lunes, 31 de marzo de 2014

Programa New Order “Low-Life” (Temporada 5/ Programa 11)

Sí, la foto que nos hicimos con motivo de que el programa que dedicamos a “Low-Life” de New Order pase a la posteridad no solo en audio, sino también en imagen, es un “selfie” de esos que están tan de moda. Orgulloso estoy del cutre-montaje de rigor al montar la imagen de Mariano “in-memoriam” encima del gato con auriculares que Alfredo Morales portaba en su camiseta el día del programa.

El programa se llevó a cabo en directo en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) el día 15 de marzo de 2014 y se emitió en riguroso directo entre las 16 y 17.00h. Al respecto aprovechamos para decirles que las redifusiones posteriores, las cuales se habrían de haber escuchado los miércoles 19 y 26 de marzo a las 23.00h y el sábado 22 de marzo a las 16.00h en el dial de la propia RUAH, no se llevaron a cabo debido a inexplicables fallos de la emisión y automatización de dicha emisora; un motivo más para que no se pierdan el directo.

No obstante, si no estuvieron presentes en su día, aquí les insertamos a continuación el audio para que lo escuchen. Dimos un buen repaso al disco y hablamos de varios aspectos de la peculiar y singular historia de New Order. Estuvimos muy de acuerdo en valorar mucho a este disco de estos chicos de Manchester, pero no tanto en ponernos de acuerdo entre nuestras canciones favoritas y temas que menos nos apasionen del conjunto de composiciones que integran el álbum. Por si quieren descargarse el programa, este es el link del alojamiento en sí en Ivoox: http://www.ivoox.com/dmr-5-11-audios-mp3_rf_2972787_1.html
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viernes, 28 de marzo de 2014

Temporada 5/ Programa 12: Vipership y “Lately” (2013)

Como ya hemos informado en días anteriores, este sábado tenemos un nuevo capítulo de los programas-entrevista de “DMR”. En esta ocasión serán Clara Brea y Eduardo Mena los protagonistas. Vamos, queremos decir 2 de los componentes principales de Vipership. Hablaremos de su disco de debut editado en el pasado 2013, de título “Lately”.

Agradecemos mucho a Clara y Edu que vinieran en persona hasta los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), a grabar en persona este programa-entrevista. Debido a ello, pudimos deleitarnos con un par de temas que tocaron en acústico y que forman parte del programa.

Nos dio tiempo para hablar de cómo se formó Vipership, del proceso de creación de “Lately” y también de echar la vista al futuro para hablar de los planes inmediatos y a largo plazo que tiene el grupo en mente.

Como casi siempre que tenemos invitados, nos quedó un programa distendido, desenfadado y repleto de la energía y potencia de las canciones que escogimos de “Lately” para el programa, además de las 2 tomas en acústico con las que Vipership nos obsequiaron. No se lo pierdan. Será este sábado 29 de marzo de 2014 a las 16.00h en la sintonía de RUAH.

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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jueves, 27 de marzo de 2014

Concierto Dr. Sapo. Madrid (21-03-2014)

