viernes, 28 de febrero de 2014

Lady Gaga - Artpop (2013)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
El signo de los tiempos y la lucha de las chicas por el trono mundial. Es cierto que a día de hoy a mi adorada Lady Gaga le ha surgido una contrincante en el trono del pop, aunque no se muevan precisamente en los mismos registros, ya que Gaga apuesta por la facción electrónica más clara de toda diva actual internacional mediática que se precie.

Sí, estos son los días en los que Miley Cyrus arrolla y arrasa e incluso eclipsa el estreno mundial del primer single, a la par que de adelanto, de “Artpop” “Applause” en los MVA en Brooklyn de Lady Gaga, siendo más escandalosa y provocadora que nuestra protagonista del post de esta semana. Con todo, dejando de lado la repercusión mundial y el puesto nº 1 de ese ranking figurado de popularidad, centrémonos en el presente de Lady Gaga y su nuevo disco.

Ya me confesé seguidor de Gaga hace mucho tiempo, y seguro que más de uno se hizo de cruces o perdió la fe en este blog (si es que alguna vez la tuvo). Declararme “little monster” no creo que me pegue, básicamente por mi estatura. Aún así, sigo mucho lo que hace Gaga y un nuevo lanzamiento suyo siempre me genera una alta curiosidad. “Born This Way” a día de hoy me gusta y lo valoro más que cuando salió a la venta. No obstante, sigo pensando que es algo excesivo y le faltó cierta perspectiva o calma para que el resultado general hubiera sido mejor.

Llega 2013 y comienzan los anuncios de lo que será el nuevo disco de Gaga. Se va conociendo el título, “Artpop”, el cual me agradó desde el inicio, el título del primer single “Applause” y las irremediables filtraciones de cosas en la red que provocaron por ejemplo adelantar el lanzamiento de “Applause” como single. Lady Gaga aparecía en las fotos con un color rubio parecido al de los días de “The Fame Monster”, pero con un maquillaje, de excesivos colores, corrido en el rostro.

Quizás “Artpop” no tenga canciones tan gloriosas en su contenido como las tuvo “Born This Way” al nivel de sus “Judas”, “Scheibe” o “Hair”, pero en conjunto sí que lo considero mejor y más centrado. Tiene su miga y me apetece mucho hablarles de él. Metámonos de lleno en su generoso contenido, el cual incluye 15 temas, ni más ni menos.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Aura”: Con unos acordes de guitarra de corte árabe, comienza el disco. “Aura” se presenta en sus primeros instantes con Gaga en su tono vocal “don’t be a drag, just be a queen”. La electrónica se va haciendo dura en bases y formas a medida que progresa “Aura”. Su mayor gloria reside en el estribillo, con Lady Gaga variando a un registro más alto y claro, donde la melodía también alcanza su momento de máximo atractivo. Es un comienzo de disco que tarda en entrar y que no en vano puede descuadrar algo. Hay que agarrarse fuertemente a su estribillo y de esa forma concluiremos que no está nada mal como arranque de “Artpop”. Chocan un poco, todo hay que decirlo, las carcajadas y la grotesca pronunciación del título de la canción en el fragmento inicial.

2. “Venus”: Con muchas canciones de este disco, al igual que sucedía en “Born This Way”, nos encontramos con más que buenas canciones en conjunto, con temas que incluyen pasajes realmente formidables, con otras fases de las mismas canciones que son más ramplonas. En “Venus”, tal como pasaba con “Aura”, hay partes que destacan más que otras. No obstante, “Venus” tiene más pasajes aprovechables que su estribillo. Aquí hay algún puente o estrofa que tienen muy buen gancho melódico. El estribillo, nuevamente, está muy bien y demuestra el buen sentido del ritmo que Lady Gaga suele tener siempre. Gaga utiliza un registro alto en casi toda la canción, salvo en alguna réplica o coro donde mete el tono grave.

3. “G.U.Y. (Girl under you)”: Con “G.U.Y. (Girl under you)” estamos de nuevo ante una canción de buen y efectivo estribillo. Aquí también nos encontramos con un sector post-estribillo de auténtica gloria, y quizás su momento más álgido. Es un tema de perfil bajo, pero que repunta cuando es necesario. En todo caso, sigue sumando a un comienzo de disco más que aceptable. Un comienzo de disco, eso sí, que se aprecia realmente cuando se llevan al menos 3 escuchas detenidas del disco.

4. “Sexxx dreams”: El mejor tema del buen cuarteto de apertura de “Artpop” sin duda es “Sexxx dreams”. Tiene un estribillo con Gaga en un registro vocal muy pop. Hay un diálogo en estrofas entre la propia Gaga con distintos tonos, de factura oscura y provocativa, como se puede ver en el comienzo de la canción por ejemplo. Y es que “Sexxx dreams” es mucho más completa que sus anteriores compañeras de disco. Aquí es aprovechable todo. Creo que estamos ante uno de los pasajes que más quedarán en el recuerdo de los seguidores reales de Gaga a lo largo del tiempo, más allá de que “Sexxx dreams” sea single o se quede como joya oculta en el interior de “Artpop”. Es un ejemplo de que Gaga sigue estando inspirada al componer. Quizás en su estribillo, en lo instrumental, me chirriaban algo en las primeras escuchas algunos arreglos electrónicos o de vocoder, mezclados como con otros acordes que hay por debajo, pero en estos momentos incluso me suenan bien.

5. “Jewels n’ drugs”: En “Artpop” hay lugar para un par de raperadas o, mejor dicho, colaboraciones de raperos. Aquí entra el famoso T.I. (entre otros), por su colaboración en el éxito de videoclip disoluto de Robin Thicke “Blurred lines” y algún que otro más, para regalarnos el primer patinazo del disco. No estamos ante una locura del nivel de “Americano” de “Born This Way”, pero es una canción que mostrándose oscura y perversa, falla en su cometido. No en vano, “Jewels n’ drugs” recuerda a la también fallida “E.T.” del correcto disco “Teenage Dream”de Katy Perry. Me sobra dentro de “Artpop”. No hubiera pasado nada por dejarla fuera y en su caso haberlo editado como single aparte y solamente incluirlo como bonus tracks en reediciones posteriores, para que no joda el concepto global de “Artpop”.

6. “Manicure”: Aunque Gaga es una de las referencias de la música bailable con matices electrónicos de los últimos tiempos, de cuando en cuando le gusta moverse en el rock, tanto en sonido como en su actitud frente al micrófono. “Manicure” es ejemplo de este gusto de Lady Gaga. Estamos ante quizás la canción más rotunda de “Artpop”. Suena muy intensa y Gaga canta con mucha rabia en casi toda su duración. No está mal, pero tampoco es de los momentos más memorables de “Artpop”.

