domingo, 31 de mayo de 2015

Concierto Shinova. Madrid (28-05-2015)

Shinova vinieron este pasado jueves a presentar a la sala Costello su disco “Ana Y El Artista Temerario”. Sufriendo un poco con el autobús 146 de la EMT, debido a la salida de la gente de la plaza de toros de Las Ventas tras una corrida de toros de la presente Feria de San Isidro, llegamos a tiempo al centro. Con un aforo completo del recinto, los de Vizcaya salieron al escenario pasadas las 22.00h y comenzaron con fuerza y arrojo su actuación, con una de las canciones que completan el título del último disco “Artista temerario”. La potencia del sonido venía ya desde la batería de Froufe, el cual ya en los primeros compases llegó a partir alguna baqueta. Gabriel se mostraba con seguridad al micrófono, apuntalando las composiciones con su notable registro en el micro. Siguieron en los primeros compases desgranando más canciones de “Ana Y El Artista Temerario” como la curiosamente titulada “Shakespeare in shock” o “La ventana del voyeur”; ésta última citada nos gustó especialmente en la toma que nos ofrecieron Shinova en este show.
En cuestiones de listado de temas interpretados, Shinova, aunque tienen en su haber ya 3 discos, hicieron un poco como Najwa y pasaron bastante de las canciones de sus anteriores trabajos “La Ceremonia De La Confusión” de 2011 y de “Latidos” de 2009. De los mismos solamente hubo cabida, eso sí, como cierre de honor, para “El peso de los días” de “Latidos”.
Al margen del extenso, exhaustivo e intenso escrutinio de las canciones del notable lp que es “Ana Y El Artista Temerario”, hubo lugar para un tema nuevo de título “El primero de muchos”, del que luego comentaremos algo más que aconteció a su interpretación, y para una versión bastante apañada del “Ni tú ni nadie” de Alaska Y Dinarama (la “amenaza” de tocar versiones de Alaska sin parar durante 36 horas se quedó solamente en esto). Por lo demás, Shinova, como ya hemos dicho, se centraron a fondo en su nuevo disco. Y las canciones sonaron con solvencia y potencia. El grupo no metió en los primeros compases ninguno de los temas de mayor repercusión mediática del disco (bueno, sí, quizás “Artista temerario” sí que ha tenido su repercusión con su videoclip y campaña que el grupo movió por la red, la verdad) y apostaron por otras composiciones que si bien no han sido single, sí que merecen mucho la pena como la muy rítmica y vertiginosa “Atlántico” o la más reflexiva “Las marcas del tiempo” que vendría después de ésta y que el cantante de Shinova explicara que dentro de la temática del disco el tiempo tiene un peso importante.
Los que nosotros personalmente consideramos los hits del último disco del grupo son los singles “Lo que fuimos” y “Paisajes”. Curiosamente, dentro de la estructura del concierto, Shinova decidieron meterlos seguidos en sector central del show, con un resultado de conseguir que el público no se saliera de la actuación en unos momentos en los que introducir temas de un perfil bajo pueden suponer una distracción de la gente. Cumplieron sobradamente bien su papel estos dos temas notables, pero realmente no supusieron un momento extremadamente destacado, lo cual pone de manifiesto que Shinova cumplieron de inicio a fin sin altibajos, afrontando todas las canciones con la misma fuerza y energía, peleando incluso con fallos técnicos que comentaremos un poco más adelante. Quizás “Paisajes” sea nuestra canción favorita de Shinova a día de hoy y por ello hicimos un video de la misma que aquí les insertamos a continuación; como siempre, no nos pidan responsabilidades por la malísima calidad de audio y sonido del mismo (son los medios que tenemos).
Gabriel interactuó en un par de ocasiones con el público para explicar aspectos que en “DMR” siempre nos interesan mucho, que son los que nos ayudan a entender bien a un disco. Habló de la dualidad que supone el propio título; esa dualidad que realmente tenemos todos en nuestra personalidad, con una vertiente más arriesgada que encarnaría el “artista temerario” y por otro lado el perfil más bajo o conservador e incluso inseguro que sería el que personaliza “Ana”. En lo que al resto de músicos de Shinova respecta, se pudo constatar muy bien las líneas eléctricas de guitarras y bajo que llevan Erlantz, Dani y Ander respectivamente, si bien lo que más llamó la atención fue la contundencia de las bases de percusión de Froufe en la batería. Abajo un primer plano de Gabriel al micro.
Shinova tuvieron la mala suerte de que un amplificador se fue al garete justo cuando retornaron para los bises; parece ser que éste es un mal que está últimamente haciendo mucho acto de presencia en los conciertos, ya que recuerdo que a los Sala & The Strange Sounds, según narró en esta página Alfredo Morales, también tuvieron que hacer algo parecido a lo que resolvieron Shinova en esta ocasión. Shinova improvisaron tocar el tema “El primero de muchos” en acústico, sentándose en el frente del escenario de la Costello, creando un momento de intimidad y saliendo del paso con soltura y buena resolución. Abajo una imagen del momento que les acabamos de comentar.
No puedo dejar de comentar que una de las canciones más bonitas de Shinova que es “Gravedad cero”, contó con la colaboración de la cantante María Villalón. Sí, aquella chica que allá por 2007 ganó la primera edición de “Factor X”. Yo la conozco bien porque si bien no soy muy amigo de seguir los programas de tipo “talent show”, en aquel programa estaba en el staff mi admirado y buen amigo Miqui Puig, y aunque el papel de “juez cabrón” que jugó en aquellos días le ganó muchos detractores, yo lo veía semana tras semana, porque ya saben que a este señor le admiro desde hace mucho tiempo atrás cuando lideraba a los imprescindibles Los Sencillos.
María Villalón, a quien arriba vemos en una imagen de su participación y que está ahora mismo en un buen momento de su trayectoria, con bastante presencia del videoclip de su canción “Descalza” en la cadena de televisión musical de referencia (y casi única) Kiss Tv, ayudó bien a Gabriel en esta “Gravedad cero” y hubo muy buena química entre los 2 en las tablas. Se despidió del público mostrándose agradecida por haber colaborado con el grupo en ese tema y afirmando que es la canción que más le gusta de la discografía de Shinova; no tiene mal gusto.
Como ya hemos mencionado antes, Shinova se despidieron con la interpretación de “El peso de los días” (un acierto, ya que con esta canción cerraron el concierto en todo lo alto), y antes presentando otro tema nuevo de título “La ciudad dormida” cumpliendo con aproximadamente una hora y 20 de actuación que dejo en el olvido los contratiempos técnicos y dejó un buen sabor de boca. Se puso de manifiesto la calidad de las canciones de “Ana Y El Artista Temerario” y su correcto funcionamiento en directo. Lo pasamos bien, nos gustaron Shinova en escena y agradecemos a Pablo Arribas “Pichurra”, quien estuvo amenizando con acierto el pre-concierto con una de sus sesiones de dj, que nos tuviera en cuenta para poder informarles de esta actuación.
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viernes, 29 de mayo de 2015

The Knife - Shaken Up Versions (2014)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Normalmente un disco como el que vamos a tratar no sería objeto de crítica por tratarse en teoría de un trabajo menor, pero, claro cuando estamos hablando del grupo electrónico más innovador de la pasada década cuya discografía no tiene ningún desperdicio y que acaban de anunciar (para nuestra desgracia) su separación, pues es lógico que tomemos este “Shaken Up Versions” como un bonito, sincero, inteligente y muy bailable epitafio de The Knife.

Bonito porque sirve de recuerdo de su última gira en la que presentaban su último álbum de estudio, el radical “Shaking The Habitual” del año 2013. Sincero por el mismo concepto del álbum, un disco en directo en estudio; esto a primera vista puede chochar, pero que nadie se engañe: absolutamente todos los discos en directo están retocados en estudio (sé que a muchos fanáticos les romperé la magia, pero para el famoso y legendario “101” de Depeche Mode, Dave Gahan volvió a grabar las voces en estudio porque eso no había por dónde cogerlo).

¿Entonces qué mejor que hacer directamente las versiones en directo en estudio? Nuevamente la influencia de Kraftwerk está presente pues fueron ellos los primeros (y creo que los únicos) en plantear un disco en directo en estudio; se trató de “The Mix”, álbum de 1991 cuyo concepto era ése, aunque hay que decir que el resultado de “Shaken Up Versions” es mucho más fiel al directo que el proyecto de Ralf y Florian, más que nada porque “The Mix” salió antes de la gira mientras que “Shaken Up Versions” es posterior.

Muchas han sido las comparaciones entre los dos grupos a lo largo de los años. No es de extrañar aunque hay que salvar mucho las distancias entre la obra de uno y otro grupo, pero ambos son grandes innovadores en el terreno electrónico, ambos son proyectos totalmente audiovisuales, al margen de la industria, con un gusto por la uniformidad de sus miembros. Las diferencias más claras serian por un lado la clara politización de la música de The Knife y por otro la influencia en los primeros tiempos de Bjork sobre los hermanos Dreijer. The Knife empezó donde lo dejo Bjork antes de volverse loca y a partir de ahí han construido una más que disfrutable carrera antes de volverse locos ellos también y en consecuencia separarse.