Nos enteramos casi de casualidad. Gracias a esos e-mails promocionales que te llegan, no sabes bien de dónde, ni cómo, ni por qué. El aviso era que Dr. Sapo ofrecía un concierto en Madrid este pasado viernes de 21 de marzo de 2014. El formato que elegía Miguel de Lucas, que al igual que Carlos Goñi es Revólver, Dr. Sapo es él, era el acústico y para la ocasión se juntaba con un músico del prestigio de Fernando Polaino, conocido por haber girado con Los Toreros Muertos en su última gira.
Aparte de la casualidad, también nos enteramos con el tiempo justo, y aunque en el e-mail te recomendaban llamar con antelación para evitar quedarte sin sitio, no tuvimos lugar para hacer esa previsión, con lo que nos presentamos directamente en el lugar del evento a la hora indicada de inicio del show. El local es un bar-restaurante cultural llamado De Modestia… Na, situado en la zona de avenida de la Paz, concretamente en la recóndita plaza de la ciudad de Salta. Hasta la fecha no habíamos oído hablar de él y desconocíamos sus dimensiones, por lo que suponíamos que no habría problema.
Para nuestra sorpresa (agradable, en el sentido de ver el éxito de Dr. Sapo), al llegar nos indicaron que teníamos que esperar para ver si había hueco, ya que estaba todo reservado y faltaba ver si había gente que finalmente no acudía. Por los pelos conseguimos hueco en la planta inferior del local, en una de las mesas. El sitio estaba abarrotado y unos 10 minutos antes de las 22h se nos presentó la actuación del grupo, corriendo el telón y apareciendo en escena Miguel y Fernando. Elegantes, pero muy informales, uno con americana y otro con corbata puesta creando ese efecto, comenzaron el show. Sonando bien y muy cercanos, comenzaron muy emotivos con “Mundo mágico”.
No obstante, no era noche para ponerse demasiado sentimental, y poco a poco fueron apareciendo otros temas que aunque traten del amor, lo hacen desde una óptima más desenfadada y cachonda, como por ejemplo “Miguela y Miguel”. El show se dividió en 2 partes y en este primer sector se completó el repertorio con momentos destacados como “Tarzán ha vuelto”, con concurso de alaridos promovido por el propio Miguel de Lucas con los asistentes durante la misma. No faltó antes del descanso la cáustica “Mierda”, tradicionalmente muy efectiva y para poner el punto final cayó “Un erizo como yo”, esa fabulosa versión de la canción del programa “Barrio Sesamo”, que tanto nos agrada a los que nos movemos entre los 30 y 40 años de edad en estos días.
Hubo unos 10 minutitos para descansar, en los cuales pude saludar a Miguel de Lucas, el cual se sorprendió de vernos por allí, alegrándose al respecto y para la 2ª mitad Dr. Sapo tenían entre manos disponer los temas quizás más apreciados por los seguidores del grupo y de alguna forma los clásicos del repertorio del proyecto. Tanto Miguel como Fernando Polaino cambiaron de indumentaria, prescindiendo de las americanas y Fernando incluso de su corbata de la 1ª mitad del show. El bueno de Fernando Polaino, y más aún con el revuelo que había estos días atrás, primero por el mal estado de salud y luego por su fallecimiento, no sé por qué, me recordaba mucho a la figura del primer presidente de la actual democracia nuestra Adolfo Suárez. Para ello, había que hacer el ejercicio de podar la frondosa barbaca que luce este músico y peinarle de forma más sosa, con una rigurosa raya al lado (lo de mis parecidos razonables es cosa que conocen mis más allegados).
Bien, pues por aquí comenzaron a desfilar grandes canciones como “Territorio apache”, “Luna de menta”, la esperadísima (como siempre que hay un concierto de Dr. Sapo) “Rogelio el caracol”, “Por ser el primero” o “No hay fronteras”. En este tramo hubo sitio para que incluso se presentara un tema de los nuevos que formarán parte del 6º disco de esta formación alcarreña. Como ven en la siguiente imagen, Miguel de Lucas estuvo muy sonriente durante casi toda la actuación. Y es que el propio Miguel de Lucas, y también Fernando Polaino, podría autoaplicarse una de las frases que suelta en una de las letras de sus canciones: es más majo que las pesetas.
El público tenía ganas de más y por ello, si ya “No hay fronteras” fue un bis, hubo ocasión para otro bis más con “Decir te quiero”, interpretada por Miguel y Fernando inmersos entre el público, con el propio Miguel desafiando en lo alto de la misma a una de las mesas que forman parte del local. No hubo que lamentar heridos y sí que celebrar el final de una actuación que dejó un inmejorable sabor de boca a toda la gente que abarrotó el De Modestia… Na este pasado viernes. Abajo el gran Fernando Polaino, con una vestimenta algo más desenfadada en el 2º tramo del concierto.
Entrando en el apartado de reflexiones (que de cuando en cuando tengo que estar justificando esa palabra que forma parte del título de este proyecto nuestro), estimo que es la mejor actuación que he visto a Dr. Sapo. No solo en éxito de público y convocatoria (hay que tener en cuenta que el probe Miguel siempre ha lidiado en sus actuaciones madrileñas con agrestes días de entre semana, distintos de los amables viernes-sábados), sino por el formato elegido, el cual le va como anillo al dedo a los temas del ya repertorio nutrido de Dr. Sapo.
Además, la conjunción de Miguel de Lucas y Fernando Polaino en el escenario es muy buena. Los 2 son tíos de gran simpatía y que transmiten un buen rollo, lo cual sumado a una correcta coordinación musical de sus fuerzas, hace que el resultado sea óptimo. Fernando Polaino nos pareció un muy buen músico; creemos que Miguel de Lucas ha escogido muy bien a su último compañero de aventuras musicales, con el que ya lleva un tiempo promocionando este formato.
Un poco más a fondo, mientras que nos apretábamos una generosa y riquísima hamburguesa que despachan en el De Modestia… Na (muy recomendable que la caten), pudimos hablar más detenidamente con Miguel unos minutos después del final de la actuación. Nos puso al día del presente de Dr. Sapo, comentándonos que lo último que ha tenido lugar ha sido la edición del libro-cuento-disco “Las Aventuras De Sam”. Un cuento que toma el hilo argumental de varios temas previos de Dr. Sapo, la mayoría pertenecientes al disco “No Hay Fronteras”. Esta propuesta, dirigida a los niños, está llevando a Dr. Sapo a tocar en escuelas y colegios, por lo visto con un muy buen resultado. Nosotros no quisimos ser menos y compramos a Miguel un ejemplar de este trabajo, el cual es muy bonito, con unas ilustraciones preciosas, que no solo han de agradar a los más pequeños de la casa.
Tras saludar a Fernando Polaino y echarnos unas risas con unas fotos algo desternillantes que nos hicieron a Miguel de Lucas y a servidor (que juntos, por temas de disonancia de estatura, somos como el punto y la i) y al comentar al bueno de Fernando lo del parecido que le notaba en sus rasgos faciales con el gran Adolfo Suárez (que conste que esto lo apunta uno que es más bien rojo en sus ideales), tiramos para casa, ya que al día siguiente había que madrugar, aunque no fuera por motivos laborables, sino de ocio deportivo que uno practica totalmente encantado.
Resumiendo y terminando: nos gustó mucho ir el viernes a ver el formato acústico de Dr. Sapo. Vimos que Miguel de Lucas sigue pilotando su proyecto con buena determinación y en una muy buena compañía, la que le proporciona Fernando Polaino, al cual podemos ver de cerca a nuestras espaldas en mitad de la interpretación de la última canción del concierto, plenamente infiltrado entre el público; a Miguel, encima de la mesa, le podemos ver justo aquí debajo.
Fue un acertadísimo plan de viernes noche y al más que asequible precio de 4 euros la entrada. ¿Quién da más por lo mismo? Pocos. Estén atentos y les recomendamos que no se pierdan la próxima ocasión que Dr. Sapo haga uno de estos shows acústicos que les coja razonablemente cerca de donde residen, ya que pasaran un rato lleno de buena música, buen rollo, amenidad y diversión.
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miércoles, 26 de marzo de 2014

Discos, música y reflexiones entrevistó a Vipership

Hace ya un tiempo que llevamos a cabo la grabación de un programa-entrevista con Vipership, el grupo compuesto por Clara Brea, Eduardo Mena y Edu Ostos. Fue el 22 de febrero en torno a las 18.30h tras nuestro programa en directo dedicado a Blur y “The Great Escape” que comenzó aquel día excepcionalmente a las 17.00h. Muy amablemente, Eduardo Mena y Clara se desplazaron hasta los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), para llevar a cabo este programa tan especial para nosotros.

Eduardo Mena, en “DMR” conocido como Eduardo de la Mata, tertuliano que ha formado parte de coloquios interesantísimos como los que dedicamos a “Revenge” de Eurythmics o “Electric Café” de Kraftwerk, por ello tiene un vínculo muy cercano con nosotros y casi desde el comienzo hemos apostado por su proyecto en Vipership.

La cosa está yendo bien al grupo y Clara y Eduardo (excusamos por motivos laborables a Edu Ostos, al cual le fue imposible poder venir) nos lo comentaron en persona en nuestros estudios. Les preguntamos por la génesis de Vipership, el proceso de composición y creación de su disco de debut “Lately” y además nos regalaron 2 tomas en acústico en directo en nuestros estudios, las cuales podrán escuchar en nuestro programa.

Será al fin este sábado 29 de marzo cuando podrán escuchar el resultado. La hora, la habitual: las 16.00h en la sintonía de RUAH. Si en su estreno no lo pudieran escuchar, sonará también los miércoles 3 y 10 de abril a las 23.00h y al siguiente sábado 6 de abril a las 16.00h en el mismo dial. No se lo pierdan. Nos quedó un programa bastante distendido y lleno de buena música, la compuesta por Vipership, y del buen rollo que transmiten Clara y Edu.
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sábado, 22 de marzo de 2014

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de The Stranglers (03-04-2014)

Dentro de muy poco vamos a tener ocasión de ver en directo a una de las bandas míticas surgidas en Reino Unido a finales de los 70. Estamos hablando de The Stranglers, el grupo que ya hace mucho dejó de estar comandado por el carismático Hugh Cornwell. No obstante, The Stranglers mantienen en su formación a varios de sus miembros fundacionales, por lo que la esencia no está perdida a pesar de que Hugh ya no esté en el redil (siguen los Jet Black, David Greenfield y JJ Burnel; ahí es nada).

