sábado, 27 de febrero de 2010

Discos, música y reflexiones entrevistó a Second

Aparte de la revisión de hoy sobre Matchbox 20, esta semana precisa de una entrada adicional especial. Nos llena de orgullo y satisfacción, copiando las palabras navideñas que suele decir nuestro actual monarca, informar que nuestro programa en Radio Universitaria de Alcalá de Henares poco a poco va ganando importancia y pasito a pasito intentamos crecer para ofrecer un espacio cada vez más atractivo.

Esta semana tuvimos el placer de entrevistar a José Ángel Frutos cantante de Second, una de las bandas más interesantes, de mayor calidad y de actualidad más relevante del presente panorama musical español, como ya comentamos en su artículo de hace unas semanas. Durante algo más de una hora pudimos charlar con este gran vocalista sobre su banda y su excelente último trabajo “Fracciones De Un Segundo”.

Esta tarde a las 19.00h tienen ocasión de escuchar la redifusión del programa que se emitió el pasado miércoles a las 22.00h. Igualmente ya lo tienen disponible en el reproductor del lateral como “DMR 1-10” (no pudo coincidir mejor número para este programa tan especial) para escucharlo cuando lo deseen.

Nuestra intención es que en la medida de lo posible, cada vez que pase un disco nacional por nuestro espacio radiofónico, al menos intentar contactar con el grupo o artista en cuestión para poder comentar su obra con él. Con artistas o bandas internacionales es inviable además de por asuntos lingüísticos, porque es improbable que nos prestasen atención.

Confío en que les guste el programa. A esto me refería en mis últimas palabras del artículo de la pasada semana (“… La próxima semana más, y espero que mejor… (ya me comentarán ustedes)”.); no quise decirles nada por si debido a algún incidente de última hora no se hubiera podido llevar a cabo el programa. Por fortuna no fue así y José Ángel Frutos, con una gran amabilidad y muy buena disposición, estuvo al teléfono más de una hora para conformar un programa, que desde mi punto de vista, nos quedó bastante bien (está mal que yo lo diga).

Que ustedes lo disfruten. Intentaremos más, pero no les prometo nada, ya que eso no depende únicamente de nosotros.
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1996 Matchbox 20 - Yourself Or Someone Like You

Digamos que hubo un tiempo, no hace muchos años, en los que el mundo de la música andaba revuelto, aunque inmersos en aquellos días no nos percatásemos de aquello. Mirando ahora en perspectiva, al menos a mí me da esa impresión. A finales de la última década del milenio pasado, la música moderna vivía un momento extraño.

No había grupo dominador claro. El género de moda era el trip-hop, que era un derivado muy elegante de la música electrónica, con un fuerte carácter nocturno. Los grandes buques insignia que habían dominado un par de años atrás, zozobraban (Blur, Oasis) y en consecuencia el brit pop se iba desmontando. Se podría decir que hasta muchas bandas válidas de aquellos días que empezaban a despuntar, parece que han seguido en un 2º plano debido a aquella convulsión; véase Travis. Digamos que la banda que aprovechó aquel desconcierto y revuelo, en el que hasta se torturaba a las vacas sagradas U2, Depeche Mode, The Cure etc., fue Radiohead y con merecimiento gracias a su innovador “Ok Computer”.

Podría afirmar que este jaleo y confusión no benefició a la banda que hoy homenajeamos: Matchbox 20. Este grupo, liderado por el guaperas Rob Thomas, surgió a mediados de los años 90 en Estados Unidos, lugar en el que todavía estaban con la resaca tan descomunal que dejó atrás el grunge (otro añadido más al clima raro musical de aquellos días).

Su carta de presentación a nivel mundial fue el single “Push”, perteneciente al disco “Yourself Or Someone Like You”, que revisaremos para esta semana, aunque dicha irrupción se produjo meses después del lanzamiento del lp. En aquellos días un servidor de ustedes tenía disponible a través del satélite televisivo comunitario la cadena Viva Zwei alemana, y he de decir que Rob Thomas y sus compañeros eran un grupo que tenía bastante difusión a través de dicho canal. También hay que puntualizar que los Matchbox 20 en España no terminaron nunca de calar muy profundo, pero sí que tuvieron más aceptación en centroeuropa como se puede ver con detalles como el descrito.

También hay que destacar la curiosidad de que el disco que les presentamos estuvo vivo, promocionalmente hablando, nada más ni nada menos que 2 años. Se editó en 1996, pero su promoción se alargó hasta bien avanzado 1998, que fue cuando terminó de eclosionar gracias a videos como los de “3 a.m.”, o primeramente “Push”. Por ello, podríamos decir que este disco es moralmente más bien de ese año que de 1996. De ahí su participación en esos días tan raros musicalmente hablando.

En aquellos días Rob Thomas, líder moral y principal compositor de la banda se rodeaba de Kyle Cook a la guitarra, Brian Yale al bajo, Paul Doucette a la batería y también estaba Adam Gaynor como guitarrista; éste último componente es el único que en la actualidad no sigue en la intermitente actualidad de Matchbox 20 al abandonar el grupo en 2005. Tras presentarles a la banda, pasemos a la música de hoy.