7. “Do what u want’”: Que nadie se piense que odio a los raperos ni nada por el estilo por lo comentado en el apartado de “Jewels n’ drugs”. ¿Cómo podría ser yo un detractor de ese estilo habiendo residido toda mi vida hasta la fecha en Torrejón de Ardoz, foco clave de la cultura del rap y hip hop en España y teniendo amigos de toda la vida que son grandes aficionados a dicho género? Pues eso. Y como muestra, les digo que la colaboración de R. Kelly sí que es un tremendo acierto. Como la copa de un pino. “Do what u want’” es una canción fabulosa. Con una melodía que mezcla sensaciones melancólicas y románticas a partes iguales. El color de voz de R. Kelly casa (perdóneme la conocida pareja del rapero el verbo utilizado) a la perfección con la voz de Gaga. Es una canción sencilla, con bases marcadas, pero a la par suaves. El estribillo puede aparentar que abuse de la repetición, pero a veces una gran canción se basa en esos recursos. Llegados a mitad de disco, queda muy bien esta pieza. “Haz lo que quieras con mi cuerpo” reitera Gaga a lo largo de toda la canción; a mí que no me lo dijera 2 veces… Emmm, pasemos a la siguiente canción.

8. “Artpop”: Llega la canción título. Tema de compás de espera o transición, sobre todo tras haber escuchado una canción de tan fácil y correcta llegada como “Do what u want”. Quizás sea uno de los momentos que más nos recuerden a “The Fame”, disco de debut de Lady Gaga, aspecto que ha sido muy comentado en las críticas de “Artpop”. No suena mal, tiene una melodía que no incluye sobresaltos y resulta llevadera. No obstante, tampoco es memorable. Correcta sin más.
9. “Swine”: Quizás la mayor paranoia o canción friki que ha metido Gaga en este disco sea “Swine”. “Soy un cerdo dentro de un cuerpo humano” es lo que más retumba de la letra al escuchar la canción. En todo caso, es otra canción de factura rockera e intensa, de esas que muestran la vena más rotunda y contundente de Gaga. A mí no es que me guste especialmente, pero los “little monsters” o fans acérrimos de Lady Gaga sí que la han acogido con cariño y no en vano van a sus conciertos con máscaras de cerdo y cerditos para que “mother monster” se encuentre correctamente agasajada.

10. “Donatella”: Lady Gaga adora a Donatella Versace, o eso confesó en una ya mítica entrevista concedida a Jonathan Ross, y creo que son buenas amigas. Aquí hay una canción dedicada a esta personalidad, que en sus ámbitos también tiene algo de Lady Gaga. Completa un combo de 2 canciones alocadas junto a la previa “Swchine”. Personalmente me agrada mucho más “Donatella”. Vemos a una Lady Gaga mucho más desparramada y excesiva, si cabe. “Donatella” podría ser la “Americano” particular de este “Artpop”.

11. “Fashion!”: Y tras “Donatella”, pasamos a hablar de moda, por lógica. “Fashion!” es quizás mi favorita del disco. Melódicamente es perfecta de inicio a fin y Lady Gaga canta con un comedimiento exquisito, alcanzando unos buenos agudos en el estribillo. Líricamente “Mírame ahora, me siento en la cima del mundo” es lo que dice Gaga en el estribillo y “luciendo bien, sintiéndome bien” que también lo repite mucho en el inicio de la canción. Es una canción positiva, de melodía alegre y luminosa que funciona perfectamente como levantadora de ánimos. Engrandece y da empaque a este “Artpop” al estar incluida dentro de su track list. Ligera, muy apoyada en notas de piano de base, en distintas notas. Siempre me reporta una alegría llegar a su escucha cuando me meto una audición de cabo a rabo de “Artpop”.

12. “Mary Jane Holland”: “Mary Jane Holland” es en cierto modo un tema de transición, o da la impresión de ser factura de relleno. No obstante, bendito relleno. Creo que es una canción que va llegando poco a poco. Al estar situada en su tramo final y enfrentarse a temas tan gloriosos como el que le precede y otros de tanta repercusión que le sucederán, tiene un papel jodido. Su estribillo está bien y funciona. Nuevamente estamos ante una pista de factura o corte “The Fame”.

13. “Dope”: Comenzaré diciendo que “Dope” fue nº 1 en la lista de singles de España. Con un par. Y, no, no estamos ante una canción de tipo “Poker face” o “Bad romance”. Qué va. Estamos ante una balada atormentada de esas estilo de lo que hacía con “Speechless” en directo (sin el toque orquestal de estudio que tiene esta pieza en “The Fame Monster”), solamente con su piano de cola. Nos enfrentamos a una de las piezas más melancólicas que haya compuesto jamás Gaga. Es una canción de lágrima incluso me atrevería a decir. “Te necesito más que la droga” nos remarca Gaga en la letra. El final de la canción, terminando en tono descendente, le da si cabe más gloria de la que hubiera tenido si hubiera terminado en lo más alto; Gaga suele hacer uso de este recurso, lo cual demuestra mucha picardía compositivo de esta chica italoamericana.

14. “Gypsy”: Nos faltaba un tema de factura pop alocada y anfetamínica, al estilo de un “Highway unicorn” de “Born This Way”. Bien, pues Lady Gaga también se lo guarda para el final del disco en esta ocasión. “Gypsy” es acelerada, luminosa, alocada y muy pop. Es pretenciosa, pero creo que sus ganas de agradar le juegan una mala pasada a la hora de quedarse en el recuerdo de los que escuchan el disco. Hay varias canciones, compañeras de disco, que le ganan por la mano (sin ir más lejos el cuarteto de apertura). Sirve de puente para que el disco rubrique con el tema que sirvió de adelanto o aperitivo.

