viernes, 30 de septiembre de 2011

Magia Y Tecnología - Amanecer Contigo (2011)

Les dejo el post de esta semana con una pocas horas de antelación, ya que en unos minutos salgo de viaje durante este fin de semana. Hoy nos adentramos en un terreno que todavía no habíamos tratado en “Discos, música y reflexiones”. Dicho territorio es de la música copyleft, todas aquellas propuestas lógicamente desmarcadas del copyright, entre las que se incluyen, como es igualmente lógico, proyectos muy interesantes. Además, creo que es la primera vez igualmente que les presentaré un ítem totalmente instrumental, con lo que matamos 2 pájaros de un tiro.

Al frente del proyecto Magia Y Tecnología, protagonista del post de esta semana, se encuentra el músico José Jurado, de nick internauta José GDF. José es un músico que lleva mucho tiempo trabajando en el mundo de la música, y que actualmente cuenta con su propio estudio. Personalmente le conocí en su faceta de bloggero con su bitácora de impactante nombre en su día (“La informática, la música digital y su puta madre”), que a día de hoy ha terminado por reconvertirse en su propia página de igual nombre que su nick.

José ha formado parte de proyectos y aventuras musicales tales como el grupo La Herradura Del Vampiro, con el que llegaron a dar varios conciertos y hasta llegaron a grabar una demo en su día. A la larga el grupo sintetizó su nombre en La Herradura, pero el proyecto desapareció cuando la otra cabeza visible, el músico Julio Hermosilla alias “Juliet”, abandonó la formación.

Tras La Herradura, José se las apañó para dar forma a otra banda llamada La Apuesta Invisible, que duró más o menos un año, y que sobre todo se centro en las actuaciones en directo. Desde entonces, los proyectos de José están alejados por motivos personales del trajín que supone estar inmerso completamente en el mundo de la música, pero desde su estudio sigue trabajando en material y tomando parte en certámenes y concursos tan variados como sendos de versiones de Héroes Del Silencio y Bunbury y otro sobre sustituciones de los tonos que van por defecto en los móviles de cierta marca de telefonía muy popular.

Durante este pasado 2010 estuvo trabajando en esta entrega discográfica de título “Amanecer Contigo” bajo el nombre de Magia Y Tecnología, que será el objeto de revisión del post de este semana. Esta obra que a la que ha dado forma José, nos ofrecerá una serie de atmósferas instrumentales realmente válidas y placenteras. Eso es una primera premisa que hay que tener en cuenta, que nos encontramos ante un disco completamente instrumental. Son 6 composiciones realmente variadas, de las que pasaré a hablarles acto seguido.

“Musa soñando” nos ofrece un paraje musical reflexivo maravilloso, apoyado sobre una instrumentación ambiental de teclados, con ciertos retazos de fantasía, sobre los que destacan las notas claras y cristalinas de la melodía principal. Mediada la duración entra durante un tiempo la batería para darle un empaque de mayor potencia. A destacar queda que este corte ha sido grabado con uno de los primeros instrumentos de los que dispuso en su trayectoria el músico que hoy nos ocupa. Son unos trinares de pájaros los que nos llevan en volandas a la canción título “Amanecer contigo”, que ya desde sus primeros compases se muestra con un enfoque distinto al de “Musa soñando”, con una melodía más insistente y marcada, alejada de esos minutos de relajamiento del primer corte de la obra, que claramente derivaban del sueño de la musa en cuestión. Aquí hay lugar para la guitarra eléctrica, la cual se persona con rotundidad al minuto y medio, dando pie a un interesante cambio de ritmo en la melodía. En la recta final también hay un interesante solo de guitarra, muy de corte rockero, el cual demuestra tener influencias clásicas de origen del artista al frente del proyecto. Claro giro a la electrónica en “Rutina imparable”, con esos nerviosos sintetizadores evocadores quizás del círculo de rutina diario al que cualquiera puede enfrentarse en su vida de lunes a viernes cuando va a trabajar. De hecho es un corte apropiado para en esos momentos llevarlo a todo volumen en el reproductor digital de turno y experimentar una especie de videoclip interactivo viendo a la gente ir rápido de un lado para otro, con la mirada absorta en sus pensamientos internos. Les recomendaría que hagan la prueba, es de lo más interesante. Las melodías de teclado pueden evocarnos lejanamente en parte a pasajes del maravilloso “Computer World” de los alemanes Kraftwerk de 1981. Si las influencias vienen de allí, bienvenidas sean. En todo caso, esta “Rutina imparable” es una composición muy interesante, que supone un claro punto de partida respecto a los 2 primeros momentos dispuestos.

Lo que nadie puede echar en cara a Magia Y Tecnología es que en su trabajo “Amanecer Contigo” es que no haya variedad, ya que de la electrónica moderna tan interesante de “Rutina imparable” pasamos a la belleza formal y de corte clásico que nos ofrece “Pensando en ti”, la cual en cierta manera nos devuelve la calma y sosiego que comenzamos experimentando en los primeros compases de la obra. Una preciosidad de formas y melodías embriagadores, que sin embargo nos lleva de frente a “Paz interior”, la cual puede chocar a priori al enfrentar su título con su carácter tan rockero. Estamos ante una composición con una afiladísima guitarra eléctrica, casi metalera y con unos teclados punzantes que también destacan. Además, nótese que es el tema más largo en duración del disco, llegando prácticamente a los 7 minutos de duración. Rock puro y genuino en este penúltimo escalón de “Amanecer Contigo”, el cual supone un pelotazo de adrenalina y esencia rock pura sin posibilidad de discusión alguna; en todo caso, otro ejemplo de eclecticismo y variedad dentro de la obra, en la que se va mostrando todo el repertorio de gustos e influencias que el artista tiene en su cultura musical. Terminamos la obra con la canción homónima del nombre del proyecto. “Magia y tecnología” como tema es una interesante composición que destaca en la percusión y bases rítmicas muy marcadas. Un tema acelerado, muy movidito, inquieto para dar la rúbrica a un conjunto de 6 canciones sin desperdicio alguno y de escucha muy agradable, y sobre todo variada.

Como habrán podido comprobar, en el mundo de la música copyleft hay propuestas interesantísimas, como estimo personalmente es la que les hemos acercado esta semana en el blog de la mano de Magia Y Tecnología. Además un punto a favor es que con la venia del artista les dejo aquí el link para que escuchen la obra en cuestión y la disfruten como se merece; no obstante, advertir que existe una versión en cd de la obra, la cual respeta la calidad obtenida en el estudio del artista. Igualmente, con el beneplácito del protagonista del post, les dejo aquí el reproductor para que sin más dilación comiencen con la escucha de la obra; no me dirán que no se lo estoy poniendo fácil.

Magia Y Tecnología en este “Amanecer Contigo”, con una sencilla pero bonita portada que representa ese amanecer, nos ofrece un conjunto de 6 canciones muy variadas, con distintos estados de ánimo y que sobre todo se hace muy ameno de escuchar. Hay espacio para momentos de muy distinto corte y estilo, dentro de los cuales seguro que encontrarán algún momento afín a sus gustos, ya que se abarcan pasajes que van desde puntos realmente rockeros a momentos muy rítmicos de electrónica, aderezados de minutos de música ciertamente relajante y placentera.

En definitiva, estimo que es una propuesta interesante, la cual no les llevará un tiempo excesivo escuchar a fondo y que a buen seguro repetirán para centrarse más a fondo en todos los matices instrumentales que se nos ofrece en este “Amanecer Contigo”. Que ustedes disfruten durante esta próxima semana de la mano de Magia Y Tecnología.

Termino con 2 apuntes, uno sobre el blog y otro sobre el programa de radio. Sobre la bitácora decirles que esta semana he procedido a responder en cada una de las entradas todos los comentarios que estaban pendientes de réplica desde finales de agosto. Creo que ya lo he dicho varias veces, pero lo remarco: siempre, más tarde o más temprano, respondo a los comentarios que amablemente me dejan ustedes por estas tierras.

Para terminar y en 2º lugar, avisar que este miércoles 5 de octubre a las 21.00h en &radio y a las 23.00h en RUAH podrán escuchar la 2ª parte de nuestro 1er. programa de la 3ª temporada en las ondas de “Discos, música y reflexiones” en el que rendimos tributo a Tino Casal con un debate sobre su disco “Neocasal”, y en el cual tomaron parte gente tan importante como Julián Ruiz o Javier Losada. Saben igualmente que los lunes, martes y jueves en &radio pueden escuchar repeticiones de programas anteriores. Además, les voy avisando que el próximo sábado 8 de octubre a las 16.00h haremos el 2º directo de la temporada repasando en coloquio el “Crime Of The Century” de Supertramp.
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sábado, 24 de septiembre de 2011

La Broma Negra - Joyas De Princesas Muertas (2010)

Cuando acudimos el pasado mes de mayo al concierto que Oberón ofreció en Madrid para presentar su último disco “Insomnio De Una Noche De Verano”, además de poder disfrutar del buen directo y las canciones de los chicos de Alfacar, tuvimos la suerte de descubrir un grupo realmente interesante. El proyecto musical en cuestión es La Broma Negra y de ellos y de su última entrega discográfica es de lo que les hablaré en el post de esta semana. Alguno que otro recordará que ya remarcamos la importancia del grupo en el artículo del evento que publicamos hace no mucho tiempo atrás.