El grupo viene a defender el material de su último disco “Giants”, editado en 2012, con lo que no van a basar toda su propuesta en valerse del pasado y sus discos más emblemáticos, aunque a buen seguro que muchos temas antiguos sonarán en este concierto. La gira es también conmemoración y celebración de los 40 años que se han cumplido desde la formación de The Stranglers.

Las entradas están disponibles en Ticketmaster y de momento aún quedan disponibles. Con total seguridad se terminará poniendo el cartel de “entradas agotadas” en la puerta de la sala Shokolive, con lo que no se demoren en adquirir la suya. Por cierto, la sala Shokolive es un local que visitaremos por 1ª vez y del que alguno de nuestros colaboradores ya nos ha hablado con motivo de su asistencia al concierto de Trust.

En días siguientes a la actuación comentaremos por aquí qué es lo que nos hayan deparado The Stranglers, pero como siempre decimos, mejor vivirlo de primera mano y más con una banda tan intensa como ésta. Agradecemos a Pablo Camuñas de Promociones Sin Fronteras sus gestiones para que “DMR” pueda informarles de este interesante concierto.
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viernes, 21 de marzo de 2014

The Cure - Wish (1992)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Cuando no hace muchas semanas que me enteré de los rumores que anuncian nuevo disco de mi grupo predilecto de toda la historia para este 2014, considero adecuado retornar a su historia para analizar otro de sus discos; reconozco que me da cierta cosa analizar álbumes de The Cure, por miedo a darme cuenta de que un día me quede sin uno de ellos para poder hablar de ellos en el blog. De momento hemos prestado atención a “Seventeen Seconds”, “The Head On The Door”, “The Top”, “Pornography” y “Bestival Live 2011, con lo que aún nos quedan muchos ítems por analizar.

Me sorprende mucho que finalmente me haya decantado por “Wish” de 1992. Éste es uno de los considerados mejores trabajos del grupo liderado por Robert Smith, que en aquellos días se acompañaba de Simon Gallup al bajo, su cuñado Porl Thompson en las guitarras, Boris Williams en la batería y Perry Bamonte a los teclados. Tolhurst ya fue finiquitado en los días del anterior “Disintegration” (de hecho en la era de “Wish” había jaleo con él en los tribunales) y también el teclista Roger O’Donnell había dejado el grupo.

The Cure venían de la marea mediática que provocó su considerada mejor obra, el “Disintegration” de 1989. El éxito de este lp desembocó en un disco posterior de remixes, con nuevas tomas de clásicos del grupo, con mayor o menor acierto. En tiempos de “Disintegration” incluso se editó un lp en directo llamado “Entreat”, que durante mucho tiempo fue un ítem de coleccionista, ya que su carácter benéfico hace que no sea un disco de catálogo regular de The Cure, aunque en la actualidad se lo pueden llevar en formato extendido con la “Deluxe Edition” del “Disintegration”.

Con esa leve reestructuración de la formación, con un teclista no afianzado como era el caso de Roger, se podía intuir un disco más rockero-guitarrero, con pérdida de muchas de las atmósferas que los teclados siempre aportaron a los Cure. Y así fue. Porl Thompson se hizo acreedor del sonido tan guitarrero, a ratos algo cansino en ciertas canciones, de “Wish”. El resultado fue un disco con un trío de singles para la historia dorada de The Cure y una gira mundial que mantuvo el estatus internacional de Smith y cia. 12 canciones nos ocupan hoy, vamos paso a paso.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Open”: “Wish” comienza en efecto muy guitarrero, con un buen acompasado entre el bajo de Simon y las afiladas notas de las cuerdas de Porl y Robert. “Open” es un tema donde Robert narra una de esas experiencias nocturnas de obligada visita a una fiesta en la que no tienes mucho que ver y tras la que terminas muy perjudicado, habiéndose alargado tu estancia en la misma más de lo que tenías previsto. En el sector de temas guitarreros de este disco, es quizás mi favorita (sin el “quizás”). Es concisa y prescinde del divismo y virtuosismo cansino que veremos en pasajes de temas posteriores. Un inicio vigoroso de disco que funciona muy bien.

2. “High”: Del rock pasamos al pop. Jesús Llorente, en esa biografía de cabecera de la editorial “La Máscara”, que es cabecera para tantos “cureofilos” como servidor de ustedes, denominó a “High” como un ejemplo de pop pluscuamperfecto. Estoy completamente de acuerdo. Estamos ante la canción que ofrece unos detalles melódicos más exquisitos y de mejor gusto que ninguna otra. Y es que “High” transmite una felicidad sin exageraciones o lirismo melancólico como veremos en otros momentos. Quizás sea el single que menos ha quedado en el recuerdo de los 3 que se extrajeron, debido a su discreción elegante y sin alardes. Su videoclip, muy luminoso, con el grupo en las nubes, está en perfecta concordancia con la canción.

3. “Apart”: En un tono apagado y lúgubre, Smith afronta una balada atormentada de desamor que nos habla de distancias. “¿Cómo pudimos alejarnos tanto? Solíamos estar tan juntos…” se pregunta Robert en el estribillo de esta pieza de sonido nocturno y nebuloso. Es con total seguridad una de mis favoritas del disco. Hay punteos de guitarra que son realmente maravillosos. Recomiendo que se escuche la toma en directo del lp “Paris”, ya que podrán escuchar a Robert Smith entonarla en su registro agudo habitual, provocando un fuerte contraste con la versión del lp. Suena tremendamente genial en esa toma.

4. “From the edge of the deep green sea”: Reconozco que por su título, esta canción me ganó desde la primera vez que la leí en el track list del disco. Es uno de los títulos de canción más ambiciosos de la historia de The Cure, pareciendo querer emular a los U2, con esos títulos kilométricos de “Achtung Baby” o “The Joshua Tree”. Sin embargo, el resultado total de “From the edge of the deep green sea” flojea. Es uno de esos ejemplos de guitarreo sin demasiado tino, esforzado en exceso, que sin sonar horrible no llega a los niveles de composiciones largas brillantes, al estilo de la canción “Disintegration” del disco de mismo título. Se pasa de duración y de carácter rockero. Smith se pone épico casi de principio a fin, pero ni con el paso de las escuchas ni de los años termino de tener a esta pieza en demasiada estima.