Inteligente porque en lugar de sacar el típico disco en directo de gira (algo bastante pasado de moda por cierto), se han metido en el estudio para hacer esas canciones tal como las hacen en directo, pero sin los molestos vítores y aplausos del público, algo que puede casar bien con discos en directo de pijoprogres como Springsteen o U2, pero no con los hermanos Dreijer, auténticos activistas de izquierda consecuentes con sus ideas.

Finalmente muy bailable. En su última gira el grupo ha prescindido casi totalmente de esa parte más oscura y claustrofóbica para llevarnos a una verdadera fiesta donde el baile sin freno, las reivindicaciones de izquierdas, las teorías queer y el humor están muy presentes. Empecemos pues con el falso show.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Without you my life will be boring”: El disco se abre con una de las canciones más festivas de “Shaking The Habitual” (2013), mucho más acelerada que su versión original, con toques más techno e incrementando la distorsión de voces. En concierto era justamente esta versión la que era reproducida mientras el cuerpo de baile hacía de las suyas y nadie tocaba en directo.

2. “Got 2 let U”: Rescatada de su segundo álbum “Deep Cuts” (2003), dio una nota humorística al show ya que la canción se presta a ello con el intercambio de frases entre una pareja (aunque las voces son todas de Karin que hace también la parte masculina con la correspondiente distorsión de voz, algo que ya es marca de la casa). Mucho más bailable que la versión original. Es todo un triunfo teniendo en cuenta que no era una canción fácil de autoversionar.

3. “Stay our here”: Uno de los temas principales de “Shaking The Habitual” donde The Knife se alían con Shannon Funchess para anunciarnos la decadencia del sistema capitalista en general y del euro en particular. En esta versión, que casi alcanza los 9 minutos, se refuerzan las percusiones y ciertos sonidos electrónicos que enriquecen el resultado final. A pesar de ser un tema para la pista de baile, la nueva versión no le ha hecho perder cierto toque hipnótico.

4. “Bird”: Quizás la versión más polémica del disco. Estoy seguro que a muchos fans les habrá dejado sorprendidos y no para bien. A mí me parece muy original. Se trata de un tema de su álbum debut “The Knife” (2001) que originalmente era una delicia electrónica con algún toque sutil de guitarra que reivindicaba la libertad individual. En la nueva versión se muestra transformada en una auténtica locura de percusiones a lo Mayumana, que unido a todo tipo de ruidos y un ritmo frenético deja poco de la versión original; es como si esa libertad de la que se hablaba en la versión original fuese ya algo totalmente real que el grupo aprovecha al máximo.
5. “Pass this on”: Originalmente un single del álbum “Deep Cuts”, nuevamente cuentan con Shannon Funchess para uno de los temas favoritos de los fans, para algunos incluso su mejor canción. En la nueva versión el sujeto cambia y en lugar de “estar enamorado de tu hermano” lo está de “tu hermana”. Musicalmente sigue la tendencia dance del álbum y tan solo conserva algunos reconocibles toques melódicos de sintetizador.

6. “We share ours mothers’ health”: Perteneciente a su álbum “Silent Shout” (2006) es un ejemplo de cómo reconstruir una canción prácticamente desde cero. Aquí no encontraremos los ritmos sintetizados de la versión original, sino que poco a poco estos se van construyendo al igual que la melodía para terminar estallando y volviendo al punto de partida.

7. “Silent shout”: Una de las canciones más oscuras del grupo, pero a la vez bailables. Es esto último lo que han potenciado en esta nueva versión convirtiendo este tema en un auténtico valor seguro en cualquier pista que se precie. Prescinden totalmente de la parte más lúgubre de la canción para crear el fin perfecto de la fiesta.

8. “Ready to lose”: El álbum (que no el show) se cierra con este tema de “Shaking The Habitual” donde el grupo pone en cuestión la monarquía sueca y cualquier sistema donde una persona obtiene privilegios solamente por tener sangre azul. Es la única canción del álbum donde dejan a un lado el baile para ofrecernos un medio tiempo muy ambient repleto de sintetizadores envolventes y hasta un triángulo de metal.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
“Shaken Up Versions” es otro puñetazo en la mesa de un grupo que optó por hacer las cosas de forma diferente, a su manera y sin depender de nadie (controlan su propia discografica Rabbit Records y la gente es libre de descargarse gratis su música ya que trabajan con licencia Creative Commons). Si con su última gira el grupo ponía en ridículo el mundo de los directos y más concretamente los directos de ciertas divas y grupos electrónicos, con este disco vuelven a cuestionar el mismo mundo de los álbumes en directo.

Ocho han sido las canciones elegidas y muy bien por cierto porque en realidad tampoco había más. Para prácticamente el resto de tracks del show utilizaban playback, algo que puede sonar escandaloso si pensamos que el show de The Knife es un concierto en directo convencional, cuando no tiene absolutamente nada que ver, ya que se trataba de una performance reivindicativa más que otra cosa; a mí desde luego me cambió la vida ese show que dieron en Paris. Ya jamás podré ver el mundo de los directos de igual forma, fue un poco como cuando a los niños les dicen que los reyes son los padres. 

El grupo ha anunciado su separación. Una pena, pero era algo que se veía venir, ya que el grupo tardó 7 años en entregar un nuevo trabajo de estudio desde “Silent Shout”. En ese tiempo Olof Dreijer ejerció como dj y lanzó algunos singles de música experimental con el nombre de Oni Ayhun. Karin Dreijer reaparecería en 2009 como Fever Ray con un álbum homónimo que fue un enorme éxito de crítica. Al final los hermanos se reunirían brevemente para lanzar la ópera “Tomorrow In A Year” (2010) basada en “El Origen De Las Especies” de Charles Darwin y hecha en colaboración con Mt. Sims y Plannintorock.

Estaba claro que si The Knife volvían sería con algo totalmente diferente a todo lo realizado antes y así fue con el álbum más radical de toda su carrera “Shaking The Habitual”. Un gran álbum que no quita que en algunos momentos de su minutaje nos preguntemos si nos están tomando el pelo. Irónicamente es con su trabajo más radical y difícil con el que mejores resultados comerciales han obtenido. Tampoco es de extrañar durante los últimos años de sequía la fama del grupo ha ido aumentando y hubiese dado igual el material que entregaran porque ya estaba vendido de antemano. 

Supongo que las relaciones entre hermanos que comparten grupo son bastante difíciles como nos muestra la historia del pop, pero de todas maneras y teniendo en cuenta que han pasado 7 años para que entregasen un nuevo trabajo, pueden pasar otros 7 para que se lo piensen mejor y vuelvan. Entretanto disfrutemos de este “Shaken Up Versions” como recuerdo de lo grandes que han sido The Knife.

Texto: Alfredo Morales.
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jueves, 28 de mayo de 2015

Discos, música y reflexiones cubrirá en Madrid el World Goth Day (30-05-2015)

En la sala Maravillas se celebra este sábado el festival del día gótico y “DMR” no se lo quiere perder. Bien es cierto que uno de nuestros grupos amigo y predilectos, La Broma Negra, es el motivo principal que nos hace desplazarnos este sábado hasta la sala, pero no es lo único que nos causa curiosidad.

Aparte del grupo liderado por Álex Gómez y Carlos Caballero, con grandísimo nuevo single bajo el brazo “Los cuerpos celestes” –anticipo de su inminente nuevo disco-, se podrá disfrutar de la actuación de Furtiva y Larva que vienen a completar el cartel musical.

Pero no solo ahí queda la cosa de este evento que comienza a las 21.00h de este sábado, sino que también habrá diversas sesiones dj e incluso un desfile gótico y neo-victoriano. Ahí es nada. Agradecemos a la gente de Melodías De Sombras y a nuestros amigos de La Broma Negra que nos tengan en cuenta para poder informar de este evento tan interesante.

Avisamos que en esta ocasión iremos la plantilla al completo de “DMR”, incluyendo a Mariano González el cual a pesar de su no recuperación física por el momento hará el esfuerzo para no perderse este evento. El artículo posterior aún no sé quién de los 3 lo escribirá, pero probablemente las fotografías sí que corran de mi cuenta. La próxima semana visiten el blog para ver la correspondiente crónica.
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lunes, 25 de mayo de 2015

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Shinova (28-05-2015)

La banda Shinova defenderá este próximo jueves 28 de mayo de 2015 en la céntrica sala Costello su último disco “Ana Y El Artista Temerario”. El grupo viene muy rodado durante este 2015, donde su gira “Temerario” les ha llevado por diversos lugares como Bilbao, Pamplona, Huesca, Valencia. Ahora es el turno de retornar a Madrid donde la banda ha ofrecido también conciertos en este mismo año.

Están previstas incorporaciones de nuevas fechas no a mucho tardar, pero de momento es la última ocasión confirmada para ver al grupo en directo. No se lo pierdan y acudan. Además, para que no tengan excusas, sortearemos 2 entradas dobles entre todos aquellos que respondan a una fácil pregunta en nuestra página de Facebook; participen y a ver si tienen suerte.

Antes de Shinova, por si llegan a la sala Costello con tiempo, se podrán deleitar con una sesión de Dj Pichurra, que siempre tiene muy buen criterio a la hora de ponerse en los platos y al cual agradecemos que nos haya tenido en cuenta a “DMR” para informarles de este concierto. Tras el concierto, habrá crónica del mismo por aquí, salvo causa de fuerza mayor como nos sucedió con el concierto de Mi Capitán; cruzamos los dedos.
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viernes, 22 de mayo de 2015

Temporada 6/ Programa 15: Deniro y “Sueño Que Arde” (2014)

Este sábado 23 de mayo a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) nuestros protagonistas son el grupo Deniro y lo son de la mano de su último disco hasta la fecha de título “Sueño Que Arde”. El más que notable 3er. disco de la formación madrileña es el objeto principal de análisis en este programa-entrevista.