15. “Applause”: Resulta sorprendente terminar con la canción que fue el primer single, y que incluso lo fue de adelanto, antes de que el lp viera la luz. Esto demuestra la valentía de Gaga y su poder de decisión a la hora de elegir hacer lo que le dé la real gana, desmarcándose de lo lógico o manido. “Applause”, con lógica tradicional de industria discográfica, no se hubiera puesto en el listado de 15 temas más allá del puesto 4. Hablando de la canción, estamos ante otro tema con efecto y potente gancho. También nos encontramos quizás a la Gaga más rotunda o marcada en las voces del disco. Buen estribillo, buen videoclip (con una tremenda Gaga prácticamente en cueros, con peluca leonina castaña) y otro clásico para la historia discográfica de Gaga. Quizás no haya llegado al nivel de repercusión de los singles de relumbrón de discos anteriores, pero no podemos hablar de patinazo compositivo. Comercialmente puede.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Con su 4º disco de estudio (recuerden que aquí consideramos a “The Fame Monster” como su 2º disco de estudio), Lady Gaga afianza su posición como una solvente figura del pop más bailable y con más carga electrónica dentro de lo comercial o masivo. Con una base de fans tan fiel y devota, Gaga siempre tendrá una buena lona sobre la que caer, pero yo considero que aquí no ha tenido que hacer uso de ella.

Creo que en la gira, que esperemos recale en Madrid en este 2014, no hay tanto artificio como en la ambiciosa “Monster Ball Tour”, y Gaga apuesta más por el lado rockero; al menos, esa es la impresión que da su actuación en el I-Tunes Festival que se incluye en la edición deluxe de “Artpop” que me regalaron las pasadas navidades. Quizás Lady Gaga está en un 2º nivel de repercusión mediática a día de hoy, sobre todo eclipsada por la buena de la anteriormente conocida como Hannah Montana (y ya saben que en nuestros perfiles de Facebook y Twitter reconocimos hace poco tiempo que “Adore you” de la Cyrus, nos gusta y mucho). De hecho, hasta la fecha no se ha realizado ningún videoclip más que el de “Applause”, dato que considero significativo.

No obstante, creo que “Artpop” agrada a los fans de Lady Gaga, que al fin y al cabo es lo que importa. No ha dispuesto de un single que atraiga a más fans, ya que “Applause” en ese sentido no ha funcionado así, pero sí que ha afianzado a la base de “little monsters” y a todos los que apreciamos lo que esta estrambótica y controvertida diva hace.

“Artpop” consideramos que es un disco de notable. Su portada, muy porno, muy “Tamaño Natural” de Luis G. Berlanga, me gusta y llama la atención (en un sentido más positivo que aquellos horrores que se diseñaron para las portadas de “Born This Way”). Es menos excesivo que “Born This Way” y concreta mucho más su objetivo, a pesar de también tener que lidiar con 15 canciones en grupo. Lo dicho, a ver si Gaga se pasa por Madrid, si puede ser por el Vicente Calderón (me gustaría ver un concierto en el estadio de mi equipo antes de que lo derriben) y pasamos un buen rato escuchando temazos que incluye este “Artpop” como “Sexxx dreams” o “Do what u want’” en directo. De momento, solamente ha incluido Barcelona en la rama europea de su tour internacional...

De nuestro programa de radio, decirles que hasta el 15 de marzo no habrá nuevo programa en directo. Estos próximos sábados a las 16.00h y los miércoles a las 23.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), podrán escuchar la redifusión del programa que hicimos el pasado día 22 de febrero de 2014, a las 17.00h (excepcionalmente a esa hora) sobre Blur y su “The Great Escape”.
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miércoles, 26 de febrero de 2014

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Vipership (27-02-2014)

Esperando que en esta ocasión, ningún aspecto ajeno a la música nos amargue parte de la experiencia, “Discos, música y reflexiones” iremos este próximo jueves día 27 de febrero de 2014 a la sala Clamores para volver a ver a Vipership en acción. Será la primera vez que acudamos a esta sala a una actuación, por raro que les pueda parecer. Y, sí, verán algo raro el “4” que consta en la fecha del cartel promocional, pero es que en internet circula por ahí con la fecha del año 2013 y nos hemos tomado la molestia de “cutre-modificarlo”, con nuestro fino y reconocido uso del programa Paint.

Y en el caso de Vipership será la 2ª vez que podamos comprobar el directo del grupo tras su concierto de presentación de su lp de debut “Lately” en la mítica sala El Sol a finales de noviembre del pasado 2013. Previamente nos hemos enterado que habrá alguna variación en la formación, ya que Edu Ostos, que en el concierto de la sala El Sol se encargó de los teclados, va a encargarse de la batería; creo, según me han dicho, que es un aspecto éste muy a tener en cuenta por la intensidad de Ostos en la batería.

Por lo demás, por lógica, estará Clara a las voces principales y a las guitarras y Eduardo Mena (aunque en su apartado de colaborador de tertulia en nuestro programa de radio sea Eduardo de la Mata) también en las guitarras y en los coros que escudan a Clara. Vipership tocan junto a SCR y el comienzo del evento está fijado para las 21.30h. Vipership saldrán en 2º lugar.

Un jueves es un buen día para irse de concierto. Solamente les quedará el viernes y con un poco de suerte su jornada laboral de ese día les permita echarse una siesta para recuperar parte del sueño, por lo que no se lo piensen y vayan a comprobar el buen directo que Vipership ofrecen. Agradecemos personalmente al grupo y a su entorno que nos hayan tenido en cuenta para poder informar de esta actuación que ofrecen.
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martes, 25 de febrero de 2014

Concierto Tom’s Cabin. Madrid (23-02-2014)