5. “Wendy time”: “Wendy time” es un tema digamos del género “tontipop”, que The Cure insertan en este disco. Es, en cierta forma, anticipo de muchos temas que poblarán el infravalorado “Wild Mood Swings” de 1996, y que nos puede recordar vagamente a cosas anteriores como “Let’s go to bed”. Quizás el carácter tan serio que tenían los Cure a estas alturas hizo que se viera a este tema con peores ojos de los que ya por sí miraron al citado single del año 83. Puede ser un tema de relleno, una especie de canción de refresco tras la sesudez de la canción anterior. No me disgusta, pero tampoco me vuelve loco.

6. “Doing the unstuck”: A veces la letra puede no estar en buena concordancia con la melodía. Y eso creo que sucede con “Doing the unstuck”. Creo que, para todo aquel que no sepa inglés y escuche la música de The Cure sin tener repajolera idea de lo que dice Robert, es una de las mejores melodías que incluye el disco. Ahora bien, el vitalismo excesivo que se narra en la letra, resulta ciertamente algo impostado y creo que no cuadra con este cierto tono de pop épico que dibuja la melodía. No en vano, Jesús Llorente, en su citada biografía, le dio palos a más no poder a “Doing the unstuck”. Yo no soy tan radical como él, ni mucho menos, y diré que me gusta como suena, pero si me pongo a reparar en la letra es cierto que la emoción se te baja algo. No obstante, confieso que cuando accedí a “Wish” en su momento, fue durante mucho tiempo uno de mis temas favoritos y a día de hoy estoy lejos de repudiarla; lo único, es que uno va aprendiendo inglés, a tener mejor capacidad de comprensión auditiva de dicha lengua y… En todo caso, según escribo estas líneas, he de decir que su melodía me sigue pareciendo muy buena y me sube la moral cosa mala. Que levante la mano el que, como yo, sea partidario de “Doing the unstuck” (quiero decir que deje comentario al respecto en el post).
7. “Friday I’m in love”: Puede ser que el gran single de “Wish” sea “Friday I’m in love”. Con los Cure haciendo el chorra en el videoclip, disfrazándose y montándose un buen sin dios en el plató, sobre todo al final, el tema se convirtió en uno de los inmortales de la banda para el público en general. Es un ejemplo de pop directo y alegre. La letra, con la narración de una semana y las sensaciones que le transmite a Robert Smith el asunto, tampoco es que esté al nivel de los mejores momentos del compositor como letrista, pero muchas veces The Cure han conseguido dar lugar a grandes piezas sin necesidad de romperse demasiado el coco a la hora de conseguir una buena lírica. Es un tema que no se quema con facilidad, como sí sucede por ejemplo con “Lullaby” (hablo de mis percepciones, por supuesto). Es lógico su éxito y hasta este momento de disco da la impresión de que The Cure han apostado claramente por el pop más que por el rock; tranquilos, que la balanza se decantará por el rock y las guitarras a medida que avancemos hacia el final.

8. “Trust”: En “Wish” The Cure hicieron hueco para la hermana menor de “Homesick”, aquel tema nocturno, taciturno e irresistible a base de notas de piano clásico incluido en “Disintegration”. “Homesick” me encanta y “Trust” también. Recuerdo que allá por el año 1999, con mi teclado Casio, de oído, saqué la melodía principal del comienzo de esta canción. Robert Smith da lugar a una bonita pieza de amor, que a medida que avanza se adorna de una mayor orquestación que la engrandece más si cabe. Uno de los “debes” de este disco y en todo caso una de mis predilectas de siempre.

9. “A letter to Elise”: Yo accedí antes a “Paris” que a “Wish”. Por eso, ciertas canciones, como el caso de “Apart”, luego me sorprendieron mucho cuando escuché el disco. En la versión en directo de “Paris”, “A letter to Elise” suena acojonante. En estudio no suena mal, pero la intensidad del directo es soberbia. Es quizás el tema de sonido más romántico y el más lírico de todo el disco. La letra destila melancolía al igual que la melodía y Robert está muy sentido en el micrófono. La conjunción o concordancia muy medida, como he descrito, de todos sus elementos, con justicia la convierten en una de las mejores y más remarcables del disco. A muchos fans les encanta, entre los cuales me incluyo; no obstante, al bueno de Llorente no le gustó, siendo una de las muchas cosas con las que no estuve de acuerdo con el bueno de Jesús al leer su muy valiosa biografía.

10. “Cut”: Vuelta al rock. Estamos ante el tema más acelerado de “Wish”. A ratos se me vuelve a hacer algo pesada la buena de “Cut”, aunque sus intenciones son nobles y el resultado general no es malo y no es demasiado plomizo. Porl Thompson aquí se queda más a gusto que en ningún otro tema de “Wish”. Smith canta desesperado y muy encendido, en correcta sintonía con el brío de este tema de factura tan contundente.

11. “To wish imposible things”: La que podríamos llamar como canción-título, por eso de que incluye la palabra que da nombre al lp en su enunciado, es quizás la canción más melancólica y zen del disco. Con una instrumentación algo exótica y misteriosa, se dibuja esta composición de factura algo desesperanzada y que también incluyo en mi conjunto de canciones favoritas de “Wish”. Quizás “To wish imposible thing” hubiera sido mejor final del disco que lo que decidió el grupo situar como capítulo de cierre.

12. “End”: Para el sector de fans hipocondríacos de The Cure, aquellos que están siempre con el miedo de que Robert decida finiquitar al grupo, “End”, por su título, pondría el corazón en la boca a más de uno. El tiempo ha demostrado que los tiros no iban por ahí y que su sentido es el de finalizar un disco que comenzó con un tema que se titulaba “Apertura” con otro que pone “Fin”. No obstante, no estamos con “Wish” ante una obra conceptual. “End” sí que resulta plomiza y repetitiva. Aquí no existe el vértigo de “Cut” y The Cure entregan un capítulo final que, con más guitarras, podría estar en el tono de la canción título que cerraba “The Top”.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Este disco, de portada indescriptible en tonos rojizos y azules, supuso la consagración de The Cure como uno de los grandes grupos internacionales. En el disco consta Cure, en lugar de The Cure, costumbre de esos días de la banda, cosa que también se ve en los 2 discos en directo “Paris” y el doble “Show”; ejemplo esto de editar 2 discos en directo de la misma gira del nivel de repercusión de la banda.