Es Nano Ruiz, guitarrista del grupo y líder moral del grupo, quien nos acompañará durante nuestra hora de programa para comentar muchos aspectos del disco, de sus canciones y también poder hablar sobre otros aspectos generales de Deniro.

Tendrán una buena ocasión para poder conocer más sobre esta banda madrileña de buen rock y una oportunidad de escuchar un álbum musical muy bien medido y que da mucho que hablar. Intercalaremos varias canciones en los bloques que conforman la entrevista con Nano Ruiz de las que forman parte del disco; creo que hemos hecho una acertada selección o muestra de los temas que forman parte de “Sueño Que Arde”.

Estén atentos a nuestra emisión este sábado a las 16.00h. Agradecemos a Pablo Arribas “Pichurra” sus gestiones para poder haber llevado a cabo este programa.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/670961836373052
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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jueves, 21 de mayo de 2015

Concierto Los Toreros Muertos + La Orquesta Mondragón + Álex O’Dogherty Y La Bizarrería. Madrid (17-05-2015). Parte 1.

¿Nueva ocasión para vivir esos grandes conciertos de antaño de las Fiestas de San Isidro en la Plaza Mayor? ¡Bien! ¿El ayuntamiento considera hacer un programa triple con grandes como Los Toreros Muertos, La Orquesta Mondragón y Álex O’Dogherty Y La Bizarrería? ¡Bien! ¿Evento gratuito? ¡Bien! ¿Buen tiempo? ¡Bien! ¿Un domingo? ¡Mal y requetemal! Éste fue el único punto negro del buen criterio que la concejalía de turno del ayto. de Madrid dispuso para uno de los grandes eventos de sus fiestas. Desde “DMR” somos de la opinión de que los conciertos nunca deberían celebrarse un domingo o lunes (que me disculpe aquellos pocos que libren lunes/martes). Por lo demás, y venciendo a la bajona que es un plan de domingo noche, decidimos rendirnos a la propuesta, que era muy convincente, y tiramos para la Plaza Mayor.
Llegamos cuando todavía estaba Álex O’Dogherty junto a La Bizarrería haciendo la prueba de sonido; aquí arriba lo pueden ver. El motivo fue que Alfredo Morales estaba temeroso de que aquello estuviera hasta los topes y no pudiéramos situarnos bien; si yo me confundí con Morrissey en octubre, ahora le tocó a él equivocarse y cuando llegamos nos pudimos colocar sin problemas en la primera fila. Lo que pasó a la postre es que ahí se situó un cámara que nos jodió la visión del evento bastante, lo cual verán en las fotos del post.
Pudimos escuchar “Yo y mi imaginación” en versión pre-concierto y luego estuvimos 40 minutos de charla hasta que O’Dogherty y su grupo retornaban vestidos ya de gala rigurosamente a las 21.00h para abrir el programa. El bueno de Álex O’Dogherty, el cual lleva ya tiempo en Madrid realizando actuaciones en teatros junto a La Bizarrería, dispuso de media hora de reloj para defender su propuesta musical. Este actor y músico muy ingenioso, que en los Premios Goya saca a relucir su faceta musical, a veces con buena aceptación (como en 2013) y otras con menor (como la de este año, que pocos entendieron), lamentó en un par de ocasiones la prisa que le metían y el no disponer de algo más de tiempo para divertir a la gente con su música y ocurrencias.
Cerró con “Yo y mi imaginación”, canción clásica de su repertorio que ya hemos comentando estaba ensayando cuando llegamos, pero antes ofreció cosas tan divertidas como “Esta canción es una mierda” y acto seguido el contrapunto de “Una canción muy bonita” o a raíz de esta última canción arrancarse con un ingenioso medley en 3 acordes donde evidenció que muchas de las grandes canciones del pop se apoyan en los mismos acordes y la combinación de los mismos. Tocó el piano, la guitarra eléctrica y poco a poco fue desprendiéndose de su look elegante para terminar en camiseta negra de manga corta. Breve, en efecto, pero agradable y entretenido. Muchas veces dicen que lo bueno si es breve es 2 veces bueno. Espero esto le sirva a O’Dogherty para no lamentar la urgencia que la transmitían para que se ajustara a lo que disponía de tiempo.
Dio gusto, eso sí, lo rápido que se cambiaron los sets del escenario para un grupo y otro. Álex O’Dogherty abandonó el escenario a las 22.35h y a las 22.40h ya estaban en las tablas la formación actual de La Orquesta Mondragón esperando a su líder Javier Gurruchaga, el cual salió cuando su banda ya estaban a pleno rendimiento instrumental. A La Orquesta Mondragón quise verles allá en 1988 cuando actuaron en Torrejón de Ardoz en el campo de fútbol de Las Veredillas en mitad de su gigantesco éxito de “Ellos Las Prefieren Gordas”. Con 6 años que tenía, no podía ir solo y mi madre se negó a llevarme a aquel concierto gratuito de las fiestas populares. Me saqué la espina en 2009 cuando 20 años después retornaron al municipio para un concierto en el que abrieron las celebraciones del carnaval de aquel año en la carpa de la plaza mayor. Tenía muchas ganas de volver a ver a La Orquesta Mondragón y fueron el principal motivo que me llevó a quitarme la pereza dominguera de salir de casa más allá de las 19.00h para ir a cualquier sitio. Y me volvieron a gustar mucho.
Javier Gurruchaga no es un tío celoso de su éxito y en su humildad se aprecia que en una hora de actuación que le dan, prefiere tributar a sus grandes ídolos que aprovechar el tiempo para deleitar con las composiciones de la extensa trayectoria de La Orquesta Mondragón que son de creación propia (las cuales le dan para un concierto más que solvente de hora y media). Por ello, La Orquesta Mondragón intercaló versiones de John Lennon (el querido “Imagine” de Gurruchaga), The Doors o Elvis Presley con los grandes hits de La Orquesta Mondragón. De las primeras que sonaron fueron “Corazón de neón” o “Caperucita feroz”. No faltaron más adelante “Olvídate de mí”, “Ponte peluca” o “Viaje con nosotros”, la cual sonó en su mejor registro. Aquí inserto un fragmento que grabamos de la siempre estupenda “Corazón de neón”.
Sin embargo, hubo una cosa que me apenó y que deja en parte algo coja la actuación de La Orquesta Mondragón. Vaya por delante que Javier Gurruchaga es el líder y voz personalísima del grupo de siempre. Si escuchas un disco, todo va bien, o si escuchas el concierto por la radio (si lo hubiera retransmitido Radio 3 por ejemplo), perfecto. Pero, sin embargo, si acudes a ver a La Orquesta Mondragón, parte del espectáculo reside en lo visual y ahí el señor Popotxo Ayestarán es básico. Popotxo no estuvo. No sé el motivo (he buscado por ahí a ver si me enteraba del motivo de su ausencia). Las gafas de sol que llevaba Gurruchaga deslumbraban cualquier flash, y si no lo creen vean la foto de aquí abajo.
A cambio fue sustituido por una bella chica morena que hizo en parte sus veces disfrazándose de Caperucita (ver la foto debajo de este párrafo) y otro mozo que representaba los números cómicos mímicos y aunque la belleza física del dúo es mayor que la de señor Ayestarán, la verdad es que lamenté mucho no ver al carismático actor junto a Javier en escena. En este sentido, en aquel concierto de 2009 sí que estuvo Popotxo, más grande que la vida misma, con su repertorio de gestos y disfraces que tan bien acompañan a La Orquesta Mondragón. Aquel día Javier estuvo más exagerado que en este concierto, poniéndose entre otras cosas su máscara de lobo feroz y otras cosas que hicieron muy divertido aquel show.
Este concierto de La Orquesta Mondragón fue más serio y más profesional musicalmente hablando. Javier Gurruchaga se alejó del histrionismo que a veces profesa en la voz (y que muchos adoramos) y estuvo más comedido o sentido. No obstante, nos regaló algún “ladies and gentlemen” a voz pelada de los suyos que tanto me gustan y que demostraron que este tío sigue ofreciendo un espectáculo digno de ver sobre las tablas. De aspecto me recordó muchísimo a Van Morrison, por cierto. Algo más de 50 minutos de actuación bastante bien aprovechada.
Los Toreros Muertos son una banda de mucho carisma. En cierto sentido, tienen alguna similitud de estatus respecto a La Orquesta Mondragón, más allá de que sus líderes coincidieran en aquel gran programa que fue “La Bola De Cristal”. Pablo Carbonell es un tipo que me cae muy simpático y que me caería más simpático aún si no fuera porque junto a El Gran Wyoming (otro que me sucede lo mismo que con Carbonell) le saliera en su día el tiro por la culata y crearan en el “CQC” de los años 90 de Esperanza Aguirre un personaje político que consigue mayorías absolutas, básicamente porque el pueblo llano (tonto a más no poder), no entendió el mensaje que intentaron transmitir con la imagen que retrataban de la amenazante futura alcaldesa que vamos a tener en Madrid. Por eso, por ayudar a haber creado ese monstruo lamentable (esto no es un post de política, sino les explicaría mis motivos, que también son personales más allá de ideas políticas o de gestión), a Carbonell le miro con cierto aire de rabia y reproche por aquella labor periodística que tan mal resultado tuvo en ese sentido con “la Espe”.
Dejando de lado estos asuntos no musicales, tenía ganas de ver el show irreverente de la banda liderada por Pablo que volvieron hace unos años a la escena para recuperar su buen repertorio. En este post por partes, será Alfredo Morales quien en su momento les hablará más a fondo de la actuación de Los Toreros Muertos, ya que él es quien es el experto y si yo fui al evento por La Orquesta Mondragón, él acudió principalmente por Los Toreros Muertos. Comenzaron con su peculiar prueba de sonido “Probando”, donde Carbonell hizo porque me olvidara de su “Aguirregate” con cosas como la puya que soltó del 4-0 del Atleti al Real Madrid de este año y posteriormente con la canción que da título a la banda, y que quizás es mi favorita de su repertorio, por su melodía insanamente oscilante de ritmos ska. Aquí abajo un cachito de la gran canción “Los toreros muertos”.
Presentaron temas nuevos, tras 23 años sin editar nuevo material y recuperaron prácticamente todos sus hits. No se dejaron llevar por lo evidente de finalizar con “Mi agüita amarilla”, ya que sonó en el tramo final, pero ni siquiera fue el tema con el que se despidieron hasta los bises y rescataron canciones que no escuchaba desde los días en los que sonaban en la radio como fue el caso de “Manolito” (¡Anda que no hacía años que no escuchaba aquello de “… me gusta jugar con mi amigo Sebastián”!). Abajo Pablo con la americana más discreta de las que lució.
La brutal “On the desk” se situó en el tramo inicial y por ejemplo otro gran hit como es “Yo no me llamo Javier” estuvo en el sector final del show. Terminaron con la hilarante “D.N.I.”, que narra la desesperación que supone extraviar el documento de marras y lo que jode tener que pagar otra vez las tasas en ese caso; en la misma metieron una broma sobre los Duncan Dhu muy en la honda del humor de Pablo Carbonell. Los Toreros Muertos estuvieron con sus componentes clásicos Many Moure al bajo y Guillermo Piccolini en los teclados (enredado por una hiedra en el traje toda la actuación) y tampoco faltó Fernando Polaino en las guitarras (al cual conocimos en persona por su colaboración en Dr. Sapo junto a Miguel de Lucas hará cosa de algo más de un año). Abajo Guillermo y Fernando.
No había visto jamás a Los Toreros Muertos en escena. Alfredo Morales sí. Les vio en la sala Galileo en su gira de reunión de hace unos años y en 1992 en el Parque de Atracciones. Me gustaron muchísimo. Fue una hora y cuarto de actuación irreverente y sarcástica, con Pablo Carbonell vestido de pantalón corto y botas militares, con americanas heredadas de José Corbacho, su inseparable rollo de papel higiénico y un maquillaje de mimo corrido, que acrecentaron en mi la sensación que siempre he tenido que el bueno de Pablo podría haber participado perfectamente en el reparto de “La Familia Adams”. Se despidió pidiendo que votáramos con juicio (supongo que algo de conciencia no tranquila debe tener el señor Carbonell por lo que comenté antes) y se marcharon por todo lo alto del escenario.
Grandioso programa, cuyo único “pero” fue el día de la semana en el que se encuadró. Si hubiera sido el sábado la Plaza Mayor probablemente hubiera reventado. Finalmente estuvo muy llena, pero se notó que un domingo por la noche a la mayoría de la gente la echa para atrás. Y esta ha sido mi visión del evento que puso final a las Fiestas de San Isidro de 2015. Alfredo Morales en los próximos días o semanas les dará su versión de lo sucedido. Un concierto con estos 3 grupos se merece sin duda un artículo en 2 partes.
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martes, 19 de mayo de 2015

