptura sentimental, un despido de un trabajo que te mata en vida, etc. Prueben a aplicar “Pánico práctico” con su escucha a esas situaciones que puedan atravesar en su vida y ya verán cómo se les alegra el día.

5. “Agujeros de gusano”: Con la intro numérica de la voz de una niña pequeña comienza la canción que titula el disco. Una canción en la que Izal apuestan por el desarrollo y evolución melódica hasta límites insospechados. Y es que con los aires y sonidos latinos que termina la canción se produce una sensación de sorpresa mayúscula, ya que en los primeros compases nadie podría imaginar que terminara así. Ofrece buenos pasajes en su desarrollo, que a ratos incluso recuerda a ciertos sonidos de la pasada “Tu continente”. No es ni mucho menos nuestro pasaje favorito del disco.

6. “Palos de ciego”: En “Palos de ciego” encontramos otro fuerte contraste en la evolución de la canción. Hay una primera parte sumamente melódica, en la que quizás Izal ofrecen los segundos de mayor emotividad del disco; me refiero a esa parte que empieza cuando Mikel canta eso de “mientras el mar seguirá a sus tareas…”. Luego hay una ruptura que hace que el tema vire en su sentir hacia la mala hostia y empecinamiento con el pertinaz e incluso amenazante verso de “seguiremos dando palos de ciego al aire”. Se pasa de la mesura y lo bonito a lo encabronado y potente de forma pasmosa. Gran canción y creo que de la misma manera es una de las favoritas de la propia banda.

7. “Ockham”: Canción claramente hecha para el directo es “Ockham”. Sus coros invitan a que el público se desate. Composición en donde se recupera la velocidad melódica de los singles potentes del comienzo del disco. Más reseñable creemos que es lo que viene a continuación, ya que en este terreno estilístico que define a “Ockham” el grupo ha estado más atinado al comienzo del disco sobre todo con “Asuntos delicados” y también con “Hambre”.
8. “Jenna Fischer”: Ahora los Izal se atreven con un sonido forajido y fronterizo para una canción dedicada a una musa que no sé si en la creación lírica de Mikel se atendió a un referente real (al que sin duda en otra etapa de mi vida quizás me hubiera gustado conocer) o a mera creación literaria. “Jenna Fischer” se puede entender como una especie de femme fatale, de esas que tanto encanto tienen y que se ve en ciertas descripciones de su actitud que denotan tanta seguridad: “deja de mirarme como si fueras distinta a las demás” o “relájate, conseguiste conquistar a todos. Relájate, ya nos tienes en tus manos”. Una especie de “loba” de esas que Santi Balmes citaba en “Si tú me dices Ben, yo digo Affleck” y a las que Mikel quizás se tenga que enfrentar cada vez con más frecuencia en fiestas privadas postconcierto (en la que acudimos tras el concierto del Palacio de los Deportes vi a más de una Jenna Fischer en el pub Showcase). Musicalmente un acierto y no en vano el grupo apostó por ella para abrir de forma arrolladora el concierto del 11 de abril en el Palacio de los Deportes. Desde la carcajada del comienzo de Mikel hasta el final de sopetón no hay lugar para desperdicio. Una joya oculta, al no haber sido escogida como single, del disco. En directo, volvemos a hablar de su versión en concierto, la canción se multiplica por dos en fuerza instrumental y resulta apabullante.

9. “A los que volveremos”: En el sector final del disco Izal van metiendo algo de compromiso social en las letras que en cierta forma ya dejaron ver en el 2º sector de “Palos de ciego” y “A los que volveremos”, bonita y acertada pieza de sonido semiacústico, ya apuesta en ese sentido. Esto que comentamos se ve en versos como “juegan a meternos miedo. Nos prefieren donde puedan hacer que olvidemos tantos éxitos y que pensemos que se fueron para no volver”. He de decir que me hizo mucha gracia con la efusividad con la que presentó esta canción Mikel en el Palacio de los Deportes (parecía que se venía arriba), la cual por lógica estuvo incluida en un terceto acústico que hizo el grupo. El estribillo es otra de las genialidades localmente localizadas de este “Agujeros De Gusano”, con un sonido de fuerte gancho y mucha luminosidad. “Colores que iluminan los parques a los que volveremos…” … Perdónenme, pero es que como estoy escuchando el disco mientras escribo el post es fácil dejarse llevar por esta canción.

10. “Tóxica”: Momento de reflexión y oscuridad con “Tóxica”, que desde sus primeros instantes de fuerte contención llama la atención y también desde las primeras palabras que dice Mikel “será más divertido si es complicado”. Canción sigilosa menos en su estribillo donde la intensidad que alcanza es nuevamente arrolladora y crea otro instante muy del estilo Izal. “Eres tóxica y mortal”, así de solemne y dura es la conclusión a la que llega Mikel para culminar el estribillo. Buena canción, de esas que pasan desapercibidas en las primeras escuchas, pero que con el paso de las escuchas termina llegando. Buen ritmo melódico y acertadas bases de batería y bajo en el sector instrumental final.