Un domingo siempre es un día jodido para la celebración de un concierto (siempre y cuando el lunes no sea festivo de ámbito nacional). Por esa idea preconcebida y por el panorama que presentaba la sala Costello a las 21.25h del pasado domingo, pensé que el concierto de presentación en Madrid del debut discográfico del proyecto del músico canario Tomás Hernández, Tom’s Cabin, podría ser un fracaso de audiencia. Por fortuna, me equivocaba y, aunque fui el primero que llegué a la Costello (de hecho servidor parecería un fantasma en aquel momento de vacío del local, ya que saludé al dj que estaba en su cabina y el menda no me dijo ni “hola”), a los 20 minutos, el local estaba hasta los topes. En esos instantes, Tom’s Cabin, con su formación de cuarteto en directo, pisaba el escenario de la céntrica sala madrileña. En la siguiente foto les vemos afinando unos minutos antes de que salieran definitivamente a escena para arrancar con el concierto.
Pasé el domingo interiorizando el disco de debut para no ir al concierto más perdido que un burro en un garaje. Hasta el día del concierto, solamente había escuchado unos pocos segundos de uno de sus temas en el anuncio del que ha dispuesto el grupo en Kiss Tv en los últimos meses; un recurso éste, que se ha muestra como un efectivo medio de difusión y propaganda en la presente era del panorama musical patrio. Me dio tiempo durante el domingo a darle al menos 4 repasos íntegros a los 33 minutos de duración del disco homónimo de Tom’s Cabin, 2 por la mañana y 2 por la tarde, antes de partir hacia el centro en tren de cercanías. Me transmitió una calma y sensaciones muy agradables, acordes con el día tan bueno, meteorológicamente hablando, que tuvimos el día del concierto.
Llegamos con la citada puntualidad ya comentada antes, puesto que el comienzo estaba fijado para las 21.30h. Por cierto, se agradece mucho a Tom’s Cabin que, saliéndose de la triste norma del retraso exagerado en el comienzo de muchos conciertos, a las 21.45h comenzaran con su repertorio. Tomás Hernández, en su directo al frente de Tom’s Cabin, se acompañó en escena de Iñaki de las Cuevas y Pablo Cebrián en las cuerdas (se alternaron bajo y guitarras en varias ocasiones) y de Carlos Barrera en la batería (el cual también se agenció el bajo en uno de los temas sentado desde su batería). Es importante destacar que Pablo Cebrián ha sido el productor del disco y de alguna manera quien ha sido el mentor de Tomás Hernández a la hora de desarrollar Tom’s Cabin como proyecto musical. Precisamente, abajo un plano protagonista del señor Cebrián.
Comenzó el grupo con “Hummingbird hawk-moth”, último single y último videoclip del grupo. Tom’s Cabin completaron más de una hora de actuación, sin necesidad de relleno innecesario, como en clave de humor comentó el propio Tomás, a la hora de dirigirse al público, la obligatoriedad de cumplir al menos una hora de actuación para que la gente pudiera percibir que la entrada y su precio le ha rentado o cundido. A continuación el músico Iñaki de las Cuevas.
Dentro de esa hora repasaron, por lógica, de comienzo a final, aunque no con el mismo orden del disco, todo el lp. Tom’s Cabin presentaron incluso un tema nuevo, de título “Halloween”, bastante destacable. Para completar el repertorio, nos regalaron 3 versiones, incluyendo la versión de Metallica “For whom the bell tolls”, la cual sirvió para que el grupo se despidiera del escenario antes de retornar para los bises.
El bis estuvo perfectamente diseñado, incluyendo un tema muy bonito del primer disco de Tom’s Cabin como es “Song in my head”, el cual ya nos habíamos percatado en nuestro escrutinio particular que íbamos realizando, que aún faltaba por sonar; no en vano, es uno de los capítulos del primer disco de Tom’s Cabin que más nos agrada. Con esta pista se inició la propina, para rematar y terminar el concierto por todo lo alto con el tema más conocido del grupo, aquel que ha sido sintonía de ese anuncio en Kiss Tv que antes he mencionado, que no es otro que “The brave”. Sonó intensa, con su irresistible mezcla de folk y toques country a partes iguales. A muchos agradó si cabe más el final en sí con una versión de Paolo Nutini de su tema “Jenny don’t be hasty”.
Personalmente del concierto nos gustó mucho el pasaje que protagonizó el tema “The forest”, el cual vino justo después de la primicia de escuchar el nuevo tema “Halloween”. Fue notable la intensidad que mostró esta pieza en varios de sus pasajes. Y es que ese es uno de los aspectos que marcan el directo de Tom’s Cabin: la alternancia entre lo íntimo y sensible y el arrojo y el nervio. Pudimos ver a Tomás Hernández moviéndose con soltura y sin contrastes chocantes entre estos 2 perfiles. Cierto es que hay canciones que se prestan más a un perfil que otro, como por ejemplo la calma y mesura que se pudo percibir cuando se interpretó “Am I your son?”, una de las canciones que más se quedan en la retina tras las primeras escuchas del disco. Sin embargo, otros momentos, como la citada “The forest”, permitían diferenciar partes de notable diferencia de intensidad y recogimiento.
También hubo lugar para la sensualidad y la capacidad de seducción que imprime Tomás al interpretar “Olivia”. Esa oda dedicada a detalles del físico de dicha musa de color castaño. ¿Quién sabe si la auténtica Olivia era una de las muchas chicas guapas de aspecto indie que acudieron a la Costello a ver a Tom’s Cabin? La siguiente imagen muestra uno de los momentos de arrojo e intensidad que protagonizó Tomás Hernández.
El concierto de presentación del debut discográfico de Tom’s Cabin en Madrid fue un éxito. Creo que hasta la fecha es el concierto que más fervor he notado en la sala Costello (y a esa sala ya he ido a unos cuantos, incluyendo el también muy exitoso que dieron Kuve hace un par de meses rodeados de artistas invitados). La acústica de la sala Costello es con total seguridad uno de los puntos a favor de este local a la hora de poder disfrutar de un concierto. Al igual que el disco se nota pulido y bien tratado, Tom’s Cabin sonaron realmente limpios en directo y salvo algún pequeño fallo técnico de petardeo en alguna fase en los bises, todo sonó razonablemente bien.
Se apreciaba al finalizar la actuación, cuando el propio Tomás Hernández, tras despedirse del escenario, retornaba para ofrecer el disco a todo aquel que lo quisiera comprar, que la gente que desafió a la siempre agreste noche de domingo para acercarse al concierto, quedó satisfecha. Nosotros no tuvimos tiempo para más y al término salimos escopetados para retornar al municipio de Torrejón de Ardoz en transporte público más allá de las 23h, lo cual es una aventura tremenda con la frecuencia de paso de los metros y de los jodidos autobuses que dan servicio al Corredor del Henares. Todo con la perspectiva de un lunes madrugador por delante en mitad de este periodo del año tan “cojonudo”, desierto de alguna puta fiesta que nos permita descargar tantas semanas laborales de 5 días seguidos.
Para nada nos arrepentimos de acudir al concierto de Tom’s Cabin en la sala Costello. Fuimos testigos de una actuación muy bien llevada, muy bien interpretada y con una sala en la que cabía poco más que un par de personas más si acaso, lo cual siempre ayuda a que la sensación de buen concierto se acreciente por el ambiente que lo rodea. Terminamos agradeciendo a Cookie de Promociones Sin Fronteras, a la cual saludamos apresuradamente cuando nos marchábamos de la sala, que nos tuviera en cuenta para poder informar de esta actuación.
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lunes, 24 de febrero de 2014

Programa Depeche Mode “Delta Machine” (Temporada 5/ Programa 8)

Nuestro 8º programa de la 5ª temporada fue un coloquio compartido con nuestros colaboradores Óscar Cañas, Alfredo Morales, Mariano González (vía telefónica, en espíritu, tal como muestra el cutre-montaje tan habitual en estos artículo) y servidor de ustedes, Víctor Prats, en el que dimos tratamiento al último trabajo de Depeche Mode.