Realmente la historia de La Broma Negra es curiosa. Estamos ante una banda que editó sus primeros trabajos discográficos a comienzos de los 90 y que ha estado en estado de “stand-by” hasta hace unos pocos años. A día de hoy, el grupo está compuesto de Carlos Caballero y Alex Gómez. La propuesta actual del grupo son canciones de letras crípticas y muy elaboradas, dispuestas sobre bases electrónicas, con el indispensable acompañamiento de las guitarras de Alex. Tanto por la voz de Carlos, como por el sonido de su música, rápidamente me vino a la cabeza el grupo alemán Wolfsheim, de los que ya les he hablado por aquí alguna vez.

“Joyas De Princesas Muertas” es su última entrega, en la que realmente lo que hace el grupo es readaptar varias de las composiciones de discos anteriores al nuevo sonido o propuesta musical que de forma tan interesante están desarrollando a día de hoy. Estamos ante un ítem extenso, de 16 canciones, que además se me antoja como un perfecto acompañamiento para este par de meses otoñales que tenemos ahora por delante.

Gran inicio “Noche en el tejado”. Estamos ante una composición donde ya se pone sobre la mesa esas melodías de teclados y programaciones, con las inestimables guitarras de Alex. En este buen inicio hay interesantísimos cambios de ritmo de distinta factura, destacando sobre manera el giro que se da al afrontar el estribillo “no me dejes solo más tiempo del necesario. ¿Quieres saber si aún te quiero? Tú no sabes cuánto”. La 2ª canción “Los niños de Dickens” ofrece una melodía menos oscura y angustiosa que la que nos encontrábamos en la genial “Noche en el tejado”. Un enfoque más amable, emotivo y amable, rodeado todo ello de esas letras tan solemnes a ratos. “Cenicienta” se presenta ante nosotros con unos primeros minutos envueltos en un halo de cuento de hadas muy apropiado. Quizás es uno de los temas más fácilmente reconocibles de “Joyas De Princesas Muertas”, ya que no es difícil que se te clave en la mente sobre todo esa primera frase del estribillo “Ella baila hasta el amanecer…”. Delicadeza, frialdad y melancolía, que no sé por qué me evoca mucho al tema “You look so fine” del disco “Version 2.0” de Garbage, que disponía de un gélido videoclip. En “Cenicienta” también hay hueco para un notable protagonismo de las guitarras de Alex antes de afrontar su 2ª mitad. “El buen amor” prescinde de sintetizadores contundentes o bases aceleradas, para conceder un tema de corte más clásico al lp. Las notas instrumentales del estribillo son tan hirientes como el dolor que describe Carlos en la letra al decir “Necesitamos este dolor…”. Con un carácter más amable, al menos en la melodía, se abre paso la 5ª composición “Balas para matar el tiempo”, y más si cabe la llevadera y animada “Los sonetos”, visto en su animada y latente base rítmica, pero no por ello se deja la elaboración y refinamiento lírico, incluso en el estribillo “hoy al fin terminé los sonetos que forjé con las penas de mi corazón, nunca me ha bastado con la fruta que ya se ha caído del árbol…”. “Nieto de maestro de escuela” es de los temas más válidos del disco. Realmente emotivo, ha sido extraído como single y su melodía es bastante resultona y moderadamente pegadiza, pero quedando principalmente una sensación entre lo oscuro y melancólico. “Cuidado con lo que matas”, no solo por su título, retorna a atmósferas más solemnes, aunque no deja de ofrecer un cierto toque ingenuo debido a unas notas que incluye en su melodía.“Los reyes no morirán en su cama” con un ritmo casi marcial, nos adentra en la 2ª parte del disco. Destacan sus dosis de percusión marcando claramente el ritmo y ciertos arrojos de intensidad vocal de Carlos al micrófono, que en el desarrollo lírico aumenta a medida que avanza la interpretación de la misma. Esta canción “Los reyes no morirán en su cama” es de los momentos más interesantes y rotundos del disco que hoy les sugerimos. En la pista nº 10, “Duelo a primera sangre”, son interesantísimas y muy acertadas las guitarras a cargo de Alex. Aquí llevan el peso principal de la melodía, quedando en un 2º plano los sintetizadores y la electrónica. Estamos frente al tema más rockero de la obra que acto seguido cederá su protagonismo a una lenta electrónica “Me vas a hacer llorar” para retornar al enfoque musical prioritario de la obra. En “Sagrado corazón” Carlos se muestra con mucha fuerza en ese marcado estribillo “no sabéis que el corazón, no sabéis que el corazón es algo sagrado”. Una pista esta bastante movidita, que cede su turno a “He tocado el cielo”, la cual sigue la senda sonora de su predecesora. Llegamos al antepenúltimo capítulo, “Pablo Ruíz Picasso”. Esta canción resulta interesante por la perfectamente elaboración de la superposición de los sintetizadores y melodías que incluye. El comienzo con esas notas de teclado tan claras y emotivas no se pierde de vista ya con la base sintética más dura. También destaca por ser quizás una de las mejores interpretaciones vocales de Carlos de la obra, al menos para mi gusto; se muestra contenido, pero emotivo, consiguiendo un equilibrio perfecto. También hay sitio para un solo de guitarra muy acertado de Alex allá por los 2 minutos de duración. Una gran canción para la parte final. “Nunca se quiere demasiado” se caracteriza por incluir una serie variada de sonidos a lo largo de su estructura y sin embargo por tener una parte de estribillo muy válida y melódica. Un final doliente es “Fantasma”, con tintes muy oscuros en la melodía y un fuerte pesar en su estribillo con la repetición de ese “Viven” dedicado a otra acongojante y acertadísima referencia, que no es otra que la de Edgar Allan Poe y su espíritu, que es fantasma que da título a la canción. Tremenda rúbrica.

Sin lugar a dudas la propuesta de La Broma Negra no es común en nuestro país, y a poco que disfruten de una promoción medianamente adecuada, podrán aumentar exponencialmente su llegada al público específico que sin duda alguna apreciará su sonido. Esa voz tan personal de Carlos y las estupendas melodías construidas para los temas, sumado a las elaboradas y contundentes letras, son sinónimo de calidad de inicio a fin.

Buscando, no sé si de forma algo forzada, un símil para que ustedes se hagan una idea dentro de nuestras fronteras, puede haber algo de Germán Coppini en La Broma Negra, sobre todo en el apartado de las letras trabajadas, e incluso Carlos puede darse un lejano aire a Germán en el aspecto físico, cosa que yo aprecié cuando les vi actuar en la sala Cats con ese traje y bombín, tan parecido al elegante look que Coppini tenía en el videoclip de “Desconocido” de Golpes Bajos (debajo de este párrafo, una foto de aquel concierto); además, el proyecto actual de Coppini con otro Alex (Brujas en este caso), Lemuripop, también tiene una dosis electrónica generosa y protagonista en el mismo.Seguiremos los pasos a La Broma Negra, a sus actuaciones dentro del ámbito de cercanía que nos ocupa y a sus próximos trabajos discográficos. Con “Joyas De Princesas Muertes” el grupo se ha reinventado eligiendo un camino que al menos yo considero muy acertado. La envoltura es acertada ya desde la portada con ese cuerpo que se ve desde abajo flotando en el agua, con tintes oscuros. Les invito a que hagan la prueba de escuchar a La Broma Negra. Es una formación muy del target medio que tratamos en el blog, y si ustedes aprecian a The Cure y ciertos retazos de la electrónica oscurantista, sabrán encajar bien las apuestas sonoras de este interesante dúo formado por Carlos y Alex. Que ustedes lo aprovechen tanto como yo.
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viernes, 23 de septiembre de 2011

Discos, música y reflexiones estrena su 3ª temporada en la radio

Este sábado 24 de septiembre a las 16.00h en la sintonía de &radio en directo, tendrá lugar el primer programa de nuestra 3ª temporada en las ondas. Para la ocasión hemos preparado algo muy especial por varios motivos. Nuevamente es Tino Casal quien será el protagonista de nuestro programa inicial de temporada, como ya sucedió el año pasado cuando dedicamos el espacio a “Hielo Rojo” de 1984.

Uno de los puntos especiales viene asociado al hecho de que este sábado cuando revisemos su primer disco de larga duración en solitario, y el 1º de su etapa moderna e innovadora, “Neocasal” de 1981, prácticamente coincidirá con el 20º aniversario de su triste desaparición en aquel accidente de tráfico del 22 de septiembre de 1991.

También es un espacio especial debido a que serán 2 horas las que tendremos por delante, en lugar de la hora tradicional de duración. Pero más importante será el hecho de que aunamos por primera vez los 2 tipos de programas especiales en uno, ya que el programa será un coloquio en el que varios de nuestros colaboradores ya habituales en nuestra recta final de la 2ª temporada, y alguna nueva incorporación, debatiremos sobre la figura de Tino y el disco en cuestión y por otro lado entrevistaremos puntualmente a personas cercanas del ámbito profesional y personal de Casal por teléfono a lo largo del programa.

Recuerden, será este sábado a las 16.00h en &radio. En RUAH se estrenará la temporada este próximo miércoles 28 en nuestro horario habitual de las 23.00h, con lo que será la edición de la 1ª parte de lo que acontezca el sábado, es decir, la primera mitad del programa, lo que podrán escuchar en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares este próximo miércoles a las 23.00h. En &radio el estreno semanal será también los miércoles, pero saben que ahí nos podrán escuchar de lunes a viernes a las 21.00h, teniendo la posibilidad los lunes, martes, jueves y viernes de escuchar repeticiones de programas anteriores.

Cada 2 o 3 semanas en la sintonía de &radio llevaremos a cabo los sábados en el mismo horario de las 16.00h coloquios musicales sobre distintos discos, pero el de este sábado es especial por todos los motivos descritos; además, en esos sucesivos programas la duración será la habitual de una hora.