Discos, música y reflexiones entrevistó a Deniro

Otro capítulo más de entrevistas de nuestra 6ª temporada (no se quejarán). En esta ocasión tuvimos la suerte de poder entrevistar a Nano Ruiz, líder y guitarra de Deniro, para hablar de su 3er. trabajo de estudio “Sueño Que Arde”, un gran disco que les hemos comentado hace unas pocas semanas en nuestros artículos de revisión de disco. 

El pasado 11 de abril, día que estrenábamos el programa-entrevista con ELE y en el que a las 17.00h grabábamos el debate sobre “Parade” de Spandau Ballet, antes de nada, a las 14.00h, contactamos por teléfono con Nano Ruiz que nos atendió pese a estar algo fastidiado de salud.

Pudimos compartir la hora de programa en su compañía hablando de muchos aspectos de Deniro como banda y del último trabajo “Sueño Que Arde”. Hemos seleccionado temas acertadísimos que intercalan los bloques de entrevista que llevamos a cabo con Nano. Creemos que es un programa que ha quedado bastante bien y que les ayudará a adentrarse en Deniro de la mano de este trabajo tan fabuloso que es “Sueño Que Arde”.

A ver, que se nos olvida lo más importante: este programa-entrevista se estrenará este sábado 23 de mayo a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Habrá redifusiones el sábado siguiente a la misma hora y los miércoles sucesivos (27 de mayo y 3 junio) a las 23.00h en el mismo dial.

Agradecemos a Pablo Arribas, Pichurra, todas sus gestiones para que hayamos podido a llevar a cabo este programa dentro de la sexta temporada de radio de “Discos, música y reflexiones”.
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lunes, 18 de mayo de 2015

Programa The Alan Parsons Project “Ammonia Avenue” (Temporada 6/ Programa 13)

El pasado 25 de abril de 2015 a las 16.00h y en riguroso directo en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), llevamos a cabo la realización del bonito y sentido programa que dedicamos a The Alan Parsons Project y a uno de sus mejores discos, el “Ammonia Avenue” de 1984.

En compañía presencial de Luis F. Novalvos y telefónica de Mariano González (nuevamente en espíritu en el cutremontaje de turno) estuvimos nuestra hora de programa comentando varios aspectos de la obra y de este proyecto musical de tan buen gusto.

Hubo amenaza de aplazamiento o retraso en la hora de emisión del programa debido a que Luis Felipe Novalvos, de lejos el tertuliano con más conocimiento del grupo de los que tomó parte, llegaba tarde por una incidencia horrible de Renfe, pero nos arriesgamos y comenzamos a las 16.00h, llegando el bueno de Luis Felipe, acalorado, estresado y sudoroso mientras que Mariano González finalizaba su primera intervención.

Creo que quedó un buen programa, lleno de buena música (la selección de temas fue creo que muy acertada) y espero que sea de su agrado volverlo a escuchar si es que no lo hicieron en el directo o los miércoles 29 de abril y 6 de mayo de 2015 a las 23.00h o el sábado 2 de mayo de 2015 a las 16.00h en la misma sintonía.

Aquí les dejamos el link a Ivoox para que se lo descarguen si lo desean y también el reproductor insertado para que no tengan excusa de ningún tipo para poder escucharlo: http://www.ivoox.com/dmr-6-13-audios-mp3_rf_4511764_1.html
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viernes, 15 de mayo de 2015

The Beatles - Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Damas y caballeros, ante ustedes un auténtico tótem de la cultura popular en general y de la música en particular. Es difícil hablar de un disco que ha dado lugar a un grandísimo número de comentarios, no obstante empezaremos situando el contexto. Llega un momento, a mediados de los 60, en que el pop y el rock dan una vuelta de tuerca y aspiran a hacer algo más “artístico”. Ni muchísimo menos quiero menospreciar todo lo que vino anteriormente, sino señalar que cada vez más se van buscando sonidos más ambiciosos: la psicodelia expande la paleta de sonidos y arroja ideas cada vez más vanguardistas, los discos cada vez son más sólidos más allá de los singles de turno, se incorporan arreglos más sofisticados (orquestales por ejemplo) e inclusos se van plantando semillas de ideas que germinarán más tarde (como por ejemplo los discos conceptuales; sirva este disco de botón de muestra).

A raíz de esta madurez estilística y progresiva empiezan a concretarse discos y bandas. Brian Wilson, líder de los Beach Boys, escucha el “Rubber Soul” de los Beatles (1965) y se queda maravillado al escuchar un disco redondo de principio a fin y trata de responder haciendo un disco que marque un hito. El resultado es el mítico “Pet Sounds” (1966) cuyos arreglos dejan prácticamente a todos los discos pop anteriores como si fueran álbumes de garaje (valga la exageración).

Los Beatles no podían quedarse de brazos cruzados y su particular respuesta incluye nuestro disco de hoy. Pero la cosa no se queda aquí, los Moody Blues a base de mellotrones empiezan a pergeñar el rock progresivo, The Who comienzan a hacer canciones narrativas con “A Quick One, While He’s Away” (1966), Jimi Hendrix empieza a hacer filigranas estratosféricas con la guitarra, The Doors introducen una extraña teatralidad en sus canciones, el cajón de la psicodelia, y un larguísimo etc. Como puede verse los Beatles se benefician de un momento de extraordinaria efervescencia, uno de los más grandes de la música popular, y casi de competitividad entre grupos.