Uno de los principales éxitos del disco, aparte de las mencionadas “Push” y “3 a.m.”, fue “Real world”. Quizás sea mi canción favorita del disco y para empezar la obra no concibo mejor forma de abrir fuego que con un tema tan emocionante y rítmico. También se dispuso de un clip bastante chocante, del que quedó para la historia ese paseo de Rob Thomas atravesando las pistas de una bolera, llevando de una cuerda a un camello. La letra divaga sobre la disconformidad con el mundo que nos toca vivir y el eterno debate de si se puede hacer algo al respecto. Digamos que la letra no es el mayor valor de esta canción, sino más bien su melodía y lo bien que lleva Rob la parte vocal. Tras este gran tema, nos enfrentamos al primer single de la obra, la más rockera “Long day”. Aquí nos encontramos con un igual de enérgico quizás que la apertura de “Real world”, pero que no tiene ese componente emotivo que su predecesora en el disco desprende en sus notas. Rock independiente americano de finales/mediados de los 90 en estado puro en todo caso. “3 a.m.” es inaugura el lado más sentimental del disco, con un sonido más acústico. Preciosa pieza con un estupendo estribillo, sumamente pegadizo: “ella me dijo: son las 3 de la madrugada, y debo estar sola…”.Al fin y al cabo, lo que se ve en sus versos son las dificultades y vicisitudes de las historias de amor, que hacen que todo termine, simplemente termine. Sencilla, pero de enorme pegada y de lo mejor que han hecho los Matchbox no solo en este disco, sino en su toda su trayectoria. Se sigue sin levantar el pie del acelerador, pues ahora se dispone el punto de partida del éxito global de la banda en forma de “Push”. Una canción que en su estribillo alcanza una buena intensidad, aunque en sus otras partes, sobre todo al comienzo, se presenta más suave. Un estribillo más fácil y ramplón que el de “Real world” o “3 a.m.”, pero en definitiva eso es lo que se buscaba, que una canción del grupo pudiera establecerse fácilmente en la memoria del público. Y funcionó. También se grabó su video, con un Rob Thomas muy entregado y dándolo todo en su interpretación, para acompasar correctamente a ese estribillo con ese medio tono heroico. Se termina en un in-crescendo que ayuda a darle a la canción un remate final muy bueno. No es de mis favoritas, quizás debido a que estuvo sobreexpuesta en aquellos días, pero no se da el caso de que la odie ni nada por el estilo; sería un actitud tonta por mi parte. De la entrega y quizás ese toque menos alegre de “Push”, con esa rabia que se intuye en el estribillo, se pasa al corte más alegre hasta el momento “Girl like that”. Se trata de un tema rítmico, melódico, luminoso y que ayuda a la diversidad de sonido del disco: hasta el momento 2 momentos emotivos (“Push” y “Real Word”), una balada (“3 a.m.”) y un tema rock “Long day”. Pues ahora lo dicho, un medio tiempo pop/rock llevadero para incluso animarnos a bailar. Después de “Girl like that”, es turno para una joya oculta, como suelo decir. “Back 2 good” alterna parte de fuerte carga emocional en su melodía y otra más acústica y relajada. Rob Thomas a ratos resulta desgarrador al micrófono, como sucede a los 3 minutos y medio de duración. Se trata de uno de esos momentos perdidos en el grueso de los discos, que si no escuchan en su totalidad, se perderán; y una y otra vez les digo lo mismo: sería una verdadera pena. Por ayudar a dar a conocer canciones tan buenas como ésta existe “Discos, música y reflexiones”, tanto en su versión escrita como radiofónica, aparte de por otros motivos, claro. Los matices sonoros, como algunas leves notas de teclado suaves, por mínimo y casi insignificantes que puedan parecer, suman de forma inestimable a la canción.Vuelta a la misma historia de siempre… ahora me pregunto si “Damn” es la canción menos acertada de la obra, o si influye mucho el hecho de situarse a continuación de la excelente “Back 2 good” y en definitiva del núcleo tan brutal de las 6 primeras canciones. No sé, les dejo a ustedes que decidan y paso a la siguiente. En todo caso, su estribillo siempre me ha resultado quizás algo plano. “Argue” se mueve dentro de los terrenos más rockeros, como hizo en su momento “Long day”. Mucha intensidad y guitarra para cargar de intensidad los siguientes minutos. Supone igualmente un repunte respecto a “Damn”. “Kody” retorna a la parte más sentida de la obra. Rob y la máquina de sonido de Matchbox 20 se pone muy sentimental en esta delicada pieza, que contrasta más si cabe tras la potente “Argue”. Podría tratarse de la 2ª parte de “3 a.m.”, subiendo un par de niveles en la escala melancólica sonora. Otra vez fuerte contraste con la sucia y acelerada “Busted”. No obstante, este tema me gusta. Un poco de suciedad y un rock con ciertas notas glam se agradece. Existen hasta efectos sonoros como de predicadores por ahí que le dan cierto exotismo al corte. “Shame” vuelve al lado acústico y sentido de Matchbox 20. Rob Thomas y sus compañeros demostraron saber moverse muy bien en este disco en los medios tiempos de sonido melancólico y junto a “Shame” ya hemos visto hasta ahora unos cuantos buenos ejemplos. De hecho, el fin de obra es otra genialidad del sector emotivo del grupo. “Hang” en efecto se trata del momento más “desenchufado” de la obra. Un bonito epílogo, que destaca por los acertados sostenidos vocales de Thomas en el estribillo cuando dice “y siempre decimos, estaría bien marcharse algún día, pero si no hay nada que haga que cambien las cosas, si a ti te da igual, yo esperaré”.

Dejando a nuestro país de lado, “Yourself Or Someone Like You” fue un gran éxito internacional para la banda. Un excelente comienzo, que precisamente por ser promocionado en esos momentos convulsos de cambio e incertidumbre, en los que todo el mundo parecía estar perdido en el panorama musical, sin saber a dónde agarrarse, ha quedado enterrado en el olvido. De verdad, ¿nunca se han planteado echar un ojo atrás y ver el ambiente tan raro musicalmente hablando de aquellos días? Recuperar esta obra, me ha hecho ver las cosas con perspectiva y así lo creo. Aquella época la viví con plenitud de razón y conocimiento, y esta sensación que me queda a día de hoy.

Matchbox 20 editó 2 discos más, hasta que tras su disco “More Than You Think You Are”, sin que mediase separación oficial, la actividad conjunta de la banda remitiera considerablemente. Desde entonces tuvo lugar la marcha de Adam Gaynor, Rob Thomas ha volado por libre con algún disco en solitario, con un estilo mucho más impersonal que el que profesa con Matchbox 20 y se han producido pocos lanzamientos del grupo, más allá de algún recopilatorio con algún tema inédito que pasó de puntillas sin hacer nada de ruido.

Rob Thomas incluso con sus declaraciones me dio a entender en más de una ocasión que Matchbox 20 ya formaba parte de la historia y que el grupo estaba disuelto. Esta impresión estriba en que Thomas ha dicho en ocasiones cosas como que en los tiempos del disco que hemos revisado, estaba tan hasta arriba de todo que no recuerda nada de entonces y otras frases que destilan un mal recuerdo por parte del cantante de su pasado con la banda.

Para contradecir estas sensaciones y con motivo de confirmar si había mediado separación oficial del grupo, he visto que la banda anda trabajando conjunta para editar un nuevo disco este año. Sorprendente. Confío en que su nuevo trabajo de estudio, el primero desde 2002 con aquel “More than you…” que nos regaló alguna bonita pieza como “Unwell”, esté al nivel de sus 3 discos anteriores de estudio.

“Yourself Or Someone Like You” es un gran disco de la segunda mitad de los 90. Injustamente olvidado por la memoria colectiva, proponemos desde aquí esta semana que lo rescaten y pasen estupendos minutos de la mano de canciones tan buenas como “3 a.m.” o “Back 2 good”. Este trabajo, al igual que dispuso del chocante clip de “Real world”, también tiene una portada algo inusual con la fotografía de un orondo personaje con gafas y gorro para la lluvia en blanco y negro y en primer plano.