Confío en que estén ahí escuchando bien en la emisión on-line de &radio o bien en el dial 92.2 FM si ustedes residen cerca de Torrejón de Ardoz y pueden escuchar la radio de forma tradicional. Personalmente confío en que el programa no les decepciones y en poder dar forma a un capítulo de nuestra singladura en las ondas que recordemos durante mucho tiempo. Tino Casal, sin lugar a dudas, así lo merece.

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miércoles, 21 de septiembre de 2011

Concierto Loquillo. La Elipa (17-09-2011)

La ocasión era especial y Loquillo así lo sentía y exteriorizaba. El Loco se presentaba en mitad de la gira de celebración de sus 3 décadas en el mundo de la música ni más ni menos que en el barrio madrileño de La Elipa, asunto este para nada baladí. Y es que La Elipa es la patria chica de los inmortales Burning, banda a la que Loquillo desde sus inicios profesó clara admiración y con cuyos miembros o componentes históricos ha tenido una férrea amistad. No en vano, el espíritu del malogrado Pepe Risi estuvo muy presente la noche del pasado sábado a las puertas del cementerio de La Almudena, que fue donde se celebró el concierto.A eso de las 22.10h, previsto el inicio para las 22.30h, no cabía ni un jodido alfiler en el recinto callejero. De malas formas conseguimos situarnos en 6ª fila, muy ladeados a la derecha del escenario según estás mirándolo; con todo, no me libré de algún que otro impertinente, que en un para nada privilegiado emplazamiento, se quejaba de que no le dejaba ver. En consecuencia las fotos son horrorosas, pero bueno, esto es lo que hay. De hecho, aquí se aprecia que La Elipa conoce bien a Loquillo y se le tiene en mucha estima, de ahí esta admirable expectación, que honra y mucho a José Mª Sanz, y que ya supuso un punto distintivo respecto a aquel concierto en el que vi a Loquillo el 11 de octubre del pasado año en Leganés, donde la audiencia era notable, pero no había lugar a apreturas, cosa que aquí sí sucedió.El set list apenas supuso variaciones sobre lo que pudimos escuchar hace poco menos de un año en tierras pepineras. Loquillo sigue sintiéndose a gusto con el repertorio de la década de los años 2000, y ofreció nuevamente serias y potentes interpretaciones de composiciones notables como “Línea clara”, “Rock and roll actitud” o “Memoria de jóvenes airados”. No obstante, sí que hubo puntos de variación, como el hecho de que salvo “Las calles de Madrid”, perteneciente al disco “¿Dónde Estabas Tú En El 77?” y que inició el concierto (primer momento de presencia, en este caso en la letra, de Pepe Risi) y “El rompeolas”, el resto de temas clásicos los dispuso Loquillo aglutinados en un final de concierto y notable bis que dejaron al público acojonado de la emoción y potencia.Primero, antes de marcharse para ofrecer 5 temazos, dispuso “Carne para Linda”, en una interpretación realmente abrasiva e intensa y aquella obra magistral que Sabino se sacó en sus últimos días junto a Loquillo titulada “Todo el mundo ama a Isabel”, dispuesta en el mítico “Morir En Primavera”. Esos riffs de guitarras maravillosos, llevados a cabo por los actuales escuderos de lujo del Loco, Jaime Stinus e Igor Paskual, encandilaron a todas las almas que nos juntamos el sábado por la noche en esa zona.Pero si ya les digo que tras marcharse y salir por última vez a escena, Loquillo sirvió en bandeja de plata la versión de “¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?, “La mataré”, “Feo, fuerte y formal”, “El ritmo del garaje”, “Rock and roll star” y “Cadillac solitario”, ¿qué quieren que les diga? Sobran las palabras. Ya nada más retornar, de forma muy emotiva dedicó el tema inmortal de los Burning a todos los que allí estábamos y a Pepe Risi en especial; por todo el mundo fue muy celebrado que sonara esa pieza tan canalla del rock de nuestro país, por motivos lógicos. También tuvo Loquillo su punto emotivo en otro momento cuando recordó la 1ª vez que pisó La Elipa en compañía de Pepe y Johnny Cifuentes, puntualizando que visitó “unos bares de rock buenísimos”. El Loco tenía al público en la palma de la mano ya sin haber salido a escena, pero se esmeró en cada momento de que esa sensación fuera real y no premeditada, ganándoselo a pulso con detalles personalizados como los descritos y, cómo no, con su entrega, poses, gestos y movimientos irresistibles en el escenario.Para colmo Loquillo tuvo a bien meter el trallazo de “La mataré” tras cantar esos versos de “Mujer fatal, siempre con problemas…”. Por si no lo estaba ya, la histeria se desató completamente y el público coreó a pulmón vivo esos coros que incluye en las partes instrumentales este temazo rock derivado de una rumba. Ese “¡Uuuuh! ¡Por favor! ¡Uuuuh! Sólo quiero matarla. ¡Uuuuh! A punta de navaja, besándola una vez más” retumbó desde el escenario hasta el callejón más recóndito del barrio, debido a que todo el público siguió la interpretación vocal de Loquillo; todos menos yo, que estuve aquejado todo el fin de semana de una afonía, de la cual estuve cuidándome mucho para no tener que estar de baja laboral la presente semana.Se celebró también “Feo, fuerte y formal”, pero más si cabe “El ritmo del garaje”. Con todo, lo mejor del concierto estaba por llegar. En antepenúltimo lugar del set list estaba presente el primer éxito de Loquillo, en aquellos días aún con Los Intocables. Y es que “Rock and roll star” no faltó a la cita, para que Loquillo nos trasladara a todos a los primeros pasos de su carrera. Sin embargo, el postre, cosa que nos faltó en Leganés hace un año debido a unos problemas que tuvo Loquillo en aquel concierto, lo supondría “Cadillac solitario”. Este tema emblemático de los días de mayor gloria del Loco, aquellos que se correspondían con los tiempos de “¡A Por Ellos…! Que Son Pocos Y Cobardes”, pero que sin embargo pertenece a su 2º disco “El Ritmo Del Garaje” supuso el broche de oro a una actuación de Loquillo que se recordará durante mucho tiempo en Madrid por todos aquellos que asistimos al evento. Los desgarradores gritos de “¡Nena!” de la parte final de la canción despertaron hasta al último muerto de los que descansan en los terrenos cercanos al lugar donde se celebró el concierto y nos puso el vello de punta a todos los que estábamos allí.El recuerdo y la emotividad por un lado, y por el otro la actitud rockera y la intensidad se aunaron de forma excepcional en la actuación que Loquillo y su banda actual ofrecieron en el barrio de La Elipa este pasado 17 de septiembre de 2011. Y es que en verdad siempre es un placer y un privilegio poder contemplar un concierto de Loquillo. Si no han asistido nunca a un concierto suyo y no me creen, hagan la prueba. Sí, siempre tendré muchas y muchas peticiones para el set list de los conciertos actuales de Loquillo que no se me van a satisfacer (“Chanel, cocaína y Don Perignon”, “Los ojos vendados”, “Treinta y tantos”, etc.), pero si el Loco ofrece un espectáculo a la altura del que llevó a cabo el sábado pasado en La Elipa, tengan por seguro que no me quejaré al respecto de forma muy airada. Grande Loquillo.
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lunes, 19 de septiembre de 2011

Concierto Celtas Cortos. Barajas (16-09-2011)