En cuanto al contexto concreto de la banda, creo que sería interesante señalar las circunstancias mediante las cuales los Beatles dejaron de hacer giras y decidieron centrarse en el estudio. El año 1966, en lo que a giras se refiere, fue bastante extraño. Estando en Filipinas fueron invitados por la Primera Dama, Imelda Marcos, a un desayuno en el Palacio de Malacañán. Sin embargo, los Beatles declinaron el ofrecimiento, siguiendo la norma autoimpuesta de no aceptar invitaciones presidenciales, lo que cabreó bastante a la buena de Imelda Marcos, terminando todo con los Beatles saliendo por piernas de Filipinas y rodeados de disturbios. Por si fuera poco en Marzo de ese año Lennon soltó la mítica frase de “The Beatles son más populares que Jesucristo” lo que valió que varios movimientos cristianos declarasen la guerra a los de Liverpool, de tal modo que en las inmediaciones de los estadios donde se celebraban los conciertos se llevaron a cabo importantes quemas de discos.

Sumemos amenazas del Ku Klux Klan, la explosión de algún que otro petardo y tendremos como resultado una hartura monumental del grupo en cuanto a giras se refiere. Todo esto sumado a la intención de centrarse en exprimir a fondo todas las posibilidades del estudio para hacer una música lo más personal posible dio como resultado la decisión de renunciar a partir de entonces a giras y conciertos. Los Beatles acabaron convirtiéndose en animales de estudio, arreglos y producción. Detalle que no es baladí, porque es precisamente bajo estos parámetros en donde el “Sargent Pepper’s” (llamémosle así para acortar) alcanza unas cotas inusitadas.

Tampoco es desdeñable el hecho de que a raíz de los incidentes mencionados en el párrafo anterior y otras presiones asociadas a la popularidad, el grupo acabase hasta las narices de ellos mismos. En un momento dado a Paul McCartney se le ocurre la idea de crear unos “alter egos”, una banda ficticia paralela. De ese modo, aparte de “librarse” de ellos mismos, conseguirían experimentar musicalmente a un nivel mucho mayor. De ese modo surgió “La Banda De Los Corazones Solitarios Del Sargento Pimienta”. El concepto sería una actuación de la mencionada banda, de hecho el inicio del disco es la presentación de la misma; de todos modos finalmente las canciones referidas al concepto se reducen a cuatro (si contamos “A day in the Life”), situadas al comienzo y al final. No se puede hablar de disco conceptual, pero sí de un germen para los que estén por venir.

¿Qué contiene en su interior Sargent Peppers? La primera palabra que se me viene a la mente es variedad. Encontraremos: psicodelia, music hall, música oriental, rock, arreglos orquestales (tanto épicos como mesurados) pop británico tradicional… Variedad también en las letras, ya lo iremos viendo con más detalle en el análisis del disco, inspiradas en los motivos más diversos y a veces casuales (objetos comprados, dibujos, personajes varios) Interesante detalle éste, pues significa que líricamente no transitan por territorios tan trillados; ya no son canciones con letras como: “She loves you, yeah, yeah, yeah,” (con el respeto que me inspira esta canción, eso sí).

Retomando el asunto musical, seríamos muy injusto si no mencionásemos al genial productor George Martin; el único que puede reclamar el trono de “quinto Beatle”. Tengan en cuenta que a Mr. Martin le tocó solventar muchas papeletas en el estudio, tratando de concretizar las osadas ideas de cuatro músicos geniales. Siempre tuve la sensación de que el entendimiento “productor- grupo” fue pluscuamperfecto, como si de una forma casi intuitiva George Martin entendiese lo que los de Liverpool querían, sabiendo dotar a las canciones del carácter adecuado. Gran parte de los variados y memorables arreglos se deben, sin ningún género de dudas, al buen hacer de este gran productor.

Si la idea era hacer como una especie de “arte total” la portada y el diseño del disco tenía que estar a la altura. Estamos ante una de las portadas más carismáticas y populares de la historia de la música. La idea ya la saben, los Beatles ataviados con unos delirantes y coloridos trajes de la época eduardiana y rodeados de un enorme collage de personajes famosos. Si quieren pasar un rato entretenido cojan el disco y traten de reconocer todos los que puedan, les voy adelantando algunos: Edgar Allan Poe, Bod Dylan, Karl Marx, Marilyn Monroe, Oscar Wilde… Incluso se menciona a los Rolling Stones aunque su imagen no aparezca.

Tiene además varias interpretaciones ocultas, referidas a una de las leyendas urbanas más populares de los Beatles: la supuesta muerte de Paul McCartney meses antes de lanzar el disco. A raíz de este supuesto incidente, mánager y grupo reclutaron a un doble y decidieron ocultar el fallecimiento, pero por motivos desconocidos decidieron dar pista de ello en las portadas de los discos. Vean y alucinen: en la portada aparece la diosa Shiva, deidad hindú de la destrucción, apuntando a Paul, una mano aparece extendida sobre la cabeza del propio Paul “como la de un sacerdote dando una extremaunción”. Además se puede ver una reproducción de un Aston Martin, coche en que tuvo el accidente de tráfico el bajista de los Beatles. Precisamente unas flores parecen conformar lo que parece un bajo (el instrumento de Paul), con solamente tres cuerdas (como si “faltase” Paul), de tal modo que tendríamos una especie de ofrenda floral fúnebre y por lo tanto la portada… ¡sería el entierro de Paul! Por si faltase poco Paul en el libreto interior aparece sentado sobre de las palabras “Without you” (Sin ti) y George Harrison lo hace señalando las palabras “Wednesday morning at 5 o’clock”, que haría referencia a la fecha del accidente mortal de Paul. En fin, tampoco es cuestión de quedarse con estos detalles morbosos; la portada es plástica, innovadora e icónica. Además esta “conspiranoia mortuoria” continuará en subsiguientes discos. Otra pequeña pero importante innovación es que en este álbum las letras por primera vez aparecen impresas.

El antecedente más inmediato, no hay que olvidarlo, es “Revolver” del año 1966, sin duda otro extraordinario disco, con un notable sentido de la experimentación. En él ya encontrábamos una psicodelia incipiente en canciones como “She said, she said”, “I’m only sleeping” y totalmente desatada en canciones como “Tomorrow never knows”. Además nos dejó unos cuantos clásicos de la banda como “Yellow submarine” (sobrevalorada en mi opinión) o la impresionante “Eleonor Rigby”. Sin duda alguna fue una excelente piedra de toque para el “Sargent Pepper’s”.

En su momento la primera audición del disco que nos ocupa me dejó desconcertado, usaba recursos a los que no estaba muy acostumbrado: el uso del leitmotiv, el hecho de que no haya casi pausa entre canciones, la estructura divagante de algunos temas… Me daba la impresión de que no era un mero disco pop, tenía un intangible difícil de explicar; como si la ejecución y la concepción del disco fuera especial. Luego todo empieza a asimilarse y pasas a buscar un todo más que un single claro, va siendo más fácil captar los matices de los arreglos y por lo tanto meterse en harina. Tampoco hay que esperar un disco muy hermético o inhóspito, sencillamente tiene distintas capas que poco a poco se van mostrando. Sin más dilación, pasamos a ver las canciones.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Sargent Pepper’s lonely hearts club band”: Se oye rumor de gente, una orquesta afinando y posteriormente comienza la canción propiamente dicha. Es la presentación del disco y de la banda ficticia, todo ello mediante un tema enérgico y rockero. Aun así el uso de efectos de sonido, como los rumores de gente, y las orquestaciones añaden un toque barroco. La voz cantante es la de McCartney y los coros de John Lennon. Buen tema de apertura, que además conecta con el segundo de una forma curiosa: nos anuncian que el ficticio Billy Shears cantará la siguiente canción.

2. “With a little help from my friends”: Billy Shears no es otro que Ringo Starr cantando, eso sí, una canción de John y Paul. Sin duda alguna en el imaginario popular ha quedado la impactante versión que hizo Joe Cocker. Ésta no es ni mucho menos tan apabullante, pero también hay que apreciar sus virtudes, siendo la mayor de ellas la propia de las hermosas melodías. Es una canción pop sin muchas complicaciones, pero tiene un toque enormemente entrañable, a lo que ayuda la letra repleta de exaltaciones a la amistad. No obstante, hay gente malpensada que piensa que John y Paul le dieron esta canción a Ringo porque éste, al ser el menos dotado compositivamente, necesitaba “una pequeña ayuda de sus amigos”. Los propios John y Paul, por cierto, hacen de coro a modo de respuesta a las frases de Ringo.

3. “Lucy in the sky with diamonds”: Y nos metemos de lleno en la psicodelia, a base del sonido modificado de un órgano hammond tocado por el productor George Harrison y a base también del mellotrón de McCartney. La forma de cantar de Lennon tiene toques “fumados” y divagantes que se van acrecentando a base de efectos psicodélicos. Todo ello no evita que la canción sea enormemente adictiva y pegadiza, con un contundente estribillo. Líricamente siempre se la ha asociado al LSD, dado que las siglas de la canción son precisamente esas. Tomen además la alucinógena letra que mezcla “flores de celofán”, “taxis de papel de periódico” o “chicas con ojos caleidoscópicos” y parece que la asociación a las drogas parece plausible. No obstante, John Lennon siempre mantuvo que se inspiró en un dibujo de su hijo Julian en el que aparecía su compañera de colegio Lucy “en el cielo y con diamantes”. También señala como influencia a Lewis Carroll y sus poemas sin sentido. Aun así la banda sí que es cierto que experimentó con el LSD en aquellos tiempos, sobre todo a partir de una fiesta con Peter Fonda en 1965 y un “viaje” bastante intenso.