11. “Epílogo I. La duda razonable”: Izal deciden terminar el disco con una trilogía o suite de fuerte contenido social en su letra. En la primera parte “Epílogo I. La duda razonable” Mikel muestra la incredulidad ante cualquier propuesta política con una base melódica que comienza nuevamente sigilosa y acústica, y que esta vez rompe de forma curiosa. En el tramo final de esta 1ª parte de la suite Izal suenan muchísimo al Bruce Springsteen de los años 70, del “Born To Run”; sobre todo a partir de ese momento cuando Mikel dice “hoy líder…”, donde Iván Mella a los teclados parece haber sido poseído por el señor Danny Federici de la E-Street Band (que en la gloria esté). Si la individualizamos de sus compañeras de conjunto, quizás sea una de las mejores canciones del disco. Emocionante, vital, épica. Soberbia. El final de esa perorata que suelta Mikel en la “fase Springsteen” de la canción que termina con “… no te confundas, bienvenido a tu vertedero” me pone el pelo de los brazos de punta.

12. “Epílogo II. La caída del imperio”: En esta suite hay un momento de decadencia relajada que es “Epílogo II. La caída del imperio”, donde todo parece relativizarse y que pretender dejarnos confortablemente atontados (y es que su sentir es algo “Confortably numb”; verán que los referentes que me vienen a la mente son inmejorables: Springsteen, Pink Floyd). Va cogiendo fuerza para desembocar en el éxtasis y catarsis que se sobrevendrá.

13. “Epílogo III. Resurrección y venganza”: Mikel empieza la parte final de la trilogía de cierre de “Agujeros De Gusano” de título “Epílogo III. Resurrección y venganza” con un discurso bastante jodido, aludiendo a un futuro con tintes de invierno gris perenne, que termina por estallar (“arriba, ¡despertad!”) y revelarse en un final de disco atronador y con unos versos heroicos y épicos, con protagonismo final de unos teclados estratosféricos de Iván Mella que nos dejan sentados frente al sofá después de que se termine la banda sonora haciendo el silencio que demuestra que “Agujeros De Gusano” ha llegado a su fin. Grandísima canción, que sin ser un final desacertado de obra, yo hubiera considerado a otra compañera de disco.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
“Agujeros De Gusano” ha sido uno de los discos más exitosos de la historia del indie español. No sé si en número de ventas, pero en lo referido al aumento de la repercusión mediática de un grupo artista no se recuerda nada parecido desde el “Un Día En El Mundo” de Vetusta Morla; y hay que decir que los de Pucho han llegado unas semanas después que los Izal a llenar el Palacio de los Deportes, con lo que aprecien ustedes la diferencia.

El éxito está justificado. Al escuchar este disco y culminar mi prospección a fondo del universo Izal sentencio que sí. Es justo y merecido el triunfo del quinteto denominado madrileño, si bien madrileño de origen creo que no es ninguno de los 5. La banda derrocha carisma, desde su bajista argentino “Gato” Pérez, a su guitarrista, de parecido con Diego Costa, Alberto Pérez, pasando como no por el señor Mikel Izal, cuyo apellido da nombre al proyecto y que lo lidera con gracia y su arrolladora presencia, que no es otra que la de un tipo que casi mide 2 metros. Y además a las gruppies las vuelve locas, lo cual siempre ayuda a que una banda despegue más si cabe.

El grupo ahora se mete en estudio para grabar su siguiente disco, el cual será jodido que supere a “Agujeros De Gusano”. Si lo iguala sería un logro, ya que es difícil. No obstante, la “despedida” de los escenarios que anunció el grupo para meterse a grabar no es completa del todo, ya que se darán un paseíto para desengrasarse en el directo y ofrecer un par de conciertazos en 2 festivales de renombre, uno de ellos en septiembre en Madrid. Izal respondieron con solvencia al crowdfunding devolviendo un disco de gran mérito y al que cualquiera a día de hoy hubiera estado orgulloso de haber colaborado como mecenas.

Analizando el conjunto del disco estamos ante 13 canciones sin casi capítulos flojos. Quizás los rivales más débiles sean la canción título (debido a su estructura algo intrincada que la hace menos accesible) y “Ockham”; ¡ojo!, ni mucho menos estamos diciendo que estas canciones sean unos horrores. Para nada.