En mitad de su semana grande por Madrid, ya que desde el sábado 10 al sábado 17 los vallisoletanos Celtas Cortos ofrecieron 4 conciertos en nuestra región (a saber, En Vivo 2011, fiestas del barrio de La Elipa, fiestas del barrio de Barajas y fiesta del PCE en San Fernando de Henares), el grupo recaló en la barriada anexa al aeropuerto para ofrecer una hora y 3 cuartos de intensa actuación. Teníamos previsto haber asistido el jueves al concierto que hicieron en La Elipa, tras quedar muy satisfechos de lo que el grupo dio de sí en el En Vivo 2011, pero el hecho de coincidir con un partido europeo del Atleti, y verme con un abono en las manos, me hizo decantarme por dejar los deberes para el viernes en el barrio de Barajas, al ofrecérseme también esa posibilidad añadida; además, a La Elipa ya nos íbamos a desplazar el sábado 17 de septiembre para ver a Loquillo en acción, cosa de la que les hablaremos en próximo artículo a publicar.Tras una notable caminata desde la estación de metro de Alameda de Osuna, llegamos al recinto cuando estaba todavía en marcha un certamen o concurso de bandas del distrito. Tras la pertinente entrega de premios, rápidamente llegaría el turno de Jesús Cifuentes y su tropa interminable en escena, aunque ya entrados en el sábado 17, más que en el viernes 16 que consta en el título del presente artículo. No en vano, Cifu y varios de sus compañeros de banda ya estaban muy atentos a la actuación de la banda Walden Uno, que era el último grupo en actuar antes de ellos, de la que luego supimos gracias al propio Cifu que existe vínculo entre ambas formaciones.En general, fue una actuación completísima de los Celtas. El set list no ofreció fisuras de ningún tipo, salvo peticiones personalísimas de cualquiera de a pie, pero si nos centramos en los clásicos de su repertorio y temas populares entre su legión de fans, se puede afirmar que no faltó ni uno. Si yo me pusiera exquisito quizás podría pedir “Hay que volver”, el tema con el que retornó Cifu al redil y que siempre me hizo gracia por su simpático videoclip, pero evidentemente es mejor meter otros temas o composiciones más notables o relevantes históricamente hablando. Abajo pueden ver a Cifu empleándose a la guitarra.Algo de sorpresa me supuso que apareciera por ahí “Gente distinta” del discreto lp “Tienes La Puerta Abierta” de finales de los 90. La estructura fue parecida a la del En Vivo 2011, pero con un repertorio una hora más largo; es decir, en los primeros compases sonó “El emigrante” y tampoco se retrasó mucho “20 de abril”. No obstante, y para desquite personal, en esos primeros “cuartos de hora”, que decía Cifu que iba sumando el grupo, apareció “Tranquilo majete”, que se tuvo que readaptar a los 5 millones de parados actuales en contraposición de los 3 que aludía la letra original de 1993 y que propició que la gente comenzara a moverse con ganas. De hecho, esas ganas se vieron desbordadas en “Skaparate nacional”, tema en el que nos encontramos en el lugar equivocado y en modo desprevenido, de tal forma que salimos rebotados, huyendo de la marabunta que se agitó en los que eran nuestros dominios hasta aquel momento; siempre resulta curioso ver a Jesús Cifuentes cantar este tema en esa postura de brazos abiertos en medio perfil, mientras que gran parte de los asistentes se dan hostiazos y empujones a tutiplén. La siguiente imagen muestra a Cifu al micro y guitarras y al violinista Alberto García a pleno rendimiento, sin olvidar de fondo a Diego Martín a la batería.Fue en “La senda del tiempo” cuando el cantante de Walden Uno se sumó a los Celtas para compartir este gran tema de corte melancólico que tienen los de Valladolid en su discografía. Quizás fue mucho más sentida y acojonante la interpretación de 6 días antes en el festival En Vivo, pero este temazo nunca queda mal. Momentos de intensidad como siempre fueron “No nos podrán parar”, canción con la que se puso el cierre al show tras casi 2 horas de arreones musicales, “República de Sanjes”, con esos trombones tan rotundos a cargo de Alberto García, y “Haz turismo”, que se incluyó en los bises, justo antes de “No nos podrán parar”, y que fue un momento en el que precisamente el violinista y encargado del trombón Alberto García se marcó una interpretación teatral a modo de soldados de ejércitos invasores, histriónica y muy graciosa, que sorprendió a todos, ya que no es común ver al bueno de Alberto desviarse de su seriedad y profesionalidad a los vientos y violines, con ese look que a mi siempre me ha evocado a un profesor de literatura de educación secundaria. Abajo comprueben una imagen de la máquina sonora de Celtas Cortos a pleno rendimiento.Esta vez no hubo frivolidad de turno y “Cuéntame un cuento” sí que tuvo su hueco en el concierto, al igual que una razonable dosis de temas instrumentales, con sinuosos ejercicios de gaitas, flautas, acordeones y violines, y también la celebrada revisión del “Blues del pescador” de los Waterboys de John Scott que el grupo se ha anotado en su último trabajo de estudio “Introversiones”.En definitiva, fue otro gran concierto de los Celtas Cortos (del que lo único que lamenté en el plano personal es que debido a una afonía que me tuvo k.o. el viernes en cuestión, no pude corear las canciones, ni gritar), ante una audiencia notable, que sin embargo se antojó como normalita tras el exceso de público de Loquillo el día después en La Elipa, y que confirmó el buen estado de forma que tienen los Celtas Cortos a día de hoy; hecho este último algo muy a celebrar.
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sábado, 17 de septiembre de 2011

Talking Heads - More Songs About Buildings And Food (1978)

Tras el prometedor debut de la banda liderada por David Byrne, Talking Heads, estos 4 muchachos algo snob del underground neoyorkino, comenzaron su fructífera y también a la larga caótica relación con Brian Eno como productor de los que serían su 2º, 3er. y 4º trabajo de estudio. Hay que apuntar que Eno poco a poco fue ayudando a que Talking Heads particularizaran su sonido partiendo de las bases establecidas en su debut “Talking Heads: 77”.

El título de su 2º disco era en parte una fina ironía dirigidas a algunos sectores de la crítica que acusaba al grupo de lo naive de las temáticas de sus canciones. Quizás ese título hubiera quedado más acorde con el posterior “Fear Of Music” debido a temas como “Paper”, “Animals”, etc.

“More Songs About Buildings And Food” es un trabajo que en su concepción inicial como disco de vinilo, con cara a y cara b, debe resultar mucho más interesante que como un desnaturalizado formato cd, en el que las canciones se escuchan del tirón, sin esa pausa que supone el darle la vuelta al disco. De esa forma, se aprecia un claro cambio entre la 1ª y 2ª parte del disco. Es una obra muy interesante. Pasemos a analizar lo que David Byrne como guitarrista y vocalista, Tina Weymouth al bajo, Chris Frantz a la batería y Jerry Harrison a los teclados y guitarras dispusieron para en 1978 ir apuntalando poco a poco su leyenda actual.

“Thank you for sending me an angel” es un tema de inicio muy rítmico y animado, que tiene en su melodía una especie de deje a mitad de camino entre el rockabilly y el country. Buen inicio de obra. “With our love” no tiene tanto ritmo y sobre todo llama la atención por el momento en que Byrne canta el nombre de la propia canción con un ánimo algo tristón. “The good thing” tiene su principal atractivo en los coros de soporte de Tina Weymouth, porque aparte de ello es quizás el tema más flojo del disco; no obstante, a partir de aquí el disco irá remontando, terminando a un alto nivel de exigencia. “Warning sign” podría verse a la larga como un pequeño adelanto de lo que el grupo ofrecería en su 3er. disco “Fear Of Music”, ya que es un precedente muy claro de temas como “Air”. Sin embargo y en el extremo opuesto, un tema que parece ser un descarte o pista que se quedase fuera del debut es “The girls want to be with the girls”. Se aprecian formas del disco “Talking Heads: 77” tanto en la forma de cantar de Byrne como en la letra, como en la melodía pop ingenua que tiene. “Found a job” es uno de los momentos del disco que el grupo más veces introdujo en giras posteriores en los set list de sus conciertos. Lo más característico es el ritmo marcado de la percusión, sincronizado con la modulación vocal de David Byrne.La 2ª mitad del disco, y lo que en su día sería la cara b, es mucho más animada, acelerada y eléctrica. Aquí es donde se puede afirmar que se sientan en gran parte las bases de la corriente de la new wave de comienzos de los 80. Los riffs de guitarras, sesudos y vertiginosos se aprecian en canciones como “Artist only” o “I’m not in love”, las cuales tienen una concepción muy cercana. En “I’m not in love” resultan llamativos esos parones repentinos para que David de forma susurrante se haga cargo de un controvertido estribillo, sobre todo en lo referido al plano instrumental, ya que su raquitismo estructural contrasta fuertemente con los ritmos que justo a continuación marcan las guitarras. Los teclados tendrán su importancia vital en el regusto de trance que conceden en la 2ª parte de la canción en la estupenda “Stay hungry”. Los Talking Heads presentan de nuevo un tema nada lógico o predecible al menos en lo que a su estructura se refiere, ya que los primeros compases son atropellados e inquietos, para luego entrar en una cadencia más leve que retorna a esos primeros ritmos y de seguido dan paso a un semiestribillo luminoso y aparentemente muy desvinculado a esas secciones tan dispares que ya nos han ofertado. No obstante, es la 2ª parte, en la que los teclados de Jerry Harrison crean un halo de hipnotismo, inestimablemente acompañados por el devenir vocal de Byrne, que también ayuda lo suyo, la que realmente me gusta y hace que este tema quizás sea mi tema favorito de la obra que nos ocupa esta semana. Me supone un cierto bajón, ¿qué le voy a hacer?, la versión de Al Green, “Take me to the river”, que para colmo personal es el tema que más se recuerda del disco y el que suele estar incluido como representante del mismo en recopilatorios o discos en directo. No está mal, pero ante el ejercicio de vanguardia que desde la pista 7, durante 3 canciones nos ha ofrecido el grupo, se me antoja como un momento olvidable. Mejor resulta el corte final de “More Songs About Buildings And Food”. “The big country” es una canción que quizás aporta el momento más emotivo melódicamente hablando, y también asociado al proceder ante el micro de David Byrne. Es un tema largo, que no solamente tiene ese halo sentimental en ciertas partes, sino que también tiene algún giro hacia notas más despreocupadas y alegres.

La reputación de Talking Heads se fue ganando poco a poco. “More Songs About Buildings And Food” no supuso un éxito desbordante o descomunal, pero sí que fue un paso adelante respecto a su a ratos ingenuo debut, que ya mostraba buenas maneras, pero que en este 2º disco comenzaron a pulirse, debido en parte al trabajo de Brian Eno. Eso de que la fama de Talking Heads fue gradual se puede comprobar en el hecho de que pasarían 5 años hasta que el debut “Talking Heads: 77” se hiciera con los galones de disco de oro por las ventas acumuladas.

Como ya he mencionado, la mayoría de la gente asocia este disco exclusivamente a la cover más famosa que hicieron Talking Heads, “Take me to the river”. Sin embargo, el disco a mis ojos es muchísimo más que solamente el trabajo de los Byrne y cía. donde se incluye la versión de Al Green. El núcleo formado por “Artist only”, “I’m not in love” y “Stay hungry” ya hacen que el disco se merezca un notable de puntuación. Es un disco interesante, experimental, pero sobrio, alejado quizás de las idas de olla tan simpáticas y geniales del siguiente “Fear Of Music” o de los ritmos africanos introducidos en “Remain In Light”.