No obstante, no todo serían buenas noticias de aquí en adelante, ya que la buena aceptación y el éxito comercial del disco en todo el mundo no evitaron cierta convulsión en el grupo, que con más motivo que nunca provocó los rumores, una vez más, de disolución. El caso es que Porl Thompson, al cual costaba cada vez más pararle a la hora de meter guitarras en los discos (vean el resultado de “Wish”), abandonó el redil por 2ª vez en su vida (recordemos que formó parte de Easy Cure). Sorprendió mucho que Boris Williams, el batería de los años gloriosos de The Cure (los que van desde “The Head On The Door” hasta este disco que analizamos hoy) también se marchara.

Incluso Simon creo que hizo un amago de dejar The Cure, pero finalmente decidió quedarse. En estos días Robert Smith dirigió al grupo en descomposición a sellar canciones para bandas sonoras, como el soberbio tema “Burn” para la banda sonora de “El Cuervo”. Se reclutó a Jason Cooper en la batería, que a la postre es el batería que más ha durado en The Cure (aunque también es el que menos empatía causa entre los seguidores del grupo) y retornó Roger O’Donnell, pasando Perry Bamonte a las guitarras que dejaba vacantes Porl.

“Wild Mood Swings” fue un patinazo para la banda tanto en lo comercial como en el apartado de la crítica especializada, sobre todo por situar a “The 13th” como single. Yo, sin embargo, creo que se lo he confesado alguna vez, fueron los días en los que me sumé a The Cure gracias a “Mint car”, un single que me gustó mucho.

Recapitulando, termino concluyendo que este disco fue ejemplo de álbum maduro de alto nivel de una banda que quizás hubiera pasado recientemente su mejor momento. Es precisamente ese buen disco situado en la historia de una banda a continuación de uno que ha puesto patas arriba al mundo (como pasa con otras obras valoradas como son “Achtung Baby” de U2, sucesor de “The Joshua Tree” o el “Songs Of Faith And Devotion” de Depeche Mode, que vio la luz tras “Violator”). “Wish” a ratos (los menos) se hace algo pesado y excede en guitarras. Se nota mucho que los teclados corren a cargo de un recién llegado como era Perry Bamonte. Las atmósferas de discos anteriores brillan por su ausencia y eso es una pena.

Con todo, “Wish” suena a disco grande y con empaque. Y no hay que caer con facilidad en la falsa impresión de sonido monolítico, ya que hay de todo: pop alegre, pop melancólico, rock gótico, rock a secas, etc.. Me daría con un canto en los dientes si el grupo, cuando nos sorprenda según las últimas noticias con su futuro nuevo disco, nos entregue algo al nivel de este “Wish”; sin lugar a dudas sería una buenísima noticia para los que somos fans incondicionales del grupo.

Terminamos hablando de nuestro programa de radio. Este sábado a las 16.00h y al siguiente miércoles a las 23.00h podrán escuchar la redifusión del programa sobre “Low-Life” de New Order que llevamos a cabo en directo el sábado anterior en RUAH. A la siguiente semana no tenemos programa en directo, pero sí habrá un programa de estreno. El acertijo es sencillo: habrá lugar para el 2º programa-entrevista de la temporada. Durante esta semana les informaremos de ello. ¡Estén atentos!
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martes, 18 de marzo de 2014

Programa Blur “The Great Escape” (Temporada 5/ Programa 10)

En horario algo fuera de lo habitual, ya que por motivos personales comenzamos a las 17.00h, el pasado 22 de febrero de 2014 llevamos a cabo un programa que dedicamos a Blur y a su disco “The Great Escape”. Fue un programa más animado de lo que las expresiones de nuestras caras muestran en el cutre-montaje fotográfico de rigor, debido a la convalecencia personal física de Mariano González, que con carácter indefinido le está impidiendo estar en persona en los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) en esta 5ª temporada.

Hablamos de muchos aspectos que rodean al 4º disco de estudio de la banda liderada por Damon Albarn. Corregimos la errata cometida en el programa sobre Oasis en esta temporada a la hora de referirnos al single “Charmless man” y junto a este gran sencillo también escuchamos “The universal” y “Country house”. “Best days” fue la canción fuera del apartado de singles que escogimos para el repaso sonoro que podemos insertar en nuestra hora de programa.

Comentamos los maravillosos videoclips de los que dispusieron los singles en la mayoría de sus casos (salvo el insulso con imágenes en directo que tuvo “Stereotypes”) y fue ineludible también hablar del pique que tuvieron los Blur, muy intenso en aquel 1995, con la banda liderada por los hermanos Gallagher.

Aquí les dejamos a continuación el audio con su correspondiente reproductor para lo que puedan escuchar sin ir a ningún otro site, pero también les dejamos el link de donde está alojado en Ivoox por si desean descargárselo para escucharlo cuando les venga mejor: http://www.ivoox.com/dmr-5-10-audios-mp3_rf_2925623_1.html
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viernes, 14 de marzo de 2014

Temporada 5/ Programa 11: New Order y “Low-Life” (1985)

Retornamos a la década de los 80 para afrontar uno de los mejores discos editados por los herederos de Joy Division, los resultantes New Order tras la muerte de Ian Curtis. Quizás a New Order se les considera un grupo más de singles que de lps completos de inicio a fin, pero creemos que su 3er. disco de estudio es muy acertado.
 
Y es que aparte de singles tan fabulosos como “The perfect kiss”, con notable y emblemático videoclip, hay lugar en este disco para piezas tan acertadas como la alocada “Face up” o el réquiem al propio Ian Curtis, de factura instrumental y de corte medieval, “Elegia”.
 
Hablaremos del disco, del cuarteto de difícil cohesión que formaban en aquellos días Bernard Summer, Peter Hook, y el matrimonio Gilbert-Morris, de donde venían el grupo (con el exitazo de un tiempo atrás de su single “Blue monday”) y lo que vino después (como singles dedicados a la selección de fútbol de su país, discos grabados en Ibiza con consecuentes ruinas para Factory Records y demás).
 
No se lo pierdan. Será mañana sábado 15 de marzo en riguroso directo a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). ¡No se lo pierdan!