Quizás Matchbox 20 se hubieran merecido una mayor atención. O quizás no. Ustedes tendrán su propio juicio al respecto. Yo soy de la primera opinión. Cuando surgieron me llamaron la atención y siempre que veía en el precedente de Cuatro Tv, el antiguo Canal+, en sus espacios de los 40 Principales, los clips de nuevos singles de la banda, siempre eran motivo de satisfacción para mi.

Este álbum les supondrá una variedad de estados de ánimo y facturas sonoras que para nada les hará la escucha pesada. Disco fácil de encontrar a precio amigo. En mi día yo me hice con él en el extinto y mítico “Madrid Rock” por creo recordar 1295 ptas. de la época (hace ya un tiempo que lo tengo en mi apreciada colección de cds). Creo que no les decepcionará si se da el caso de que no lo conozcan a fondo. También me atrevo a afirmar que para aquellos que como yo lo tenían aparcado hace ya un tiempo, les gustará rescatarlo y pasar 3 cuartos de hora en compañía de Rob Thomas y sus compañeros.
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sábado, 20 de febrero de 2010

1987 Suzanne Vega - Solitude Standing

He aquí una de mis cantautoras de lengua inglesa favoritas: Suzanne Vega. Podríamos caer erróneamente en la misma impresión que sucedía con Hall & Oates hace unas semanas, a la hora de pensar que nos encontremos ante un fenómeno “one-hit wonder”. Esa falsa impresión puede ir unida a su gran éxito “Luka”, que precisamente pertenece a la obra que hoy revisamos. No obstante, Suzanne Vega hasta la actualidad acumula una trayectoria de 25 años dentro de la música desde el lanzamiento de su 1er. lp allá por 1985.

En ese primer disco, que vino a titularse con el nombre de la cantante, ya se incluían clásicos del repertorio de la cantante. Principalmente el éxito o mejor dicho, el inicio de la atención prestada a Vega vino asociado a la estupenda canción “Marlene on the wall”. También hemos de mencionar que en este primer disco, se localizan otros temas muy apreciados por los seguidores de Suzanne como son “The queen and the soldier” y sobre todo “Small blue thing”, una de mis favoritas. También antes del 2º disco, Suzanne Vega se marcó un excelente single en la canción “Left of center” con la colaboración de Joe Jackson en los teclados.

Uno de los momentos de mayor gloria para Suzanne lo reportó la obra que hoy vamos a revisar. “Solitude Standing” fue su segundo lp, editado 2 años después de su debut en el mundo de la música. Cierto es que la pista más conocida con distancia del disco es la ya mencionada “Luka”. Aún así, soy de la opinión que afirma que en este álbum hay sitio para otras canciones muy meritorias y que en su conjunto es bastante acertado.

Se da el caso de que “Solitude Standing” comienza con un tema que un par de años después de la edición del disco, alcanzaría un notable triunfo internacional al ser remezclada junto a DNA, convirtiéndose en un medio tiempo entre el acid-jazz y música electrónica suave. Hablamos de “Tom’s diner”. El tarareo tan destacable, que viene a conformar la estructura más recordada de la canción es quizás junto a “Luka” la aportación que más destaca de Suzanne Vega a la memoria colectiva musical. Sin embargo ese tarareo pertenece a la masiva remezcla posterior en mayor medida, puesto que en esta ocasión solamente aparece al final de la canción en un “fade out”. Aquí Suzanne se defiende solita al micrófono. Un tema cantado “a capella” que te deja un poco de piedra para empezar el disco. Un riesgo acertado. Una canción que describe la realidad a través de la visión del protagonista de la misma desde su rincón en un bar o cafetería. Se trata de un tema tan válido que fue merecedora de la revisión mencionada poco tiempo después. El disco empieza fuerte, ya que en 2º lugar se presenta la gran “Luka”. Ya desde el inicio con esas inocentes notas de teclado y ese sonido tan claro y calido de la guitarra de guitarra, se atisba lo universal de sus señas de identidad de sonido. Una canción entrañable, que curiosamente, y en contraposición con su amable melodía, habla de una situación de maltrato infantil. La canción también fue grabada en español por Vega, e incluso en los conciertos a los que he acudido de ella en nuestro país, intercala alguna estrofa traducida. Un bonito corte que protagoniza el momento más memorable de la artista en su historia. Lo gracioso, en plan anecdótico, es que mucha gente llama a la canción “My name is Luka”, cuando en realidad es “Luka” a secas. “Ironbound/Fancy poultry” es una larga composición de más de 6 minutos que representa el sonido más habitual que Suzanne Vega suele difundir con su música. Suzanne se confirma como narradora de historias y descriptora de situaciones, no buscando necesariamente un estribillo pegadizo para todas sus canciones, y aquí he un ejemplo. “In the eye” es mucho más rítmica y movidita, en la cual Suzanne habla acerca del desafío que supone el gesto de fijar bien la mirada; esto se ve claramente en el inicio: “Si fueras a matarme ahora aquí mismo, te miraría fijamente a la cara y ardería en tu memoria tanto tiempo como vivieras…”, contundente, ¿no? Los efectos de percusión casi continuos, acompañando a la batería y la guitarra, conforman un tema más ligero que la quizás algo larga canción previa. “Night vision” retorna a un paisaje acústico y más pausado.Una bonita canción, bastante elegante debido a ciertos matices sonoros, que contrasta con la potente canción título que se sitúa en mitad de la obra y que viene a continuación. La guitarra eléctrica aporta algunos acordes que le confieren a la pista una belleza muy particular, todo ello apoyado en una línea rítmica muy contundente debido al papel otorgado a la batería por la producción que hace que ésta suene rotunda. “Calypso” es la otra canción de la obra que empieza con la frase “mi nombre es…” aparte de Luka. También ciertas notas de teclado son destacables en lo instrumental a mitad de la canción. A estas alturas me doy cuenta de la buena producción que tiene el disco, al notar lo bien y claros que suenan cada uno de los instrumentos. “Language” vuelve al sonido más acústico que Suzanne aporta en este disco, con la ayuda de una serie de notas leves de teclado. “Gypsy” es una de las canciones más adoradas por los seguidores de esta cantante. Cierto es que cada vez que aparece en sus shows es una delicia escuchar un tema tan delicado y lleno de sentimiento. Se ve que las canciones comúnmente así tituladas, como por ejemplo la que también firmaron los Fleetwood Mac, tienen asegurado el sonar de forma muy especial y cercana. “Wooden horse (Caspar Hauser’s Song)” se mueve en unos sonidos más oscuros, entre los que destaca de nuevo la percusión protagonista del corte. Para finalizar “Tom’s diner” en formato “reprise”, a modo de epílogo, con la música que antes no tenía, y en esta ocasión sin voz.