El siguiente paso quizás es menos compacto u homogéneo, pero de la misma manera es una creación fabulosa, a la que si le coges el punto exacto admirarás seguramente. El disco en cuestión, “Fear Of Music” siguió apuntalando la leyenda del grupo y afianzando la colaboración de Brian Eno con los Talking Heads, que sin embargo saltó por los aires a la tercera ocasión con el siguiente disco, el imprescindible “Remain In Light”. Si quieren echar un vistazo a lo que fue el siguiente disco tras el hoy propuesto, informarles que fue objeto de revisión en el blog hace ya un tiempo razonable, constituyendo la 1ª vez que el grupo pasaba por estos dominios bloggeros.

Talking Heads son una de mis bandas favoritas de todos los tiempos. Sin lugar a dudas están en mi top 10 de preferencias y depende de la época del año incluso pueden llegar al top 5. No obstante, con este su 2º disco “More Songs About Buildings And Food” siempre he tenido una extraña sensación, ya que no es uno de mis discos favoritos, pero me parece de una calidad y lógica de muy alta exigencia. Además, algo que siempre me llamó la atención y me gusta, es la portada que tiene, con esa fotografía deformada en cuadrados de los 4 componentes del grupo. Todavía nos queda mucha tela que cortar de la formación liderada por David Byrne, ya que solamente hemos revisado junto al de hoy 2 discos más, “Fear Of Music” y “Little Creatures”. No hace falta ni que lo diga, pero por si hubiera alguna duda al respecto, informarles que volveremos a ellos.
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martes, 13 de septiembre de 2011

Concierto Festival En Vivo. Getafe (09 y 10-09-2011)

Primero de todo, advertir que el presente post no tratará de todo el cartel del festival, sino de los conciertos a los que decidí asistir, y también que no, no aparecerá casi nada de Offspring, que fueron los indiscutibles cabezas de cartel del evento. De hecho me compré la entrada básicamente por otros cabezas de cartel, los históricos The Specials, que venían a ofrecer su ska-reggae clásico a las tierras madrileñas. También, debido a que el día 9 tenía que trabajar, el primer día del festival que fue el 8 de septiembre, no acudí, y en parte me dio lástima porque en el programa se incluía la actuación de nuestro grupo amigo Dr. Sapo, pero no todo se puede tener.

Y menos mal que decidí no arriesgarme a ir también el jueves, porque el hecho de tener que desplazarse hasta el lugar donde se lleva a cabo el festival, para alguien que reside bastante lejos de Getafe (Torrejón de Ardoz concretamente) es una aventura y más aún si vas en transporte público a horas en las que no hay lanzadera de buses desde las estaciones de tren y metro del municipio hasta el recinto del festival. Distinguiré la experiencia musical de todo lo que rodeó al hecho de llegar a la zona para que cada uno saque sus conclusiones. Musicalmente lo que viví fue muy bueno, pero en próximos años me pensaré muy mucho el acudir al festival, a no ser que venga un grupo que como The Specials tenga pendiente de ver y que sean difíciles que acudan a nuestras latitudes de otra manera.

Finalmente, para esta edición me decidí a pagar los 34,99 eur. que costaba el abono hasta el 31 de julio, considerándolo en sí un precio razonable y viendo que en el cartel había bazas de mi agrado sumadas a la principal atracción personal que eran The Specials. Llegó el viernes 9 de septiembre y tras llegar a la estación de tren de El Casar, tardamos la friolera de casi una hora para llegar frente a los escenarios tras atravesar un lúgubre polígono en horas nocturnas y un polvoriento y, si cabe, más oscuro camino que bordeaba un camping del Cerro de los Ángeles al borde del colapso. La senda parecía no tener fin, hasta que pasado un buen rato ya avistamos los carteles que ponían “pulseras”, donde te ponían la pulserita de turno para acceder y salir las veces que quisieras. El retorno ese mismo viernes tras The Specials fue si cabe mucho peor. Luego hablaré de ello. Una soberana tortura.