Aunque los 4 somos muy aficionados a la mítica formación de techno pop, la verdad es que fuimos bastante críticos con el último disco de la banda. Nos sirvió de excusa para tratar la actualidad del trío compuesto por Dave Gahan, Martin L. Gore y Andrew Fletcher y no en vano pudimos comentar en antena algo sobre la experiencia en vivo de su actual gira mundial, vivida de primera mano en el Palacio de los Deportes el sábado 18 de enero de 2014.

Pudimos escuchar varias canciones de “Delta Machine” y una toma en directo, de no muy buena calidad, de “The child inside” del citado concierto de Madrid. El programa lo llevamos a cabo el 25 de enero de 2014 en riguroso directo a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), justo una semana después de la visita del grupo a la capital.

Insertamos a continuación el audio del programa subido a Ivoox y también les dejamos el link directo donde aparece en el citado portal de audios: http://www.ivoox.com/dmr-5-8-audios-mp3_rf_2857990_1.html
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sábado, 22 de febrero de 2014

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Tom’s Cabin (23-02-2014)

Este domingo 23 de febrero de 2014 a las 21.30h en la sala Costello tendrá lugar la actuación de Tom’s Cabin en Madrid. El proyecto del músico canario Tomás Hernández llega a la capital para defender en escena su disco de debut, de mismo nombre que el del grupo.

Con reciente estreno de videoclip para el 2º single del disco, es un momento muy adecuado para que Tom’s Cabin siga afianzándose como una de las propuestas más llamativas de los últimos tiempos. No nos lo perderemos y mañana estaremos presente para contarles a posteriori lo que deparará la noche de este domingo.

Agradecemos a Cookie de Promociones Sin Fronteras que haya contado con nosotros para poder informar de este concierto.
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viernes, 21 de febrero de 2014

Temporada 5/ Programa 10: Blur y “The Great Escape” (1995)

1995 fue un buen año para la música, o al menos así lo pensamos en “Discos, música y reflexiones”. Y musicalmente, lo que estaba en boga en aquellos días era el brit pop y la guerra mediática que tenían los grupos Blur y Oasis. La guerra también, por lógica, era musical, es decir, no solamente se reducía a los intercambios de declaraciones altisonantes entre los componentes de ambas formaciones en los medios.

Damon Albarn, Alex James, Graham Coxon y Dave Rowntree editaron en aquellos días su disco “The Great Escape”. Un fabuloso trabajo, lleno de canciones de potente gancho comercial, del que, por lógica, se extrajeron unos singles realmente formidables y de grato recuerdo para muchos.

Sin embargo, “The Great Escape” perdió la batalla contra “(What’s The Story?) Morning Glory” de Oasis (al igual que en el apartado de declaraciones subidas de tono y de mal gusto, los hermanos Gallagher también golearon a los Blur). No obstante, en nuestro 10 programa de la temporada, queremos rendir tributo a este buen lp, que es de igual puntuación que el número cardinal que le ha tocado en gracia en nuestra 5ª temporada.

Podrán escuchar nuestro programa, en formato coloquio-debate, este próximo sábado 22 de febrero a las 17.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Les esperamos.

IMPORTANTE: fíjense bien en la hora, ya que por motivos personales tenemos que comenzar una hora más tarde de lo habitual. Así que en lugar de las 16.00h, tengan presente en esta ocasión las 17.00h. No se lo pierdan.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/688254401225048/
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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viernes, 14 de febrero de 2014

La Broma Negra - Déjanos La Luz Encendida (2013)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Carlos Caballero y Álex Gómez, es decir, La Broma Negra, han vuelto a editar nuevo trabajo discográfico. Con un buen ritmo de producción, ya que no ha pasado tanto tiempo desde que “Desilusiones De Grandeza” viera la luz (ni 2 años), este binomio musical madrileño, de tan larga trayectoria (cuyos orígenes se remontan a comienzos de los años 90), mantienen sus señas de identidad sonora de sus últimos años, pero con matices que les iremos comentando.

Han pasado ya unos años desde que La Broma Negra decidiera sumergirse en las bases y melodías electrónicas, para acompañar a las guitarras eléctricas de Álex Gómez. El resultado ha sido satisfactorio a nivel general. Sus 2 últimos discos, “Joyas De Princesas Muertas” y “Desilusiones De Grandeza”, han regalado una colección de canciones, como momentos muy destacables, todas ellas con las profundas y nada banales letras de Carlos Caballero, entonadas con su personal voz.

“Desilusiones De Grandeza” fue el trabajo previo. Un disco en el que se notaba una energía mayor que en “Joyas De Princesas Muertas”. Con “Desilusiones De Grandeza”, La Broma Negra apostaba por un disco enérgico y luminoso, que venía también acompañado por un mensaje a ratos bastante positivo en las letras de Carlos Caballero.

A primeras oídas, parece que “Déjanos La Luz Encendida”, nuevo disco del grupo y protagonista del presente artículo, sea primo hermano de “Desilusiones De Grandeza”. Error. Un error de percepción provocado por la primera escucha. Con el paso de las audiciones detenidas de su contenido, nos damos cuenta claramente de que el disco es bastante más lúgubre y oscuro, no solo en sus melodías, sino en muchas de las letras que el señor Caballero ha escrito en esta ocasión.

El sonido de “Déjanos La Luz Encendida” también se vuelve más rockero, permitiendo un mayor lucimiento de las guitarras de Álex Gómez. Las melodías sintéticas pasan a ser un apoyo o adorno, cosa que en los trabajos anteriores más bien parecía al revés, es decir, que los acordes de las guitarras de Álex más bien parecían los adornos a las melodías sintetizadas. Pasemos a analizar sus 10 canciones.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Heridos”: Con sonidos de batalla, comienza “Déjanos La Luz Encendida”. Carlos entra rápidamente, sobre el manto melódico de los teclados, con una voz muy profunda. En el estribillo de esta primera canción “Heridos” ya vemos una declaración de intenciones, extrapolable a lo que podremos escuchar, por lo general, en el disco: “luz de mi vida y de mi corazón, nunca a tu lado voy a despertar… Te quiero, pero he elegido la oscuridad”. Las guitarras de Álex le dan mucha contundencia a la canción, en simbiosis perfecta con la afilada y directa letra de la canción. Gran comienzo de disco y uno de sus temas más directos y más fácilmente recordables de primeras escuchas.