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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viernes, 7 de marzo de 2014

Second - Montaña Rusa (2013)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Reconozco que somos los últimos en llegar a todo o casi todo. A estas alturas, en casi todos los sitios se ha hablado ya de “Montaña Rusa” de Second. Yo tardé mucho en acceder al disco en sí (aunque pude escucharlo prácticamente completo en el concierto que el grupo dio hace unos meses en Madrid, del cual ya les informamos por aquí). De hecho, me llegó consecuencia de un regalo de cumpleaños colectivo que me hicieron. Igualmente, debido al caos vital en el que me muevo, pasaron varias semanas con el disco precintado sin tener un mínimo rato para sentarme y afrontarlo como se debe (ya saben que aquí somos de escuchar la música prestando buena atención).

Second parecen haber sido influidos por El Aviador Dro Y Sus Obreros Especializados (en lo de ir todos uniformados) y por Kraftwerk (vean la portada moderna de la reedición del “Trans-Europe Express” y compárenla con la del disco protagonista de este artículo) a partes iguales en estética para esta nueva era.

Los de Murcia vienen de una espiral ascendente desde 2009, año en el que con el notabilísimo “Fracciones De Un Segundo” dieron un salto importante, gracias al efecto en la audiencia de temas como “Rincón exquisito” o “Rodamos”. Parece que “Montaña Rusa” es de alguna forma una metáfora de la vida del grupo; particularmente pensamos que esa montaña rusa de Second solamente tiene raíles ascendentes, ya que no hemos notado descensos en ningún momento en los últimos tiempos para los Sean Frutos, Fran y Jorge Guirao, Javi Vox y Nando Robles.

15” fue el paso inmediatamente anterior. Un compendio en directo de los grandes clásicos del grupo a modo de celebración de sus primeros 15 años de trayectoria. “Demasiado Soñadores” terminó de rubricar el ascenso del grupo en el mundo de la música nacional, refrendando los logros de “Fracciones De Un Segundo” y superando a dicho predecesor tanto en alcance como en resultado global de calidad de su contenido estrictamente musical.

Quizás “Montaña Rusa” no sea tan grande como “Demasiado Soñadores”, pero es que su concepto no es exactamente el mismo. En lo musical, por ejemplo, ya no es solamente Javi Vox el que se atreve con los sintes, sino que Jorge Guirao e incluso Sean (como vimos en el concierto del pasado mes de noviembre en Madrid) aportan al grupo en esas labores. Con todo, es muy satisfactorio el conjunto de 11 pistas que componen “Montaña Rusa”. Pasemos a analizarlo tema a tema.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “2502”: Buenos teclados con los que comienza “2502”, mezclados con también unos acertados acordes de guitarra. Sean entra con tono profundo-grave en modo “on” al micrófono. El estribillo gana fuerza, confiriendo a “2502” el estatus de pop épico-melancólico. Y es que la melancolía sea precia en la letra y en su carácter agrio: “él tenía una obsesión con lo apocalíptico, empezando por sus huellas y extendiéndose al planeta” dice Sean en un destacado momento de la canción. Y la melancolía también se aprecia claramente en la historia de androides enamorados que se rebelan ante la dictadura que les aplaca. Un tremendo acierto el videoclip, la verdad. El puente al estribillo con esa relación de acciones en verbo reflexivo, suma claramente en el haber de “2502”. Sin duda, un single clásico desde su aparición para la historia de Second.

2. “Las serpientes”: Frenética y tremendamente acelerada es la 2ª pista, “Las serpientes”, que ha sido single, con un videoclip que el grupo grabó durante las sesiones de grabación del disco en los Estados Unidos. El estribillo es tremendamente loco y desatado. Quizás me sobra un poco esa parte tan cáustica y rasgada que dice “las serpientes ya no mienten, solo endulzan a la gente”. Salvo este pequeño fragmento, “Las serpientes” es un temazo, con garantía de éxito para el directo. Las guitarras ganan aquí la batalla de la presencia a los teclados en las sensaciones auditivas.

3. “Extenuación”: Oscura e intensa, con un gran trabajo de la línea del bajo de Nando Robles, “Extenuación” entra con fuerza y mucho cuerpo. Es un caso de canción que se intuye desde sus insinuantes comienzos que terminará por estallar. De hecho, así lo hace, con un Sean Frutos desaforado gritando “hasta la extenuación”. Es una canción de agresividad contenida, que transmite sensación de inquietud.

4. “Caramelos envenenados”: Alguno, al comenzar a escuchar “Caramelos envenenados”, pensará que nos encontramos ya con un medio tiempo de esos que tanto gustan y que tan bien suelen resolver Second. No. No se equivoquen. Es cierto que tiene partes en ese registro, pero el tema poco a poco se va acelerando, desde la base con la subida del ritmo de los pasos de Fran Guirao en la batería. Vamos, que “Caramelos envenenados” termina convirtiéndose en un tema realmente intenso y potente en su estribillo. Transmite gracias a su melodía subida en revoluciones y los coros sensación de vendaval, que amaina en las estrofas en ese placentero ritmo de medio tiempo que no deja de ser una excepción en su estructura.

5. “Lobotomizados”: Fue una especie de single de adelanto, con un videoclip a base de fragmentos de fans del grupo corriendo, la 5ª canción de este “Montaña Rusa”. “Lobotomizados” va al revés que la mayoría del disco, ya que son las estrofas las que tienen una melodía más rápida y en el estribillo es donde se para el ritmo alocado. Hay efectivos juegos melódicos de las cuerdas y buenos cambios de ritmo. Sean afronta el tema en uno de sus registros vocales más altos. Un tema pop agradable y que como aperitivo del disco dejó buenas sensaciones en la masa de seguidores de los Second.

6. “Antiyo”: Ya desde su título estamos ante uno de los aciertos mayores de “Montaña Rusa”. “Antiyo” es nuestra favorita quizás a día de hoy (en pugna con “2502”). Partiendo de la herencia clara de “Psicopático” y “Autodestructivos” (claras influencias previas del grupo en el resultado de “Montaña Rusa” en general), “Antiyo” se presenta como un tema desenfadado, con coros tipo del gusto de Second que ya vimos en temas como el que daba el título al anterior disco de estudio del grupo. Buena rítmicamente, irresistible y pegadiza desde las estrofas, rompe con un estribillo que no decepciona: “vas a aparecer a la de 1,2,3 y a la siguiente atravesar el muro de estupidez. Estás hambriento oh, oh, oh, estás sediento. Voy a anestesiar el lado más racional, hoy todo tiene que ocurrir, hoy tiene que suceder. Si no me encuentro, es lo que quiero”. Una clara oda a nuestros seres alterados en la vida social y sus eventos, pero con la controversia de que nuestro particular antiyo, tal como avisa Sean y se sorprende en la letra, gusta más a la gente que nuestro ser en estado normal. Sin duda, uno de los temas que para los “secondistas” (como se conoce a los seguidores de los de Murcia) pasará a la historia de la banda como un clásico de gran agrado. 
7. “La barrera sensorial”: Mezcla de electrónica, pop y lejanos sonidos de country (no en vano presten atención al primer verso que suelta Sean). “La barrera sensorial” puede parecer un tema de relleno sin más. En efecto, en las primeras escuchas pasa muy desapercibida, más aún tras situarse detrás de la gloriosa “Antiyo”, pero con el paso de las escuchas te termina de captar su falta de pretensiones y su sencilla melodía luminosa. Si todos los temas de relleno en un disco fueran de este calibre, benditos rellenos.