Para el gran público “Solitude Standing” y Suzanne Vega en global es “Luka”. Qué pena que se piense eso. El disco es muy agradable de escuchar. Casi diría que en cualquier lugar o momento es válido: para ir a trabajar, para dar un paseo en sus ratos libres, para escuchar en la tranquilidad de su casa, para un viaje en coche… No sé, para lo que deseen. Seguro que tras escucharlo varias veces, quizás Luka sea la que menos gracia les empiece a hacer frente a otras opciones como “Gypsy” o la canción título por ejemplo. La portada supone igualmente quizás la foto en la que Suzanne me parece que está más favorecida de todas las de su discografía. Esa sonrisa y el toque elegante de las manos enfundadas en unos guantes negros quedan bastante bien como presentación de la obra.

Suzanne Vega se ganó un hueco en la historia de la música gracias a este disco y le permitió vivir momentos de bastante éxito en los primeros noventa y finales de los 80, asociados principalmente al famoso remix de “Tom’s diner” por DNA. En esos días llegaría “Days Of Open Hands”, que quizás no se trate de la mejor obra de Suzanne y posteriormente trabajos más arriesgados a ratos y más interesantes como “99.9 Fº”.

En todo caso, Suzanne Vega sigue en activo y hace unos años editó un tremendo disco titulado “Beauty And Crime”, el cual puede ser su mejor trabajo en global. Quizás mejor que el que les haya descrito hoy. Digamos que el tiempo lo pondrá en su lugar, pero en estos momentos me da esta impresión.A Suzanne he tenido la suerte de verla en directo en 2 ocasiones. La primera vez fue en un concierto en la sala Arena en verano de 2002. Fue un concierto muy completo, en el que Suzanne no olvidó ninguno de sus grandes éxitos, a la par que presentó parte de las canciones del que por entonces era su último trabajo “Songs In Red And Grey”, entre las que estuvo la ya casi clásica “Solitaire”. Aquel día conseguí llevarme el folio con el track-list que tenía Suzanne a sus pies y hasta la botellita de agua de la que bebió (¡toma detalle friki!). He estado rebuscando el set list para hacerle una foto y dejárselo ahí, pero no lo he encontrado; juraba que sabía donde lo tenía, pero no (curiosamente en la búsqueda he dado con otros que conservo como el de Echo & The Bunnymen de noviembre de 2005 en la misma sala y el de David Byrne el 2 de abril de 2004 en la extinta sala Aqualung). Sí que les dejo una foto de la entrada de aquel concierto, la cual orgullosamente conservo, al inicio de este párrafo.La 2ª vez fue en otro marco bien distinto. A las 18h un sábado de comienzos de julio de 2008, con un sol de justicia en el páramo en mitad de la nada en el que se construyó la Ciudad Del Rock para el festival “Rock In Rio”. Si quieren saber más sobre aquel día, vayan a la sección “conciertos” y podrán informarse más a fondo; no tengo intención hoy de repetirme. Sí que les dejo flanqueando este párrafo sendas fotos de aquel día, puesto que por aquellos comienzos del blog todavía no subía fotografías en los artículos.Sin más, espero que la propuesta de hoy les guste. Termino confirmándoles que ya tienen disponible el programa nº 9 de nuestra 1ª temporada en RUAH en el reproductor del margen izquierdo como “DMR 1-9”. Versa sobre Talk Talk y el disco “It’s My Life”. Igualmente, esta tarde tienen la oportunidad de escucharlo nuevamente en antena a las 19.00h como todos los sábados. El programa nº 7 no se emitió en RUAH debido a un error en la grabación del programa en su archivo. En las próximas semanas se volverá a emitir. La próxima semana más, y espero que mejor… (ya me comentarán ustedes)
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sábado, 13 de febrero de 2010

2009 Second - Fracciones De Un Segundo

Costó, pero ya tienen disponible el archivo del programa nº 7 de nuestra 1ª temporada en RUAH desde el pasado miércoles. El correspondiente a este miércoles ya lo conocerán la mayoría de ustedes; fue el 3er. y último programa piloto que grabamos sobre Falco y su disco “Falco 3” de 1985. Como el ensayo nos quedó bastante bien, hemos decidido emitirlo también en abierto en RUAH, para que la gente lo pueda disfrutar en la radio.

No obstante, recordarán que dicho programa figura en ivoox con el mismo nombre que nuestro blog, ya que fue una primicia y un detalle que quise tener con los seguidores del blog al subirlo y compartirlo primeramente aquí. Eso sí, si quieren volver a escucharlo tendrán que ir a nuestro perfil en la página de ivoox (perfil de Abacab), puesto que el reproductor anexo al blog solo recoge los 5 últimos programas, los subidos más recientemente; tampoco es plan de volver a subirlo renombrado, con el trabajo que lleva. Pero bueno, esta tarde a las 19.00h lo pueden escuchar en http://www.ruah.es/, que en realidad sería lo suyo.

Algo en lo que no nos prodigamos mucho (por no decir nada) en “Discos, música y reflexiones”, es en promocionar a gente nueva. Muchos dirán o pensarán que este blog es un anacronismo activo, con tanto sacar a flote discos de décadas anteriores, en especial de los años 80. Y encima no bastándonos con esto, de los grupos que recuperamos, además me da por escoger las obras que menos han gustado a lo largo de su trayectoria, pero que por alguna extraña razón a mi me gustan.

Sería bueno que fuera éste un sitio “gurú” al estilo de lo que hacían en sus días Jesús Ordovás y otros tantos genios radiofónicos desde sus programas, promocionando a nuevas bandas y dando a conocer a gente que está en la trastienda musical. Seguro que tendríamos más adeptos, que con el ejercicio de nostalgia que hacemos semana tras semana como tónica habitual. ¿Qué quieren que les diga? Es mi gusto y así está pensado este blog: para recuperar discos que están en el olvido por el motivo que sea y que, o bien se merecen otra oportunidad, o simplemente para que se pongan de actualidad a sus niveles personales e individuales.

Sin embargo, a toda excepción hay una regla. Hoy sí que buscamos dar promoción a una banda que creo que se lo merece. Hablaremos del grupo español Second. Tampoco hay que llevarse a engaños, puesto que no es un grupo que haya surgido ahora, sino que llevan más de una década en marcha. No obstante, sí que es cierto que debido a su última obra “Fracciones De Un Segundo”, han conseguido abrirse definitivamente un hueco en la primera línea de la música española, el cual están intentando que cada vez sea más grande.