2. “Fresas con nieve”: El mensaje de las letras de Carlos Caballero sigue siendo poco amable, guste a quien guste. Toca hora de afrontar una jodida reflexión sobre el amor y las relaciones de pareja. Todo ello encuadrado en el día de la boda del personaje narrado en primera persona. “No es lo mismo amar a alguien que enamorarse de ese alguien. Ya sé que no lo entiendes” es una de las frases más marcadas y destacadas de esta canción “Fresas con nieve”, que quizás más de alguno debería escuchar antes de dar un paso que luego le complique la vida en exceso. Joder, y voy yo y publico este artículo a 14 de febrero. Con un par de cojones. Los sonidos sintéticos son atmosféricos, con unas bases muy nerviosas, donde el sonido de las guitarras de Álex Gómez da gran calidez a la canción. La letra no tiene desperdicio y entre otras cosas, es muy interesante esa puntualización del respeto de la libertad del otro en las relaciones sentimentales. Canción punzante y destacable del disco.

3. “Nuestro amor destruirá al mundo”: El sonido más rockero del nuevo de disco de La Broma Negra se ve en “Nuestro amor destruirá al mundo”. Aquí el peso de las guitarras eléctricas de Álex Gómez se afianza claramente. Carlos se relaja en parte, tras la entrega tan intensa que propició el contenido lírico de las 2 pistas de apertura. Se oyen coros acompañando a Carlos en el estribillo. Las figuras literarias de la lírica de Carlos nuevamente ofrecen pasajes muy llamativos y explícitos como “transfusiones de sangre llevas de mí”. Termina un poco de golpe, con la sentencia que ofrece el título de la canción.

4. “Domingo de pasión”: Con un mayor predominio de las melodías electrónicas, llega “Domingo de pasión”. Esos teclados de factura algo medieval, son muy del gusto de La Broma Negra, cosa que hemos podido ver en sus anteriores discos. Cuando toca el momento de Álex a las guitarras, se le deja todo el protagonismo. Vemos aquí el “cariño” que La Broma Negra tiene por la realeza, una puyita nunca viene mal insertada en mitad de letra. La canción, casi de forma imperceptible, es un ejercicio acertado de incremento de intensidad progresiva desde el inicio hasta el final, con unas maniobras de Álex en las guitarras muy interesantes en el sector final.

5. “Virginia en los infiernos”: Con una melodía que desde sus primeros momentos sorprende por su luminosidad, de fuerte contraste con las compañeras de disco escuchadas hasta el momento, llega “Virginia en los infiernos”. Recuerda vagamente en algunos momentos a la llamativa “Una mujer enamorada es otra forma de terrorismo” del previo “Desilusiones De Grandeza”. En definitiva, “Virginia en los infiernos” es un llevadero tema para poner punto y final a la cara “a”, ya que hay que puntualizar que La Broma Negra siempre tienen presente el formato clásico del vinilo, y aún en su formato cd, en la contraportada se especifica donde comienza una parte y otra del disco. En ese sentido, es correcto introducir este tema más desenfadado, al menos en su melodía, para contrarrestar el tono intenso-oscuro del resto de la cara “a”. Por cierto, muy buen solo de guitarra de Álex poco antes de los 3 minutos de la canción.
6. “Guardabosques”: Iniciamos la cara “b” de “Déjanos La Luz Encendida” de La Broma Negra con “Guardabosques”. La canción empieza con levedad melódica, pero con la descripción de una semana bastante chunga a cargo de Carlos Caballero. De sonidos fantasmagóricos de fondo y lenta cadencia “Guardabosques”, es una canción que llama bastante la atención. No en vano, teniendo en cuenta la figura protagonista de la canción, tiene un ligero aire de fábula siniestra claramente intencionado.

7. “Perdón por pegarte mis piojos”: En versión cd, si no atendemos a la separación figurada entre cara “a” y “b” vinílica, si unimos a “Perdón por pegarte mis piojos” con las 2 canciones anteriores, pasamos por un tramo musical de “Déjanos La Luz Encendida” muy relajado. “Perdón por pegarte mis piojos” es de los temas de sonido más pop que ha compuesto La Broma Negra en sus últimos tiempos. Se puede ver por sus sonidos sintéticos inocentes. La letra, no obstante, no va acompasada en ese sentido y nuevamente podemos apreciar una historia de rencores y reproches. Su lado positivo parte claramente en que el personaje que narra la historia se libera de ese ser que tanto le ha puteado en vida. De alguna forma, por tanto, la melodía luminosa es una especie de celebración de quitarse un buen peso de encima.

8. “Tos de medianoche”: A pesar de que me descuadra algo la insertación de audio, quizás “Tos de medianoche” es mi canción favorita del disco. Melódicamente es terriblemente bella y oscura. Carlos se muestra increíble en el estribillo “primero me pudriste y me mataste después”; sí, es efectista, ¿verdad? Las pausas y las aureolas sonoras creadas son majestuosas. La melodía principal de teclados es quizás la más acertada en ese apartado del álbum. Podría ser un tema que hubiera cuadrado perfectamente en “Joyas De Princesas Muertas”, ya que recuerda más al sentido de aquel trabajo que al toque más rockero de la obra en la que está encuadrada. En todo caso, uno de los pasajes notables del disco, con el que afrontamos su tramo final.

9. “Los últimos días católicos”: Más reconocible que la anterior canción dentro del disco, resulta “Los últimos días católicos”. Con un ritmo que podría evocarnos a un valls de tintes siniestros y oscurantistas, la guitarra de Álex, los teclados y la voz de Carlos, con metafóricos y gráficos aires de pintor en la letra, bailan en perfecta conjunción ese figurado valls.

10. “El descanso de los bañitas”: No es la primera vez que el grupo termina con fantasmas, de una u otra forma, uno de sus discos. “El descanso de los bañitas” es una canción que revela una épica notable en el estribillo, de fuerte contraste con las estrofas, de factura más oscura. Destaco una vez más las guitarras de Álex Gómez y su papel en las melodías. Aunque en la letra se incluyen personajes fantasmagóricos, “El descanso de los bañitas” se diferencia de los finales de los discos previos del grupo. Si en las ocasiones anteriores La Broma Negra terminaron con temas de perfil más bajo, ahora apuestan para rubricar su último disco con un tema que nos deja una sensación de potencia muy clara, sobre todo por la entrega de su estribillo, donde Carlos Caballero tiene gran parte de la culpa de ese efecto. Un tema remarcable y notable, de los mejores del disco, con el que grupo finaliza “Déjanos La Luz Encendida” por todo lo alto.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Es pronto para valorar el resultado que “Déjanos La Luz Encendida” va a reportar a La Broma Negra. De momento, mis impresiones son buenas, ya que el grupo, con motivo de presentar este disco, ha realizado varios conciertos fuera de la Comunidad de Madrid, teniendo ocasión de llevar su siempre elegante y cuidada puesta en escena a la Comunidad Valenciana. Eso, sin duda, es un aspecto positivo.