8. “La distancia no es velocidad por tiempo”: Muchos críticos hablan de la herencia de Héroes Del Silencio, más bien de Bunbury, en la forma de cantar de Sean. Ciertamente en “La distancia no es velocidad por tiempo”, y más en concreto en su estribillo, es donde podemos ver ese cierto deje, aunque yo creo que es la producción, de mucho eco en este caso, lo que provoca esa sensación magnánima. Estamos ante una canción de factura agria y poco amable en su melodía. Suena trascendental, tomando distancia respecto a las 2 pistas inmediatamente, que eran de factura mucho más desenfadada.

9. “Espectador”: Con un riff de guitarra brillante comienza “Espectador”. La luminosidad y el sentido positivo retorna para afrontar el sector final de “Montaña Rusa”. Esta composición es otro ejemplo de pop directo y poco complicado, de sensaciones amables, que suelen ser del gusto del grupo para finalizar sus últimos discos; podría ser de alguna forma como la prima hermana de “Prototipo” de “Demasiado Soñadores”. El riff del comienzo, que retorna también al final, es quizás su punto más positivo y diferenciador.

10. “Si todo se oxida”: Dentro de un disco tan intenso y potente, “Si todo se oxida” es de esos ejemplos que da la sensación de relajo. Falsa sensación, ya que su ritmo es notable y de nuevo sobre todo es en el estribillo, muy efectivo, donde se aprecia la fuerza de esta composición. Los teclados y sus melodías vuelven a tener un mayor protagonismo, cosa que hacía varios cortes de “Montaña Rusa” que no percibíamos de forma tan clara. Quizás sea un tema desapercibido del disco, pero como ya dijimos antes de otra compañera de obra, que así sean todos los temas de relleno; de hecho,reiteramos que su estribillo está realmente bien, y a la larga es de fácil adhesión al subconsciente.

11. “Estamos de ocasión”: “Demasiado Soñadores” terminó con un tema tan luminoso como “Tu alrededor”. Aquí no se baja en la intensidad, pero terminamos con un sentir distinto. “Estamos de ocasión” suena muy trascendental y en eso tiene mucha culpa la rotundidad del bajo y batería. El eco de la voz de Sean, por lógica, también suma a esa ampulosidad y efecto de forma clara. Buen broche final a un disco que prácticamente no nos ha dejado un solo segundo de descanso (quizás algunos pasajes de “Caramelos envenenados”.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
En resultados comerciales, “Montaña Rusa” no ha sido un superventas, pero en el sector indie las cosas hay que medirlas de otra manera. Estimamos que este disco es un trabajo de defensa de posición o más bien de afianzamiento para los de Murcia. Nos explicamos; creemos que es un disco que no captará quizás mucho más fans como los aumentos exponenciales que consiguieron los 2 trabajos de estudio anteriores, pero sí que solidifica a los que siguen a Second desde hace un tiempo.

Sean Frutos y Fran Guirao me hablaron del proceso de creación de los temas de “Montaña Rusa” al terminar el concierto de fin de gira de “15” y me dijeron que les estaba saliendo un disco muy movido y bailable. Yo les pregunté si la cosa tenía que ver con temas del corte de “Autodestructivos”, una de nuestras debilidades del grupo en formato de canción, y me dijeron que no exactamente. Tras escuchar “Montaña Rusa” estoy completamente de acuerdo con sus autores. Se ve claramente el ritmo, pero no tiene que ver exactamente con el citado tema de “Demasiado Soñadores”, aunque sí la herencia que parte de ahí.

De hecho, es probable que más de un seguidor sí que eche en falta esos momentos de reflexión más emocional y sentida como un “En pequeñas cosas”, “Más suerte”, “Nuevos secretos” o “Horas de humo”. Aquí no hay hueco para eso. El grupo ha decidido apostar por el ritmo y lo directo y creo que la jugada les ha salido bien en conjunto.

“Montaña Rusa” quizás no llegue al nivel tan alto de media que tuvo “Demasiado Soñadores”, el que nosotros consideramos su mejor disco hasta la fecha, pero también es como comparar un melón con una sandía, ya que el conjunto de “Demasiado Soñadores” abarcaba más registros o sensaciones que las que transmite “Montaña Rusa”. El eclecticismo y el pasar de intensidad (“Mañana es domingo”), a emotividad (“Muérdeme”), a reflexión taciturna (“En pequeñas cosas”), a desparrame (“Autodestructivos”), es lo que le da la grandeza que tiene a “Demasiado Soñadores” y por esa mano quizás gane en el global a “Montaña Rusa”.

Sin embargo, Second han sido capaces de sellar un buen disco. Quizás no tan grande o ambicioso como el anterior, pero muy efectivo y muy válido para que el grupo haga una gira incluso más contundente que las anteriores, ya que el nuevo material así lo va a permitir. Desde aquí seguiremos muy atentos a lo que continúen haciendo nuestro ojito derecho particular en el panorama musical indie español.

De nuestro programa de radio, decirles que este sábado y el próximo miércoles, volverán a poder escuchar el programa-coloquio sobre “The Great Escape” de Blur en RUAH. La próxima semana, el sábado 15 a las 16.00h, habrá nuevo programa en directo. En pocos días tendrán noticia del contenido del mismo. Solamente les diremos que Manchester volverá a tener a una de sus bandas míticas como protagonista… Se admiten apuestas.
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martes, 4 de marzo de 2014

Concierto Vipership. Madrid (27-02-2014)