4. “Getting better”: Pop directo y alegre sostenido por unos sencillos y punzantes acordes de guitarra. La melodía de Paul McCartney es, acorde con el título, es vital y luminosa. De hecho Paul la concibió un día en que el clima era particularmente bueno y se sentía bastante optimista. Los coros que hace Lennon parecen tener un punto de ironía al decir: “No podría ser peor” en lugar de “Está mejorando”, que es lo que dice Paul. Cuando la canción está llegando al final surge de sopetón un efecto psicodélico que sorprende un poco al oyente. Buen toque el que consiguen las notitas de piano tocadas por el productor George Martin.

5. “Fixing a hole”: Canción en realidad no muy distinta de la anterior, pero que tiene un tempo más lento y ligeramente vodevilesco en las estrofas. En el estribillo la canción se acelera y se vuelve más alborotada. Además algunos ecos y coros aportan matices psicodélicos. Bueno dupla de pop, casi de manual, junto con la anterior canción. En cuanto a la letra se han dado varias interpretaciones, uno de las más extendidas es la referencia a la heroína (“Fixing a hole” podría ser una especie de metáfora de “chutarse”). Sin embargo el propio Paul McCartney dijo en alguna ocasión que la canción era una “oda a la marihuana”. O quizá sea una extraña letra sobre bricolaje, vayan ustedes a saber.

6. “She is leaving home”: Arreglos orquestales en estado puro conforman la canción más exquisita del disco y una joya del pop “barroco”, sin duda influida por los Beach Boys y su “Pet Sounds”. La melodía cantada por Paul McCartney es brillante y refinadísima, lo que unido a los arreglos de cuerda, harpa, etc., dan un toque de musical o de opereta. Esta tonalidad se eleva todavía más en el estribillo desgranado a modo de coro y respuesta en Lennon y McCartney. La canción, además, tiene una instrumentación muy alejada de la música pop-rock ya que se sustenta en voces y orquesta exclusivamente. La letra habla de una chica que se escapa de casa con el consiguiente disgusto de sus padres, idea que sobrevino leyendo una noticia en la prensa. Como curiosidad decir que un español participa en la canción: José Luis García Asensio, que se encarga de tocar el violín.

7. “Being for the benefit of Mr. Kite”: Una de las canciones más particulares del disco, sobre todo por la anómala mezcla de psicodelia, música “circense” y un particular tono trasnochado, casi victoriano, de John Lennon en la voz. En efecto, la voz de Lennon es muy particular en este caso, aparte de lo dicho añadir la teatralidad de la entonación propia de una persona presentando un espectáculo de circo. No es para menos, la letra nació de la compra de un cartel del siglo XIX que anunciaba un espectáculo de estas características; en concreto se trata del circo de William Kite (al que se hace mención en el título). Los efectos psicodélicos dan la impresión de ser hechos a base de un collage de efectos y sonidos diversos contagiando la escucha de aura bastante alucinógena. No deja de ser una canción pop, pero procesada y trastocada dando lugar a una curiosa mezcla.
8. “Within you without you”: Ésta es la canción que George Harrison aporta al disco. No deja de ser un bajón respecto al disco anterior (“Revolver”, 1966) donde tres composiciones suyas pasaron al tracklist. Canción donde es palpable la influencia de la música de la India, no en vano George realizó allí un viaje allí poco tiempo antes de empezar la grabación del disco. El peso de la canción de la canción lo llevan los arreglos orquestales, casi propios de una banda sonora de película de toques orientales, el sitar tocado por George y la percusión en forma de tabla. El ritmo de la canción es lento y meditabundo, habiendo de hecho partes en las que parece que la canción va a acabar para luego volver a la vida. Levemente melancólica, incita al recogimiento sin resultar aburrida.

9. “When I’m sixty-four”: De la música oriental pasamos, siguiendo la variedad del disco, al music-hall de los años 20. De hecho, se contrataron a varios clarinetistas para dar un toque de “big band” a la canción. El tema tiene una toque muy naif, casi paródico y supone la reflexión de un joven sobre cómo será su vida a los 64 años. El toque leve y amable no disgusta pero, desde mi punto de vista, supone uno de los temas menores del disco. Cantada por McCartney, en las mezclas fue acelerada su voz para que pareciera más aguda y juvenil. No obstante, el embrión de la canción está en una melodía que Paul ideó a los dieciséis años.

10. “Lovely Rita”: Volvemos al pop-rock, de nuevo con toques psicodélicos. Melodía directa y saltarina, matizada con una serie de extraños efectos como un extraño silbido provocado por un “instrumento casero” creado por John y George a base de un ¡un peine y papel higiénico! Los ensoñadores coros de Lennon y el tono jovial, incluyendo un saltarín piano dan un toque muy soleado al tema, por lo menos hasta el lisérgico final a base balbuceos, susurros y reverberaciones. Interpretada por McCartney, parece ser que la tal Rita era encargada de tráfico que multó a Paul por aparcamiento indebido. El beatle se tomó deportivamente el incidente y además aprovechó para hacer una estimable canción.

11. “Good morning, good morning”: Una de las canción más contundentes del discos, con una potente voz de Lennon, una tajante e inquieta batería de Ringo, un breve pero potente punteo de guitarra y un sucio y enloquecido saxofón. Da un poco de filo y contundencia al disco, lo cual no viene mal para aportar más variedad de tonos y estilos. El final es bastante delirante al introducirse una batería de efectos sonoros consistentes en ruidos de animales, de una forma incluso estruendosa hasta acabar comiendo la canción. No obstante se trata de un fade out, que de paso sirve para conectar con la siguiente canción. Parece ser que la inspiración para este tema vino de un anuncio de cereales. Curiosa por lo menos.

12. “Sargent Pepper’s lonely hearts club band (reprise)”: Tal y como se indica en el título estamos ante un reprise de la primera canción. Sin embargo en este caso la canción es menos contundente, pero mucho más ágil y rítmica, invitando casi al baile de mano de un estupendo ritmo de la batería de Ringo. Además, mientras en la primera pista la “Banda de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta” nos daban la bienvenida, en esta ocasión se despiden y nos dan las gracias por haber estado en el show. El grupo canta de forma coral, haciendo que ninguna voz destaque sobre la otra. Lo más lógico sería que el disco acabase así, con una estructura circular y casi envuelto para regalo, pero unos acordes de guitarra acústica nos van a llevar hasta algo realmente grande.

13. “A day in the life”: Y aquí llega ese algo realmente grande. Quizá incluso podría decirse que es mi canción favorita de los Beatles. En realidad esta canción puede dividirse en tres segmentos: el primero y el tercero formado por un tema escrito por Lennon y un segundo, a modo de intermezzo, escrito por Paul. Por lo tanto estaríamos ante un “mash-up” de dos canciones. Vayamos, por lo tanto, por partes. El primer tramo de la canción en bonita y triste melodía de Lennon, vocalmente muy evocadora y acompañada por sutiles toques de piano y guitarra acústica. Me gustaría destacar los peculiares toques de batería de Ringo que van entrando en la canción de una manera aparentemente sencilla, para darnos cuenta del enorme mérito de esos redobles, de hecho Phil Collins desafía a cualquier batería a tocar exactamente de esa forma. Este primer tramo de la canción, por definirlo de una forma más concreta, es de una belleza hipnótica y reflexiva. Después llega la transición hasta el segundo tramo. ¡Y menuda transición! El crescendo orquestal más brutal, apabullante y dramático que yo haya podido escuchar. Imaginen a 40 músicos subiendo de ritmo durante 24 compases con la directriz de no hacer caso al músico de al lado, dando como resultado un muro de violines tormentosos, casi cacofónicos y apocalípticos. De repente comienza el tramo perteneciente a McCartney, muy pop y animado en el ritmo; no obstante la voz de Paul aparece ligeramente apagada. Está bien engarzada, es agradable pero no es la parte más relevante de la canción que vuelve a sorprendernos nuevamente mediante la aparición de unos coros de Lennon, acompañados de un eco que les hace parecer casi provenientes del más allá. ¿Qué pasará después? Pues que volvemos, en este tercer tramo, a la melodía inicial de Lennon y finalizamos de nuevo con el mismo terremoto orquestal de 24 compases de antes. ¿Finalizamos? No del todo. Un triple acorde de piano se alarga durante un minuto, momento en el que escuchamos una cacofonía de efectos y voces grabadas al revés. Mientras tanto, el oyente trata de digerir qué es exactamente lo que ha escuchado. Líricamente la canción también tiene su miga, Lennon habla de la muerte en accidente de coche de su amigo Tara Browne, de la película que rodó en Almería (acuérdense de “Vivir Es Fácil Con Los Ojos Cerrados”) “Cómo Gané La Guerra” y una extraña noticia leída en la prensa que señalaba que en Blackburn había 1/26 agujeros por habitante. Por su parte McCartney habla de recuerdos de juventud y también parece haber una referencia a la marihuana. Por lo visto el verso “I'd love to turn you on” de Lennon, algo así como “me gustaría excitarte”, generó controversia. Podrían ser los años 60, llevarse lo del amo libre etc, pero por lo que se ve morales pacatas ha habido siempre. Sea como fuere, después de haber escuchado esta canción uno tiene la sensación de haber escuchado algo insólito, misterioso, bordeando la genialidad.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Sin duda este álbum nos ha dejado canciones carismáticas, pero creo que es más disfrutable como un todo. De hecho tiene un aire de “concepto” bastante innovador para su época, si bien el mencionado concepto fue reducido a 4 canciones (las 2 primeras y las dos últimas si contamos con “A day in the life”). Además el uso del leitmotiv y que muchas canciones estén engarzadas aumentan la sensación de unidad. Esto nos indica que la concepción del álbum estuvo más dirigida a hacer una entidad sonora, y no a hacer un single. Éste es por lo tanto uno de los pocos discos de los Beatles que no tienen números uno, junto con “Rubber Soul” o “The Beatles” (A.K.A “White Album”), dejando el lanzamiento de singles a canciones no incluidas en el disco: “Penny Lane” - “Strawberry Fields Forever” (doble cara A). Por lo tanto, creo que la mejor manera de disfrutar del Sargent Pepper’s es pacientemente y de cabo a rabo.