“Déjanos La Luz Encendida” ya agrada desde antes de escucharlo. Ver cómo el grupo cuida el aspecto forma, nuevamente con una portada acertada y una contraportada con el también acertado asunto de considerar al disco como formato clásico, con su cara “a” y “b”, denota una preocupación por aspectos que los aficionados a la música valoramos bastante.

Formalmente, “Déjanos La Luz Encendida” ofrece un mensaje más complicado y crudo en las letras que Carlos Caballero ha escrito para estas composiciones. En ese terreno, considero que “Desilusiones De Grandeza” era mucho más positivo, pero eso quizás choca con el sentido que transmite La Broma Negra en su historia discográfica, por lo que les noto mucho más convincentes en piezas de este estilo. Si nos centramos en la música, ya estábamos al tanto de que el nuevo lp del grupo iba a disponer un papel más destacado a las guitarras de Álex Gómez (el propio grupo nos lo comentó en la primavera de 2013). Así ha sido y el trabajo de los acordes eléctricos de Gómez ha sido un triunfo, con pasajes muy notables en varias de las canciones de “Déjanos La Luz Encendida”.

Este trabajo muestra una evolución sonora afianzando las bases del proyecto que La Broma Negra abordó hace unos años. Se han perfeccionado las formas, equilibrando lo rockero con lo electrónico, consiguiendo un buen balance. “Déjanos La Luz Encendida” hay que escucharlo con suma atención, ya que La Broma Negra es un grupo donde las letras tienen un interés muy marcado y conviene no perder ripio de lo que nos narra Carlos Caballero. Su contenido, inferior a los 40 minutos, también nos recuerda a aquellos discos más fáciles de digerir, que se editaban en los años 80. También, con un contenido como el que propone La Broma Negra, una selección de canciones que alcance esta duración, es lo justo y acertado.

Como ven, todo muy cuidado y elaborado. Esperamos muy sinceramente que el resultado les guste a ustedes tanto como a nosotros. No obstante, tengan paciencia con el disco y concédanle todas las escuchas que se merece. No es un disco que llegue ni de primera ni de segunda escucha. Pero llegar, llega.

Terminamos comentando sobre nuestro programa de radio. Tras estas 2 semanas en las que ha habido revisión de disco en escrito en el blog, sin novedad de contenido radiofónico, este sábado a las 16.00h y el miércoles a las 23.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), podrán escuchar la repetición del programa que dedicamos a Depeche Mode y su último disco “Delta Machine”. El próximo sábado habrá nuevo programa en directo y por tanto la siguiente semana no habrá revisión de disco en artículo, sino post promocional de lo que haremos en directo el sábado 22 de febrero a las 16.00h en RUAH. Estén atentos los próximos días al blog y a nuestros perfiles de las redes sociales en Twitter y Facebook.
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viernes, 7 de febrero de 2014

Console - Rocket In The Pocket (1998)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Tras 2 semanas sin artículo de revisión de disco, ante la excepcional periodicidad semanal de programa de radio que hemos tenido en nuestra 5ª temporada en las ondas (programa-coloquio sobre “Delta Machine” de Depeche Mode y programa-entrevista con el grupo Kuve), volvemos a tener un viernes/sábado con artículo dedicado a un disco en profundidad. La próxima semana sucederá lo mismo, ya que nuestro ritmo alterado en la radio hará que hasta el sábado día 22 de febrero a las 16.00h no haya programa nuevo en directo; a medida que se acerque la fecha les informaremos sobre qué tratará, aunque les anticipamos que retomaremos el brit pop de los años 90.

Centrémonos. Esta semana rizamos el rizo en lo indie y poco conocido, al menos en nuestro territorio patrio. De hecho, tengamos muy en cuenta que los orígenes del género de la música independiente radican en la década de los 90 y ahí es a donde nos vamos. Lo que pasa es que nos vamos en esta ocasión a Alemania y a tratar, no sobre un grupo indie en cuestión, sino al proyecto paralelo de uno de sus componentes; de ahí lo de rizar el rizo.

The Notwist es una interesante formación de la nación germánica, de cuya discografía les cito por ejemplo el destacable y arriesgado “Shrink” de 1998 (que algún día comentaremos por estas tierras). En esta banda había un hombre inquieto llamado Martin Gretschmann, que, bajo el nombre artístico de Console, decidió probar suerte en solitario. “Rocket In The Pocket”, obra que hemos escogido, fue su 2º disco de Console.

Muchas veces les he hablado de las bondades que me permitieron conocer mi acceso a la cadena Viva Zwei a finales de los 90. The Notwist y Console son uno de esos ejemplos y recuerdo que en verano de 1999 el videoclip del single de adelanto “14 zero zero” se repetía hasta la saciedad. Un tema en sí tampoco demasiado accesible, pero que es el que quizás más lo sea dentro del conjunto del lp “Rocket In The Pocket”.

Les advierto que esta semana nos encontramos ante un disco en su mayoría instrumental y de música electrónica. A muchos les podrá resultar un soberano tostón detenerse a escuchar la propuesta del señor Gretschmann y no en vano les reconoceré que a ratos puede resultar un disco bastante denso. Sin embargo, estimo que ofrece una serie de composiciones realmente aprovechables, entre las que está la citada “14 zero zero”. Paso a comentarles tema a tema las sensaciones que cada uno me transmite y el intrigado complejo de sus melodías.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “My dog eats beats”: En muchas ocasiones “Rocket In The Pocket” de Console es oscuro o bastante oscuro. Con el tema de apertura, “My dog eats beats”, compuesto con unas notables bases rítmicas marcadas y unas sugerentes melodías sintéticas, Martin Gretschmann pone sobre la mesa una pista de cierto misterio y oscuridad que funciona bastante bien a la hora de llamar la atención de inicio. El juego de palabras en el título está muy acorde con lo que se podría extrapolar del resultado instrumental, ya que los beats aparecen de forma inconexa, como si la mascota de Martin hubiera hecho de las suyas.