El caso es que a las 22.05h aproximadamente ya estábamos situados en 2ª fila enfrente al escenario 1, viendo como colocaban el escenario para los chicos 2tone. Mientras, en el escenario 2, justo al lado, Rosendo Mercado se esforzaba en poner al público patas arriba con esos himnos de rock clásico que tiene en su discografía. Retumbó con solemnidad el “Maneras de vivir” que este rockero de Carabanchel situó en su recta final de actuación.Puntualmente a las 22.42h comenzaban los primeros acordes de la intro para The Specials. El primero en salir a escena fue el batería John Bradbury para que progresivamente fueran apareciendo el resto de la banda. “Do the dog” fue el inicio de un concierto de una hora realmente intensa, que terminó completamente desbordada en las primeras filas, tras poco a poco ganarse intensidad en los bailes de ska de la gente. Como aquí vamos a comentar 2 días de festival y varias actuaciones, no me extenderé tanto en la actuación como en otras ocasiones en las que el evento está protagonizado en exclusiva por una banda. Diré que personalmente me gustó mucho “Do nothing”, que sirvió como relajamiento ante tanta adrenalina acumulada cuando se iniciaba la parte final del show y otros grandes momentos de desparrame como fueron “Monkey man” y “Too much, too young”. También me gustó sin lugar a dudas escuchar el tema con el que conocí al grupo a comienzos de siglo cuando vi el video de “Rat race” en la Vh1. Abajo una imagen de un serio Terry Hall con Neville Staples cubriéndole las espaldas.Neville Staples ejerció de agitador y alborotador jaranero, y tuvo su gran momento de gloria cuando hizo la gran intro de “Stupid marriage”, encarnando a su alter ego Judge Roughneck. Roddy “Radiation” Byers, al que tuvimos justo enfrente, también destacó por su energía y alocada expresión en su rostro al abrasar con su guitarra. Terry Hall se mostró con una pose entre chulesca y canalla, con casi todo el rato un pitillo en mano, que le quedó realmente bien. En sus interpretaciones vocales estuvo bastante comedido, alejado de algunos desafines que se marcaba en la época gloriosa del grupo; fue tronchante cuando en “Enjoy yourself” en lugar de decir aquello de “Hola, mi nombre es Terry y voy a disfrutar de mi mismo primero”, empezó a decir “Hello, hola, hello, hola…”.Fue inestimable poder escuchar en directo “A message to you, Rudy”, que no tardó mucho en aparecer en el set list, pero el hecho de la duración reducida a una hora de actuación propició que “Ghost town” no hiciera acto de presencia en el En Vivo 2011. En lo personal me dolió mucho no poder escuchar al menos “Guns of Navarone”, a pesar de que en varias ocasiones entre canción y canción espeté al escenario “¡Guns!”, por si se daban por aludidos, pero ni por esas. Más difícil podría resultar “Skinhead symphony” o “Longshot” y de hecho tampoco cayó; me dio envidia ver que en 2009 las tocaban seguidas en el set list y lamenté a la postre que hayan decidido prescindir de ellas. Yo personalmente las hubiera permutado por temas algo anodinos bajo mi punto de vista como “It’s up to you”, pero bueno, cuestión de gustos.Compañeros de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) me dijeron que el concierto tuvo un sonido horrible; yo he de decir que en 2ª fila no aprecié dichos fallos y tuve la ocasión de vivir un evento memorable, a pesar de las citadas ausencias u omisión de set list, con una generosa dosis de bailes de ska de estilo “sálvese quien pueda”, que alcanzaron su cota máxima en “Little bitch” al final del concierto. El grupo interactuó poco con el público, quizás algo más Neville, pero quien destacó fue Linval Golding, reflejado en la fotografía de abajo de este párrafo, cuando antes de empezar “Concrete jungle” dijo “tenemos algo que decir a los punk rockers”. Llegaron las 23.47h y el show puso su punto final, con la confirmación de que “Ghost town” no sonaría esa noche, a pesar de que era parte del reclamo que la organización puso en el libreto del evento cuando hablaban del grupo.Por si a alguien le interesa, el set list fue el siguiente: “Do the dog”, “Dawning of a new era”, “Gangsters”, “It’s up to you”, “Monkey man”, “Blank expression”, “Doesn’t make it alright”, “Rat race”, “Stupid marriage”, “Concrete jungle”, “Stereotypes”, “Man at C & A”, “Do nothing”, “A message to you, Rudy”, “Nite Klub”, “Little bitch”, “Too much too young”, “Enjoy yourself”.Nos dimos por satisfechos y comenzamos el camino de regreso a la estación de El Casar, para ver perder el último tren de cercanías por apenas 3 minutos. Fueron 40 minutos de caminata a paso ligero (tardamos mucho menos que a la ida para intentar alcanzar el tren) por el ya citado polígono, por unas calles y parajes que pueden aparecer en cualquier sueño inquieto que de cuando en cuando te amenaza en alguna madrugada; el problema es que aquí no estábamos soñando y los callejones oscuros para sortear las vías del tren eran una realidad tangible. Por fortuna salimos vivos de la zona y con algo más que los calzoncillos. En realidad lo único “de valor” que llevaba era mi cámara de fotos de 5 años de antigüedad y mi móvil de otras 4 anualidades. A eso de las 2.30h llegué a mi casa de Torrejón de Ardoz, tras trayectos en metro sur, línea 10, línea 7 y búho interurbano en av. América. Ya está bien desde las 23.47h que comenzamos la marcha… Por unos momentos medité el no regresar al día siguiente, pero el peso de lo que había en el sábado y el hecho de haber ya pagado la entrada/abono, me animó a volver a la zona con mi amigo y colaborador en nuestro programa de radio en los coloquios que hacemos de cuando en cuando Mariano González.Esta vez el calor nos acompañaría también, pero el hecho de que en esta ocasión había lanzadera de bus desde las 15.00h, cosa que no había el viernes hasta las 21.40h, hizo que la ida, al ir a Getafe Central a coger dicho servicio especial de transporte, fuera mucho más amigable, a pesar de ir de pie en dicho autobús. A eso de las 19.05h, media hora antes de que Kiko comenzara a tocar, y mientras el mismo estaba haciendo la prueba de sonido, llegamos al frente del escenario 2, colocándonos en 2ª fila. Durante unos minutos nos acercamos al escenario 1 a comprobar el potente y extra animado directo del grupo Alamedadosoulna; un grupo de ska, con ciento y la madre de componentes en el escenario (su sección de viento acojona de la de gente que la integra), que tenía patas arriba a la gente que ya estaba frente a los escenarios desafiando el interesantísimo sol que nos iluminaba todavía a esa hora de la tarde. Me sorprendieron Alamedadosoulna, a los que solo conocía de nombre u oídas; estaré al tanto de próximas actuaciones suyas, porque tienen un directo arrollador. Arriba de este párrafo una imagen del grupo.Puntualmente Kiko apareció en las tablas del escenario 1, con un pantalón y camisa de lino blanco, muy fresquito, para combatir la solanera reinante que indignamente le tocó. No escatimó a la hora de empezar dándolo todo con “Volando voy”. El maestro estuvo sublime. A su habitual nivel de exigencia y buen rollo con el público. Nos regaló varios grandes momentos como la eficaz versión readaptada de Dylan “Memphis blues again” o la celebrada “Te echo de menos”. No faltaron piezas tan simpáticas como “La rama de Barcelona” o sobre todo “Veneno”, una de las canciones sorpresa del listado, perteneciente a su “Está Muy Bien Eso Del Cariño”, ya revisado en el blog, que nos regala pasajes de letra tan notorios como “…me estás queriendo a mí un 15% menos” o “…pero el reloj era muy buena gente…”.Kiko también se anotó una “campanada” al dejar fuera del set list la siempre bien recibida y muy querida por sus seguidores (entre los que me incluyo) “Lobo López”. Y del sector de temas que esperábamos por nuestro lado o por gusto personal, muchos de ellos pertenecientes al no lo justamente valorado “La Familia Pollo”, ni flores (“Feos”, “Fijarse”, “Se han llevado las toallas”). Con todo el concierto ofrecido por Kiko otorgó unas muy buenas sensaciones y destiló un buen talante inestimable.Casi pisando las últimas notas del concierto de Kiko Veneno, comenzó la arrolladora máquina sonora de Celtas Cortos, los cuales, a mis selectivos ojos (por aquello de no haber asistido al festival al completo), se perfilaron como mis triunfadores particulares de lo que viví del En Vivo 2011. Y es que Cifu y su tropa, que creo que cada día son más en escena, reproduciéndose por generación espontánea, se ajustaron al espíritu del festival como un guante. El ambiente les venía que ni pintado y la selección de temas, a pesar de que también tuvieron sus puntos de echarle huevos al no incluir algún que otro tema (“Cuéntame un cuento”) y no satisfacer mis preferencias personales (“Tranquilo majete”, “Haz turismo”), dejo a todos encantados. Hubo lugar para la emotividad sin límites en “La senda del tiempo”, sus temas instrumentales, con esos violines y flautas vertiginosas y también sitio para descargas potentísimas de adrenalina de la mano de “Skaparate nacional”, “República de Sanjes” o “No nos podrán parar”. Otro momento importante que no se hizo mucho de rogar, fue “20 de abril”, ese tema que normalmente me tomo a la tremenda, gritando a pulmón abierto ese final de estribillo “… Y los que hay, han cambiado, ¡han cambiado! ¡Síiiiiii!”. Creo que en momentos de subidón, en algún pasaje de “No nos podrán parar” pegué unos saltos de al menos 40 centímetros, lo cual sumado a mis 2 metros de estatura, formaban un espectáculo para todo aquel que me rodeaba en la zona que se extendía entre la frontera de los terrenos de frente a los 2 escenarios.No faltaron algunos bailes de ska y choques con la gente, pero todo de muy buen ánimo y envuelto en un ambiente festivo que de forma sobresaliente llevaron a cabo estos muchachotes de Valladolid. ¿Saben que esta semana tocan el jueves en las fiestas de La Elipa y el viernes en las fiestas del barrio de Barajas aquí en Madrid? Pues aviso que me esperen en la fiesta que monten el viernes cerca del aeropuerto a eso de la medianoche. No me lo pierdo. Y es que hay que decir que era la 3ª vez que veía a los Celtas tras el concierto del 20 de junio de 2007 en el festival España Solar, un fatídico concierto recordado por la lluvia de botellas que propició el final anticipado del show y tras el gran espectáculo, con pantalla gigante de telón de fondo, que dieron en las fiestas de Torrejón de Ardoz el 21 de junio de 2009 (ese día no les dejé crónica). Sin embargo, este último concierto que les vi en el En Vivo 2011 es el que más me ha gustado con distancia. Espero que en Barajas estén igual de atinados y además con unos minutos más de actuación asegurados. Pueden comprobar a Cifu escudado por la sección de viento de Celtas Cortos en la siguiente foto.El imbatible Drogas, se presentaba en el escenario 1 a eso de las 21.30h para defender su voz rasgada y arrolladora presencia en el escenario, pero no al frente de Barricada, sino con Txarrena. Comenzó el Drogas con un atuendo que no es el más típico dentro de su estilismo, para poco a poco tomar la forma a la que nos tiene acostumbrado, acompañado de sus pañuelos en el cráneo y sus bastones (compruébenlo en la imagen siguiente). Txarrena derrocharon intensidad y espíritu rock, aunque había muchos que ya estaban con Offspring en la mente.Serían Sôber los que tuvieron el papelón de ejercer como “pseudoteloneros” de Offspring, tocando en el escenario 2 a eso de las 22.40h del sábado. Era la 4ª vez que veía a Sôber tras aquella primera actuación como teloneros de HIM en 2001 en La Riviera, el concierto de las fiestas de octubre del año 2002 en Torrejón de Ardoz y del concierto sorpresa en un conocido restaurante cercano a la plaza de Colón en Madrid el año pasado. Nuevo “chapeau” para los Escobedo y cia., que plantearon un set list de sobresaliente, esta vez sin dejar de lado ningún tema clásico de su repertorio a la par que presentaban temas de su nuevo disco tras su reformación “Superbia”. Aquí no hubo ausencias de canciones y tampoco se dejaron insatisfechos mis gustos personales, puesto que “La nube”, single abanderado del disco “Reddo” sonó pronto y fenomenalmente.Es curioso que Carlos Escobedo siempre tenía la frase perfecta para introducir las canciones, haciendo un pequeño juego de palabras con los títulos de las canciones. A pesar del regusto amargo y torcido de muchas secciones musicales de la maquinaria sonora de Sôber, es muy de agradecer la actitud de sus componentes, y no solo de Carlos, sino que su hermano Jorge acertadamente dijo al público cuando coreaban el nombre del grupo: “No, “Sôber” no, “Vosotros””. Hubo momentos enormes como “Arrepentido”, el apocalíptico pasaje al final de “Loco” y pasajes emotivos como “Una eternidad”. Bravo por Sôber. Una vez más demostraron que nunca se tenían que haber ido y que fue un acierto que volvieran a reunirse.Pues, ¿qué quieren que les diga? A pesar de que Offspring tienen algún tema que me gusta (¿a quién no?) como “Self steem” o “Pretty fly (for a white guy)” (de lo más comercial que tienen), uno ya va teniendo una edad y tampoco es que la banda americana me haga demasiado tilín. Con lo que tras abandonar el escenario los Escobedo, Manu Reyes y Antonio Bernardini, nos dimos el bote del recinto del En Vivo, mientras que ya estaban en escena el principal reclamo del cartel de este año, atronando con sus 2 primeras canciones. A medida que íbamos hacía la salida, seguía entrando gente, gente y más gente, que supongo formarían una marea de gente de record. Abajo podemos ver a Carlos Escobedo sentado en una banqueta con la guitarra entre manos.El regreso a casa esta ocasión lo planteamos esperando al bus lanzadera, el cual a esas horas y teniendo en cuenta que estaban en escena el grupo estrella del evento, tardó más de media hora en venir y salir, propiciando un tedioso y agotador viaje de vuelta, con ciertos temores de perder las conexiones de metro en la estación de Puerta del Sur, lo cual no sucedió por apenas 2 escasos minutos (ello hubiera propiciado un interminable paseo en el buhómetro de la línea 10 hasta Gregorio Marañón). La organización del festival deja mucho que desear, pero quizás por los 35 euros del abono de 3 días poco más se puede pedir. De otra forma, pagas 79 euros por un solo día de festival y tienes buses lanzadera constantes al centro de Madrid como pasa en el Rock In Rio y además dispones de zonas de césped artificial que evitan polvaredas que impiden respirar en condiciones. Tú eliges: o precio barato a lo cutre, o precio caro con prestaciones. Para gustos los colores, pero en todo caso esta era una edición del En Vivo que apostaba por promocionarse como algo asequible económicamente en tiempos de crisis y en consecuencia tampoco añadían muchos más extras aparte del decente cartel que consiguieron reunir.Me quedaré con el puntazo de haber podido vivir un concierto de The Specials y así tachar a otra banda de mi lista de grupos pendientes de ver en directo, siendo en esta ocasión otra formación que pensaba que no tendría el gusto de ver sobre el escenario estando yo en 2ª fila delante del mismo. Gran concierto de los “Rude boys”, pero en mi foro personal, y de los conciertos a los que asistí, estimo que Jesús Cifuentes y el resto de los Celtas Cortos fueron los que se llevaron la palma con un directo soberbio. Y de las otras actuaciones que quería ver a toda costa, Kiko Veneno y Sôber, también salí contento. Bueno, la siguiente imagen refleja un pasaje de la actuación de Offspring visto en las pantallas gigantes del recinto. Para que no se quejen.Lo peor, el peregrinaje tan excesivo que hay que hacer para llegar al festival. Y es que este evento está más pensado para el sector poblacional comprendido entre los 18 y 25 años, en edades universitarias (a poder ser sin exámenes en septiembre por las fechas de celebración del evento) que se metan en la aventura de acampar en el camping y estén todo el fin de semana de botellón y fiesta, sin la preocupación de tener la próxima semana que madrugar todos los días a las 7 de la mañana para ir a la oficina a cumplir con tu jornada laboral, o en su defecto está pensado para gente que resida en Getafe o en municipios cercanos. Para mozos que comienzan a ser algo talluditos, que circundan la treintena por pocos meses o que ya la han alcanzado, y que además vivan alejados de la zona y no acampen, es poco recomendable. ¿Qué quieren que les diga? La siguiente imagen no está forzada; pueden comprobar a un servidor con mascarilla antipolvo en la cara y a mi amigo y colaborador radiofónico Mariano González con una leve cara de susto ante la aventura viajera que se nos presentaba nada más abandonar el recinto del Getafe En Vivo.No obstante y con todo, mereció mucho la pena. Eso sí, supongo que a no ser que se reúnan The Smiths o The Jam y vengan a próximas ediciones, no creo que vuelva al En Vivo aunque incluso sean cabeza de cartel mis adorados The Cure (bueno, tampoco lo afirmaré rotundamente en ese caso en particular concerniente al grupo liderado por Robert Smith). Sin embargo, estoy completamente seguro que con el paso del tiempo lo veremos como una experiencia del todo curiosa, ya que a pesar del esfuerzo no hubo que lamentar heridos, por lo que en el futuro lo recordaré y me reiré de todas las contingencias negativas ajenas a la música que nos trajo el asistir al En Vivo 2011. Y esto fue la experiencia personal al respecto. Evidentemente hubo mucha más música, pero para eso tendrán que buscar en otro lado. Espero que lo que les he dejado por aquí de los grupos que vi les haya servido para algo.
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sábado, 10 de septiembre de 2011