El “Sargent Pepper’s” fue un ejemplo del aprovechamiento de las virtudes del estudio, en cuanto a arreglos, recursos y utilización de “gadgets”. Sin duda la renuncia a seguir haciendo giras y centrarse en componer y revestir canciones fue determinante para que este aprovechamiento fuera posible. También puede ser un pequeño debe en la carrera del cuarteto de Liverpool, dado que el directo y la forma de ejecutarlo es sin duda un criterio para determinar la importancia de un grupo. No obstante, siendo positivos, a cambio obtenemos un avance importantísimo en producción y en ambición a la hora de grabar canciones. Sin duda desde este punto de vista, nuestro disco de hoy tiene merecida fama de ser todo un hito musical.

Otro aspecto importante para mí es que es un disco valiente, atrevido, vanguardista y sin embargo no pierde ni por un segundo el sentido de la accesibilidad; no estamos ante un disco obtuso, críptico o autoindulgente, sino altamente melódico pero matizado por detalles originales aquí o allá. Es decir, tampoco esperen feroces ataques lisérgicos como los de los Pink Floyd de Syd Barret (que tampoco me disgustan ni mucho menos) en canciones como “Interstellar Overdrive”, esperen más bien un compromiso entre audacia y accesibilidad.

La influencia llegó del disco llegó hasta diversos ámbitos, la más obvia es el germen de los que a posteriori serían los discos conceptuales, también se habla de la impronta que dejó en el rock progresivo mediante la ambición en los arreglos y el enganche entre canciones. Grupos como Electric Light Orchestra (E.L.O. para los amigos) y sus lujosas orquestaciones sin duda también se verían influidas por este álbum y ya en un ámbito más moderno los Flaming Lips han regrabado el “Sargent Pepper’s” enterito con la colaboración de varios artistas. Reconozco que me quedé de una pieza cuando supe que “Lucy in the sky with diamonds” está regrabada en colaboración con… Miley Cyrus. En fin, podríamos poner numerosísimos casos de influencias y demás, pero aparte de todas estas consideraciones lo importante es que nos encontramos ante casi 40 minutos de un pop inmaculadamente concebido y sobre todo muy muy disfrutable.

Texto: Mariano González.
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lunes, 11 de mayo de 2015

Concierto Mi Capitán. Madrid (08-05-2015)

Esto es un artículo de la “no crónica” de un concierto. La primera en casi 7 años de existencia del blog. Es un post de disculpas por no haber podido responder a la tarea que teníamos encomendada de informarles del interesantísimo concierto que ofrecieron Mi Capitán en la sala Penélope de Madrid el pasado viernes.

Vaya por delante que las causas son de fuerza mayor y no un caso de irresponsabilidad o falta de seriedad la que ha provocado esto. Nos explicamos: servidor de ustedes, Víctor Prats, director de “DMR” en todas sus secciones, no podía acudir al evento por motivos personales que me tenían alejado de Madrid durante todo este pasado fin de semana. Alfredo Morales, de nuestro equipo de redactores y colaboradores, fue quien amablemente se ofreció a acudir e informar a posteriori de lo acontecido.

Causas de salud, que derivaron de forma súbita y repentina en un estado imposible de desplazarse a ningún lado, y menos si cabe a una sala a vivir un concierto, dieron con Alfredo Morales de baja laboral el pasado viernes. Para intentar evitar este desaguisado, intenté establecer contacto con otros colaboradores como Mariano González u otra gente que aunque no son parte oficial del blog, creía que podrían responder ante la escritura de una crónica de lo vivido.

Debido a lo inmediato y de sopetón que fue todo, fue imposible encontrar suplencia al convaleciente señor Morales y “DMR” pinchó en este evento. Pido desde estas líneas disculpas al propio grupo Mi Capitán (me da por pensar que nuestras crónicas llegan a los grupos y suelen disfrutar de las mismas), a los seguidores del grupo (que pudieran tener aquí una reseña del evento de por siempre) y sobre todo a Carme Tasias de Musicbus que fue quien nos tuvo en cuenta para informar de este evento, cosa que le agradezco sobremanera y que espero no enturbie la relación de colaboración que siempre hemos tenido con Musicbus, la cual hasta la fecha ha sido estupenda.

Nadie que más que yo lo puede sentir tan profundamente, pero entiendan que aquí lo que han surgido son imponderables de salud ante los que no pudimos reaccionar. Al menos, espero que la promoción previa por nuestra parte ayudara aunque fuera mínimamente a que el concierto fuera un éxito, cosa que así fue según hemos podido leer en otros portales y páginas. La imagen que preside el post, no podía ser otra que una foto en blanco. Reiteramos que lo sentimos mucho y esperamos no volver a fallar en al menos otros 7 años.
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viernes, 8 de mayo de 2015

Temporada 6/ Programa 14: Spandau Ballet y “Parade” (1984)

Para ir abriendo boca para el concierto que la mítica banda dará el próximo 18 de junio en el Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid, en el próximo programa de nuestra 6ª temporada dedicamos la hora a repasar el disco “Parade” que en el año 1984 editó Spandau Ballet.

Estamos quizás ante el disco de mayor elegancia formal del grupo. Un disco de madurez lleno de grandes singles y otras canciones que sin llegar a serlo dieron lugar a un lp de alta exigencia. Este programa no será en directo. Llevamos a cabo su grabación el pasado 11 de abril de 2015 a las 17.00h en los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), tras la emisión-estreno del programa que dedicamos a ELE y su “Summer Rain” con entrevista a Elena Iturrieta.

El programa lo llevamos a cabo Óscar Cañas y servidor de ustedes, Víctor Prats, en los estudios de RUAH y Mariano González a través del teléfono. Creo que nos quedó un buen programa y esperemos que gusten de escucharlo este próximo sábado 9 de mayo de 2015 a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

¿Motivos de no hacerlo en directo?: imposible conciliar la agenda personal del señor Cañas y la mía para las fechas de estrenos que nos quedaban hasta final de temporada. Agradezco a Óscar su participación y su colaboración para que lo lleváramos a cabo hace ya casi un mes.

El programa se volverá a emitir los miércoles 13 y 20 de mayo a las 23.00h y el sábado 16 a las 16.00h en el mismo dial, pero esperemos que tengan a bien estar en el estreno de esta semana. No se lo pierdan.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/778045362316585
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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martes, 5 de mayo de 2015

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Mi Capitán (08-05-2015)

Tras ser parte del cartel del Festival S.O.S. 4.8 del pasado fin de semana, y haber actuado ni más ni menos que en el escenario principal del evento, Mi Capitán vienen dispuestos a defender su directo a Madrid a la sala Penélope. Para quien todavía no conozca a este grupo, avisarles que dentro del mismo se encuentran componentes de bandas de tanto prestigio como Love Of Lesbian o Standstill. 

Mi Capitán vienen dispuestos a defender su disco “Drenad El Sena” y no es para nada una exageración hablar de una ocasión única, ya que en efecto las agendas de los grupos matrices de varios de sus miembros pocas veces permitirán una gira de Mi Capitán como ésta.

De hecho, a mí me fastidia sobremanera perdérmelo, pero al menos “Discos, música y reflexiones” estará presente. Una vez más será Alfredo Morales quien acuda a cubrir la actuación y quien en fechas posteriores al concierto publicará aquí sus impresiones y publicará las mejores fotos que pueda sacar. Agradecemos a Carme Tasias de Musicbus que haya contado con “DMR” para poder informarles de este sin duda más que interesante concierto.
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lunes, 4 de mayo de 2015

Programa ELE “Summer Rain” (Temporada 6/ Programa 12)

Tras la realización en 2ª intentona del programa que dedicamos a “Strangeland” de Keane, el sábado 28 de febrero de 2015 a las 12.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), a eso de las 14h contactamos por teléfono con Elena Iturrieta, en mitad del viaje que todos los que forman ELE realizaban a Santander para ofrecer un concierto.

Elena nos atendió amablemente para hablarnos a fondo de su disco de debut al frente de ELE. Un disco “Summer Rain” lleno de matices, yendo más allá de quedarnos en la etiqueta genérica de folk, lo cual simplifica y banaliza un trabajo que es muy rico en detalles y en estilos musicales.