La percepción de que podríamos encontrarnos ante un grupo nuevo no estriba únicamente en que sus componentes no se conserven mal del todo y aparenten menos años que los que tienen en realidad, sino que la cadena “40 Principales” les nominó recientemente a sus premios como mejor grupo nuevo de 2009. Lo que sucede es que “Fracciones De Un Segundo” de 2009 es su 4º trabajo de estudio.

Se preguntarán cómo llegue a conocer a esta banda. O no. Les guste o no, es preciso que se lo comente para que entiendan qué es lo que me motivó a conocer a este grupo más a fondo. Fue allá por el puente de mayo de 2009 cuando estando en casa de mi novia, me dio por sintonizar a eso de casi la 1 de la madrugada Radio 3 en la tdt. Resulta que esta buena emisora estaba con la retransmisión en directo del Festival Estrella Levante 4.8 S.O.S.. Keane acababan de terminar su actuación y en ese momento tocaba un grupo, que a pesar de cantar en inglés, por lo visto eran españoles según lo que decían las comentaristas.

El caso es que me quedé escuchando parte del concierto, resultando muy satisfecho con ese estilo con influencias de Simple Minds o U2 que se intuían en las notas de dicha banda. La intensidad de la música, la fuerza que se desprendía a través de los altavoces del televisor y la potente voz del cantante, me llamaron especialmente la atención. A la larga he sabido que una de las canciones que más me gustó fue una titulada “Living in London”.

Sucedió que al día siguiente (como suele ser habitual), no recordaba el nombre del grupo y cuando me puse a buscar el cartel del festival por internet y metiendo en google criterios de búsqueda como “grupo siguiente a Keane 4.8” o algo así, el nombre de Second no era lo que recordaba haber escuchado en la voz de la gente de Radio 3, que comentaban el concierto entre canción y canción. Sería hace cosa de un mes cuando viendo la cadena 40 Latino, tuve ocasión de ver el clip de la canción “Rincón exquisito”. Ahí es cuando confirmé que Second era la banda que me había dejado aquella noche de mayo perdida en el olvido. Igualmente, escuchar esta tremenda canción hizo que se me despertara ya definitivamente el interés por Second y me hice con su última obra, que será la que protagonice el análisis/homenaje esta semana.

Aquí tampoco puedo ir de erudito, como puede parecer en otras semanas y revisiones, en las que soy un moderado entendido de la banda que nos ocupe. El caso es que previamente a “Fracciones De Un Segundo”, he podido descubrir que Second tiene 3 obras anteriores, y que incluso llegaron a ganar un concurso internacional en Londres en el año 2004. Como curiosidad también hay que destacar que el grupo ha compuesto el himno del centenario del equipo de fútbol de su ciudad, el Real Murcia. La banda se compone de 5 señores, de aspecto indie, en lo que se refiere por lo menos al peinado que llevan. Destaca sobre ellos el vocalista y glamouroso (en su punto justo) José Ángel Frutos. Está acompañado por Jorge Guirao como guitarrista, Javi Vox como teclista y guitarra, Nando Robles al bajo y Fran Guirao en la batería.

Esta bitácora no es un “copy-paste” de wikipedia ni de otras páginas, sino que si hablo de antecedentes es porque sé de la banda, cantante o grupo hace tiempo; para más información previa de Second, pueden buscar otros lugares tan apañados como su blog en la página web de los 40 Principales o en su misma web oficial. Todavía no me ha sido posible escuchar ninguno de los 3 trabajos anteriores de la banda al completo, más allá de tantear ciertas canciones sueltas por youtube de clips de la banda o de actuaciones en directo. Muy a grandes trazos, destaca principalmente la composición de las letras en inglés y el toque más oscuro y rockero que tenían antes sus composiciones. Con ello, pasemos al análisis de qué es lo que contiene “Fracciones De Un Segundo”.

La apertura de la obra es una gloria de canción. De las mejores cosas editadas en 2009 en España de largo. “Rincón exquisito”, es una canción cargada de nostalgia en su letra y de un sonido que a partes iguales regala intensidad y melancolía. Dispone igualmente de un clip promocional estupendo, en el que José Ángel Frutos descarga con fuerza toda esa actitud glamourosa a la que he hecho referencia líneas atrás, tanto en su gesto en la cara, como en sus poses. En la historia que acompaña a la música y letra, se ve al cantante del grupo desafiando al resto de sus compañeros arrojándoles cava con una botella, en el interior de una especie de cabaret, sobre todo por el atuendo de las féminas que forman parte del reparto del video (a cual más bella, por cierto). El estribillo, con esas frases tan bien construidas “desde aquella habitación, desde aquel rincón tan exquisito, lanzamos un mensaje para todo el universo. A través de aquel calor, yo me transmito al exterior, por tus gestos en tu arte, por los nuestros en tu forma de entenderlo…” se repite una y otra vez en tu mente, una vez que has dado 2 pasadas al tema. Brutal acierto en todos los campos: musical y visual. Tras este genial inicio, que además ha sido el último single del disco, se pasa precisamente al primer sencillo extraído: “Palabras”. Canción de pop-rock acelerado, que sin embargo comienza de una forma más bien acústica y va ganando intensidad, y con una tremenda luminosidad que contrasta con el mayor oscurantismo y melancolía que aportaba “Rincón exquisito”. Nuevamente mucha energía, sobre todo en la parte inicial del estribillo con ese “si tú no estás conmigo, las palabras…”. El video grabado también es destacable, sobre todo para el sector femenino, con ese torso desnudo a cargo de Frutos. Tras los 2 buques insignias del disco, se da paso a “Rodamos”, que a su vez da nombre a la actual gira de presentación de la obra que está realizando la banda. Una vuelta de tuerca más en el nivel de arrojo y fuerza, aplicando ahora más bien un enfoque más rockero que el pop que se apreciaba en la anterior “Palabras”. Destacan principalmente los riffs de guitarra superpuestos. “Conocerte” nos presenta una canción distinta en el sonido a lo que nos hemos encontrado hasta ahora. Un pequeño descanso, aportando una cierta calma a la intensidad en distintos registros que nos ha mostrado el disco en sus 3 primeras pistas. “Conocerte” es quizás el momento de mayor lucimiento vocal para José Ángel Frutos en lo que va de disco; en este corte se nota que el cantante se gusta (sobre todo por esas repeticiones de sonidos al final de las palabras en el estribillo) y nos hace partícipe de dicho gusto. La letra también muestra momentos bastante acertados como al final del estribillo: “…quiero escucharte y desnudarte desde el comienzo cuando no podía verte”. El final con esas notas de armónica, le dan un remate bastante acertado a esta canción, que gana enteros a medida que se le van dando más y más escuchas al disco. “Nuevos secretos” es en parte una vuelta a las formas mostradas en “Rincón exquisito”, en lo referido a la melancolía suave y serena que desprende la canción tanto en su música, como en la acertada interpretación de Frutos nuevamente al micrófono. Una preciosidad de canción que nos puede recordar a alguna pieza perdida del primer disco de Coldplay “Parachutes”, pero con la penetrante voz de José Ángel Frutos, en lugar del timbre agudo de Chris Martin. El momento de mayor vitalismo de la obra viene ahora y desde su inicio ya se muestra así. La marcha es tal, que hasta la voz de Frutos sube algún que otro registro, alejándose en parte de sus momentos más graves. “Todas las cosas”, es llevadera, pegadiza y con un estribillo de fuerte gancho. Es quizás el ejemplo de canción que te viene a la mente sin saber muy bien a qué en algún momento perdido del día. Los coros aquí tienen un papel importante y acertado a la hora de conferir ritmo a la canción. Momento perfecto para los bises de los conciertos del grupo, o eso me parece a mí al menos.“En el viaje” es de las canciones con un enfoque más romántico del disco, debido principalmente a la letra que versa sobre el amor, y el papel que juega la casualidad y el destino en el mismo. Adecuado cambiar de registro y colocar este momento más íntimo (en lo lírico, puesto que tampoco es que se trate de un tema acústico) tras la alegría desbordada desprendida por “Todas las cosas”. “Dicen” se muestra contundente desde el principio con esa línea de guitarra tan marcada y esos momentos reservados para la potente base rítmica. Personalmente me recuerda mucho a “Rodamos”, aportando uno de los momentos más rabiosos de la obra. “Para bien o para mal” tiene una estructura particular a base de arranques y frenazos en el ritmo. Aquí los teclados, son lo más reseñable en lo instrumental, haciendo que el corte se mueva en la sección melancólica de la obra. Se prosigue ahora con “A las 10”, que tiene una melodía muy acertada y con gancho en la parte de su estribillo. Esta canción en su estilo, y salvado diferencias, me recuerda en parte a los Strokes de comienzos de década. Otra buena canción, de momento no he notado ningún tema malo; será señal de que “Fracciones De Un Segundo” es bastante decente. “Más suerte” es el tema más calmado de la obra que nos encontramos hasta el momento y nuevamente con una envoltura musical sensible, que busca crear el correcto acompañamiento a la voz de Frutos, que es lo más destacable de la canción, a excepción de la parte final instrumental con esas notas de teclado entrecruzadas con las del piano, que le da contra todo pronóstico un final muy solemne a este tema. “Como sería” repite en el territorio sentimental de la obra, conformando una emocionante forma de cerrar “Fracciones De Un Segundo” junto a “Más suerte”. Aquí se vuelve a poner de manifiesto la fuerza vocal de Frutos, cosa que nos ha ido demostrando a lo largo de toda la obra. Una forma muy, pero que muy melancólica de terminar el disco, sobre todo por esa frase “… la luz que nos abriga y nos protege se apagara…”. ¿Qué decirles? Magistral, sin más.