Supertramp - Crime Of The Century (1974)

En 1974, tras haber editado sus 2 primeros discos, nadie (literalmente) daba un duro por Supertramp. La banda comandada por Rick Davies y Roger Hogdson de hecho había dispuesto de un mecenas adinerado que confió en ellos en sus primeros pasos y que perdió una importante cifra económica ayudando al grupo en sus 2 primeros discos “Supertramp” e “Indelibly Stamped”. Supongo que el buen hombre se tiraría de los pelos al comprobar que fue a la tercera cuando el grupo dio en el clavo y consiguieron un gran éxito.

Para su 3er. disco, y con el grupo en situación catatónica, la apuesta era a todo o nada. Supertramp terminó por otro lado de fraguar la considerada formación clásica histórica, aquella compuesta por Bob Siebenberg a la batería, John Helliwell al bajo y Dougie Thomson al bajo.

El resultado sería uno de los discos más valorados de la era del rock sinfónico y también de la historia de la música en general; el disco que muchos consideran la mejor entrega de Supertramp de todos los tiempos, el lp “Crime Of The Century”. Y es que en realidad el quinteto consiguió conformar un disco muy compacto, de 8 canciones realmente maravillosas, sin que exista un solo segundo anodino o no válido. Una genialidad con la que el grupo comenzó a labrar su leyenda y que a la par es la propuesta musical semanal que desde aquí les realizamos.

Escuchar en los primeros segundos esos sonidos lejanos de armónica, tan reconocibles a la larga en la discografía de Supertramp, que nos introducen en “School”, es una forma casi inmejorable de iniciar la escucha del álbum. En este tema de tintes melancólicos, Roger Hogdson es quien se encarga de otorgarle la voz, con alguna salvedad puntual en forma de réplica de Rick Davies. Hay un solo de piano acelerado en mitad de la canción que es una maravilla. El tema poco a poco va ganando intensidad en un desarrollo perfectamente medido. Gran tema este “School”, y muy valorado por los seguidores de Supertramp a la larga, pero será en el 2º lugar donde accedamos a uno de los temas que tuvo su protagonismo individual a la hora de dar fama a la obra. “Bloody well right”, con Davies encargándose de la voz cantante, es un ejercicio de virtuosismo a los teclados, mezclado a la perfección con secciones de viento, que en definitiva conforma un ejercicio excelso de mezcla entre rock y jazz. Por otro lado, esta “Bloody well right” ofrece quizás el momento más animado y pop en el sentido de la alegría y desenfado que transmite, sin olvidar el próximo pasaje que nos otorgará “Dreamer”. Una de mis preferidas del disco es la emotiva “Hide in your shell”. Destacan principalmente esas secciones de saxofón tan embriagadoras a cargo de John Helliwell en su estribillo. No obstante, esta “Hide in your shell” tiene una melodía muy delicada, cosa que se puede apreciar en los inocentes teclados que utiliza. Una preciosidad oculta dentro de esta obra, a la sombra de los grandes clásicos que destacan más allá como son “Dreamer” o “Bloody well right”. Llega “Asylum”, un tema con una estructura de arranques y paradas, y con un Rick Davies realmente entregado, aportando momentos al tema de bastante fuerza y entrega.Otro clásico sin posibilidad es la alocada “Dreamer”. Aquí Hogdson se impone sobre una nerviosa melodía instrumental, haciendo gala de su registro vocal tan agudo. Las notas de teclado son lo más notable en esta pieza tan animada. Siempre resulta interesante escuchar el antepenúltimo escalón de “Crime Of The Century”. “Rudy” es una canción que comienza delicada y con una gran emotividad, dentro de la cual hay desarrollos instrumentales inspiradísimos por parte de la maquinaria sonora de Supertramp. El vértigo alcanzado en ciertas partes es increíble y supongo que los términos de rock progresivo o sinfónico en parte se acuñaron por temas como éste. Si tuviera que decir qué canción es la menos buena de la obra que hoy nos ocupa, probablemente diría que “If everyone was listening” es la difícil elección. Estamos ante un tema muy tranquilo, de leve intensidad y que en consecuencia es el más fácilmente olvidable de “Crime Of The Century”. Se nos reserva para el cierre la canción que da título a la obra, el plan que Rick Davies tiene para el crimen del siglo. Tras una primera parte vigorosa en sus notas, a ratos rotunda, con sus necesarias paradas y cambios de ritmo, la 2ª parte o recta final destaca por esa melodía tan marcada, sencilla y a la par sublime de unas pocas notas de piano que destacan sobre el resto de instrumentos. Para mi gusto, estamos ante uno de los mejores finales de disco que he escuchado nunca.

Ya desde la portada, con esa reja carcelaria y las manos del preso sujetándola férreamente, perdida en la inmensidad del universo, se intuye que el disco en su interior guarda algo importante. No fue para menos. En el apartado comercial el disco funcionó realmente bien y también por ejemplo “Bloody well right” en formato single fue bastante celebrado. A la larga y quizás junto a “Selling England By The Pound” de Genesis y “Dark Side Of The Moon” de Pink Floyd, “Crime Of The Century” marcó una época.

El 3er. disco de Supertramp permitió al grupo sobrevivir y yendo más allá conseguir un notable éxito, el cual se mantendría de aquí en adelante con entregas tan potentes como “Even In The Quietest Moments…” o “Breakfast In America”. El siguiente trabajo sería “Crisis? What Crisis?”, que si bien no llega a los niveles de excelencia de la obra hoy propuesta (de hecho solamente tengo dudas con “Even In The Quietest Moments…” dentro de la discografía del grupo para igualar a “Crime Of The Century”), mantuvo el tipo y ofrecería alguna que otra joya como “Another man’s woman”.

“Crime Of The Century” es uno de esos discos que siempre aparecerán en las listas de los 100 o 1000 discos que hay que escuchar en vida o cosas por el estilo. Y si aparece es con una razón aplastante. No solamente sea quizás el mejor trabajo de la banda por entonces comandada por Roger Hogdson y Rick Davies, sino que además es uno de los trabajos más representativos de su época y estilo. Quizás a ratos, para el público generalista, sea una obra complicada, pero también ofrece otras composiciones como “Dreamer” o “Bloody well right” que son fácilmente asumibles por cualquier persona de a pie. Si no lo conocen espero que les guste y si ya lo han escuchado, cualquier día o época del año es buena para recuperar su audición.

En parte este post tiene algo de nostalgia por más o menos cumplirse en estos días un año de la 2ª y última vez que pude ver a Supertramp en directo. El concierto terminó de forma aplastante con la ya comentada canción que da título al disco de esta semana y que también cierra la obra; como ya les expliqué en la crónica de aquel concierto, no se imaginan las sensaciones que puedes experimentar escuchando esa melodía final tras un directo de 2 horas de la banda. Sin palabras. Por hoy, confórmense con escuchar esas notas en su toma de estudio.
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sábado, 3 de septiembre de 2011

Second - Demasiado Soñadores (2011)

Regresamos tras el parón vacacional del mes de agosto, no sé si con más ganas, pero regresamos; y es que la vagancia es muy peligrosa… En todo caso, en este verano el disco que hoy les propongo ha sido un fiel compañero, que ha estado a mi lado de forma bastante continuada. Second podríamos decir que son ya amigos del blog al haber cubierto como medio acreditado su concierto de fin de la gira “Rodamos” de 2010 en la sala Joy Eslava y haber entrevistado a su cantante Sean Frutos en nuestro programa de radio durante nuestra 1ª temporada. Igualmente también revisamos en artículo corriente al uso del blog el anterior disco del grupo, el magnífico “Fracciones De Un Segundo”.