Lo que yo creo es que el disco hubiera cerrado mejor con “Despedida” que con “Epílogo III. Resurrección y venganza”. Tras los teclados de Iván Mella hubiera quedado muy bien ese capítulo reflexivo, emotivo y algo melancólico que es “Despedida”. Además, “Asuntos delicados” hubiera sido de esa forma un tema de apertura atronador con un terceto de apertura de disco exagerado con los 3 singles en fila.

Ya saben que en “DMR” nuestros análisis abundan mucho en el orden de temas de un disco y de ahí este apunte que hemos hecho desde el comienzo del artículo. Ahora bien, quizás nosotros seamos demasiado exquisitos a la hora de escuchar un disco de cabo a rabo y muchas personas se pasarán el orden por el arco del triunfo al tener el modo “shuffle” en sus reproductores. O incluso puede que muchos se queden solamente en escuchar las canciones sueltas por ahí de rato en rato. La forma de escuchar la música es libre, pero nosotros defendemos escuchar los discos de inicio a fin; respetamos mucho la música y consideramos valioso y sano sacar un rato para escuchar algo en su totalidad. Así somos nosotros y por si no lo sabían ya de ahí este párrafo explicativo.

Creemos que con esto es suficiente para haber hablado de este disco de portada sobria que encierra en sí un buen trabajo y resultado melódico. Nos ha permitido ver a una banda que veremos si ha tocado techo o siguen extendiendo su dominio más allá de donde han llegado con “Agujeros De Gusano”, que es mucho. Siguientes pasos serían ser entrevistados en “El Hormiguero” y tocar en el Vicente Calderón (antes de que lo derriben).

Pregunté a la gente de management que lleva al grupo si Mikel Izal tendría un ratito un día de este verano al teléfono para grabar un programa-entrevista para comenzar nuestra 7ª temporada de radio (de aquí a octubre) y me dijeron que no era posible (no sé si le preguntaron al propio Mikel o tomaron sus propias decisiones). Nos hubiera gustado hacer un programa-entrevista con él sobre este “Agujeros De Gusano” al estilo de los que hicimos en su día con Sean Frutos de Second sobre “Fracciones De Un Segundo” o con Santi Balmes de Love Of Lesbian sobre “1999 (O Cómo…)”, pero me parece a mí que nos vamos a quedar con las ganas.

Una pena, ya que ahí Mikel tendría la ocasión de enmendarnos la mayor y rebatirnos nuestra impresión sobre el inicio y final del disco. Cabe una posibilidad y desde aquí lanzamos el guante al propio Mikel. Si has leído esto y una tarde de esas que estás tumbado en el sofá te apetece charlar un rato con nosotros al teléfono, estaremos muy honrados y encantados. Y es que muchas veces es mejor saltarse a los intermediadores de los grupos, créanme.

Y termino hablando de nuestro programa de radio. Ya saben que el pasado sábado 6 de junio finalizamos nuestra 6ª temporada. Ya estamos en planificación (como pueden sacar en conclusión de las líneas inmediatamente anteriores) de la 7ª temporada que comenzará en octubre. Confiamos en conseguir entrevistas que nuevamente sean de su agrado e interés y llevar a cabo igualmente coloquios musicales sobre discos de contrastada calidad. Mañana a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), podrán escuchar la repetición de nuestro último programa en el que mezclamos coloquio y entrevista con un tercer grado a La Broma Negra sobre su último disco perpetrado por Mariano González, Alfredo Morales y servidor a las preguntas.
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martes, 9 de junio de 2015

Programa Deniro “Sueño Que Arde” (Temporada 6/ Programa 15)

El sábado 11 de abril de 2015 en torno a las 14h contactamos por teléfono con Nano Ruíz del grupo Deniro para realizar el programa-entrevista que teníamos pensado llevar a cabo esta temporada sobre el notable tercer trabajo discográfico del grupo de título “Sueño Que Arde”.

El bueno de Nano nos atendió muy amablemente y con mucha paciencia y aguante, ya que no se encontraba nada bien de salud en ese primaveral día. Pudimos hablar con él sobre muchos aspectos interesantes de “Sueño Que Arde” y otros asuntos internos de Deniro como banda. La foto es un selfie que me saqué mientras editaba el audio ya grabado de la entrevista.

El programa se emitió de estreno el 23 de mayo de 2015 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), con posteriores redifusiones los miércoles 27 de mayo y 3 de junio a las 23.00h y el sábado 30 de mayo de 2015 a las 16.00h en el mismo dial.

Agradecemos a Nano Ruíz y a Pablo Arribas “Pichurra” su disposición y gestiones respectivamente para que este programa de nuestra 6ª temporada de radio se llevara a cabo. Aquí les dejamos el link a Ivoox para que se puedan descargar el audio y más abajo el reproductor insertado por si simplemente lo desean escuchar aquí, que también nos vale: http://www.ivoox.com/dmr-6-15-audios-mp3_rf_4612527_1.html
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