En el programa, que se estrenó el sábado 11 de abril de 2015 en la sintonía de RUAH, tras nuestro descanso por Semana Santa, y que se volvió a emitir a las 23.00h los miércoles 15 y 22 de abril y el sábado 18 en la misma emisora, seleccionamos varios de los notables temas que forman parte de “Summer Rain” intercalados en la entrevista que tuvimos con Elena Iturrieta. La foto corresponde a un momento de la edición del audio tras grabar la entrevista en los estudios de RUAH.

Agradecemos mucho a Elena Iturrieta su atención durante los 40 minutos que le tuvimos con el teléfono pegado a la oreja y a Cookie de Promociones Sin Fronteras sus gestiones para que hayamos podido llevar a cabo este bonito programa que ha formado parte de nuestra 6ª temporada en las ondas. Aquí les insertamos el audio y también les dejamos el link directo a Ivoox donde está alojado por si lo desean descargar: http://www.ivoox.com/dmr-6-12-audios-mp3_rf_4436317_1.html
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domingo, 3 de mayo de 2015

Deniro - Sueño Que Arde (2014)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
La banda madrileña Deniro han editado su último disco hasta la fecha hace muy poquito. Fue a finales de 2014 cuando “Sueño Que Arde” vio la luz. Un trabajo que desde su título muestra la ilusión de esta banda, que entre otros avatares ha tenido que lidiar con la papeleta de un cambio de cantante en su formación, con la complicación que ello supone.

Dave toma las riendas en lo vocal sustituyendo a William Miller. Junto a él continúan Nano Ruíz, como alma básica dentro del grupo en las guitarras, Niño Sánchez también en las guitarras, Johnny Sánchez al bajo y Óscar Sánchez en la batería. Este “Sueño Que Arde” es un disco directo. 35 minutos de música potente y enérgica, la que es marca de la casa de Deniro. El grupo se mueve dentro de su rock duro, dentro de cuyo sonido nos pueden venir numerosas referencias, pero con una marca principal que se hace distintiva.

Nos gusta mucho el carácter compacto del disco. Un lp a la medida. 9 canciones que cumplen sobradamente dentro de la obra y que tras sus precisas escuchas dan claramente un resultado altamente satisfactorio. Es un trabajo muy bien medido, aunque ese cálculo no emborrona un ápice la frescura, potencia y emoción de sus canciones. Metámonos con sus 9 temas sin más rollos previos. 

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Sueño que arde”: Buen riff de guitarra es el que acompañará en su duración a la canción de apertura. Deniro abre con la canción título, una composición enérgica y de mucha luz. Dave muestra sus credenciales vocales con solvencias, llevando al vértigo necesario su ritmo en el estribillo. “Que se acabe el mundo, que a mi me da igual” rubrica el estribillo de este notable inicio de obra.

2. “Entre tú y yo”: En la 2ª canción Deniro suben la rueda del ritmo para acelerarse más, ahondando en sus formas rockeras. “Entre tú y yo” es otra de las piezas destacables de “Sueño Que Arde” y sigue apuntalando un comienzo de disco muy llamativo. En su melodía, muy acertada en su gancho sonoro, se aprecia la dosis de épica que Deniro a veces aporta a sus composiciones.

3. “Haima de cristal”: Llegamos al single de relumbrón de “Sueño Que Arde”. “Haima de cristal” cuenta con una dosis muy emotiva y algo melancólica en su sonido, pero sin renunciar a la contundencia de la maquinaria sonora de Deniro. Los coros acompañan en esta ocasión a la línea vocal principal de Dave Gómez en los puentes de forma notable. El estribillo es claro y directo, donde la melodía se torna heroica, al igual que la letra. “Contigo lucharé” remarca Dave en el estribillo. Buenísima canción que cierra un primer tercio de obra incontestable.

4. “Cruce de caminos”: Con “Cruce de caminos” se aprecia un cambio de tercio. El sonido frunce el ceño y se pone más sesuda y con unas bases más marcadas y levemente metaleras. El trabajo de las guitarras de Nano y Niño juegan bien entre sí, sobre el poderío ejercido por esas notables bases de Johnny y Óscar. Un tema que apuesta por lo aguerrido y deja de lado la épica emocional que impregnaba en parte al terceto de apertura de “Sueño Que Arde”. No obstante, y a pesar de los matices, estamos ante un tema muy reconocible dentro de las maneras sonoras de Deniro.

5. “Éxodo”: Con “Éxodo” llega el momento menos evidente del disco en lo referido a su melodía y estructura. Es otra canción muy potente, donde Dave Gómez suelta su perfil vocal más metalero por momentos. “Éxodo” además resulta agria y poco amable, contrastando mucho con el sonido animoso y acelerado de los primeros pasajes de “Sueño Que Arde”. En esto se aprecia la destreza con la que los chicos de Deniro han elaborado este lp en lo referido a la variedad que se ofrece en sus 9 canciones.
6. “Tengo tu nombre”: El disco prosigue en su sector más duro y encendido. “Tengo tu nombre” es menos enrevesada que “Éxodo”, pero no rebaja un ápice su contundencia y mensaje directo. “Es la guerra” es lo que más se queda grabado a fuego de esta pieza. Y así es. Un tema que termina de golpe y sopetón y cierra este trío de arrojo y potencia de “Sueño Que Arde”.

7. “Mi canción”: Cambio de tercio. “Mi canción” viene a relajar algo la escucha tras la mala leche y contundencia de las 3 canciones previas. Es la canción más bella formalmente del disco. Deniro no desentonan afrontando esta balada rock de nota alta. Buena ejecución, desde las estrofas a un estribillo que no cae en el ridículo en el que a veces se puede incurrir al hacer una pieza de esta textura una banda de rock. Creo que está bien situada en este momento del disco, cuando queda ya poco para terminar su intensa y variada escucha.

8. “Ésta no es tu piel”: En este tramo final “Ésta no es tu piel” sigue ofreciendo un capítulo de sonido más calmado. Melodía algo más relajada, aunque nos alejamos del género de la balada rock de “Mi canción”. Medio tiempo que ofrece su cierta intensidad en el estribillo cuando Dave sobre todo remarca ese “fuera de mi”.

9. “El luchador”: El trío de cierre no guarda la misma lógica de parecido que las canciones 1, 2 y 3 o las 4, 5 y 6. Aquí Deniro apuestan por volver a la fuerza. “El luchador”, canción que curiosamente abrió su concierto de presentación del disco en la sala We Rock, estaría situada entre la canción 3 y 4; es decir, es una pieza cañera, pero sin llegar a los extremos de contundencia del sector central del disco, pero que tampoco apuesta por la rítmica luminosa del trío de inicio. Hay épica, pero menos emocional, en el estribillo y destaca mucho la fuerza instrumental de ciertos momentos de las guitarras eléctricas. Deniro no querían cerrar el disco en un perfil bajo y por eso rompen con “El luchador” la posible lógica de grupos de 3 canciones consecutivas de parecidos registros que forman la obra. Creo que ha sido acertado y adecuado cerrar así, ya que este sonido que ofrece “El luchador” es una buena síntesis del sonido propio de Deniro y ayuda a terminar la escucha sabiendo bien a quien has escuchado.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Con “Sueño Que Arde” Deniro no solo han continuado su historia como banda, que no es poco siempre que se produce una alteración del cantante, sino que lo hacen con buen resultado. Este tercer disco muestra que el grupo tiene las ideas claras y sabe lo que quieren hacer. Se aprecia en, reitero, lo bien medido que está el álbum. 9 canciones para ofrecer al que lo escucha varios pasajes de ánimo y muchos matices dentro de un estilo que abunda en el rock duro.

A nivel de repercusión, Deniro han hecho varios conciertos presentando el disco por varios lugares y siguen con ello hasta la fecha. En Madrid presentaron el disco en noviembre en la céntrica sala We Rock y pudimos comprobar de primera mano que aquel evento fue un éxito. La sala estuvo prácticamente llena y la gente disfrutó mucho de las canciones del nuevo disco y otros temas antiguos que el grupo incluyó en el repertorio de aquella noche.

A nosotros nos ha gustado mucho “Sueño Que Arde”. Nos gustan mucho los discos directos, que no se andan por las ramas (a no ser que si se andan por las mismas lo hagan con gracia y destreza) y que apuestan por la calidad en lugar de por la cantidad. Este disco ofrece 9 canciones muy bien escogidas y con una buena distribución de las mismas, ya que si hubieran dispuesto un orden distinto quizás el resultado no hubiera sido el mismo. Y es que en “DMR” ya saben que una de nuestras proclamas o verdades que pregonamos es que en la música no hay propiedad conmutativa.

“Sueño Que Arde”, de portada curiosa (con los componentes de Deniro tapándose la cara con discos de vinilo que serán probablemente de sus gustos personales -si afinan la vista verán “Zenyatta Mondatta” de The Police entre otros), es accesible a todos los oídos. No han de ser devotos del rock duro para apreciarlo. Es un disco perfectamente aprovechable y que nos les chirriará. Desde aquí les recomendamos su escucha. Cuando quieran darse cuenta estarán escuchando los últimos acordes de “El luchador” y es más que probable que sientan la necesidad de volverlo a escuchar acto seguido de inicio a fin.
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