Ya en el Universimad de este año pudimos contrastar varias de las canciones que forman parte del nuevo disco del grupo en su versión de directo, pero fue en junio cuando me hice con la edición deluxe de “Demasiado Soñadores” por motivos obvios, ya que por los 2 euros que cuesta en tanto a la sencilla, te llevas de regalo un dvd estupendo con varios de los videoclips del grupo (no se incluyen eso sí los del disco “Pose”) y gran parte del concierto ya mencionado de la Joy Eslava de 2010, además de algunos bonus tracks.

Second ya en mitad de la gira y promoción tardía de “Fracciones De Un Segundo”, estaban en pleno proceso de composición de nuevos temas, para aprovechar la inercia tan buena que habían logrado con su 4º trabajo de estudio.

Estimaba que estos 5 muchachos de Murcia lo tenían complicado para mejorar lo logrado musicalmente hablando con su 4º trabajo, pero tras varias y varias escuchas, estimo que han conseguido la machada de superarlo. Poco a poco lo iré explicando. Y el caso es que quizás “Demasiado Soñadores” no tenga ningún tema que llegue sin embargo al nivel de excelencia que supone “Rincón exquisito”, pero en conjunto es mucho más férreo y consistente, a la par que te proporciona como norma general una mayor necesidad de baile y adrenalina. Quizás huelga decirlo, pero la formación de Second sigue siendo la misma, formada por Sean Frutos como vocalista, Nando Robles al bajo, Jorge Guirao a las guitarras, su hermano Fran en la batería y Javi Vox a las guitarras, teclados y sintetizadores.

“N.A.D.A.” es además de uno de los singles del disco el tema con el que se inician los 3 cuartos de hora de duración de “Demasiado Soñadores”. Ésta es una canción que comienza sigilosa hasta que cumplido el minuto aparece la batería y toda la instrumentación para acompañar a Sean Frutos en esta pieza que habla de relaciones pasadas y de la huella (o no) que queda de las mismas. Poco a poco va ganando intensidad para terminar con mucha fuerza, incluyendo entre medias sus paradas necesarias y cambios de ritmo. Recuerdo que en la Joy Eslava ya se presentó la canción título de la obra como anticipo de este disco que hoy revisamos. Entonces no me llamó la atención, pero “Demasiado soñadores” es una canción resultona donde los tarareos hacen primer y necesario acto de presencia mientras que Second nos ofrece un tema bailable con ciertos retazos funky en su melodía. En “Fracciones De Un Segundo” se alternaban casi de forma matemática temas más lánguidos con otros más intensos y de momento aquí se sigue el patrón, ya que tras el inicio reflexivo de “N.A.D.A.” y la primera dosis de movimiento con “Demasiado soñadores”, pasamos a “Muérdeme”. La 3ª canción del disco, no obstante, nos ofrece ciertos toques canallas entrelazados en su letra, por mucho que su atmósfera o poso sonoro sea emotivo, como cuando Sean dice eso de “… y luego lárgate”. A día de hoy dudo entre 2 temas como mis cortes favoritos de “Demasiado Soñadores”, y en el 4º lugar del track list llega el primero de los mismos. Me refiero a “Mañana es domingo”. Podríamos afirmar que juega el papel que “Rodamos” desempeñaba en el anterior disco del grupo. Es un tema con un arrojo e intensidad brutal y que tuve la suerte de catar por 1ª vez en directo, gustándome en esta ocasión de primera escucha, a diferencia de lo que me sucedió en su día con “Demasiado soñadores”, la cual ha precisado alguna que otra pasada más para calarme. Second se mueve en este tema de una forma tan interesante como la que U2 utilizaba en su día en “New year’s day”. Sean se muestra una vez más como un excepcional vocalista, sobre todo cuando espeta ese “¡Qué fácil la victoria” que se te queda marcado a fuego nada más escuchar el tema. ¿Qué toca ahora? Acertaron, sí, un momento de calma, y necesario. Tras el arreón que nos ha supuesto la excelsa “Mañana es domingo” se nos antoja como un exquisito interludio la pausada y comedida “Aquella fotografía”, en la que una vez más el tema de la vista atrás y el fijarse en el pasado está presente. Interesante resultó también en su día “Autodestructivos” cuando la escuché por 1ª vez en el Universimad de este año. Esos sintetizadores a cargo de Javi Vox no dejan indiferente a nadie y en este caso la melodía, muy cercana a la canción título, es si cabe mejor. No en vano este tema es el que da el título a la gira que el grupo está ofreciendo por todo el territorio nacional de aquí a final de año; en este apartado juega también parte del papel que tenía “Rodamos” al darle el título a un tour de Second. “Autodestructivos” es un temazo en toda regla, muy bailable y fácilmente disfrutable; de hecho, supongo que será la favorita de muchos seguidores del grupo dentro del disco, pero en mi caso se queda en el 3er. o 4º lugar tras “Mañana es domingo” y otra que nos encontraremos al afrontar la parte final.“Psicopático” es menos evidente que “Autodestructivos” en sus formas. También es otro tema cañero y en el que los coros vuelven a hacer acto de presencia. El caso es que no puedo resistir y pasaré al siguiente tema, que es el otro con el que me debato a día de hoy como mi favorita del listado de canciones y con el que iniciamos el tramo final de “Demasiado Soñadores”. Y es que “En pequeñas cosas” es otra genialidad de estos murcianos. Y, ¿qué nos ofrece esta pista para que la considere tan buena? Bueno, personalmente me suelen gustar los momentos reflexivos, tanto en lo lírico como en lo musical y aquí se dan los 2 casos. “En pequeñas cosas” se vale de una melodía nocturna, casi al estilo de lo que The Cure hacían en ciertos pasajes de “Seventeen Seconds” como “In your house”. El estribillo por ejemplo me gusta mucho: “No hay manera de incomunicar, no hay ninguna forma de salir corriendo…”. Un pesimismo sosegado con el que te quedas prendado, sobre todo si escuchas el disco en la soledad de tu salón o dormitorio. Para digerirlo como se merece, con buenos alimentos, aunque tengo curiosidad de escuchar su toma en directo. Encadenada llega “De Buenos Aires”, un tema al que dieron mucha relevancia en la entrevista que hicieron en M-80 al grupo tras su actuación en el Universimad, pero que a mi personalmente me deja algo frío; no en vano la considero el tema más flojo del disco, aunque he de reconocer que su parte final instrumental cada día me va gustando un poco más. El combo de 2 temas finales me agrada bastante. Primero llegamos a un tema acelerado y brutalmente luminoso como es “Prototipo”. Aquí nos encontramos a unos Second muy animados que por otro lado tienen a bien dar el cierre con un tema que suena casi a himno titulado “Tu alrededor”, con ciertas partes de la letra nuevamente brillantes como “Porque tus nubes flotan, porque todos tus discos son de amor, porque puedes cambiar tu alrededor…” y con unos tarareos como últimos ofrecimientos vocales de Frutos que son acertados. Poco a poco “Tu alrededor” se va transformando en una de mis debilidades dentro de “Demasiado Soñadores” y es que terminar el disco de esta forma tan radiante, alegre y luminosa da gusto.

Estimo que “Demasiado Soñadores” debería haber sido recibido con mayor entusiasmo. Supone un nuevo paso firme al frente de Second, que poco a poco se van definitivamente ganando un nombre importante en el panorama musical español. No obstante, el disco está aún en promoción y seguro que un par de videoclips todavía se merecerá. Apuesto claramente por “Mañana es domingo” y “Autodestructivos”, pero ¿quién sabe? Estimo que quizás una adecuada promoción de “Autodestructivos” como 3er. single, con un videoclip apañado y una generosa difusión en Kiss Tv (único medio actual donde se ven videoclips en la televisión de nuestro país), podría ayudar a que “Demasiado Soñadores” llegue a más gente.

El grupo está inmersos en la ya mencionada “Gira Autodestructiva” con 2 paradas en Madrid, una en un festival asociado a una gran superficie y otra dentro de unos ciclos de los Teatros del Canal, cita esta última a la que casi con total seguridad acudiré para ver un concierto de Second de larga duración, puesto que la cita del Universimad se me hizo muy corta.

Les decía al principio del artículo que estimaba que Second habían superado el listón tan notable que supuso “Fracciones De Un Segundo”. Así lo creo por 2 motivos principales: el primero es por lo directo del mensaje del producto ofrecido, y el 2º porque es un disco realmente entretenido, más ameno y fácil de digerir, sin que por ello carezca de matices y partes reflexivas. Second han optado por volver a dar el mando en la producción a Raúl de Lara y creo que ha sido un acierto, pues el resultado final es altamente satisfactorio. Second es un grupo que no solamente son buenos en lo instrumental, sino que también tienen la suerte de contar con quizás uno de los mejores vocalistas de nuestra música en la actualidad, Sean Frutos.

Este disco, con esa portada monopolizada por la imagen de un antediluviano muñeco, es uno de los trabajos discográficos más interesantes que han visto la luz en este 2011 dentro de nuestro país. Además de escucharlo, les recomiendo que si Second hacen parada cerca de donde viven en esta gira que les ocupa de aquí a final de año, se pasen a verles en directo. Simplemente por experimentar la fuerza de “Mañana es domingo” en directo merecerá la pena.

Terminamos por esta semana, pero no se olviden de escuchar las redifusiones de nuestros programas de radio durante estos días, hasta que regresemos con la 3ª temporada en antena a finales de mes. Les mantendremos informados de lo que se avecina en breve…
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