Habrán sacado en conclusión que “Fracciones De Un Segundo” muestra una dicotomía casi perfecta entre intensidad y melancolía. Ritmo y emoción. La banda consigue un equilibrio razonable entre canciones de alto movimiento y otras más sentimentales y relajadas. No encuentro ninguna canción de la que tenga que avergonzarse la banda. Toda la obra suena muy cohesionada y eso no es fácil en un disco que supere las 10 canciones de listado.

Esta obra es actualidad y de hecho Second están en plena gira de promoción de “Fracciones De Un Segundo”. De momento este trabajo ha conseguido que a Second se les empiece a conocer más allá del mundillo indie, y quién sabe si conseguirán dar el salto al nivel de grupos como Los Planetas y ocupar el puesto que nos dejaron 5 inestimables chavales de Vigo que se llamaban Los Piratas. Confío en que el salto a que Second tenga espacio musical en los 40 principales y cosas por el estilo, no afecte a su estilo contagiándolo o intoxicándolo de elementos comerciales ramplones.

La obra presentada hoy es muy buena. No obstante, si hay que destacarles algunas canciones para que vayan poco a poco, les diré que cojan por banda “Rincón exquisito” y “Todas las cosas”. Son perfecto ejemplo de los 2 estados principales que Second consiguen transmitir de forma muy solvente con su música.

En la portada del disco, hay lugar para una foto de todos los componentes, pero destacando principalmente a José Ángel Frutos, con un mayor protagonismo. El grupo, tras tantos años juntos, parece estar muy unido, pero no sé yo si el mayor protagonismo que se le concede a Frutos, puede levantar la envidia de alguno de los otros 4 componentes de la banda. Como aficionados a la música y si la banda quiere crecer, han de saber que tener un “front-man” destacable como vocalista es un arma muy importante para hacerse valer. No obstante, si se llega alto, que estén tranquilos, ya que de las grandes bandas se acaba conociendo también al resto. El caso es que Frutos tiene la actitud y la presencia necesaria para jugar con ese papel. De hecho, creo que personaje con ese deje de glamour en el panorama musical actual no hay, con lo que hay un hueco libre a la medida.

En resumidas cuentas, Second es una banda a tener muy en cuenta. “Fracciones De Un Segundo” es un excelente disco, y por ello Second vive ahora una segunda juventud, dando la impresión de que comiencen ahora su andadura, cuando llevan tanto tiempo currándoselo a base de bien, según he podido leer en sus blogs personales y página web. En estos últimos meses es cuando el grupo más está creciendo, mereciendo incluso salir en las noticias con motivo de la grabación del clip de “Rodamos”, que obligó a cortar alguna que otra calle de Murcia y que por una iniciativa a través de internet, congregó a unas 2000 personas.

Confío en que se animen a darles una oportunidad y que en esta primavera que están de gira por casi toda España, se animen a pasarse a ver uno de sus conciertos, cuyas entradas no llegan a los 15 euros. Creo que es una buena inversión, y si no, vuelvan a leer los párrafos de la introducción, en los que les he comentado cómo conocí a la banda. Para los residentes en Madrid apúntense una fecha y un lugar: 22 de abril en la sala Joy Eslava. Creo que pasarán un buen rato si se animan. Second, apropiándome de parte de la letra de “Rincón exquisito”, está lanzando su mensaje para todo el universo, y dicho mensaje merece mucho la pena.
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sábado, 6 de febrero de 2010

1984 Loquillo Y Trogloditas - ¿Dónde Estabas Tú En El 77?

2 consideraciones previas antes de nada. La 1ª es que, como comprobarían, el podcast del 6º programa de nuestra 1ª temporada en Radio Universitaria de Alcalá de Henares, no se subió hasta el pasado martes. El motivo es muy sencillo: la dificultad y los numerosos problemas del servidor/portal ivoox que utilizo. Desde el jueves estuve realizando intentos fracasados, no se crean. Con esto decirles que siempre intentaré que el jueves estén subidos los programas de la noche del miércoles. Reitero, he dicho INTENTARÉ; el resto depende de cómo funcione el portal ivoox.