2. “14 zero zero”: Hubiera sido quizás muy evidente situar a “14 zero zero” como tema de apertura. Mejor en 2º lugar, como así aparece. Esta canción es la única “vocal” del disco en sí. Aunque haya piezas en las que parece que la parte vocal salga sola (tampoco muchas), es solamente en este single donde el vocoder (de ahí el entrecomillado anterior) les ayudará a digerir el resultado. Es un tema pop, de melodía alegre, que progresa bastante bien entre teclados de notas agudas y juguetonas. Recuerdo el videoclip, muy entrañable, con un robotito-profesor, que hacía sus experimentos con un Martin al que tenía representado en plastilina, haciéndole bailar con joystick de videoconsola. Durante un momento el muñeco de Gretschmann parecía morir, con el drama que le suponía a su dueño robotito, pero posteriormente, milagrosamente se recuperaba y proseguía los bailes, para júbilo del robotito. El video terminaba viéndose a Martin libre de apósitos en la cara, saludando al simpático protagonista del clip. Una buena canción, que funcionó bastante bien a nivel mediático en Alemania en aquel verano de 1999. En lo personal marca mi tránsito del instituto a la universidad, una época en definitiva. La tengo bastante cariño.

3. “Gulls galore”: Hablaba al comenzar a comentar los temas del disco, que “Rocket In The Pocket” a ratos resulta muy oscuro. “Gulls galore” es uno de los temas de ese perfil. De hecho, sus primeros sonidos lo son en demasía, para luego dulcificarse algo. Su sonido resulta muy marcado, con una base ruda de sintetizador, sobre la cual entran otras melodías, que no terminan de ponerse amables del todo.

4. “Dolphin dos”: Con “Dolphin dos” estamos ante una de las composiciones más bailables del disco. Su base, dotada de muchos e inquietos beats, sirve para las superpuestas melodías sintéticas, con momentos bastante notables. Los sintetizadores superpuestos más acertados son quizás los que encontramos en el sector inicial de la pista, muy de factura ambient.

5. “Pigeon party”: El sonido se endurece con “Pigeon party” a la par que también se hace un poco psicodélico, incluso anticipando sonidos que Mirwais junto a Madonna popularizaría no mucho después. Un tema que incluye variaciones en su melodía y sonido de bastante contraste sobre todo hacia su tramo final.
6. “Delay dackel”: “Delay dackel” retorna a la mayor delicadeza, con un sonido más amable e incluso clásico. Es quizás la pieza más armónica, melódicamente hablando, de “Rocket In The Pocket”. Un ejemplo de instrumentalidad llevadera y de no muy complicado encaje, a pesar de que termine de forma un poco abrupta, pareciendo que su sonido se descompusiera.

7. “Crabcraft”: Con bases marcadas de percusión, se presenta “Crabcraft”, un tema que evoluciona muy favorablemente en su desarrollo. Va incorporando sonidos distintos, todo ello envuelto en un halo de efecto ambiental que le confiere mucha elegancia. Desprende nocturnidad e intimidad a partes iguales, o al menos eso es lo que me evoca a mí. En definitiva, otra composición bastante válida que incluye “Rocket In The Pocket”; con todo, lo que nos viene a continuación, lo mejora.

8. “Rocket in the pocket”: A ratos me parece que la mejor composición del disco es la propia canción título. Muchas veces no entiendo por qué a un disco le titulan de la misma forma que a una de sus canciones más flojas, pero en esta ocasión sucede todo lo contrario. “Rocket in the pocket” es un ejemplo de canción que superpone melodías e hilvana las mismas con la misma genialidad (o muy parecida) a lo que Depeche Mode hicieron en la instrumental “Nothing to fear” del álbum “A Broken Frame”. Me gustan muchos esos sonidos de sintetizador que podrían asemejarse al sonido de una bocina lejana y que son algo asonantes. Buenas bases, muy acertadas evoluciones melódicas y también un ritmo bailable bastante logrado.

09. “Bee-queen”: Llegando al tramo final “Bee-queen” nos ofrece nuevamente un pasaje de extremo relajo. En el disco se ha podido comprobar que Gretschmann sabe muy bien equilibrar los momentos más animados con otros de mayor calma. “Bee-queen” es muy suave y ayuda a compensar el buen ritmo que nos imprimió la previa canción título.

10 a 26. “Walk like a worm”: Gretschmann decide finalizar con una cosa bastante común a finales de los 90, que era la de disponer varias piezas diminutas para terminar un cd (aún recuerdo los cortes numerosos que HIM hicieron en su primer disco para llegar al número de 66). “Walk like a worm” se compone de varias micropiezas de 5/6 segundos. Estamos ante una pieza de factura oscura, pero calmada, que nos aplaca la luminosidad y ritmo animado que ofrecía la canción título. Un final de disco a modo de epílogo, que termina en perfil bajo.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Hipster españoles del universo sonoro, he aquí un ejemplo para ustedes. Nadie o casi nadie sabrán quién o quiénes son Console. Si son de gustos electrónicos, les vendrá como anillo al dedo. Digo esto, ya que “Rocket In The Pocket”, disco de portada con imagen borrosa del propio Martin paseando por un parque, no pasó de ser un correcto ejercicio experimental de Martin Gretschmann al margen de los Notwist, que más allá de Alemania pasó sin pena ni gloria y que aún así en su país de origen gustó en sectores muy específicos.

De hecho, como a los pocos años me quedé sin Viva Zwei, a muchos grupos o proyectos les perdí la pista. Console y The Notwist fueron uno de esos ejemplos y como con motivo de este artículo he merodeado por la red para enterarme les puedo comentar que el bueno de Martin no ha cesado su proyecto, ni mucho menos, y ha tenido una generosa discografía desde que me quedé sin señal de Viva Zwei. Revisaré lo que ha estado haciendo, a ver si hay algún disco tan aprovechable como el que hoy les hemos propuesto. Por otro lado, creo que el último disco de The Notwist ya data de 4 o 5 años atrás.

“Rocket In The Pocket” es un disco fenomenal para escuchar en casa en este tramo del invierno a esas horas donde ya ha desaparecido la luz solar. Perfecto para estos días de viento, frío intenso, lluvia o todo a la vez a las 20.00h aproximadamente. A ratos resulta muy acertado sumergirse en sus melodías y en los distintos pasajes que ofrece. Alterna momentos menos amables u oscuros con otros más bailables y seductores a nivel rítmico. No es apto para todos los públicos, también se lo advierto.

La próxima semana, como ya hemos comentado al comienzo del post, habrá nuevo artículo de revisión de disco. Esta semana podrán escuchar el sábado a las 16.00h y el miércoles a las 23.00h la repetición del programa entrevista a Kuve sobre su disco de debut “Regresión”. Habrá nuevo contenido radiofónico, recordamos, el sábado 22 de febrero. Todo ello, como siempre, en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).
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