Nunca había ido hasta la fecha a la sala Clamores. La verdad es que me resultó un escenario controvertido para el evento del que les vamos a hablar. No en vano, creo que la Clamores es un lugar con una decidida oferta de jazz en directo, por lo que su disposición, a base de mesas reservadas por el público con antelación, choca bastante con una propuesta rock. Vipership se presentaban en la sala con los ecos del éxito de su concierto en la sala El Sol de hace 3 meses. En esta ocasión, SCR era la banda que les acompañó en escena.
Los SCR son un trío de propuesta muy rockera. Su sonido dejó a Vipership casi a la altura de música pop ligera. Dispusieron de más o menos media hora para presentar su repertorio. También nos dieron la razón en el sentido de la disposición del público sentado en mesas, no estando muy de acuerdo con esa forma de vivir un concierto de rock. Comenzaron con una potencia más que notable y aunque en el tramo final quizás bajaron algo la intensidad, el nivel de la misma fue muy elevado durante cada segundo que los SCR estuvieron en las tablas de Clamores. Antes de subir a darle bien duro a sus instrumentos, el grupo dejó unas escuetas pegatinas-octavillas por las mesas con el nombre del grupo en azul oscuro sobre fondo negro. Yo, muy fetichista y coleccionista, me llevé mi ejemplar a casa y aquí lo tengo al lado del teclado mientras les escribo este artículo. Encabezando el párrafo, una imagen de los SCR en acción.
Los 2 Edus que forman Vipership, Mena y Ostos, y Clara Brea, en primer plano en la foto de aquí arriba, salieron a escena en torno a las 23h. El comienzo de actuación fue muy parecido al del concierto anterior que vimos al grupo, abriendo fuego con “She loves her monkeys” y “The sigh”. En cuanto a puesta en escena, el grupo, que ya les anticipo vinieron hace unos días a los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) a grabar un programa-entrevista, el cual emitiremos en próximas semanas, me comentó que Edu Ostos se haría cargo de la batería en lugar de los teclados y que su fuerza a la hora de tocar quedaría patente. Estuve atento a ese aspecto y es cierto que los zurriagazos de Ostos con las baquetas eran más que notables y le dieron una fuerza notable al directo de Vipership.
Vipership sonaron más directos y menos virtuosos que en la sala El Sol. Quisieron mostrar el lado más crudo y salvaje de “Lately”, su disco de debut, y la cosa funcionó. El contraste, al llevar a cabo esta muestra en un lugar como la Clamores, fue algo cuanto menos curioso. Consiguieron que mucha gente se metiera entre las mesas de las primeras filas, completamente desatados y dejándose llevar por la intensidad de los temas más rítmicos de “Lately” como son “Here comes the rain”, quizás el momento más celebrado de la noche o “From another time”. A continuación, un primer plano de Eduardo Mena a la guitarra y coros.
El grupo sí que otorgó 2 versiones, o al menos versión y media, ya que “My sharona” sonó solamente unos segundos de puente entre “Lobster monster” y “Here comes the rain”, cuando se afrontaba ya la parte final del show. En esos segundos Edu tomó el relevo vocal a Clara para sorprender con esos instantes de versión. Sí que fue íntegra la versión de “One” de Harry Nilsson. Fue parte del bis, en el que el grupo repitió “Babble”, que poco a poco va ganando peso en el imaginario de todo lo que rodea a “Lately”.
También en el plano de presentación cabe comentar que no hubo proyecciones sobre telón de fondo como sí que hubo en la sala El Sol, con lo que la sensación de más intensidad y menos artificio también se hizo patente en ese sentido. La siguiente imagen muestra uno de los pasajes de intensidad de clara a las voces y guitarra.
Personalmente nos lo pasamos muy bien escuchando “So busy”, quizás uno de nuestros pasajes favoritos de “Lately” a día de hoy. Por ello, la grabamos en video y se la dejamos aquí insertada, con la eterna disculpa en el sentido de que el audio e imagen de nuestros videos, como siempre, es lamentable.
Se completó una hora y 5 minutos de actuación que se pasó volando. La sala Clamores, a su peculiar estilo y disposición, dispuso de lo que podríamos decir un lleno (todas las mesas estuvieron ocupadas y mucha gente se agrupó de pie en los lugares donde las columnas del local permitían una correcta visión) y entre el público incluso nos percatamos de la presencia de alguna celebridad como por ejemplo la estrella del baloncesto femenino español Amaya Valdemoro, la cual vivió el concierto en primerísima fila. Aquí debajo, una fotografía de un aplicado y potente Eduardo Ostos en la batería
Como esta vez fui en transporte público, para evitar cosas indeseables como lo que me sucedió tras el concierto de la sala El Sol con mi coche, salimos a escape una vez que Vipership terminaron de tocar para intentar coger bien los metros y búhos de rigor, por lo que no pude despedirme del grupo y agradecerles en persona que nos tuvieran en cuenta para dar información de su actuación; al menos, antes de que comenzaran incluso SCR, ya que llegamos muy puntuales a Clamores, pude hacerlo anticipadamente con Eduardo Mena.
Se aprecia claramente la evolución de Vipership y como van haciéndose un nutrido grupo de seguidores. Llenar 2 lugares distintos, de cierto nombre en la capital, en fechas separadas por 3 meses y en días de entre semana, demuestra buena salud. Sobre todo destaco que Vipership desprenden muy buen rollo en escena. La comodidad que se aprecia en las relaciones entre sus componentes es muy palpable, y el que te puedas dar cuenta de eso no siempre sucede cuando estás viendo a un grupo en escena. Confiemos en que las cosas sigan con buen viento y dirección para Vipership. Estaremos muy atentos de su devenir y en lo que podamos les informaremos de ello.
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domingo, 2 de marzo de 2014

Programa Kuve “Regresión” (Temporada 5/ Programa 9)

Tras la realización en directo del programa dedicado a “Delta Machine” de Depeche Mode, Carlos Otero y Maryan Frutos, Kuve en definitiva, nos hicieron una amable visita en los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). El motivo era llevar a cabo la grabación de un programa entrevista sobre su disco “Regresión”.

Fue la tarde del 25 de enero de 2014 en torno a las 17.30h cuando llevamos a cabo la grabación, pero el programa se emitió en abierto en la sintonía de RUAH al sábado siguiente 1 de febrero de 2014, saltándonos por una vez la periodicidad bisemanal de nuestro programa en esta 5ª temporada.

Nos dio tiempo a dialogar sobre muchos aspectos de la formación de Kuve como grupo y del proceso de creación de “Regresión”. También contamos con el lujo de poder escuchar en directo el último single “Siluetas de invierno”, interpretada en acústico por Kuve en nuestros estudios.

Les dejamos aquí insertado el audio para que lo puedan escuchar y encabezando el artículo una foto de recuerdo que nos hicimos con Maryan y Carlos. A continuación también les dejamos el link directo a nuestro perfil de Ivoox por si se lo quisieran descargar: http://www.ivoox.com/dmr-5-9-audios-mp3_rf_2880536_1.html
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