La 2ª, y estrechamente relacionada con la radio, es que debido a fallos del servidor interno de la RUAH, el miércoles no sonó nuestro programa, sino que funcionó la radio-fórmula “Electropolis” de la emisora. Si lo desean pueden escucharlo esta tarde a las 19h en http://www.ruah.es/. El miércoles hubo varios amagos, pero a los 10 segundos de sintonía se caía la emisión de nuestro audio. A partir de mañana intentaré subir el programa. El momento en el que esté disponible es una incógnita.

¡Ah! Y 3ª, se me olvidaba. Muy importante además. Nuestra “amada” presidenta de la Comunidad de Madrid y su “eficaz” y “loable” equipo de gobierno, han decidido suprimir la subvención de los CAPI (Centros de Acceso Público a Internet). ¿En qué nos afecta esto? Muy sencillo: aunque dispongo de wifi gratis (que no pirateado, ¡ojo!, que simplemente me conecto a una red sin clave, no soy hacker ni nada por el estilo) en casa, como a veces la señal es baja y no funciona bien, para garantizar el horario aproximado y día de publicación, iba a dicho centro de Torrejón de Ardoz para cumplir con nuestra cita semanal. Como ahora dicho centro permanecerá cerrado los fines de semana (al menos el Ayuntamiento de Torrejón de Ardoz, bajo su subvención, ha asumido mantenerlo de lunes a viernes, lo cual es digno de mención), no hay tampoco garantía de que pueda publicar a la hora habitual. Intentaré que sea así, o al menos a lo largo del sábado. No obstante, si alguna semana no ven novedad, no piensen en nada malo, solamente en las nuevas circunstancias que nos atañen.

Suficientes consideraciones previas y explicaciones; pasemos a la música. Hoy es un auténtico placer rendir tributo a uno de los personajes más importantes del rock de nuestro país, por no decir que este hombre represente la imagen del rock más clásico y leal de nuestra patria. Pasa esta semana por “Discos, música y reflexiones” José Mª Sanz Beltrán, más conocido como Loquillo.

Un auténtico símbolo, con esa contundente presencia (casi 2 metros de estatura), con una tremenda corpulencia y con esa cara afilada, coronada por su inconfundible tupé. Recientemente Loquillo ha celebrado sus 30 años en la música, con el lanzamiento de una caja recopilatorio con 5 cds, dvds con sus videos etc. En ese tiempo a Loquillo le ha dado tiempo de hacer muchas y variadas cosas. Le hemos visto comandar primeramente a Los Intocables, en aquellos discos tan acelerados y de rock tan juvenil, liderar a sus compañeros por antonomasia, Los Trogloditas, y también caminar en solitario para incluso moverse en terrenos cercanos al jazz en obras como “Nueve Tragos”.

Quizás haya escogido una de sus obras menos conocidas, aunque creo que de título más acertado, pero que es clave al suponer la barrera entre ser un grupo más a convertirse en una superbanda y leyenda del rock. Me ha dado, como sacarán en conclusión, por seleccionar un disco grabado junto a Los Trogloditas. He tenido mis dudas razonables entre “¿Dónde Estabas Tú En El 77?” y “Cuero Español”; discos radicalmente diferentes en tanto a época y las sensaciones que desprende cada uno. Igualmente los 2 unas joyas sonoras.

“El Ritmo Del Garaje” como “re-debut” de Loquillo ya al frente de Los Trogloditas, tras el parón que sufrió por la prestación del por entonces obligatorio servicio militar, ya supuso un éxito notable a Loquillo. De hecho en la canción título participó de forma inestimable Alaska, tan de moda en aquellos días. Esa obra igualmente incluía clásicos de Loco como “Cadillac solitario” (que tanta repercusión alcanzó en los días de “A Por Ellos... Que Son Pocos Y Cobardes”) y “Quiero un camión”.

Loquillo en aquellos días ya era un personaje que empezaba a tener su carisma y a ser bastante conocido a nivel nacional. Sus apariciones en el programa “La Edad De Oro”, a veces como invitado y actuando, y otras como público que acudía a ver las actuaciones, al que Paloma Chamorro preguntaba por lo que estaba viendo, ayudaron inestimablemente a esa percepción. Junto a Loquillo y Sabino Méndez, el cual esperó a Loquillo durante su servicio militar, en aquellos tiempos estaban en la banda Ricard Puigdomenech como guitarra, Josep Simón como bajista y Jordi Vila a la batería, terminando de conformar a los genuinos y originales Trogloditas.

“¿Dónde Estabas Tú En El 77?”, a pesar de ser un mini lp, puesto que tan solo incluía 5 canciones, tiene su importancia en el aspecto de situarse previo a “La Mafia Del Baile” y “Mis Problemas Con Las Mujeres”, que serían el despegue definitivo de la formación. Igualmente había lugar para muy buenas canciones y algún clásico, con uno de esos títulos tan largos y particulares de los primeros días de Loquillo, al uso de “Me convertí en hombre-lobo por culpa de Los Rebeldes” o “Chanel, cocaína y Don Perignon”, que era “Enamorado de la dependienta de la tienda de patatas fritas”.

Se puede decir que esta obra sea de lo más contundente editado por Loquillo Y Trogloditas, junto a aquel “Tiempos Asesinos”, que el propio Loquillo recientemente ha calificado de disco erróneo. No sé, a mi no me disgusta tanto ese trabajo de 1996, pero supongo que Loquillo tendrá sus razones para afirmar eso. Posiblemente le tenga aprecio a esta obra porque fue la 1ª que seguí la promoción en vivo, teniendo incluso el clip de “Treinta y tantos” grabado de un programa de La2 de la época.

El inicio de la mano de “Las calles de Madrid” describe el nuevo ambiente en el que Loquillo comenzaba a moverse tras cambiar su Barcelona natal y moderna de finales de 70 por el Madrid en efervescencia que había en aquellos días. Un tema que no debería faltar en cualquier recopilatorio musical del Madrid de comienzos de los 80, en tanto a temas que describan correctamente la realidad de aquellos días. Se aprecian referencias claras, como por ejemplo cuando se cita a Pepe Risi de Burning (personaje igualmente mítico del rock nacional, al que Loquillo siempre profesó admiración), diciendo: “Pepe Risi... él mató al silencio en las calles de Madrid”. También se hace alguna mención al pintor Ceesepe, otro personaje mítico de los tiempos de la Movida. Sonoramente esta canción demuestra que la máquina sonora que conformaban los Trogloditas estaba en perfecto funcionamiento. El ritmo y melodía creados por la totalidad de los componentes e instrumentos es de las más acertadas de esos días de la banda. Con perspectiva reciente se revisaban los tiempos en los que comenzaba la transición. Un alegato existencialista visto en el título del trabajo y en la canción que compacta el título en “77”. Me llaman especialmente la atención en esta canción los coros que en el estribillo proclaman el título completo de la obra. Loquillo en este disco todavía estaba evolucionando vocalmente y aún se notaba su voz algo joven. Sería en los próximos años cuando alcanzaría ese tono más grave y solemne que ahora gasta. “77” es otro tema acelerado y paradigma del rock and roll más potente de la formación. Instrumentalmente destaca bastante la línea de bajo a cargo de Simón Ramirez. El clásico del repertorio de la banda de este álbum se sitúa justo a la mitad. “Enamorado de la dependienta de la tienda de patatas fritas” es un ejemplo del rockabilly tan animado y marchoso que Loquillo tan bien firmaba en aquellos días. El tema más alegre y desenfadado de esta obra. Ya existían antecedentes como “No bailes rock and roll en El Corte Inglés”, y aquí nuevamente de forma vertiginosa, se nos presenta una canción que destila una fuerza juvenil extraordinaria. El estribillo con ese repetido “debe de ser el amor...” es pegadizo a más no poder.“Canción de amor” es efectivamente una canción muy particular e irónica de amor, efectivamente. Amor a lo bestia lo que describió Sabino en la letra y que Loquillo canta con arrojo y una actitud rock brutal. El trabajo de las guitarras nuevamente extraordinario; ¡hay que ver lo inspirados que estaban Sabino Méndez y Ricard Puigdomenech en aquellos días en las cuerdas eléctricas! He de decir que la canción más sorprendente es la que cierra este pequeño lp de 5 temas, “Avenida de la luz”. Cuando la escuché por 1ª vez quedé impresionado por su fuerza, por su carácter oscuro y por su perfecta conjunción de rock y punk. El clip promocional muestra a un Loquillo completamente entregado en una interpretación vocal desgarradora, con frases igualmente impactantes: “Avenida de la luz, ¡el desierto empieza aquí!”. También es otro tema que destaca por su larga duración, más de 5 minutos, y porque igualmente en algunos fragmentos alcanza un sonido menos áspero y oscuro en su melodía.

Este mini-lp de Loquillo Y Trogloditas es bastante difícil de conseguir en la actualidad. Yo tuve la suerte de hacerme con él como anexo a una edición especial de “El Ritmo Del Garaje”. La portada es igual de contundente que la música que contiene, con esa fotografía de Loquillo con esa expresión tan particular en su rostro. Es en definitiva uno de los discos más potentes que firmó Loquillo en su historia. También hay que decir que “Enamorado de la dependienta de la tienda de patatas fritas” supuso un éxito individual razonable para la formación, al convertirse en otro tema de dominio público al sonar con razonable frecuencia en las emisoras.

“¿Dónde Estabas Tú En El 77?” fue allanando el camino del ascenso a la cúspide del rock nacional de Loquillo Y Los Trogloditas. El siguiente paso fue la extensa obra “La Mafia Del Baile”, que nos mostraba una mayor variedad de ritmos y estilos. Curiosamente y a pesar de que Sabino llevaba el peso compositivo de la mayor parte de los álbumes de esos tiempos, aquí el bueno de Loco y Ricard se marcaron un tanto particular al firmar la estupenda “Chanel, cocaína y Don Perignon”; siempre me llamó la atención dicho título y personalmente me encanta.

Luego vendría “Mis Problemas Con Las Mujeres”, en el que la diversidad de estilos se hizo más que patente al incluir obras tan finas y elegantes como “El fantasma de Elvis”, algunos temas con un fuerte sonido jazz, como era la canción que le daba título, pero sin dejar de lado el rock and roll más duro y potente, que se materializó en momentos sublimes como la brutal (en todos los aspectos) “La mataré”.

El estallido definitivo vino de la mano de “A Por Ellos… Que Son Pocos Y Cobardes”, que fue el disco en directo derivado de la gira del disco de estudio “Morir En Primavera”. El mismo Loquillo lo ha reconocido y no es difícil de imaginárselo, pero el hecho fue que cuando más arriba estaba la banda, en mayores problemas se encontraban inmersos. Sabino tuvo que dejar el grupo por sus problemas de adicción y la cosa empezó a torcerse lentamente, de tal forma que Loquillo en los 90 comenzaría a volar en solitario con mucha frecuencia, reconociendo actualmente que en muchos momentos llegó a estar muy quemado con los Troglos.

En todo caso, no continuemos avanzando en los 30 años de Loquillo. Hoy toca abordar los pasos suyos en los 80, y creo que con lo que hemos contado ya está bien. Digo esto porque con Loquillo ya iremos saldando cuentas pendientes en futuras apariciones por el blog.

En lo personal con Loquillo una única curiosidad: tuve la suerte de conocerle en persona tras el concierto de Morrissey en el Saturday Night Fiber de 2008 en el Parque Juan Carlos I de Madrid. Loquillo marchaba hacia la salida del recinto en solitario y pensativo, con su traje negro y sus gafas de sol. Me acerqué a saludarle (a pesar de los temores de un amigo mío) y a intentar hacerme una foto con él con mi móvil (sin flash). Les dejo la imagen que nos sacamos, que practicamente no se ve un pimiento (en el parque de las inmediaciones del auditorio no había prácticamente luz), y aunque no se lo crean, el de la derecha es el Loco.Poco más pude hablar con él, aparte de reconocerle mi admiración hacia su trayectoria y preguntarle qué le había parecido el concierto de Mozzer. También en lo cercano a mi persona, decir que jamás me perdonaré no haber acudido a un concierto que Loquillo Y Trogloditas ofrecieron en mi ciudad Torrejón de Ardoz con motivo de la Semana de la Juventud, allá por la primera mitad del 2000. No recuerdo cuál fue el motivo por el que no acudí, pues lo tenía muy en mente.

Termino por esta semana, sencillamente afirmando una cosa que es evidente: Loquillo Y Trogloditas quizás hayan sido la banda de rock and roll más genuina, pura y buena que ha habido en la historia del rock español. Loquillo en sí es un símbolo, un icono; su presencia, su tupé y su actitud, sobre todo esa actitud, es inimitable. ¿30 años en la música? Queremos verte otros 30 más, rock and roll star.
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